Williama Hogartha

Dla biskupa rzymskokatolickiego, patrz William Hogarth (biskup) . Dla płetwonurka Williama Hogartha Main, zobacz Bill Main .

Williama Hogartha

FRSA
The Painter and His Pug by William Hogarth.jpg
William Hogarth, Malarz i jego mops , 1745. Autoportret ze swoim mopsem Trumpem w Tate Britain w Londynie.
Urodzić się ( 10.11.1697 ) 10 listopada 1697
Londyn, Anglia
Zmarł 26 października 1764 (26.10.1764) (w wieku 66)
Londyn, Anglia
Miejsce odpoczynku Cmentarz św. Mikołaja , Church Street, Chiswick , Londyn
Znany z Malarz , rytownik , satyryk
Współmałżonek Jane Thornhill
Patron(y) Maria Edwards (1705-1743)

William Hogarth FRSA ( / 1697 h oʊ ɡ ɑːr θ / ; 10 listopada - 26 października 1764) był angielskim malarzem, rytownikiem , satyrykiem obrazowym , krytykiem społecznym , rysownikiem redakcyjnym i okazjonalnym pisarzem o sztuce. Jego prace obejmują zarówno realistyczne portrety, jak i komiksowe serie obrazów zwane „nowoczesnymi tematami moralnymi”. Prawdopodobnie najbardziej znany jest z serii A Harlot's Progress , A Rake's Progress and Marriage A-la-Mode . Znajomość jego twórczości jest tak wszechobecna, że ​​​​satyryczne ilustracje polityczne w tym stylu są często określane jako „Hogarthian”.

Hogarth urodził się w Londynie w rodzinie z niższej klasy średniej. W młodości podjął terminowanie u grawera , jednak nie ukończył go. Jego ojciec przeżywał okresy mieszanej fortuny i był kiedyś więziony zamiast zaległych długów, co, jak się uważa, wpłynęło na obrazy i grafiki Williama z twardą krawędzią.

Dzieła Hogartha, inspirowane malarstwem i rytownictwem francuskim i włoskim, to głównie karykatury satyryczne, czasem sprośnie seksualne, głównie pierwszorzędne realistyczne portrety. Stały się bardzo popularne i produkowane masowo dzięki drukom za jego życia, a on był zdecydowanie najbardziej znaczącym angielskim artystą swojego pokolenia. Charles Lamb uznał obrazy Hogartha za książki wypełnione „pełnym, owocnym, sugestywnym znaczeniem słów. Oglądamy inne obrazy; czytamy jego obrazy”.

Wczesne życie

William Hogarth autorstwa Roubiliaca , 1741, National Portrait Gallery, Londyn

William Hogarth urodził się w Bartholomew Close w Londynie jako syn Richarda Hogartha, biednego nauczyciela łaciny i autora podręczników, oraz Anne Gibbons. W młodości był uczniem grawera Ellisa Gamble'a w Leicester Fields , gdzie nauczył się grawerować karty handlowe i podobne produkty.

Młody Hogarth żywo interesował się także życiem ulicznym metropolii i londyńskimi jarmarkami i bawił się szkicowaniem widzianych postaci. Mniej więcej w tym samym czasie jego ojciec, który otworzył nieudaną łacińskojęzyczną kawiarnię przy St John's Gate , został uwięziony za długi w więzieniu Fleet na pięć lat. Hogarth nigdy nie mówił o uwięzieniu ojca.

W 1720 roku Hogarth zapisał się do oryginalnej St Martin's Lane Academy w Peter Court w Londynie, którą prowadzili Louis Chéron i John Vanderbank . Uczęszczał wraz z innymi przyszłymi czołowymi postaciami sztuki i projektowania, takimi jak Joseph Highmore , William Kent i Arthur Pond . Wydaje się jednak, że akademia przestała działać w 1724 r., Mniej więcej w tym samym czasie, gdy Vanderbank uciekł do Francji, aby uniknąć wierzycieli. Hogarth wspominał pierwsze wcielenie akademii: „trwało to kilka lat, ale skarbnik zatapiający abonament, lampę itp. został zajęty do wynajęcia i cała sprawa położyła kres”. Następnie Hogarth zapisał się do innej szkoły rysunkowej w Covent Garden , wkrótce po jej otwarciu w listopadzie 1724 r., którą prowadził Sir James Thornhill , sierżant malarza króla . Na Thornhill Hogarth twierdził później, że nawet jako praktykant „obraz St Pauls i szpitala Gree [n] wich… chodziły mi w tym czasie po głowie”, odnosząc się do ogromnych schematów dekoracji namalowanych przez Thornhilla dla kopuły katedry św. Pawła i szpitala Greenwich .

Hogarth został członkiem Rose and Crown Club wraz z Peterem Tillemansem , George'em Vertue , Michaelem Dahlem oraz innymi artystami i koneserami.

Kariera

Zobacz także: Lista prac Williama Hogartha

W kwietniu 1720 roku Hogarth był samodzielnym rytownikiem, początkowo grawerując herby i rachunki sklepowe oraz projektując tablice dla księgarzy .

W 1727 roku został zatrudniony przez Joshuę Morrisa, gobelinarza, do przygotowania projektu Żywiołu Ziemi . Morris usłyszał, że jest „rytownikiem, a nie malarzem”, w związku z czym po ukończeniu pracy odmówił. W związku z tym Hogarth pozwał go o pieniądze do Westminster Court , gdzie sprawa została rozstrzygnięta na jego korzyść 28 maja 1728 r.

Wczesne prace

Grafika emblematyczna przedstawiająca schemat Morza Południowego , 1721
Zgromadzenie w Wanstead House . Earl Tylney i rodzina na pierwszym planie

Wczesne prace satyryczne obejmowały Emblematical Print on the South Sea Scheme (ok. 1721, opublikowany 1724), o katastrofalnym krachu na giełdzie w 1720 r., Znanym jako bańka na Morzu Południowym , w którym wielu Anglików straciło dużo pieniędzy. W lewym dolnym rogu pokazuje protestanckie , rzymskokatolickie i żydowskie postacie hazardowe, podczas gdy pośrodku ogromna maszyna, przypominająca karuzelę, do której wsiadają ludzie. Na górze znajduje się koza, poniżej napis „Who'l Ride”. Ludzie są rozproszeni po obrazie z poczuciem nieładu, podczas gdy postęp dobrze ubranych ludzi w kierunku przejazdu w środku pokazuje głupotę tłumu kupującego akcje w South Sea Company , która poświęciła więcej czasu na emisję akcji niż cokolwiek innego.

Inne wczesne prace to The Lottery (1724); Tajemnica masonerii ujawniona przez Gormagony (1724); Sprawiedliwy widok sceny brytyjskiej (1724); niektóre ilustracje książkowe; oraz mały druk Masquerades and Operas (1724). Ten ostatni jest satyrą na współczesne szaleństwa, takie jak maskarady szwajcarskiego impresario Johna Jamesa Heideggera , popularnych włoskich śpiewaków operowych , pantomimy Johna Richa w Lincoln's Inn Fields oraz przesadną popularność Protegowany Lorda Burlingtona , architekt i malarz William Kent . Kontynuował ten temat w 1727 roku, wydając Wielki bilet na maskaradę .

Autoportret Hogartha, ok. 1735, Centrum Sztuki Brytyjskiej Yale .

W 1726 Hogarth przygotował dwanaście dużych rycin ilustrujących Hudibras Samuela Butlera . Te on sam wysoko cenił i należą do jego najlepszych wczesnych dzieł, choć opierają się na małych ilustracjach książkowych.

W następnych latach skupił się na produkcji małych „ rozmów ” (tj. grup olejnych portretów o wysokości od 12 do 15 cali (300 do 380 mm). Wśród jego prac olejnych między 1728 a 1728 r. 1732 to The Fountaine Family (ok. 1730), The Assembly at Wanstead House , Izba Gmin badająca Bambridge i kilka zdjęć głównych aktorów popularnej opery żebraczej Johna Gaya . Jednym z jego prawdziwych bohaterów była Sarah Malcolma , którą naszkicował dwa dni przed egzekucją.

Jednym z arcydzieł Hogartha z tego okresu jest przedstawienie amatorskiego przedstawienia dzieci Johna Drydena The Indian Emperour lub The Conquest of Mexico by Hiszpanie, będącego kontynuacją The Indian Queen (1732–1735) w domu Johna Conduitt , mistrz mennicy, na St George's Street, Hanover Square .

Inne prace Hogartha z lat trzydziestych XVIII wieku to A Midnight Modern Conversation (1733), Southwark Fair (1733), The Sleeping Congregation (1736), Before and After (1736), Scholars at a Lecture (1736), The Company of Undertakers (1736) , The Distrest Poeta (1736), Cztery pory dnia (1738) i Spacerujące aktorki przebierające się w stodole (1738). Mógł też wydrukować Burlington Gate (1731), przywołany przez List Alexandra Pope'a do lorda Burlingtona i obrona lorda Chandosa, który jest w nim satyryczny. Ten druk wywołał wielką obrazę i został stłumiony. Jednak współczesne autorytety, takie jak Ronald Paulson, nie przypisują tego już Hogarthowi.

Moralizowanie sztuki

Postęp nierządnicy i postęp rozpustnika

A Rake's Progress , płyta 8, 1735 i retuszowany przez Hogartha w 1763 przez dodanie emblematu Britannia

W 1731 roku Hogarth ukończył najwcześniejszą ze swoich serii dzieł moralnych, dzieło, które zyskało szerokie uznanie. Zbiór sześciu scen nosił tytuł A Harlot's Progress i pojawił się najpierw jako obrazy (obecnie zaginione), zanim został opublikowany jako ryciny. A Harlot's Progress przedstawia losy wiejskiej dziewczyny, która zaczyna uprawiać prostytucję – sześć scen ułożonych jest chronologicznie, zaczynając od spotkania z nierządnicą, a kończąc na ceremonii pogrzebowej, która następuje po śmierci bohaterki na chorobę weneryczną .

Inauguracyjna seria odniosła natychmiastowy sukces, aw latach 1733–1735 ukazała się kontynuacja A Rake's Progress . Druga część składała się z ośmiu obrazków przedstawiających lekkomyślne życie Toma Rakewella, syna bogatego kupca, który wydaje wszystkie swoje pieniądze na luksusowe życie, usługi prostytutek i hazard – życie bohatera ostatecznie kończy się w Bethlem Royal Hospital . Oryginalne obrazy A Harlot's Progress zostały zniszczone w pożarze w Fonthill House w 1755 roku; obrazy olejne A Rake's Progress (1733–34) są wystawione w sali galerii w Muzeum Sir Johna Soane'a w Londynie, Wielkiej Brytanii.

Kiedy sukces A Harlot's Progress i A Rake's Progress zaowocował licznymi pirackimi reprodukcjami przez pozbawionych skrupułów drukarzy, Hogarth lobbował w parlamencie za większą kontrolą prawną nad reprodukcją prac jego i innych artystów. Rezultatem była ustawa o prawie autorskim rytowników (znana jako „ustawa Hogartha”), która weszła w życie 25 czerwca 1735 r. I była pierwszym prawem autorskim dotyczącym dzieł wizualnych, a także pierwszym, które uznało prawa autorskie indywidualnego artysty.

Małżeństwo A-la-Mode

Małżeństwo à-la-mode , krótko po ślubie (scena druga z sześciu).
Małżeństwo à-la-mode , Po pogrzebie starego hrabiego (scena czwarta z szósta)

W latach 1743–1745 Hogarth namalował sześć obrazów Małżeństwa A-la-Mode ( National Gallery, Londyn ), spiczastego szpikulca XVIII-wiecznego społeczeństwa klasy wyższej. Grawerowana wersja tej samej serii, wykonana przez rytowników francuskich, ukazała się w 1745 roku. To moralistyczne ostrzeżenie ukazuje żałosną tragedię nieprzemyślanego małżeństwa dla pieniędzy. Jest to uważane przez wielu za jego najlepszy projekt i może należeć do jego najlepiej zaplanowanych seriali fabularnych.

Etyka małżeńska była przedmiotem wielu dyskusji w XVIII-wiecznej Wielkiej Brytanii. Wiele małżeństw dla pozoru i towarzyszące im nieszczęście spotkało się ze szczególną krytyką, a różni autorzy uważali, że miłość jest znacznie rozsądniejszą podstawą małżeństwa. Hogarth namalował tutaj satyrę – gatunek, który z definicji ma przekaz moralny – na temat konwencjonalnego małżeństwa w angielskiej klasie wyższej. Wszystkie obrazy zostały wyryte, a seria osiągnęła szeroki rozpowszechnienie w formie drukowanej. Serial, którego akcja toczy się w klasycystycznym wnętrzu, przedstawia historię modnego małżeństwa wicehrabiego Squanderfielda, syna zbankrutowanego Earla Squandera, z córką bogatego, ale skąpego kupca miejskiego, poczynając od podpisania umowy małżeńskiej w wielkiego domu Earla, a kończąc na zamordowaniu syna przez kochanka jego żony i samobójstwie córki po powieszeniu jej kochanka w Tyburn za zamordowanie męża.

William Makepeace Thackeray napisał:

Ten słynny zestaw obrazów zawiera najważniejsze i najdoskonalsze komedie Hogartha. Staranność i metoda, z jaką kładzie się moralne podstawy tych obrazów, jest równie niezwykła, jak dowcip i umiejętności obserwującego i zręcznego artysty. Musi opisać trwające negocjacje w sprawie małżeństwa między córką bogatego obywatela Aldermana i młodym lordem wicehrabią Squanderfieldem, rozproszonym synem chorego na podagrę starego hrabiego… Znany jest ponury koniec. Mój pan zwraca się do doradcy, który go zabija i zostaje zatrzymany podczas próby ucieczki. Moja dama siłą wraca do radnego miasta i mdleje po przeczytaniu przemówienia radcy Silvertongue'a w Tyburn (miejsce egzekucji w starym Londynie), gdzie doradca został „stracony za wysłanie swojej lordowskiej mości z tego świata”. Morał: nie słuchaj złych doradców o srebrnym języku; nie poślubiaj mężczyzny dla jego rangi ani kobiety dla jej pieniędzy; nie bierz udziału w głupich aukcjach i balach maskowych nieznanych twemu mężowi; nie miej nikczemnych towarzyszy za granicą i nie zaniedbuj żony, w przeciwnym razie zostaniesz przebity przez ciało i nastąpi ruina, i hańba, i Tyburn.

Przemysł i bezczynność

Przemysł i bezczynność Płyta 1, The Fellow „Prentices at their Looms”.

W dwunastu drukach Przemysłu i bezczynności (1747) Hogarth przedstawia postęp w życiu dwóch uczniów , z których jeden jest oddany i pracowity, a drugi, który jest bezczynny, popełnia przestępstwo i ostatecznie zostaje stracony. Pokazuje to etykę pracy protestanckiej Anglii, gdzie ci, którzy ciężko pracowali, byli nagradzani, na przykład pracowity uczeń, który zostaje szeryfem (tablica 8), radnym (tablica 10) i wreszcie burmistrzem Londynu na ostatniej płycie z serii. Bezczynny uczeń, który zaczyna „zabawę na dziedzińcu kościoła” (tablica 3), zadziurawia się „w Garretcie ze zwykłą prostytutką” po tym, jak został rozbójnikiem (tablica 7) i „stracony w Tyburn” (tablica 11). Bezczynny uczeń jest wysyłany na szubienicę przez samego pracowitego ucznia. Na dole każdego talerza znajduje się co najmniej jeden fragment z Biblii, głównie z Księgi Przysłów , jak na przykład na pierwszym talerzu:

„Praca i bezczynność, pokazane tutaj,„ Przypowieści Salomona, rozdział 10, wersja 4: Ręka pracowitych wzbogaca”.

Beer Street i Gin Lane

ulicy Piwnej
Gin Lane

Późniejsze znaczące druki obejmują jego obrazowe ostrzeżenie przed konsekwencjami alkoholizmu na Beer Street i Gin Lane (1751). Hogarth wyrył Beer Street , aby pokazać szczęśliwe miasto pijące „dobry” napój, angielskie piwo , w przeciwieństwie do Gin Lane , w którym pokazane są skutki picia ginu – jako mocniejszy trunek, gin spowodował więcej problemów dla społeczeństwa. W tym czasie nastąpił gwałtowny wzrost popularności ginu, który nazwano „ Gin Craze”. ' Zaczęło się na początku XVIII wieku, po serii działań legislacyjnych pod koniec XVII wieku, które wpłynęły na import i produkcję alkoholu w Londynie. Wśród nich była prohibicja z 1678 r ., która zabraniała importu popularnej francuskiej brandy, oraz przymusowe rozwiązanie w 1690 r. a następnie konsumpcja domowego ginu.

W Beer Street ludzie są pokazani jako zdrowi, szczęśliwi i zamożni, podczas gdy w Gin Lane są chudzi, leniwi i niedbali. Kobieta z przodu Gin Lane , która pozwala swojemu dziecku upaść na śmierć, przypomina historię Judith Dufour, która udusiła swoje dziecko, aby móc sprzedać jego ubrania za pieniądze z ginu. Wydruki zostały opublikowane na poparcie ustawy Gin 1751 .

Przyjaciel Hogartha, sędzia Henry Fielding , mógł zwerbować Hogartha do pomocy w propagowaniu ustawy o dżinie; Beer Street i Gin Lane zostały wydane wkrótce po jego pracy An Enquiry into the Causes of the Late Grobers of Robbers and related Writings i dotyczyły tych samych kwestii.

Cztery etapy okrucieństwa

Pierwszy etap okrucieństwa

Inne ryciny były jego krzykiem przeciwko nieludzkości w The Four Stages of Cruelty (opublikowanym 21 lutego 1751), w którym Hogarth przedstawia okrutne traktowanie zwierząt, które widział wokół siebie, i sugeruje, co stanie się z ludźmi, którzy będą postępować w ten sposób. W pierwodruku są sceny przedstawiające chłopców znęcających się nad psami, kotami i innymi zwierzętami. Skupia się wokół źle ubranego chłopca popełniającego brutalny akt tortur na psie, podczas gdy inny dobrze ubrany chłopiec prosi go o zatrzymanie się i oferuje jedzenie. Stojący za nimi chłopiec namalował graffiti na wisielcu postać stickmana na ścianie, z imieniem „Tom Nero” pod spodem, i wskazuje na tego oprawcę psa.

Nagroda za okrucieństwo

Drugi pokazuje, że Tom Nero wyrósł na kierowcę autokaru Hackney . Jego powóz przewrócił się z ciężkim ładunkiem, a jego koń leży na ziemi ze złamaną nogą. Bije go rękojeścią bicza; jego oko zostało ciężko zranione. wózka przejeżdża dziecko , gdy dreżysta drzemie w pracy.

W trzecim druku Tom jest mordercą otoczonym przez tłum oskarżycieli. Kobieta, którą najwyraźniej zabił, leży na ziemi, brutalnie zamordowana, aw pobliżu leży kufer i worek skradzionych towarów. Jeden z oskarżycieli trzyma list od kobiety do Toma, w którym mówi o tym, jak skrzywdzenie jej kochanki niepokoi jej sumienie, ale jest zdecydowana zrobić to, czego on by chciał, kończąc: „Pozostaję twój aż do śmierci”.

Czwarty, zatytułowany The Reward of Cruelty , pokazuje miażdżące zwłoki Toma, które zostały publicznie rozcięte przez naukowców po jego egzekucji przez powieszenie; pętla wciąż na szyi. Sekcja zwłok odzwierciedla ustawę o morderstwie z 1751 r. , która zezwalała na publiczną sekcję przestępców powieszonych za morderstwo.

Portrety

David Garrick jako Ryszard III, 1745

Hogarth był także popularnym malarzem portretowym . W 1745 roku namalował aktora Davida Garricka jako Ryszarda III , za co zapłacono mu 200 funtów, „co było więcej”, jak napisał, „niż jakikolwiek angielski artysta kiedykolwiek otrzymał za pojedynczy portret”. W 1746 r. szkic Simona Frasera, 11. lorda Lovata , ściętego później na Tower Hill, odniósł wyjątkowy sukces.

Portret mężczyzny, 1741

W 1740 roku stworzył prawdziwy, żywy, pełnometrażowy portret swojego przyjaciela, filantropijnego kapitana Corama , dla Fundacji Thomasa Corama na rzecz dzieci , obecnie w Muzeum Foundling . Ten portret i jego niedokończony szkic olejny przedstawiający młodą rybaczkę, zatytułowany The Shrimp Girl ( National Gallery, Londyn ), można nazwać arcydziełami malarstwa brytyjskiego . Są też portrety jego żony, dwóch sióstr i wielu innych osób; wśród nich biskup Hoadly i biskup Herring . Wygrawerowany portret Johna Wilkesa był bestsellerem.

Przedmioty historyczne

Przez długi czas, w połowie XVIII wieku, Hogarth starał się osiągnąć status malarza historycznego , ale nie zyskał na tym polu wielkiego szacunku. Malarz, a później założyciel Royal Academy of Arts , Joshua Reynolds , był bardzo krytyczny wobec stylu i pracy Hogartha. Według historyka sztuki Davida Bindmana , w serii esejów dr Johnsona dla londyńskiego Universal Chronicle , The Idler , trzy eseje napisane przez Reynoldsa w miesiącach od września do listopada 1759 są skierowane do Hogarth. Reynolds argumentuje w nich, że ten „koneser” ma „służalczą dbałość o najdrobniejszą dokładność” i kwestionuje ich ideę naśladowania natury jako „oczywistego sensu, że przedmioty są reprezentowane naturalnie, gdy mają taką ulgę, że wydają się prawdziwe”. Reynolds odrzucił „ten rodzaj imitacji”, opowiadając się za „wielkim stylem malarstwa”, który unika „drobnej uwagi” widzialnego świata. w Reynoldsa Dyskurs XIV , przyznaje, że Hogarth ma „nadzwyczajne talenty”, ale zarzuca mu „bardzo nierozważne, a raczej zarozumiałe, próby [w] wielkiego stylu historycznego”.

Pisarz, historyk sztuki i polityk, Horace Walpole , również krytycznie odnosił się do Hogartha jako malarza historycznego, ale znalazł wartość w jego satyrycznych grafikach.

Sceny biblijne

Obrazy historyczne Hogartha obejmują Sadzawkę Betesda i Dobrego Samarytanina , wykonane w latach 1736–1737 dla szpitala św. Bartłomieja ; Mojżesz postawiony przed Córką Faraona , namalowany dla Szpitala Odrzutowców (1747, dawniej w Fundacji Thomasa Corama dla Dzieci , obecnie w Muzeum Odrzutowców ); Paul przed Feliksem (1748) w Lincoln's Inn ; i jego ołtarz dla St. Mary Redcliffe w Bristolu (1755–56).

Brama Calais

Brama Calais (1748; obecnie w Tate Britain ) powstała wkrótce po jego powrocie z wizyty we Francji. Horace Walpole napisał, że Hogarth podjął wielkie ryzyko, udając się tam od czasu pokoju w Aix-la-Chapelle :

udał się do Francji i był tak nieroztropny, że zrobił szkic mostu zwodzonego w Calais . Został schwytany i przewieziony do gubernatora, gdzie został zmuszony do udowodnienia swojego powołania, wykonując kilka karykatur Francuzów; zwłaszcza scena na brzegu, z ogromnym kawałkiem wołowiny lądującej dla Lion d'argent , angielskiej gospody w Calais i kilku głodnych braci podążających za nią. Byli bardzo rozproszeni jego rysunkami i odprawili go.

Po powrocie do domu natychmiast wykonał obraz na ten temat, na którym nieuprzejmie przedstawił swoich wrogów, Francuzów , jako skulonych, wychudzonych i przesądnych ludzi, podczas gdy przybywa ogromna polędwica wołowa, przeznaczona do angielskiej gospody jako symbol brytyjskiego dobrobytu i wyższość. Twierdził, że namalował się na obrazie w lewym rogu, szkicując bramę, z „żołnierską ręką na ramieniu”, wbiegając go.

Inne późniejsze prace

Eva Marie Veigel i mąż David Garrick, ok. 1757–1764, kolekcja królewska na zamku Windsor

Godne uwagi ryciny Hogartha z lat czterdziestych XVIII wieku obejmują The Enraged Musician (1741), sześć odbitek Marriage à-la-mode (1745; wykonane przez francuskich artystów pod kontrolą Hogartha) oraz The Stage Coach lub The Country Inn Yard (1747).

W 1745 roku Hogarth namalował autoportret ze swoim mopsem, Trumpem (obecnie także w Tate Britain ), który przedstawia go jako uczonego artystę popartego tomami Szekspira , Miltona i Swifta . W 1749 reprezentował nieco nieuporządkowane wojska angielskie podczas Marszu Gwardii do Finchley (wcześniej mieszczącej się w Fundacji Thomasa Corama dla dzieci , obecnie Foundling Museum ).

Inne prace obejmowały jego genialną Satyrę na fałszywą perspektywę (1754); jego satyra na akwizycję w jego Election (1755–1758; obecnie w Muzeum Sir Johna Soane'a ); jego wyśmiewanie angielskiej pasji do walk kogutów w Kokpicie (1759); jego atak na metodyzm w łatwowierności, przesądach i fanatyzmie (1762); jego polityczna satyra antywojenna w The Times , płyta I (1762); i jego pesymistyczny pogląd na wszystkie rzeczy w Tailpiece lub The Bathos (1764).

W 1757 roku Hogarth został mianowany sierżantem malarzem króla.

Pismo

Analiza płyty Beauty 1 (1753)

Hogarth napisał i opublikował swoje idee projektowania artystycznego w swojej książce The Analysis of Beauty (1753). Twierdzi w nim, że określa zasady piękna i wdzięku, które on, prawdziwe dziecko rokoka , widział urzeczywistniane w serpentynach ( Linia piękna ). Przez niektórych zwolenników Hogartha książka była chwalona jako wspaniałe wybawienie od estetyki; przez jego wrogów i rywali jego niejasności i drobne błędy stały się przedmiotem niekończących się kpin i karykatur. Na przykład Paul Sandby wyprodukował kilka karykatur przeciwko traktatowi Hogartha. Hogarth napisał także rękopis zatytułowany Apology for Painters (ok. 1761) oraz niepublikowane „notatki autobiograficzne”.

Malarz i rytownik współczesnych tematów moralnych

Hogarth żył w czasach, gdy dzieła sztuki stawały się coraz bardziej skomercjalizowane, oglądano je w witrynach sklepowych, tawernach i budynkach użyteczności publicznej oraz sprzedawano w drukarniach . Stare hierarchie załamały się i zaczęły rozkwitać nowe formy: ballada operowa , tragedia burżuazyjna , a zwłaszcza nowa forma fikcji zwana powieścią , z którą autorzy tacy jak Henry Fielding miał wielki sukces. Dlatego do tego czasu Hogarth wpadł na nowy pomysł: „malowanie i rytowanie współczesnych tematów moralnych… traktować moich poddanych jak pisarza dramatycznego; mój obraz był moją sceną”, jak sam zauważył w swoich notatkach do rękopisu.

Czerpał z wysoce moralizującej protestanckiej tradycji holenderskiego malarstwa rodzajowego oraz bardzo energicznych satyrycznych tradycji angielskiej gazety i innych popularnych druków. W Anglii przed Hogarthem w sztukach pięknych było mało komedii. Jego druki były drogie i takie pozostały do ​​czasu, gdy przedruki z początku XIX wieku przyniosły je szerszej publiczności.

Parodystyczne zapożyczenia od starych mistrzów

Analizując twórczość artysty jako całość, Ronald Paulson mówi: „W A Harlot's Progress każdy pojedynczy talerz oprócz jednego jest oparty na obrazach Dürera przedstawiających historię Dziewicy i historię Męki Pańskiej ”. W innych dziełach parodiuje Ostatnią Wieczerzę Leonarda da Vinci . Według Paulsona, Hogarth podważa religijny establishment i ortodoksyjną wiarę w immanentnego Boga , który ingeruje w życie ludzi i dokonuje cudów . Rzeczywiście, Hogarth był deistą , wierzącym w Boga, który stworzył wszechświat, ale nie bierze bezpośredniej ręki w życiu swoich stworzeń. Tak więc, jako „malarz komiksów historycznych”, często naśmiewał się ze staroświeckich, „pobitych” tematów sztuki religijnej w swoich obrazach i grafikach. Hogarth odrzucił również ówczesny ideał klasycznego greckiego mężczyzny Lorda Shaftesbury'ego na rzecz żywej, oddychającej kobiety. Powiedział: „Któż poza bigotem, nawet antykwariuszom , powie, że nie widział twarzy i szyi, rąk i ramion u żywych kobiet, że nawet Grek Wenus robi, ale z grubsza naśladuje”.

Życie osobiste

St Mary na Paddington Green Church w Londynie. William Hogarth i Jane Thornhill uciekli tu w 1729 roku, w poprzednim wcieleniu budynku kościoła.

W dniu 23 marca 1729, Hogarth uciekł z Jane Thornhill w Paddington Church , wbrew woli ojca, artysty Sir James Thornhill .

Portret Jane autorstwa Williama Hogartha

Sir James uważał mecz za nierówny, ponieważ Hogarth był wówczas dość mało znanym artystą. Kiedy jednak Hogarth rozpoczął swoją serię moralizatorskich odbitek, A Harlot's Progress , niektóre z początkowych obrazów zostały umieszczone w salonie lub jadalni Sir Jamesa, dzięki spiskowi Jane i jej matki, w nadziei na pogodzenie go z para. Kiedy je zobaczył, zapytał o nazwisko artysty i usłyszawszy je, odpowiedział: „Dobrze; człowiek, który może wykonać takie przedstawienia jak te, może również utrzymać żonę bez udziału Jednak wkrótce potem ustąpił, stając się bardziej hojny i żyjąc w harmonii z parą aż do śmierci.

Hogarth został inicjowany jako mason przed 1728 r. w Lodge at the Hand and Apple Tree Tavern, Little Queen Street, a później należał do Carrier Stone Lodge i Grand Stewards' Lodge; ten ostatni nadal posiada „Klejnot Hogartha”, który Hogarth zaprojektował dla Mistrza Loży do noszenia. Dziś oryginał jest przechowywany, a replikę nosi Mistrz Loży. Masoneria była tematem niektórych prac Hogartha, zwłaszcza „Noc”, czwartego z kwartetu obrazów (później wydanych jako ryciny) pod wspólnym tytułem „Cztery pory dnia” .

Dom Williama Hogartha w Chiswick

Jego głównym domem był Leicester Square (wówczas znany jako Leicester Fields), ale w 1749 roku kupił wiejską posiadłość w Chiswick , dom znany obecnie jako Hogarth's House i zachowany jako muzeum, i spędził tam czas do końca życia. Hogarthowie nie mieli dzieci, chociaż wychowywali podrzutki. Był założycielem-gubernatorem Szpitala Foundling .

Wśród jego przyjaciół i znajomych było wielu angielskich artystów i satyryków tamtego okresu, takich jak Francis Hayman , Henry Fielding i Laurence Sterne .

Śmierć

Batos, 1764 - Jego ostatnie dzieło

W dniu 25 października 1764 r. Hogarth został przewieziony ze swojej willi w Chiswick do swojego domu w Leicester Fields w słabym stanie. W tym czasie był już od jakiegoś czasu osłabiony, ale podobno był w pogodnym nastroju i nawet nadal pracował — z pewną pomocą; robić więcej retuszów na The Bench tego samego dnia. 26 października otrzymał list od Benjamina Franklina i napisał w odpowiedzi wstępny szkic. Tego wieczoru przed pójściem spać przechwalał się, że zjadł na kolację funt steków wołowych i podobno wyglądał bardziej krzepko niż kiedykolwiek o tej porze. Jednak kiedy poszedł do łóżka, nagle zaczął wymiotować; coś, co sprawiło, że uderzył dzwonkiem tak mocno, że się złamał. Hogarth zmarł około dwie godziny później, w ramionach swojej służącej, pani Mary Lewis. John Nichols twierdził, że zmarł z powodu tętniaka, który, jak powiedział, miał miejsce w „klatce piersiowej”. Horace Walpole twierdził, że zmarł z powodu „puchliny piersi”.

Pani Lewis, która przebywała z Jane Hogarth w Leicester Fields, była jedyną osobą spoza rodziny, która została potwierdzona finansowo w testamencie Hogartha i pozostawiono jej 100 funtów (około 18 651,61 funtów w 2020 r.) za jej „wierne usługi”.

Grób Williama i Jane Hogarth w Chiswick

Hogarth został pochowany w kościele św. Mikołaja w Chiswick , obecnie w zachodniej części Londynu. Jego przyjaciel, aktor David Garrick , skomponował następujący napis na jego nagrobku:









Żegnaj, wielki Malarzu Ludzkości, Który osiągnąłeś najszlachetniejszy punkt Sztuki, Którego obrazowa Moralność oczarowuje Umysł I poprzez Oko koryguje Serce. Jeśli geniusz cię zapali, Czytelniku, zostań, Jeśli natura cię dotknie, upuść łzę: Jeśli nie poruszy cię żadna z nich, odwróć się, Bo pył honoru Hogartha leży tutaj.

Wpływy i reputacja

Prace Hogartha wywarły bezpośredni wpływ na Johna Colliera , znanego jako „Lancashire Hogarth”. Rozprzestrzenianie się grafik Hogartha w całej Europie, wraz z przedstawianiem popularnych scen z jego grafik w sfałszowanych grafikach Hogartha, wpłynęło na ilustrację książkową kontynentu w XVIII i na początku XIX wieku, zwłaszcza w Niemczech i Francji. Wywarł również wpływ na wielu karykaturzystów XVIII, XIX i XX wieku. Wpływ Hogartha trwa do dziś, ponieważ artyści nadal czerpią inspirację z jego prac.

Obrazy i grafiki Hogartha były tematem kilku innych prac. Na przykład balet Gavina Gordona The Rake's Progress z 1935 roku , do choreografii Ninette de Valois , był oparty bezpośrednio na serii obrazów Hogartha pod tym tytułem. Opera Igora Strawińskiego The Rake's Progress z 1951 roku z librettem WH Audena była mniej dosłownie inspirowana tą samą serią. Ryciny Hogartha zainspirowały także słuchowisko radiowe BBC The Midnight House autorstwa Jonathana Halla, oparty na opowieści o duchach MR Jamesa „ The Mezzotinta ” i po raz pierwszy wyemitowany w BBC Radio 4 w 2006 roku.

Opowiadanie Russella Banksa „Indisposed” to fikcyjna relacja o niewierności Hogartha, opowiedziana z punktu widzenia jego żony Jane. Hogarth był główną postacią w sztuce Nicka Deara The Art of Success , podczas gdy Toby Jones gra go w filmie telewizyjnym A Harlot's Progress z 2006 roku .

Hogarth's House w Chiswick w zachodnim Londynie jest obecnie muzeum; główne skrzyżowanie dróg obok niego nosi nazwę Rondo Hogarth . W 2014 roku zarówno Dom Hogartha, jak i Muzeum Odlewnictwa zorganizowały specjalne wystawy z okazji 250. rocznicy jego śmierci. W 2019 roku Sir John Soane's Museum , które jest właścicielem zarówno The Rake's Progress , jak i The Humours of an Election , zorganizowało wystawę, na której po raz pierwszy zgromadzono wszystkie serie obrazów Hogartha i jego serie rycin w jednym miejscu.

Stanley Kubrick oparł zdjęcia do swojego dramatu z epoki z 1975 roku, Barry Lyndon , na kilku obrazach Hogartha.

W filmie Rogera Michella Matka z 2003 roku , z Anne Reid i Danielem Craigiem w rolach głównych , bohaterowie odwiedzają grobowiec Hogartha podczas pierwszego wspólnego wyjścia. Odczytują na głos wpisany tam wiersz, a wspólny podziw dla Hogartha pomaga potwierdzić ich wzajemny związek.

Wybrane prace

Obrazy
Ryciny

Zobacz też

Notatki

  • William Hogarth, John Bowyer Nichols , wyd. Anegdoty Williama Hogartha, napisane przez niego samego (JB Nichols and Son, 25 Parliament Street, Londyn, 1833)
  •   Peter Quennell , Postęp Hogartha (Londyn, Nowy Jork, Ayer Co., 1955, ISBN 978-0836981452 )
  • Quenel, Piotr. „Seria wyborcza Hogartha”. History Today (kwiecień 1953) 3 # 4, s. 221–232
  • Frederick Antal , Hogarth i jego miejsce w sztuce europejskiej (Londyn 1962).
  •   Georg Christoph Lichtenberg , Ausführliche Erklärung der Hogarthischen Kupferstiche (Monachium: Carl Hanser Verlag, 1972, ISBN 3-86150-042-6 )
  • Sean Shesgreen, Hogarth 101 Prints (Nowy Jork: Dover 1973).
  • David Bindman , Hogarth (Londyn 1981).
  • Sean Shesgreen, Hogarth i tradycja dnia codziennego (Ithaca, Nowy Jork: Cornell UP, 1983).
  • Ronald Paulson , Grafiki Hogartha (wyd. 3, Londyn 1989).
  • Ronald Paulson, Hogarth , 3 tomy. (Nowy Brunszwik 1991–93).
  • Elizabeth Einberg, Hogarth the Painter (Londyn: Tate Gallery, 1997).
  • Jenny Uglow , Hogarth: życie i świat (Londyn 1997).
  • Frédéric Ogée i Hans-Peter Wagner, red., William Hogarth: Theatre and the Theatre of Life (Los Angeles, 1997).
  • Hans-Peter Wagner, William Hogarth: Das graphische Werk (Saarbrücken, 1998; wydanie poprawione, Trewir 2013).
  • David Bindman , Frédéric Ogée i Peter Wagner, wyd. Hogarth: reprezentujący maszyny natury (Manchester, 2001)
  • Bernadette Fort i Angela Rosenthal , red., The Other Hogarth: Estetyka różnicy (Princeton: Princeton UP, 2001)
  • Christine Riding i Mark Hallet, „Hogarth” ( Tate Publishing , Londyn, 2006).
  • Robin Simon, Hogarth, Francja i sztuka brytyjska: Powstanie sztuki w XVIII-wiecznej Wielkiej Brytanii (Londyn, 2007)
  • Ilias Chrissochoidis, „ Handel, Hogarth, Goupy: Artystyczne skrzyżowania w biografii Haendla ”, Muzyka dawna 37/4 (listopad 2009), 577–596.
  •   Bernd W. Krysmanski, Hogarth's Hidden Parts: satyryczna aluzja, erotyczny dowcip, bluźniercza sprośność i czarny humor w XVIII-wiecznej sztuce angielskiej (Hildesheim, Zurich, Nowy Jork: Olms-Verlag, 2010 ISBN 978-3487144719 )
  •   Johann Joachim Eschenburg, Über William Hogarth i seine Erklärer , wyd. Till Kinzel (Hanower: Wehrhahn, 2013 ISBN 978-3-8652-5347-7 )
  • Cynthia Ellen Roman, red., Dziedzictwo Hogartha (New Haven i Londyn: Yale University Press, 2016)
  • Elizabeth Einberg, William Hogarth: A Complete Catalog of the Paintings (New Haven and London, Yale University Press dla Paul Mellon Center for Studies in British Art, 2016)

Linki zewnętrzne

Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=William_Hogarth&oldid=1145611717 ”