Aleksandra Caldera

W przypadku innych osób o nazwisku Alexander Calder zobacz Alexander Calder (ujednoznacznienie) .
Alexander Calder
Alexander Calder, by Carl Van Vechten, 1947
Alexander Calder, Carl Van Vechten , 1947
Urodzić się 22 lipca 1898
Lawnton, Pensylwania , USA
Zmarł 11 listopada 1976 ( w wieku 78) ( 11.11.1976 )
Nowy Jork, Stany Zjednoczone
Alma Mater Stevens Institute of Technology , Liga Studentów Sztuki w Nowym Jorku
Znany z Rzeźba
Ruch Sztuka kinetyczna , surrealizm , abstrakcja

Alexander Calder ( / telefonów k ɔː l d ər / ; 22 lipca 1898 - 11 listopada 1976) był amerykańskim rzeźbiarzem znanym zarówno ze swoich innowacyjnych komórkowych (rzeźby kinetyczne napędzane silnikami lub prądami powietrza), które obejmują przypadek w swojej estetyce, jego statyczne „stajnie” i jego monumentalne rzeźby publiczne. Calder wolał nie analizować swojej pracy, mówiąc: „Teorie mogą być bardzo dobre dla samego artysty, ale nie powinny być przekazywane innym ludziom”.

Wczesne życie

Alexander „Sandy” Calder urodził się w 1898 roku w Lawnton w Pensylwanii . Jego data urodzenia pozostaje źródłem nieporozumień. Według matki Caldera, Nanette (z domu Lederer), Calder urodził się 22 sierpnia, ale jego akt urodzenia w ratuszu w Filadelfii, oparty na odręcznej księdze, wskazywał 22 lipca. Kiedy rodzina Caldera dowiedziała się o akcie urodzenia, twierdzili z pewnością, że władze miasta popełniły błąd.

Dziadek Caldera, rzeźbiarz Alexander Milne Calder , urodził się w Szkocji, wyemigrował do Filadelfii w 1868 roku i jest najbardziej znany z kolosalnego posągu Williama Penna na wieży ratusza w Filadelfii . Jego ojciec, Alexander Stirling Calder , był znanym rzeźbiarzem, który stworzył wiele instalacji publicznych, większość z nich w Filadelfii. Matka Caldera była profesjonalną portrecistką , która studiowała w Académie Julian i na Sorbonie w Paryżu od około 1888 do 1893 roku. Przeniosła się do Filadelfii, gdzie poznała Stirling Calder podczas studiów na Akademii Sztuk Pięknych w Pensylwanii . Rodzice Caldera pobrali się 22 lutego 1895 roku. Siostra Alexandra Caldera, Margaret Calder Hayes, odegrała kluczową rolę w rozwoju Muzeum Sztuki UC Berkeley .

Czteroletni Calder pozował nago do rzeźby swojego ojca The Man Cub , której odlew znajduje się obecnie w Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku. W 1902 roku ukończył również swoją najwcześniejszą rzeźbę, glinianego słonia. W 1905 roku jego ojciec zachorował na gruźlicę , a rodzice Caldera przenieśli się na ranczo w Oracle w Arizonie , pozostawiając dzieci pod opieką przyjaciół rodziny na rok. Dzieci ponownie spotkały się z rodzicami w marcu 1906 roku i tego lata przebywały na ranczo w Arizonie.

Rodzina Calderów przeniosła się z Arizony do Pasadeny w Kalifornii . Okienna piwnica domu rodzinnego stała się pierwszą pracownią Caldera i otrzymał swój pierwszy zestaw narzędzi. Z kawałków miedzianego drutu zrobił biżuterię dla lalek swojej siostry. 1 stycznia 1907 roku Nanette Calder zabrała syna na Paradę Turnieju Róż w Pasadenie, gdzie obserwował wyścig rydwanów z czterema końmi. Ten styl imprezy stał się później finałem miniaturowych przedstawień cyrkowych Caldera.

Pod koniec 1909 roku rodzina wróciła do Filadelfii, gdzie Calder krótko uczęszczał do Germantown Academy , a następnie przeniósł się do Croton-on-Hudson w stanie Nowy Jork . W te święta wyrzeźbił psa i kaczkę z blachy mosiężnej jako prezenty dla swoich rodziców. Rzeźby są trójwymiarowe, a kaczka jest kinetyczna, ponieważ kołysze się po delikatnym puknięciu. W Croton, w latach licealnych, Calder zaprzyjaźnił się z malarzem, przyjacielem swojego ojca, Everettem Shinnem , z którym zbudował grawitacyjny system pociągów mechanicznych. Calder opisał to: „Prowadziliśmy pociąg po drewnianych szynach trzymanych na kolcach; kawałek żelaza pędzący po pochyłości przyspieszał samochody. Nawet zapaliliśmy niektóre samochody lampkami świec”. Po Croton Calderowie przenieśli się do Spuyten Duyvil, aby być bliżej Nowego Jorku, gdzie Stirling Calder wynajął studio. Mieszkając w Spuyten Duyvil, Calder uczęszczał do liceum w pobliskim Yonkers . W 1912 roku ojciec Caldera został mianowany pełniącym obowiązki szefa Wydziału Rzeźby Międzynarodowej Wystawy Panama-Pacific w San Francisco w Kalifornii i rozpoczął pracę nad rzeźbami na wystawę, która odbyła się w 1915 roku.

W latach licealnych Caldera (1912–1915) rodzina przeprowadzała się tam iz powrotem między Nowym Jorkiem a Kalifornią. W każdej nowej lokalizacji rodzice Caldera rezerwowali piwnicę na pracownię dla swojego syna. Pod koniec tego okresu Calder przebywał z przyjaciółmi w Kalifornii, podczas gdy jego rodzice wrócili do Nowego Jorku, aby mógł ukończyć Lowell High School w San Francisco . Calder ukończył z klasą 1915. [ potrzebne źródło ]

życie i kariera

Rodzice Alexandra Caldera nie chcieli, aby był artystą, więc zdecydował się studiować inżynierię mechaniczną. Intuicyjny inżynier od dzieciństwa, Calder nawet nie wiedział, czym jest inżynieria mechaniczna. „Nie byłem pewien, co oznacza ten termin, ale pomyślałem, że lepiej go przyjąć” - napisał później. zapisał się do Stevens Institute of Technology w Hoboken w stanie New Jersey . Zapytany, dlaczego zdecydował się studiować inżynierię mechaniczną zamiast sztuki, Calder powiedział: „Chciałem zostać inżynierem, ponieważ jakiś facet, którego bardziej lubiłem, był inżynierem mechanikiem, to wszystko". W Stevens Calder był członkiem bractwa Delta Tau Delta i celował w matematyce. Był lubiany, aw kronice klasowej zamieszczono następujący opis: „Sandy jest najwyraźniej zawsze szczęśliwy, a może knuje sobie jakiś żart, bo na jego twarzy zawsze pojawia się ten sam psotny, młodzieńczy uśmiech. To jest z pewnością indeks do charakter człowieka w tym przypadku, ponieważ jest on jednym z najlepszych ludzi z natury”.

Latem 1916 roku Calder spędził pięć tygodni na szkoleniu w cywilnym wojskowym obozie szkoleniowym w Plattsburgh . W 1918 roku wstąpił do Studenckiego Korpusu Szkoleniowego Armii Sekcji Marynarki Wojennej w Stevens i został dowódcą batalionu.

Calder otrzymał dyplom od Stevensa w 1919 roku. Pracował na różnych stanowiskach, w tym jako inżynier hydraulik i kreślarz w New York Edison Company. W czerwcu 1922 Calder objął stanowisko mechanika na statku pasażerskim HF Alexander . Podczas żeglugi z San Francisco do Nowego Jorku Calder spał na pokładzie i obudził się pewnego ranka u wybrzeży Gwatemali i był świadkiem zarówno wschodu słońca, jak i zachodzącego księżyca w pełni na przeciwległych horyzontach. W swojej autobiografii opisał: „Pewnego ranka na spokojnym morzu u wybrzeży Gwatemali nad moją kanapą — zwojem liny — zobaczyłem początek ognistoczerwonego wschodu słońca po jednej stronie i księżyc wyglądający jak srebrna moneta. na inne."

HF Alexander zacumował w San Francisco, a Calder udał się do Aberdeen w stanie Waszyngton , gdzie mieszkała jego siostra i jej mąż, Kenneth Hayes. Calder podjął pracę jako chronometrażysta w obozie drwali. Górska sceneria zainspirowała go do napisania do domu prośby o farby i pędzle. Wkrótce potem Calder zdecydował się przenieść z powrotem do Nowego Jorku, aby rozpocząć karierę artystyczną.

Red Mobile , 1956, Malowana blacha i metalowe pręty, dzieło sygnowane przez Caldera - Montreal Museum of Fine Arts

W Nowym Jorku Calder zapisał się do Art Students League , gdzie krótko studiował u George’a Luksa , Boardmana Robinsona i Johna Sloana . Jako student pracował dla National Police Gazette , gdzie w 1925 roku jednym z jego zadań było szkicowanie Ringling Bros. i Barnum & Bailey Circus . Calder zafascynował się akcją cyrkową, tematem, który pojawił się ponownie w jego późniejszej twórczości.

W 1926 Calder przeniósł się do Paryża, zapisał się do Académie de la Grande Chaumière i założył studio przy 22 rue Daguerre w dzielnicy Montparnasse . W czerwcu 1929 roku, podróżując łodzią z Paryża do Nowego Jorku, Calder poznał swoją przyszłą żonę Louisę James (1905–1996), córkę Edwarda Holtona Jamesa i wnuczkę autora Henry'ego Jamesa i filozofa Williama Jamesa . Pobrali się w 1931 roku. W Paryżu Calder zaprzyjaźnił się z wieloma awangardowymi artystami, w tym z Fernandem Légerem , Jeanem Arpem i Marcelem Duchampem . Leger napisał przedmowę do katalogu pierwszej wystawy abstrakcyjnych konstrukcji Caldera, która odbyła się w Galerie Percier w 1931 r. Calder i Louisa wrócili do Ameryki w 1933 r. Do zakupionego domu na farmie w Roxbury w stanie Connecticut , gdzie wychowali rodzinę (Sandra ur. 1935 , Marii ur. 1939). Podczas II wojny światowej Calder próbował wstąpić do piechoty morskiej jako kamuflaż , ale został odrzucony. W 1955 roku on i Louisa podróżowali przez trzy miesiące po Indiach, gdzie Calder wyprodukował dziewięć rzeźb, a także trochę biżuterii.

W 1963 Calder osiedlił się w nowym warsztacie z widokiem na dolinę Dolnego Chevrière do Saché w Indre-et-Loire (Francja). Podarował miastu rzeźbę , która od 1974 roku stoi na rynku. W trakcie swojej kariery artystycznej Calder nazwał wiele swoich prac po francusku, niezależnie od tego, gdzie były przeznaczone do ostatecznego wystawienia.

W 1966 roku Calder opublikował swoją Autobiografię ze zdjęciami z pomocą swojego zięcia Jeana Davidsona.

Calder zmarł niespodziewanie w listopadzie 1976 roku na atak serca , krótko po otwarciu dużej wystawy retrospektywnej w Whitney Museum w Nowym Jorku.

Praca artystyczna

Rzeźba

Cześć! (Dwóch akrobatów) autorstwa Alexandra Caldera, ok. 1928, drut mosiężny i drewno, Muzeum Sztuki w Honolulu

W Paryżu w 1926 roku Calder zaczął tworzyć swój Cirque Calder , miniaturowy cyrk wykonany z drutu, tkaniny, sznurka, gumy, korka i innych znalezionych przedmiotów. Zaprojektowany z myślą o transporcie (rozrósł się do pięciu dużych walizek), cyrk był prezentowany po obu stronach Atlantyku. Wkrótce jego Cirque Calder (obecnie prezentowany w Whitney Museum of American Art) stał się popularny wśród paryskiej awangardy. Wynalazł też rzeźbę z drutu , czyli „rysunek w przestrzeni”, aw 1929 roku miał swój pierwszy indywidualny pokaz tych rzeźb w Paryżu w Galerie Billiet. Cześć! , w zbiorach Muzeum Sztuki w Honolulu , jest wczesnym przykładem rzeźby z drutu artysty. Przedmowę do katalogu napisał malarz Jules Pascin , przyjaciel z kawiarni Montparnasse .

Wizyta w pracowni Pieta Mondriana w 1930 roku, gdzie był pod wrażeniem środowiska jako instalacji, „zszokowała” go do pełnego przyjęcia sztuki abstrakcyjnej , do której już dążył.

Hołd dla Jerozolimy na górze Herzl , Jerozolima , Izrael

To właśnie mieszanka jego eksperymentów mających na celu opracowanie czysto abstrakcyjnej rzeźby po wizycie u Mondriana doprowadziła do jego pierwszych prawdziwie kinetycznych rzeźb, uruchamianych silnikami, które stały się jego charakterystycznymi dziełami sztuki. Rzeźby kinetyczne Caldera są uważane za jedne z najwcześniejszych przejawów sztuki, która świadomie odeszła od tradycyjnego pojęcia dzieła sztuki jako przedmiotu statycznego i zintegrowała idee gestu i niematerialności jako czynników estetycznych.

Pochodzące z 1931 roku abstrakcyjne rzeźby Caldera przedstawiające dyskretne ruchome części napędzane silnikami zostały ochrzczone przez Marcela Duchampa jako „mobile” , co po francusku oznacza zarówno „ruch”, jak i „motyw”. Jednak Calder odkrył, że prace zmotoryzowane czasami stawały się monotonne w swoich zalecanych ruchach. Jego rozwiązaniem, do którego doszedł w 1932 roku, były wiszące rzeźby, których ruch wywodził się z dotyku lub prądów powietrza. Najwcześniejsze z nich były wykonane z drutu, znalezionych przedmiotów i drewna, materiału, którego Calder używał od lat dwudziestych XX wieku. Po wiszących karuzelach pojawiły się w 1934 r. stojące na zewnątrz karuzele z materiałów przemysłowych, które wprawiano w ruch na wolnym powietrzu. Ruchome wiatry miały abstrakcyjne kształty delikatnie wyważone na obrotowych prętach, które poruszały się z najmniejszym prądem powietrza, pozwalając na naturalną grę form i relacji przestrzennych. Calder eksperymentował także z samonośnymi, statycznymi, abstrakcyjnymi rzeźbami, nazwanymi przez Jeana Arpa w 1932 roku „stabilami”, aby odróżnić je od telefonów komórkowych. Na Exposition Internationale des Arts et Techniques dans la Vie Moderne (1937) hiszpański pawilon zawierał rzeźbę Caldera Fontanna Merkurego .

Podczas II wojny światowej Calder kontynuował rzeźbienie, dostosowując się do niedoboru aluminium podczas wojny, powracając do rzeźbionego drewna w nowej otwartej formie rzeźby zwanej „konstelacjami”. Po wojnie Calder zaczął wycinać kształty z blachy w sugestywne formy i ręcznie malować je w charakterystycznych dla siebie odważnych barwach. Calder stworzył małą grupę prac z tego okresu z wiszącą podstawą, na przykład Lily of Force (1945), Baby Flat Top (1946) i Red is Dominant (1947). Wykonał także takie prace, jak Seven Horizontal Discs (1946), które podobnie jak Lily of Force (1945) i Baby Flat Top (1946) mógł zdemontować i wysłać pocztą na swój zbliżający się pokaz w Galerie Louis Carré w Paryżu, pomimo surowych ograniczeń wielkości nałożonych wówczas przez pocztę. Jego wystawa w Carré z 1946 r., zorganizowana przez Duchampa, składała się głównie z wiszących i stojących telefonów komórkowych i wywarła ogromny wpływ, podobnie jak esej do katalogu autorstwa francuskiego filozofa Jean-Paula Sartre'a . W 1951 roku Calder wymyślił nowy rodzaj rzeźby, strukturalnie związany z jego konstelacjami. Te „wieże”, przymocowane do ściany gwoździem, składają się z drucianych rozpórek i belek wystających ze ściany, z ruchomymi przedmiotami zawieszonymi na ich szkieletach.

Nie zaprzeczając potęgi Caldera jako rzeźbiarza, alternatywne spojrzenie na historię sztuki XX wieku przytacza odwrócenie się Caldera na początku lat trzydziestych od jego prac napędzanych silnikiem na rzecz napędzanego wiatrem telefonu komórkowego jako decydujący moment w porzuceniu modernizmu swojego wcześniejszego zaangażowania w maszynę jako krytyczny i potencjalnie ekspresyjny nowy element spraw ludzkich. Zgodnie z tym punktem widzenia telefon komórkowy oznaczał również porzucenie większego celu modernizmu, jakim było zbliżenie z nauką i inżynierią, co miało niefortunne długoterminowe konsekwencje dla sztuki współczesnej.

Monumentalne rzeźby

Trois disques , rzeźba Alexandra Caldera na Expo 67 , na wyspie Saint Helen's Parc Jean-Drapeau , Montreal, Quebec, Kanada

W 1934 roku Calder wykonał swoje pierwsze prace plenerowe w swoim studiu w Roxbury w stanie Connecticut , używając tych samych technik i materiałów, co jego mniejsze prace. Wystawione na zewnątrz, początkowo stojące telefony komórkowe Caldera poruszały się elegancko na wietrze, podskakując i wirując w naturalnych, spontanicznych rytmach. Kilka pierwszych prac na zewnątrz było zbyt delikatnych dla silnych wiatrów, co zmusiło Caldera do ponownego przemyślenia procesu produkcyjnego. W 1936 roku zmienił metody pracy i zaczął tworzyć mniejsze makiety , które następnie powiększył do monumentalnych rozmiarów. Mała makieta, pierwszy krok w produkcji monumentalnej rzeźby, została uznana przez Caldera za rzeźbę samą w sobie. Większe prace wykorzystywały klasyczne techniki powiększania tradycyjnych rzeźbiarzy, w tym jego ojca i dziadka. Rysując swoje projekty na papierze rzemieślniczym, powiększał je za pomocą siatki. Jego wielkoformatowe prace zostały stworzone zgodnie z jego dokładnymi specyfikacjami, jednocześnie dając mu swobodę dostosowywania lub poprawiania kształtu lub linii, jeśli to konieczne.

W latach pięćdziesiątych Calder bardziej koncentrował się na produkcji monumentalnych rzeźb (okres jego agrandissements ), aw latach sześćdziesiątych coraz częściej pojawiały się zamówienia publiczne. Godne uwagi przykłady to .125 (1957) dla lotniska JFK w Nowym Jorku, Spirale (1958) dla UNESCO w Paryżu i Trois disques , zamówione na Expo 67 w Montrealu, Quebec, Kanada. Największą rzeźbą Caldera, mającą 25,7 metra wysokości, był El Sol Rojo , zbudowany przed Estadio Azteca na Letnie Igrzyska Olimpijskie 1968 w ramach „Olimpiady Kulturalnej” w Meksyku . Wiele jego publicznych dzieł sztuki zostało zamówionych przez znanych architektów; na przykład IM Pei zlecił La Grande Voile , 25-tonową, 40-metrową stabilną rzeźbę dla Massachusetts Institute of Technology w 1966 roku.

La Grande Vitesse Caldera (1969), Grand Rapids, Michigan

Większość monumentalnych papeterii i ruchomych rzeźb Caldera została wykonana po 1962 roku w Etablissements Biémont w Tours we Francji. Stworzyłby model swojej pracy, dział inżynierii skalowałby go pod kierunkiem Caldera, a technicy dokończyli właściwą metaloplastykę - wszystko pod czujnym okiem Caldera. Stajnie wykonano z blachy stalowej, następnie pomalowano. Wyjątkiem były Trois disques , wykonane ze stali nierdzewnej o wysokości 24 metrów, zamówione przez International Nickel Company of Canada .

W 1958 roku Calder poprosił Jeana Prouvé o zbudowanie stalowej podstawy Spirale we Francji, monumentalnego pojazdu mobilnego dla UNESCO w Paryżu, podczas gdy szczyt został wyprodukowany w Connecticut.

W czerwcu 1969 Calder uczestniczył w poświęceniu swojej monumentalnej „stabilnej” rzeźby La Grande Vitesse w Grand Rapids w stanie Michigan . Ta rzeźba wyróżnia się tym, że jest pierwszą obywatelską rzeźbą w Stanach Zjednoczonych, która otrzymała fundusze z National Endowment for the Arts .

W 1971 Calder stworzył Bent Propeller , który został zainstalowany przy wejściu do North Tower World Trade Center w Nowym Jorku. Po Battery Park City rzeźba została przeniesiona na ulice Vesey i Church. Rzeźba stała przed 7 World Trade Center do momentu zniszczenia 11 września 2001 roku . W 1973 roku na Bunker Hill w Los Angeles zainstalowano 63-metrową publiczną rzeźbę artystyczną Four Arches w kolorze cynobru, która miała służyć jako „charakterystyczny punkt orientacyjny”. Teren placu został zaprojektowany w warstwach, aby zmaksymalizować efekty wizualne rzeźby.

W 1974 roku Calder odsłonił dwie rzeźby, Flamingo w Federal Plaza i Universe w Sears Tower w Chicago, Illinois, wraz z wystawą Alexander Calder: A Retrospective Exhibition w Museum of Contemporary Art w Chicago, która została otwarta jednocześnie z odsłonięciem rzeźby.

Pierwotnie miał zostać zbudowany w 1977 roku dla budynku biurowego Senatu Hart, Mountains and Clouds został zbudowany dopiero w 1985 roku z powodu cięć budżetowych rządu. Masywny projekt z blachy, ważący 35 ton, obejmuje wysokość dziewięciopiętrowego atrium budynku w Waszyngtonie, DC Calder zaprojektował makietę dla Senatu Stanów Zjednoczonych w ostatnim roku swojego życia.

Produkcje teatralne

Calder stworzył scenografię do kilkunastu produkcji teatralnych, w tym Nucléa , Horizon , a przede wszystkim Panorama Marthy Graham (1935), produkcja dramatu symfonicznego Erika Satie Socrate (1936), a później Works in Progress (1936 ) 1968). Works in Progress był „baletem” wymyślonym przez samego Caldera i wyprodukowanym w Operze Rzymskiej , zawierającym szereg ruchomych elementów, stajni i dużych malowanych teł. Calder opisał niektóre ze swoich scenografii jako tancerzy wykonujących choreografię ze względu na ich rytmiczny ruch.

Malarstwo i grafika

Oprócz rzeźb Calder malował przez całą swoją karierę, począwszy od wczesnych lat dwudziestych XX wieku. Studia grafiki podjął w 1925 roku i nadal tworzył ilustracje do książek i czasopism. Jego projekty z tego okresu obejmują rysunki zwierząt piórem i tuszem do publikacji Ezopa z 1931 roku . Gdy rzeźby Caldera we wczesnych latach trzydziestych przeniosły się w sferę czystej abstrakcji, tak samo stało się z jego grafikami. Cienkie linie używane do definiowania figur we wcześniejszych grafikach i rysunkach zaczęły wyznaczać grupy geometrycznych kształtów, często w ruchu. Calder wykorzystywał również grafiki do rzecznictwa, jak na plakatach z 1967 i 1969 roku protestujących przeciwko wojnie w Wietnamie .

Wraz ze wzrostem profesjonalnej reputacji Caldera w późnych latach czterdziestych i pięćdziesiątych XX wieku wzrosła również jego produkcja odbitek. Sprzedano mnóstwo litografii opartych na jego obrazach gwaszowych i pojawiły się luksusowe wydania sztuk teatralnych, wierszy i opowiadań ilustrowanych grafikami Caldera.

Malowany samolot i samochód

Projekt Caldera w stylu południowoamerykańskim zastosowany do Braniff Douglas DC-8-62 zrobionego na lotnisku w Miami w 1975 roku

Jednym z bardziej niezwykłych przedsięwzięć Caldera było zlecenie Braniff International Airways z Dallas na pomalowanie pełnowymiarowego czterosilnikowego odrzutowca Douglas DC-8 -62 jako „latającego płótna”. George Stanley Gordon , założyciel nowojorskiej agencji reklamowej Gordon and Shortt, zwrócił się do Caldera z pomysłem namalowania odrzutowca w 1972 roku, ale Calder odpowiedział, że nie maluje zabawek. Kiedy Gordon powiedział mu, że proponuje prawdziwy, pełnowymiarowy samolot pasażerski, artysta natychmiast wyraził zgodę. Gordon uznał, że Braniff, znany z łączenia świata mody i designu ze światem lotnictwa, będzie idealną firmą do realizacji tego pomysłu. Prezes Braniff, Harding Lawrence, był bardzo otwarty iw 1973 roku sporządzono kontrakt na malowanie jednego odrzutowca Douglas DC-8-62, nazwanego Flying Colours , oraz 50 gwaszy za łączną cenę 100 000 USD. Dwa lata później Braniff poprosił Caldera o zaprojektowanie okrętu flagowego dla ich floty świętującej dwusetną rocznicę Stanów Zjednoczonych. Ten kawałek, odrzutowiec Boeing 727-291 N408BN, nazwany Latającymi Kolorami Stanów Zjednoczonych i nazywany przez swoich pilotów „Sneaky Snake” (w oparciu o dziwaczne tendencje do lotu), zawierał pofałdowany obraz czerwieni, bieli i błękitu, odzwierciedlający machającą Flaga Ameryki. Trzeci projekt, który miał nosić nazwę Salute to Mexico , został zamówiony, ale nie został ukończony po jego śmierci.

1975 BMW 3.0 CSL pomalowane przez Caldera

W 1975 roku Calderowi zlecono pomalowanie samochodu BMW 3.0 CSL , który byłby pierwszym pojazdem w projekcie BMW Art Car .

Biżuteria

W trakcie swojej kariery Calder stworzył ponad 2000 sztuk biżuterii, z których wiele było prezentami dla przyjaciół. Kilka prac odzwierciedla jego fascynację sztuką z Afryki i innych kontynentów. Wykonano je przeważnie z mosiądzu i stali, z dodatkiem ceramiki, drewna i szkła. Calder rzadko używany lut; kiedy trzeba było łączyć paski metalu, łączył je pętelkami, wiązał skrawkami drutu lub formowanymi nitami. Calder stworzył swoje pierwsze prace w 1906 roku w wieku ośmiu lat dla lalek swojej siostry, używając miedzianego drutu, który znalazł na ulicy.

Dla swojego długoletniego przyjaciela, Joana Miró , Calder umieścił odłamek potłuczonego porcelanowego naczynia w mosiężnym pierścieniu. Peggy Guggenheim otrzymała ogromne srebrne ruchome kolczyki, a później zamówiła młotkowany srebrny zagłówek, który mienił się zwisającymi rybami. W 1942 roku Guggenheim założyła jeden kolczyk Caldera i jeden autorstwa Yvesa Tanguya na otwarcie swojej nowojorskiej galerii The Art of This Century , aby zademonstrować jej równą lojalność wobec surrealizmu i sztuki abstrakcyjnej, których przykłady wystawiała w oddzielnych galeriach. Innymi, którym prezentowano prace Caldera, była bliska przyjaciółka artysty, Georgia O'Keeffe ; Teeny Duchamp , żona Marcela Duchampa ; Jeanne Rucar, żona filmowca Luisa Buñuela ; i Bella Rosenfeld , żona Marca Chagalla .

Wystawy

Sala Caldera w National Gallery of Art w Waszyngtonie

indywidualna wystawa Caldera miała miejsce w 1927 roku w Galerii Jacquesa Seligmanna w Paryżu. Jego pierwsza indywidualna wystawa w galerii handlowej w USA odbyła się w 1928 roku w Weyhe Gallery w Nowym Jorku. Wystawiał z grupą Abstraction-Création w Paryżu w 1933 roku.

W 1935 roku miał swoją pierwszą indywidualną wystawę muzealną w Stanach Zjednoczonych w The Renaissance Society na Uniwersytecie w Chicago . W Nowym Jorku był orędownikiem od wczesnych lat trzydziestych XX wieku przez Museum of Modern Art i był jednym z trzech Amerykanów, którzy zostali uwzględnieni na wystawie Alfreda H. Barra Jr. Kubizm i sztuka abstrakcyjna z 1936 roku .

Pierwsza retrospektywa Caldera odbyła się w 1938 roku w George Walter Vincent Smith Gallery w Springfield, Massachusetts . W 1943 roku Muzeum Sztuki Nowoczesnej było gospodarzem retrospektywy Caldera, której kuratorami byli James Johnson Sweeney i Marcel Duchamp ; pokaz musiał zostać przedłużony ze względu na liczbę zwiedzających. Calder był jednym z 250 rzeźbiarzy, którzy wystawiali się na 3. Sculpture International , która odbyła się w Philadelphia Museum of Art latem 1949 r. Jego telefon komórkowy International Mobile był centralnym punktem wystawy. Calder brał także udział w dokumentach I (1955), II (1959), III (1964). Główne retrospektywy jego twórczości odbyły się w Solomon R. Guggenheim Museum w Nowym Jorku (1964), Fondation Maeght w Saint-Paul-de-Vence we Francji (1969) oraz Museum of Contemporary Art w Chicago (1974). Ponadto obaj dealerzy Caldera, Galerie Maeght w Paryżu i Perls Galleries w Nowym Jorku, mieli średnio jeden pokaz Caldera rocznie.

Kolekcje

Prace Caldera znajdują się w wielu stałych kolekcjach na całym świecie. Whitney Museum of American Art w Nowym Jorku ma największy dorobek Alexandra Caldera. Inne zbiory muzealne obejmują Muzeum Solomona R. Guggenheima w Nowym Jorku; Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku; Centre Georges Pompidou w Paryżu; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía w Madrycie; oraz National Gallery of Art w Waszyngtonie. W kolekcji sztuki Empire State Plaza gubernatora Nelsona A. Rockefellera w Albany w stanie Nowy Jork znajdują się dwie prace.

Filadelfijskie Muzeum Sztuki oferuje widok dzieł trzech pokoleń Alexandra Caldersa. Z okna drugiego piętra po wschodniej stronie Wielkiej Sali Schodowej (po przeciwnej stronie niż kolekcja zbroi) widać za widza własną Ghost Caldera , a dalej na ulicy Fontanna Pamięci Swanna autorstwa jego ojca, A. Stirlinga Caldera , a poza tym pomnik Williama Penna na szczycie ratusza autorstwa dziadka Caldera, Alexandra Milne Caldera .

Uznanie i nagrody

  • 1939 – Pierwsza nagroda w Museum of Modern Art w Nowym Jorku, konkurs na rzeźbę z pleksiglasu
  • 1952 – Reprezentował Stany Zjednoczone na Biennale w Wenecji i otrzymał główną nagrodę za rzeźbę
  • 1955 - Festiwal Sztuki w Filadelfii za prymat w sztuce
  • 1957 - Honorowa nagroda Stevens Institute of Technology za wybitne osiągnięcia
  • 1958 - Pierwsza nagroda za rzeźbę na Pittsburgh International
  • 1958 - Pierwsza nagroda za rzeźbę w Carnegie Prize
  • 1959 – Nagroda wraz z Carlosem Raúlem Villanuevą na IV Biennale, Museu de Arte Moderna, Exposição Internacional de Arquitetura
  • 1960 - Narodowy Instytut Sztuki i Literatury, insygnia
  • 1960 - Złoty Medal Honoru Ligi Architektonicznej Nowego Jorku za rzeźbę w UNESCO
  • 1961 - Złoty Medal Sztuk Pięknych dla Master of Sculpture w American Institute of Architects
  • 1962 - Doroczna nagroda Art in America za wybitny wkład w sztukę amerykańską (wspólnie z Alfredem H. Barrem Jr.)
  • 1962 - Nagroda Creative Arts za rzeźbę na Brandeis University
  • 1963 - Medal Prezydenta Klubu Dyrektora Artystycznego
  • 1963 - Medal Edwarda MacDowella za wybitny wkład w sztukę z The MacDowell Colony
  • 1964 - wybrany do Amerykańskiej Akademii Sztuki i Literatury
  • 1966 - Nagroda dla wybitnego artysty św. Botolpha
  • 1966 - tytuł doktora honoris causa, doktor nauk humanistycznych, Uniwersytet Harvarda
  • 1967 – Sponsor Honorowy Międzynarodowego Festiwalu Filmów Krótkometrażowych w Filadelfii
  • 1968 – Oficer de la Légion d'honneur, Ministerstwo Kultury, Francja
  • 1968 - Nagroda Stanu Nowy Jork
  • 1969 - Honorowy stopień doktora inżynierii, Stevens Institute of Technology
  • 1969 - Klucz do miasta Grand Rapids w stanie Michigan
  • 1969 - Przyznano takie same prawa droit de suite jak autorom francuskim
  • 1969 - Honorowy stopień doktora sztuki, Grand Valley State College
  • ok. 1970 – Monnaie de Paris, 2 monety Caldera
  • 1971 - Złoty Medal za Rzeźbę, National Institute of Arts and Letters oraz American Academy of Arts and Letters
  • 1973 – tytuł doktora honoris causa, doktor sztuk pięknych, University of Hartford
  • 1974 – Commandeur de la Légion d'honneur, Ministerstwo Kultury, Francja
  • 1974 – Saint-Pierre des Corps
  • 1974 – Citoyen d'Honneur, Commune de Sáche, Francja
  • 1974 - Oficjalny dekret burmistrza „Dzień Aleksandra Caldera w Chicago” (25 października 1974)
  • 1974 – Honorowy Obywatel Chicago
  • 1974 – Grand Prix National des Art et Lettres, Ministerstwo Kultury, Francja
  • 1975 – Medal Pokoju ONZ
  • 1975 - Dzwon Wolności, Filadelfia
  • 1975 - Medal Pokojowy ONZ
  • 1976 - Oficjalny Cachet, przedstawiony Calderowi jako projektantowi WFUNA Cachet pierwszego dnia wydania
  • 1977 - Pośmiertnie odznaczony Prezydenckim Medalem Wolności
  • 1977 - Nagroda Goslara za sztukę współczesną
  • 1983 - Mennica Stanów Zjednoczonych wydaje pół uncji złotego medalionu na cześć Caldera
  • 1998 - US Postal Service wydaje zestaw pięciu 32-centowych znaczków na cześć Caldera

Ogrody Caldera

Calder Gardens , 1,8-hektarowe, wewnętrzne i zewnętrzne centrum poświęcone pracy Caldera, ma zostać otwarte pod koniec 2024 roku przy Benjamin Franklin Parkway w Filadelfii.

Rynek sztuki

W późnych latach trzydziestych i wczesnych czterdziestych prace Caldera nie były bardzo poszukiwane, a kiedy się sprzedawały, często za stosunkowo niewielkie pieniądze. Kopia Pierre'a Matisse'a w aktach fundacji pokazuje, że tylko kilka sztuk z wystawy z 1941 roku znalazło nabywców, z których jeden, Solomon R. Guggenheim , zapłacił za pracę tylko 233,34 USD (równowartość 4299 USD w 2021 r.). Muzeum Sztuki Nowoczesnej kupiło swojego pierwszego Caldera w 1934 roku za 60 dolarów, po namówieniu Caldera na obniżenie ze 100 dolarów. A jednak do 1948 roku Calder prawie wyprzedał cały indywidualny pokaz w Rio de Janeiro, stając się pierwszym rzeźbiarzem o międzynarodowej renomie. Galerie Maeght w Paryżu została wyłącznym paryskim sprzedawcą Caldera w 1950 roku i przez resztę życia Caldera. Po niespodziewanej śmierci jego nowojorskiego dealera Curta Valentina w 1954 roku, Calder wybrał Perls Galleries w Nowym Jorku na swojego nowego amerykańskiego dealera, a sojusz ten trwał aż do śmierci Caldera.

W 2010 roku jego metalowy telefon Untitled (Autumn Leaves) został sprzedany w nowojorskim Sotheby's za 3,7 miliona dolarów. Kolejny telefon komórkowy przyniósł Christie's 6,35 miliona dolarów pod koniec tego samego roku. Również w Christie's stojący telefon komórkowy o nazwie Lily of Force (1945), który miał sprzedawać za 8 do 12 milionów dolarów, został kupiony za 18,5 miliona dolarów w 2012 roku . ) przyniosła 25,9 miliona dolarów, ustanawiając rekord aukcji rzeźbiarza w Christie's New York w 2014 roku.

Dziedzictwo

Orzeł (1971). Olimpijski park rzeźby , Seattle , Waszyngton

Począwszy od 1966 roku, zwycięzcy National Magazine Awards otrzymują „Ellie”, miedzianą stajnię przypominającą słonia, zaprojektowaną przez Caldera. Dwa miesiące po śmierci artysta został pośmiertnie odznaczony Geralda Forda Prezydenckim Medalem Wolności , najwyższym cywilnym odznaczeniem Stanów Zjednoczonych . Jednak przedstawiciele rodziny Calderów zbojkotowali ceremonię z 10 stycznia 1977 r., „Aby złożyć oświadczenie opowiadające się za amnestią dla bojowników poboru do wojny w Wietnamie ”.

Fundacja Caldera

W 1987 roku rodzina Caldera założyła Fundację Caldera, „poświęconą gromadzeniu, wystawianiu, ochronie i interpretacji sztuki i archiwów Alexandra Caldera i [jest] obciążona niezrównaną kolekcją jego dzieł”. Fundacja posiada duże zasoby, z których niektóre należą do członków rodziny, a inne do osób wspierających fundację. Sztuka obejmuje ponad 600 rzeźb, w tym telefony komórkowe, stajnie, stojące telefony komórkowe i rzeźby z drutu, a także 22 monumentalne prace plenerowe, a także tysiące obrazów olejnych, prac na papierze, zabawek, biżuterii i przedmiotów gospodarstwa domowego. Po pracy głównie nad katalogowaniem dzieł Caldera, Fundacja Caldera skupia się teraz na organizowaniu światowych wystaw dla artysty. Jeden z wnuków Caldera, Alexander SC „Sandy” Rower, jest prezesem fundacji, a inni członkowie rodziny zasiadają w radzie powierniczej.

Kwestie autentyczności

Fundacja Caldera nie uwierzytelnia dzieł sztuki; raczej właściciele mogą zgłaszać swoje prace do rejestracji w archiwum Fundacji i do wglądu. W skład komisji przeprowadzającej egzaminy wchodzą eksperci, uczeni, kuratorzy muzeów i członkowie rodziny Calder. Witryna internetowa Fundacji Calder zawiera szczegółowe informacje na temat aktualnych zasad i wytycznych dotyczących procedur egzaminacyjnych.

W 1993 roku właściciele Rio Nero (1959), karuzeli z blachy i drutu stalowego, rzekomo autorstwa Caldera, wystąpili do Sądu Okręgowego Stanów Zjednoczonych dla Dystryktu Kolumbii, zarzucając, że nie był to Alexander Calder, jak twierdzi jego sprzedawca. W tym samym roku sędzia federalny orzekł, że w przypadku Rio Nero ciężar dowodu nie został spełniony. [ potrzebne dalsze wyjaśnienia ] Pomimo decyzji właściciele telefonu nie mogli go sprzedać, ponieważ uznany ekspert, Klaus Perls , stwierdził, że jest to kopia. Sędzia rozpoznał wówczas problem, zauważając, że oświadczenie Perlsa sprawi, że Rio Nero będzie nie do sprzedania. W 1994 roku Fundacja Caldera odmówiła włączenia telefonu komórkowego do katalogu raisonné dotyczącego artysty.

Odnosząc się do sprawy Rio Nero , Wydział Apelacyjny Sądu Najwyższego Nowego Jorku w 2009 roku odrzucił apelację kolekcjonera dzieł sztuki, który chciał sprzedać kilka scenografii zaprojektowanych przez Caldera, ale nie doczekanych ukończenia, które zostały bezskutecznie przesłane do Fundacji Caldera w celu uwierzytelnienia. Sąd uznał, że nie ma uprawnień do stwierdzenia autentyczności rzekomego dzieła Caldera ani do nakazania Fundacji Caldera włączenia go do katalogu raisonné.

W 1995 roku pojawiły się pytania dotyczące innego rzekomego Caldera, Two White Dots (nie mylić z utworem o podobnej nazwie, Two White Dots in the Air , który Calder stworzył w 1958 roku). W 1973 roku Calder stworzył metalową makietę o wysokości 1 stopy (0,30 m) dla niezrealizowanej stajni, którą nazwał Two White Dots . Podarował tę makietę Carmen Segretario, założycielce i właścicielce Segré Foundry w Waterbury, Connecticut . Przez dziesięciolecia Calder korzystał z usług Segré Foundry przy produkcji swoich telefonów komórkowych i stajni. Każdy kawałek (bez względu na to, ile kopii zostało wykonanych) byłby osobiście parafowany przez Caldera białą kredą, po czym spawacz podążał za śladami kredy, aby wypalić inicjały w pracy. stworzenia pełnowymiarowej wersji Two White Dots . W 1982 roku Segretario skonstruował pełnowymiarową wersję Two White Dots i sprzedał ją w 1983 handlarzowi dziełami sztuki Shirley Teplitz za 70 000 dolarów. Dokumentacja Segetario twierdziła, że ​​dzieło zostało wykonane około 1974 roku „pod nadzorem i kierownictwem Artysty”. Dwie białe kropki zostały następnie sprzedane na aukcji w maju 1984 roku za 187 000 dolarów. W ciągu następnej dekady utwór był wielokrotnie sprzedawany. W 1995 roku Jon Shirley (były prezes Microsoftu i kolekcjoner Calder) kupił Two White Dots za 1 milion dolarów. Kiedy Shirley przesłała pracę do Fundacji Caldera w celu włączenia jej do ich katalogu raisonné, Fundacja zakwestionowała autentyczność pracy. André Emmerich Gallery zwróciła Shirley pieniądze i pozwała odlewnię Segré, która domagała się ochrony przed upadłością. Pozew został rozstrzygnięty poza sądem pod koniec lat 90. Dwie białe kropki mieszkają teraz na zewnątrz na farmie w pobliżu rzeki w pobliżu małego miasteczka Washington w stanie Connecticut .

W 2013 roku Calder Estate złożył pozew przeciwko majątkowi jego byłego dealera, Klausa Perlsa , zarzucając Perlsowi sprzedaż fałszywych Calderów, a także ukrywanie własności 679 dzieł artysty. Po głośnej bitwie, która była szeroko opisywana w prasie, pozew został oddalony przez sędziego Shirley Werner Kornreich w Sądzie Najwyższym Stanu Nowy Jork .

Życie osobiste

Calder i jego żona Louisa byli rodzicami dwóch córek, Sandry (ur. 1935) i Mary (1939-2011). Mąż Mary, Howard Rower (1939-2000), był prezesem zarządu Fundacji Alexandra i Louisy Calderów. Dwaj synowie Mary i Howarda to Alexander SC „Sandy” Rower (1963), prezes Fundacji Calder i Holton Rower (1962), wiceprezes Fundacji. Alexander Rower założył Fundację w 1987 roku przy wsparciu rodziny Calder. Ma czwórkę dzieci, w tym Gryphon Rower-Upjohn, dźwiękowego eksperymentatora, kompozytora-performera i kuratora w dziedzinie kultury audiowizualnej, znanego również jako Gryphon Rue.

Sandra Calder Davidson i jej zmarły mąż, Jean Davidson, mają syna Shawna (1956) i córkę Andréę (1961). Sandra, Shawn i Andréa są wiceprezesami Fundacji Caldera. Jean Davidson był synem artysty Jo Davidsona . Sandra jest ilustratorką książek dla dzieci. Karykaturowała swoją rodzinę i przyjaciół jako zwierzęta w książce The Calder Family and Other Critters: Portraits and Reflections z 2013 roku .

Rodzina Calderów ma wieloletnie powiązania z Putney School , postępową koedukacyjną szkołą z internatem w Vermont. Córki Caldera uczęszczały do ​​szkoły, podobnie jak kilkoro jego wnuków i prawnuków. Około 2007 roku rodzina Rowerów podarowała firmie Putney stojący telefon komórkowy (telefon komórkowy, który stoi na własnej stałej podstawie). 13-metrowy telefon komórkowy wisi w Calder Hall w Michael S. Currier Center na terenie kampusu.

Galeria

Wybrane prace

  • Pies (1909), składana blacha mosiężna, wykonana jako prezent dla rodziców Caldera
  • Latający trapez (1925), olej na płótnie, 36 x 42 cale.
  • Słoń (ok. 1928), drut i drewno, 11½ x 5¾ x 29,2 cala.
  • Cześć! (ok. 1928), drut mosiężny, podstawa z malowanego drewna, Honolulu Museum of Art
  • Policjant (ok. 1928) drut i drewno.
  • Aztec Josephine Baker (1930), drut, 53 "x 10" x 9 ". Przedstawienie Josephine Baker , żywiołowej tancerki prowadzącej z La Revue nègre w Folies Bergère .
  • Bez tytułu (1931), drut, drewno i silnik; jeden z pierwszych kinetycznych telefonów komórkowych
  • Małe piórka (1931), drut, drewno i farba; pierwszy prawdziwy telefon komórkowy, chociaż zaprojektowany do postawienia na biurku
  • Cône d'ébène (1933), heban, metalowy pręt i drut; wcześnie zawieszony telefon komórkowy (pierwszy powstał w 1932 r.)
  • Obiekt z żółtym tłem (1936), malowane drewno, metal, sznurek, Honolulu Museum of Art
  • Fontanna rtęci (1937), blacha i płynna rtęć
  • Diabelska ryba (1937), blacha, śruby i farba; pierwszy kawałek wykonany z modelu
  • 1939 New York World's Fair (makieta) (1938), blacha, drut, drewno, sznurek i farba
  • Naszyjnik (ok. 1938), drut mosiężny, szkło i lustro
  • Kula przebita cylindrami (1939), drut i farba; pierwsza z wielu wolnostojących „stabili” naturalnej wielkości ( o dwie dekady poprzedzająca rzeźby „bez cokołu” Anthony'ego Caro )
  • Pułapka na homary i ogon ryb (1939), blacha, drut i farba (mobil podwieszany); projekt klatki schodowej Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku
  • Czarna bestia (1940), blacha, śruby i farba (wolnostojąca stabilna bez cokołu)
  • S-Shaped Vine (1946), blacha, drut i farba (podwieszany mobilny)
  • Fabryka mieczy (1947) blacha, drut i farba (mobilna stojąca)
  • Snow Flurry (1948), blacha, drut i farba (mobile zawieszone)
  • Mural Stillman House (1952), Widok na basen w Stillman House
  • .125 (1957), blacha stalowa, pręty i farba
  • Spirale (1958), blacha stalowa, pręt i farba, wysokość 360 cali; publiczna monumentalna mobilna dla Maison de l'UNESCO w Paryżu
  • Guillotine pour huit (gilotyna na osiem) , (1962), w LaM , Villeneuve d'Ascq , Francja
  • Teodelapio (1962), blacha stalowa i farba, monumentalna stajnia, Spoleto , Włochy
  • Haki do nieba (1962)
  • La Grande voile (1966), 33-tonowa metalowa rzeźba złożona z pięciu przecinających się form, czterech płaszczyzn i jednej krzywej. Ma 40 stóp (12 m) wysokości i znajduje się na kampusie Massachusetts Institute of Technology w Cambridge w stanie Massachusetts.
  • Trois disques (1967) płyta ze stali nierdzewnej, śruby i farba, 65 'x 83' x 53', monumentalna stabilna, Montreal Kanada
  • Gwenfritz (1968) Narodowe Muzeum Historii Ameryki
  • Kręgosłup (1968), Muzeum Sztuki w San Diego
  • La Grande Vitesse , (1969), blacha stalowa, śruby i farba, 43' x 55' x 25', Grand Rapids , Michigan
  • Bent Propeller , [zniszczony podczas ataków terrorystycznych z 11 września 2001 r.] 1970–71, 7 World Trade Center, Nowy Jork
  • Peau Rouge Indiana (Red Skin Indiana) (1970), blacha stalowa, śruby i farba, 40' x 32' x 33', Bloomington , Indiana
  • Reims, Croix du Sud (Reims, Cross of the South) (1970), w LaM , Villeneuve d'Ascq , Francja
  • Orzeł (1971), blacha stalowa, śruby i farba, 38'9" x 32'8" x 32'8", Olympic Sculpture Park , Seattle , Waszyngton
  • Biały i czerwony bumerang (1971), Malowany metal, drut, Muzeum Sztuki w Honolulu
  • „Cztery łuki” (1973), malowana na czerwono blacha stalowa, 63 'wysokość Los Angeles, Kalifornia
  • Stegozaur (1973), blacha stalowa, śruby i farba, 50 stóp wysokości, Wadsworth Atheneum , Hartford, Connecticut
  • Cheval Rouge (Red Horse) (1974), blacha malowana na czerwono, w National Gallery w Waszyngtonie
  • Flamingo (1974), stal malowana na czerwono, w Federal Plaza, Chicago, Illinois
  • Universe (1974), zmotoryzowany „mobile ścienne”, stal malowana na czarno, czerwono, żółto i niebiesko, Willis Tower , Chicago, Illinois
  • Czarna flaga (1974), stal malowana na czarno, Storm King Art Center , stan Nowy Jork
  • Tripes (1974), stal malowana na czarno, Storm King Art Center
  • The Arch (1975), stal malowana na czarno, Storm King Art Center
  • The Red Feather (1975), stal malowana na czarno i czerwono, 11 'x 6'3" x 11'2", The Kentucky Center
  • Flying Dragon (1975), stal malowana na czerwono, uważana za ostatnią stabilną, stworzoną osobiście przez Alexandra Caldera, Art Institute of Chicago , Chicago, Illinois
  • Bez tytułu (1976), aluminiowy plaster miodu, rurki i farba, 358½ x 912", National Gallery of Art Washington, DC
  • L'Araignée Rouge (Czerwony pająk) (1976), 15 m wysokości, monumentalna rzeźba, Paryż La Défense Francja
  • Góry i chmury (1976), malowane aluminium i stal, 612 cali x 900 cali, budynek biurowy Hart Senate
  • Zestaw Caldera dla Socrate (1976), scenografia Pivotal zaprezentowana w Nowym Jorku w pierwszą rocznicę śmierci Caldera
  • Five Swords (1976), stal malowana na czerwono, Storm King Art Center

Notatki

  1.   Baal-Teszuwa, Jakub. Aleksander Calder 1898–1976 . Taschen , Kolonia 2002, ISBN 3-8228-7915-0 .
  2.   Kalder, Aleksander. Autobiografia ze zdjęciami . Panteon Książki, 1966, ISBN 978-0-394-42142-1
  3.   Calder Hayes, Małgorzata. Three Alexander Calders: pamiętnik rodzinny . Paul S. Eriksson, 1977, ISBN 0-8397-8017-6 .
  4.   Guerrero, Pedro E. Calder w domu. Radosne środowisko Alexandra Caldera . Stewart, Tabori & Chang , Nowy Jork, 1998, ISBN 978-1-55670-655-4
  5.     Prather, Marla. Aleksander Calder 1898–1976 . Narodowa Galeria Sztuki , Waszyngton, 1998, ISBN 978-0-89468-228-5 , ISBN 978-0-300-07518-2
  6.   Rosenthal, Mark i Alexander SC Rower. Surrealistyczny Calder. Kolekcja Menila , Houston, 2005, ISBN 978-0-939594-60-3
  7.   Rower, Alexander SC Calder Rzeźba . Wydawnictwo wszechświata, 1998, ISBN 978-0-7893-0134-5
  8. Barbara Zabel, Portrety Caldera „Nowy język” (Waszyngton, Smithsonian Institution Scholarly Press, 2012).
  9. Thalacker, Donald W. Miejsce sztuki w świecie architektury . Chelsea House Publishers, Nowy Jork, 1980.
  • 19 grudnia 2014 r. „Znani artyści wysyłają kartki z życzeniami: wystawa w Nowym Jorku prezentuje prawie 60 kartek świątecznych głównych artystów”, The Wall Street Journal . Aleksandra Wolfe.

Dalsza lektura

Linki zewnętrzne

  1. ^ „Znani artyści wysyłają kartki z życzeniami” . Wzajemna sztuka . Źródło 13 stycznia 2015 r .
Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Alexander_Calder&oldid=1140981951 ”