Sztuka

Ten artykuł dotyczy ogólnego pojęcia sztuki. Aby zapoznać się z grupą dyscyplin kreatywnych, zobacz Sztuka . W przypadku innych zastosowań zobacz Art (ujednoznacznienie) .

Zgodnie z ruchem wskazówek zegara, od lewego górnego rogu: autoportret Vincenta van Gogha z 1887 roku ; postać żeńskiego przodka autorstwa Chokwe ; fragment z Narodzin Wenus ( ok. 1484 –1486) autorstwa Sandro Botticellego ; i lew Shisa z Okinawy

Sztuka to różnorodny zakres ludzkiej działalności i wynikający z niej produkt, który obejmuje talent twórczy lub pomysłowy , wyrażający biegłość techniczną, piękno , siłę emocjonalną lub konceptualne idee .

Nie ma ogólnie przyjętej definicji tego, co stanowi sztukę, a jej interpretacja była bardzo zróżnicowana na przestrzeni dziejów i kultur. W tradycji zachodniej trzy klasyczne gałęzie sztuk wizualnych to malarstwo , rzeźba i architektura . Teatr , taniec i inne sztuki sceniczne , jak również literatura , muzyka , film i inne media, takie jak media interaktywne , są objęte szerszą definicją sztuki . Aż do XVII wieku sztuka odnosiła się do jakiejkolwiek umiejętności lub mistrzostwa i nie różniła się od rzemiosła czy nauk ścisłych . We współczesnym użyciu po XVII wieku, gdzie względy estetyczne są najważniejsze, sztuki piękne są oddzielone i odróżnione od ogólnie nabytych umiejętności, takich jak sztuka dekoracyjna lub stosowana .

Natura sztuki i powiązane pojęcia, takie jak kreatywność i interpretacja , są badane w gałęzi filozofii znanej jako estetyka . Powstałe w ten sposób dzieła sztuki są badane w profesjonalnych dziedzinach krytyki sztuki i historii sztuki .

Przegląd

W perspektywie historii sztuki dzieła artystyczne istnieją niemal tak długo, jak ludzkość: od sztuki wczesnoprehistorycznej po sztukę współczesną ; jednak niektórzy teoretycy uważają, że typowa koncepcja „dzieł artystycznych” nie pasuje dobrze poza nowoczesnymi społeczeństwami zachodnimi. Jedno wczesne znaczenie definicji sztuki jest ściśle związane ze starszym łacińskim znaczeniem, które z grubsza przekłada się na „umiejętność” lub „rzemiosło”, kojarzone ze słowami takimi jak „rzemieślnik”. Angielskie słowa wywodzące się z tego znaczenia obejmują artefakt , sztuczny , sztuczny , sztuki medyczne i sztuki wojskowe . Istnieje jednak wiele innych potocznych zastosowań tego słowa, wszystkie w pewnym związku z jego etymologią .

Butelka z XX wieku, dwa ludy, Rwanda. Dzieła artystyczne, oprócz walorów dekoracyjnych, mogą pełnić funkcje praktyczne.

Z czasem filozofowie tacy jak Platon , Arystoteles , Sokrates i Immanuel Kant kwestionowali znaczenie sztuki. Kilka dialogów u Platona porusza pytania dotyczące sztuki: Sokrates mówi, że poezja jest inspirowana muzami i nie jest racjonalna. Mówi z aprobatą o tym i innych formach boskiego szaleństwa (pijaństwo, erotyzm i śnienie) w Fajdrosie ( 265a – c), a jednak w Republice chce zakazać wielkiej sztuki poetyckiej Homera , a także śmiechu. W Ionie Sokrates nie wspomina o dezaprobacie Homera, jaką wyraża w Państwie . Dialog Ion sugeruje, że Iliada Homera funkcjonowała w starożytnym świecie greckim, tak jak Biblia działa dzisiaj we współczesnym świecie chrześcijańskim: jako natchniona przez Boga sztuka literacka, która może zapewnić moralne wskazówki, jeśli tylko można ją właściwie zinterpretować.

Jeśli chodzi o sztukę literacką i muzyczną, Arystoteles uważał poezję epicką , tragedię, komedię, poezję dytyrambiczną i muzykę za sztukę mimetyczną lub naśladowczą, z których każda różni się naśladownictwem ze względu na medium, przedmiot i sposób. Na przykład muzyka naśladuje środkami rytmu i harmonii, podczas gdy taniec naśladuje samym rytmem, a poezja językiem. Formy różnią się także przedmiotem naśladowania. Na przykład komedia to dramatyczne naśladowanie mężczyzn gorszych niż przeciętne; natomiast tragedia naśladuje mężczyzn nieco lepiej niż przeciętnie. Wreszcie, formy różnią się sposobem naśladowania - poprzez narrację lub charakter, zmianę lub brak zmiany oraz dramat lub brak dramatu. Arystoteles uważał, że naśladownictwo jest naturalne dla człowieka i stanowi jedną z przewag człowieka nad zwierzętami.

Nowsze i specyficzne znaczenie słowa sztuka jako skrótu od sztuki twórczej lub sztuk pięknych pojawiło się na początku XVII wieku. Sztuka piękna odnosi się do umiejętności używanej do wyrażania kreatywności artysty lub angażowania wrażliwości estetycznej publiczności lub zachęcania publiczności do rozważenia bardziej wyrafinowanych lub subtelniejszych dzieł sztuki.

W tym ostatnim znaczeniu słowo sztuka może odnosić się do kilku rzeczy: (i) studium umiejętności twórczej, (ii) proces wykorzystania umiejętności twórczej, (iii) produkt umiejętności twórczej lub (iv) doświadczenie publiczności z umiejętnością twórczą. Sztuka twórcza ( sztuka jako dyscyplina) to zbiór dyscyplin, które tworzą dzieła sztuki ( sztuka jako przedmioty), które są napędzane osobistym popędem (sztuka jako aktywność) i przekazują wiadomość, nastrój lub symbolikę, którą odbiorca może zinterpretować (sztuka jako doświadczenie). Sztuka to coś, co stymuluje myśli, emocje, przekonania lub idee jednostki za pomocą zmysłów. Dzieła sztuki mogą być wyraźnie wykonane w tym celu lub interpretowane na podstawie obrazów lub przedmiotów. Dla niektórych uczonych, takich jak Kant, nauki ścisłe i sztukę można było rozróżnić, uznając naukę za dziedzinę wiedzy, a sztukę za dziedzinę wolności wypowiedzi artystycznej.

Tył renesansowej owalnej umywalki lub naczynia w Metropolitan Museum of Art

Często, jeśli umiejętność jest używana w powszechny lub praktyczny sposób, ludzie uznają ją za rzemiosło, a nie za sztukę. Podobnie, jeśli umiejętność jest wykorzystywana w sposób komercyjny lub przemysłowy, można ją uznać za sztukę komercyjną zamiast sztuki pięknej. Z drugiej strony rzemiosło i projektowanie są czasami uważane za sztukę użytkową . Niektórzy zwolennicy sztuki argumentowali, że różnica między sztuką piękną a sztuką użytkową ma więcej wspólnego z osądami wartościującymi na temat sztuki niż z jakąkolwiek wyraźną różnicą definicyjną. Jednak nawet sztuka piękna często ma cele wykraczające poza czystą kreatywność i wyrażanie siebie. Celem dzieł sztuki może być przekazywanie idei, na przykład w sztuce motywowanej politycznie, duchowo lub filozoficznie; stworzyć poczucie piękna (patrz estetyka ); zbadać naturę percepcji; dla przyjemności; lub wywołać silne emocje . Cel może być również pozornie nieistniejący.

Natura sztuki została opisana przez filozofa Richarda Wollheima jako „jeden z najbardziej nieuchwytnych tradycyjnych problemów kultury ludzkiej”. Sztuka została zdefiniowana jako narzędzie do wyrażania lub komunikowania emocji i idei, środek do odkrywania i doceniania elementów formalnych dla nich samych oraz jako mimesis lub reprezentacja . Sztuka jako mimesis ma głębokie korzenie w filozofii Arystotelesa. Lew Tołstoj zidentyfikował sztukę jako użycie pośrednich środków komunikacji między jedną osobą a drugą. Benedetto Croce i RG Collingwood rozwinęli idealistyczny pogląd, że sztuka wyraża emocje, a zatem dzieło sztuki zasadniczo istnieje w umyśle twórcy. Teoria sztuki jako formy ma swoje korzenie w filozofii Kanta i została rozwinięta na początku XX wieku przez Rogera Fry'a i Clive'a Bella . Niedawno myśliciele pod wpływem Martina Heideggera zinterpretowali sztukę jako środek, za pomocą którego społeczność rozwija dla siebie medium do wyrażania siebie i interpretacji. George Dickie zaproponował instytucjonalną teorię sztuki , która definiuje dzieło sztuki jako każdy artefakt, któremu wykwalifikowana osoba lub osoby działające w imieniu instytucji społecznej, powszechnie określanej jako „świat sztuki ” , nadała „status kandydata do uznania”. ". Larry Shiner opisał sztukę piękną jako „nie esencję ani przeznaczenie, ale coś, co stworzyliśmy. Sztuka, jak powszechnie rozumiemy, jest wynalazkiem europejskim, który ma zaledwie dwieście lat”.

Sztuka może być scharakteryzowana pod względem mimesis (reprezentacji rzeczywistości), narracji (opowiadania historii), ekspresji, komunikacji emocji lub innych cech. W okresie romantyzmu sztukę zaczęto postrzegać jako „specjalną zdolność ludzkiego umysłu, którą należy klasyfikować wraz z religią i nauką”.

Historia

Osobny artykuł: Historia sztuki
Figurka Löwenmenscha , mająca od 35 000 do 41 000 lat. Jeden z najstarszych znanych przykładów przedstawienia artystycznego i najstarszy potwierdzony posąg, jaki kiedykolwiek odkryto.

, że muszla wyryta przez Homo erectus ma od 430 000 do 540 000 lat. Zestaw ośmiu szponów bielika sprzed 130 000 lat nosi ślady nacięć i otarć, które wskazują na manipulację przez neandertalczyków, prawdopodobnie w celu wykorzystania ich jako biżuterii. W południowoafrykańskiej jaskini odkryto serię maleńkich, wywierconych muszli ślimaków, które mają około 75 000 lat. Znaleziono pojemniki, które mogły być używane do przechowywania farb, sprzed 100 000 lat.

Najstarszym dziełem sztuki znalezionym w Europie jest Riesenhirschknochen der Einhornhöhle , którego historia sięga 51 000 lat i została wykonana przez neandertalczyków.

Znaleziono rzeźby, malowidła naskalne, malowidła naskalne i petroglify z górnego paleolitu sprzed około 40 000 lat, ale dokładne znaczenie takiej sztuki jest często kwestionowane, ponieważ tak niewiele wiadomo o kulturach, które je stworzyły.

Pierwsze niekwestionowane rzeźby i podobne dzieła sztuki, takie jak Wenus z Hohle Fels , to liczne przedmioty znalezione w jaskiniach i sztuce epoki lodowcowej w Jurze Szwabskiej, wpisanej na Listę Światowego Dziedzictwa UNESCO , gdzie odkryto najstarsze niestacjonarne dzieła sztuki ludzkiej. znalezione, w postaci rzeźbionych figurek zwierząt i humanoidów, oprócz najstarszych odkrytych do tej pory instrumentów muzycznych, z artefaktami datowanymi na okres od 43 000 do 35 000 pne, będąc pierwszym ośrodkiem sztuki ludzkiej.

Malowidło jaskiniowe przedstawiające konia z jaskiń Lascaux , ok. 16 000 lat temu

Wiele wielkich tradycji w sztuce ma swoje korzenie w sztuce jednej z wielkich starożytnych cywilizacji: starożytnego Egiptu , Mezopotamii , Persji , Indii, Chin, starożytnej Grecji, Rzymu, a także Inków , Majów i Olmeków . Każdy z tych ośrodków wczesnej cywilizacji wykształcił niepowtarzalny i charakterystyczny styl w swojej sztuce. Ze względu na rozmiar i czas trwania tych cywilizacji, przetrwało więcej ich dzieł sztuki, a więcej ich wpływów zostało przeniesionych do innych kultur i czasów późniejszych. Niektórzy dostarczyli również pierwszych zapisów o tym, jak pracowali artyści. Na przykład w tym okresie sztuki greckiej czczono ludzką formę fizyczną i rozwijano równoważne umiejętności, aby pokazać muskulaturę, równowagę, piękno i anatomicznie prawidłowe proporcje.

W sztuce bizantyjskiej i średniowiecznej zachodniego średniowiecza wiele sztuk koncentrowało się na wyrażaniu tematów związanych z kulturą biblijną i religijną oraz wykorzystywało style, które ukazywały wyższą chwałę niebiańskiego świata, takie jak użycie złota w tle obrazów, lub szkło w mozaikach lub oknach, które również przedstawiały postacie w wyidealizowanych, wzorzystych (płaskich) formach. Niemniej jednak tradycja klasycznego realizmu przetrwała w małych dziełach bizantyjskich, a realizm stale rósł w sztuce katolickiej Europy .

W sztuce renesansu kładziono znacznie większy nacisk na realistyczne przedstawianie świata materialnego i miejsca w nim człowieka, odzwierciedlonego w cielesności ludzkiego ciała, oraz wypracowano systematyczną metodę perspektywy graficznej do przedstawiania recesji w trójwymiarowej przestrzeń obrazu.

Stylizowany podpis sułtana Mahmuda II z Imperium Osmańskiego został napisany kaligrafią islamską . Brzmi: „Mahmud Khan, syn Abdulhamida, jest na zawsze zwycięski”.
Wielki Meczet w Kairouan w Tunezji, zwany także Meczetem Uqby, jest jednym z najwspanialszych, najbardziej znaczących i najlepiej zachowanych artystycznych i architektonicznych przykładów wczesnych wielkich meczetów. Datowany w obecnym stanie na IX wiek, jest przodkiem i wzorem wszystkich meczetów na zachodnich ziemiach islamskich.

Na wschodzie odrzucenie ikonografii przez sztukę islamu doprowadziło do położenia nacisku na wzory geometryczne , kaligrafię i architekturę . Dalej na wschód religia dominowała także w stylach i formach artystycznych. Indie i Tybet kładły nacisk na malowane rzeźby i taniec, podczas gdy malarstwo religijne zapożyczało wiele konwencji z rzeźby i miało tendencję do jasnych kontrastujących kolorów z naciskiem na kontury. W Chinach rozkwitło wiele form sztuki: rzeźba z jadeitu, wyroby z brązu, garncarstwo (w tym oszałamiająca terakotowa armia cesarza Qin ), poezja, kaligrafia, muzyka, malarstwo, dramat, beletrystyka itp. Chińskie style różnią się znacznie w zależności od epoki i każda jeden jest tradycyjnie nazwany na cześć panującej dynastii. Na przykład z dynastii Tang są monochromatyczne i rzadkie, podkreślając wyidealizowane krajobrazy, ale obrazy z dynastii Ming są ruchliwe i kolorowe oraz skupiają się na opowiadaniu historii poprzez scenerię i kompozycję. Japonia nazywa swoje style również po dynastiach cesarskich, a także widziała wiele wzajemnych zależności między stylami kaligrafii i malarstwa. Drzeworyt stał się ważny w Japonii po XVII wieku.

Chińskie malarstwo artysty Ma Lin z dynastii Song , ok. 1250 . 24,8 × 25,2 cm

Zachodnia epoka oświecenia w XVIII wieku była świadkiem artystycznych przedstawień fizycznych i racjonalnych pewników mechanicznego wszechświata, a także politycznie rewolucyjnych wizji świata postmonarchistycznego, takich jak portret Newtona jako boskiego geometra lub Davida propagandowe obrazy. Doprowadziło to do romantycznego odrzucenia tego na rzecz obrazów emocjonalnej strony i indywidualności człowieka, czego przykładem są powieści Goethego . Pod koniec XIX wieku pojawiło się wiele ruchów artystycznych , takich jak między innymi sztuka akademicka , symbolizm , impresjonizm i fowizm .

Historia sztuki XX wieku jest opowieścią o nieskończonych możliwościach i poszukiwaniu nowych standardów, z których każdy jest niszczony przez następny. Tak więc parametry impresjonizmu , ekspresjonizmu , fowizmu , kubizmu , dadaizmu , surrealizmu itp. nie mogą być utrzymane znacznie dłużej niż czas ich wynalezienia. Rosnąca globalna interakcja w tym czasie przyniosła równoważny wpływ innych kultur na sztukę zachodnią. Tak więc japońskie drzeworyty (same pod wpływem zachodniego renesansu) miały ogromny wpływ na impresjonizm i późniejszy rozwój. Później rzeźby afrykańskie zostały przejęte przez Picassa iw pewnym stopniu przez Matisse'a . Podobnie w XIX i XX wieku Zachód wywarł ogromny wpływ na sztukę Wschodu, a pierwotnie zachodnie idee, takie jak komunizm i postmodernizm, wywierały potężny wpływ.

Modernizm , idealistyczne poszukiwanie prawdy, w drugiej połowie XX wieku ustąpił miejsca uświadomieniu sobie swojej nieosiągalności. Theodor W. Adorno powiedział w 1970 roku: „Obecnie przyjmuje się za pewnik, że nic, co dotyczy sztuki, nie może być już dłużej przyjmowane za pewnik: ani sztuka sama w sobie, ani sztuka w stosunku do całości, ani nawet prawo sztuki do istnienia”. Relatywizm został przyjęty jako nieunikniona prawda, co doprowadziło do okresu sztuki współczesnej i krytyki postmodernistycznej , w której kultury świata i historii postrzegane są jako zmienne formy, które można docenić i czerpać z nich jedynie ze sceptycyzmem i ironią. Co więcej, separacja kultur jest coraz bardziej zatarta, a niektórzy twierdzą, że obecnie bardziej właściwe jest myślenie w kategoriach kultury globalnej niż regionalnej.

W Pochodzeniu dzieła sztuki Martin Heidegger, niemiecki filozof i wybitny myśliciel, opisuje istotę sztuki w kategoriach pojęć bytu i prawdy. Twierdzi, że sztuka jest nie tylko sposobem wyrażania pierwiastka prawdy w kulturze, ale sposobem jej tworzenia i dostarczania odskoczni, z której można odkryć „to, co jest”. Dzieła sztuki nie są jedynie reprezentacjami tego, jak się rzeczy mają, ale w rzeczywistości tworzą wspólne zrozumienie społeczności. Za każdym razem, gdy do jakiejkolwiek kultury dodawane jest nowe dzieło sztuki, znaczenie tego, co ma istnieć, z natury się zmienia.

Historycznie rzecz biorąc, sztuka i umiejętności artystyczne oraz idee były często rozpowszechniane poprzez handel. Przykładem tego jest Jedwabny Szlak , na którym mogły się mieszać wpływy hellenistyczne, irańskie, indyjskie i chińskie. Grecka sztuka buddyjska jest jednym z najbardziej wyrazistych przykładów tej interakcji. Spotkanie różnych kultur i światopoglądów miało również wpływ na twórczość artystyczną. Przykładem tego jest wielokulturowa metropolia portowa Triest z początku XX wieku, gdzie James Joyce spotkał się z pisarzami z Europy Środkowej oraz rozwój artystyczny Nowego Jorku jako tygla kulturowego.

Formy, gatunki, media i style

Napoleon I na swoim cesarskim tronie, Ingres ( francuski, 1806), olej na płótnie
Główny artykuł: Sztuka

Sztuka twórcza jest często podzielona na bardziej szczegółowe kategorie, zwykle według kategorii rozróżnialnych percepcyjnie, takich jak media , gatunek, style i forma. Forma sztuki odnosi się do elementów sztuki , które są niezależne od jej interpretacji lub znaczenia. Obejmuje metody przyjęte przez artystę i fizyczną kompozycję dzieła sztuki, przede wszystkim niesemantyczne aspekty dzieła (tj. figury ), takie jak kolor , kontur , wymiar , medium , melodia , przestrzeń , faktura i wartość . Forma może również obejmować zasady projektowania wizualnego , takie jak aranżacja, równowaga , kontrast , podkreślenie , harmonia , proporcja , bliskość i rytm.

Generalnie istnieją trzy szkoły filozoficzne dotyczące sztuki, skupiające się odpowiednio na formie, treści i kontekście. Ekstremalny formalizm to pogląd, że wszystkie estetyczne właściwości sztuki są formalne (to znaczy są częścią formy sztuki). Filozofowie niemal powszechnie odrzucają ten pogląd i utrzymują, że właściwości i estetyka sztuki wykraczają poza materiały, techniki i formę. Niestety, istnieje niewielki konsensus co do terminologii dla tych nieformalnych właściwości. Niektórzy autorzy odwołują się do przedmiotu i treści – tj. denotacji i konotacji – podczas gdy inni preferują terminy takie jak znaczenie i znaczenie.

Skrajny intencjonalizm utrzymuje, że intencja autora odgrywa decydującą rolę w znaczeniu dzieła sztuki, przekazując treść lub zasadniczą myśl przewodnią, podczas gdy wszystkie inne interpretacje można odrzucić. Definiuje podmiot jako reprezentowane osoby lub idee, a treść jako doświadczenie artysty z tym tematem. Na przykład kompozycja Napoleona I na jego cesarskim tronie jest częściowo zapożyczona z posągu Zeusa w Olimpii . Jak wskazuje tytuł, tematem jest Napoleon , a treścią przedstawienie Napoleona przez Ingresa jako „Imperatora-Boga poza czasem i przestrzenią”. Podobnie jak w przypadku skrajnego formalizmu, filozofowie zazwyczaj odrzucają skrajny intencjonalizm, ponieważ sztuka może mieć wiele niejednoznacznych znaczeń, a intencja autora może być niepoznawalna, a przez to nieistotna. Jego restrykcyjna interpretacja jest „społecznie niezdrowa, filozoficznie nierealna i politycznie niemądra”.

Wreszcie rozwijająca się teoria poststrukturalizmu bada znaczenie sztuki w kontekście kulturowym, takie jak idee, emocje i reakcje wywoływane przez dzieło. Kontekst kulturowy często ogranicza się do technik i intencji artysty, w którym to przypadku analiza przebiega podobnie do formalizmu i intencjonalizmu. Jednak w innych przypadkach mogą dominować uwarunkowania historyczne i materialne, takie jak przekonania religijne i filozoficzne, struktury społeczno-polityczne i gospodarcze, a nawet klimat i geografia. Krytyka sztuki wciąż rośnie i rozwija się wraz ze sztuką.

Umiejętności i rzemiosło

Zobacz też: Sztuka konceptualna i umiejętności artystyczne
Stworzenie Adama , fragment fresku Michała Anioła w Kaplicy Sykstyńskiej (1511)

Sztuka może kojarzyć się z poczuciem wyszkolonych umiejętności lub mistrzostwa w danym medium . Sztuka może również odnosić się do rozwiniętego i wydajnego użycia języka w celu przekazania znaczenia z bezpośredniością lub głębią. Sztukę można zdefiniować jako akt wyrażania uczuć, myśli i spostrzeżeń.

W wyniku obchodzenia się z materiałem dochodzi do zrozumienia, co ułatwia procesy myślowe. Powszechnie uważa się, że sztuka epitetów , szczególnie w jej wzniosłym znaczeniu, wymaga od artysty pewnego poziomu wiedzy twórczej, niezależnie od tego, czy będzie to demonstracja umiejętności technicznych, oryginalność w podejściu stylistycznym, czy połączenie tych dwóch. Tradycyjnie umiejętność wykonania była postrzegana jako cecha nieodłączna od sztuki, a zatem niezbędna do jej powodzenia; dla Leonarda da Vinci sztuka, ani bardziej, ani mniej niż inne jego przedsięwzięcia, była przejawem umiejętności. Dzieło Rembrandta, teraz chwalone za swoje efemeryczne zalety, było najbardziej podziwiane przez współczesnych mu za wirtuozerię . Na przełomie XIX i XX wieku zręczne występy Johna Singera Sargenta były na przemian podziwiane i postrzegane ze sceptycyzmem ze względu na ich płynność manualną, ale prawie w tym samym czasie artysta, który stał się najbardziej rozpoznawalnym i perypatetycznym obrazoburcą epoki, Pablo Picasso , był ukończenie tradycyjnego szkolenia akademickiego, w którym celował.

Fragment obrazu Mona Lisa Leonarda da Vinci , ok. 1503 –1506, przedstawiający technikę malarską sfumato

Powszechna współczesna krytyka niektórych sztuk współczesnych polega na sprzeciwianiu się widocznemu brakowi umiejętności lub zdolności wymaganych do wytworzenia przedmiotu artystycznego. W sztuce konceptualnej Fontanna Marcela Duchampa jest jednym z pierwszych przykładów dzieł, w których artysta wykorzystał znalezione przedmioty („gotowe”) i nie ćwiczył żadnego tradycyjnie uznawanego zestawu umiejętności. „ My Bed ” Tracey Emin czy „The Physical Impossibility of Death in the Mind of Nobody Living” Damiena Hirsta podążają za tym przykładem i również manipulują środkami masowego przekazu. Emin spała (i zajmowała się innymi czynnościami) w swoim łóżku, zanim umieściła wynik w galerii jako dzieło sztuki. Hirst wymyślił projekt koncepcyjny dzieła sztuki, ale większość ostatecznego stworzenia wielu dzieł pozostawił zatrudnionym rzemieślnikom. Sława Hirsta opiera się całkowicie na jego zdolności do tworzenia szokujących koncepcji. Właściwa produkcja wielu konceptualnych i współczesnych dzieł sztuki polega na składaniu znalezionych przedmiotów. Jednak jest wielu modernistycznych i współczesnych artystów, którzy nadal przodują w umiejętnościach rysowania i malowania oraz w tworzeniu praktycznych dzieł sztuki.

Zamiar

Dywan Navajo wykonany ok. 1880
Mozarabska miniatura Beatusa . Hiszpania, koniec X wieku

Sztuka pełniła wiele różnych funkcji w całej swojej historii, przez co jej cel jest trudny do wyabstrahowania lub określenia ilościowego dla jakiejkolwiek pojedynczej koncepcji. Nie oznacza to, że cel sztuki jest „niejasny”, ale że miała wiele unikalnych, różnych powodów, dla których została stworzona. Niektóre z tych funkcji sztuki przedstawiono w poniższym zarysie. Różne cele sztuki można pogrupować według tych, które nie są motywowane, i tych, które są motywowane ( Lévi-Strauss ).

Funkcje niezmotywowane

Niemotywowane cele sztuki to te, które są integralne z byciem człowiekiem, wykraczają poza jednostkę lub nie spełniają określonego celu zewnętrznego. W tym sensie sztuka, jako twórczość, jest czymś, co ludzie muszą robić z samej swojej natury (tj. żaden inny gatunek nie tworzy sztuki), a zatem jest poza użytecznością.

  1. Podstawowy ludzki instynkt harmonii, równowagi, rytmu . Sztuka na tym poziomie nie jest działaniem ani przedmiotem, ale wewnętrznym docenieniem równowagi i harmonii (piękna), a zatem aspektem bycia człowiekiem poza użytecznością.

    Naśladownictwo jest więc jednym z instynktów naszej natury. Następnie pojawia się instynkt „harmonii” i rytmu, a metry są ewidentnie odcinkami rytmu. Dlatego ludzie, wychodząc od tego naturalnego daru, stopniowo rozwijali swoje specjalne zdolności, aż z ich prymitywnych improwizacji zrodziła się Poezja. – Arystoteles

  2. Doświadczenie tajemnicy. Sztuka daje możliwość doświadczania siebie w relacji do wszechświata. To doświadczenie może często przychodzić bez motywacji, ponieważ ceni się sztukę, muzykę lub poezję.

    Najpiękniejszą rzeczą, jakiej możemy doświadczyć, jest tajemnica. Jest źródłem wszelkiej prawdziwej sztuki i nauki. — Alberta Einsteina

  3. Ekspresja wyobraźni. Sztuka zapewnia środki do wyrażania wyobraźni w sposób niegramatyczny, który nie jest związany z formalnościami języka mówionego lub pisanego. W przeciwieństwie do słów, które pojawiają się w sekwencjach i z których każde ma określone znaczenie, sztuka zapewnia szereg form, symboli i idei, których znaczenia są plastyczne.

    Orzeł Jowiszowy [jako przykład sztuki] nie jest, podobnie jak logiczne (estetyczne) atrybuty przedmiotu, pojęciem wzniosłości i majestatu stworzenia, ale raczej czymś innym – czymś, co pobudza wyobraźnię do rozpowszechnienia lotu nad cały szereg pokrewnych przedstawień, które prowokują więcej do myślenia, niż pozwalają na wyrażenie w pojęciu określonym przez słowa. Dostarczają idei estetycznej, która służy powyższej racjonalnej idei jako substytut logicznej prezentacji, ale z właściwą funkcją ożywiania umysłu przez otwieranie mu perspektywy na pole pokrewnych reprezentacji rozciągających się poza jego zasięg. – Immanuela Kanta

  4. Funkcje rytualne i symboliczne. W wielu kulturach sztuka jest wykorzystywana w rytuałach, przedstawieniach i tańcach jako dekoracja lub symbol. Chociaż często nie mają one określonego utylitarnego (motywowanego) celu, antropolodzy wiedzą, że często służą celowi na poziomie znaczenia w określonej kulturze. To znaczenie nie jest nadawane przez jedną osobę, ale często jest wynikiem wielu pokoleń zmian i kosmologicznego związku w obrębie kultury.

    Większość badaczy zajmujących się malowidłami naskalnymi lub przedmiotami wydobytymi z kontekstów prehistorycznych, których nie da się wyjaśnić w kategoriach użytkowych, a zatem zalicza się do kategorii dekoracyjnych, rytualnych lub symbolicznych, zdaje sobie sprawę z pułapki, jaką niesie ze sobą termin „sztuka”. – Silva Tomaskova

Funkcje motywowane

Motywowane cele sztuki odnoszą się do intencjonalnych, świadomych działań artysty lub twórcy. Mogą to być zmiany polityczne, komentowanie jakiegoś aspektu społeczeństwa, przekazanie określonej emocji lub nastroju, zajęcie się psychologią osobistą, zilustrowanie innej dyscypliny, sprzedaż produktu (w przypadku sztuki komercyjnej) lub wykorzystanie jako forma komunikacji.

  1. Komunikacja. Sztuka, najprościej mówiąc, jest formą komunikacji. Ponieważ większość form komunikacji ma zamiar lub cel skierowany do innej osoby, jest to cel umotywowany. Sztuka ilustracyjna, taka jak ilustracja naukowa, jest formą sztuki jako komunikacji. Mapy to kolejny przykład. Jednak treść nie musi być naukowa. Emocje, nastroje i uczucia są również przekazywane poprzez sztukę.

    [Sztuka to zbiór] artefaktów lub obrazów o symbolicznym znaczeniu jako środka komunikacji. — Steve Mithen

  2. Sztuka jako rozrywka . Sztuka może dążyć do wywołania określonej emocji lub nastroju w celu odprężenia lub rozrywki widza. Jest to często funkcja przemysłu artystycznego filmów i gier wideo.
  3. Awangarda. Sztuka dla zmian politycznych. Jedną z definiujących funkcji sztuki początku XX wieku było wykorzystywanie obrazów wizualnych do wprowadzania zmian politycznych. Ruchy artystyczne, które miały ten cel – dadaizm , surrealizm , rosyjski konstruktywizm i abstrakcyjny ekspresjonizm – są wspólnie określane jako sztuki awangardowe .

    Natomiast postawa realistyczna, inspirowana pozytywizmem, od św. Tomasza z Akwinu po Anatola France'a, wydaje mi się wyraźnie wrogo nastawiona do jakiegokolwiek postępu intelektualnego czy moralnego. Nienawidzę tego, ponieważ składa się z przeciętności, nienawiści i tępej zarozumiałości. Z tej właśnie postawy rodzą się dziś te śmieszne książki, te obraźliwe sztuki. Nieustannie żywi się i czerpie siłę z gazet i ogłupia zarówno naukę, jak i sztukę, wytrwale schlebiając najniższym gustom; klarowność granicząca z głupotą, psie życie. – André Breton (surrealizm)

  4. Sztuka jako „wolna strefa” , odsunięta od działania społecznej cenzury. W przeciwieństwie do ruchów awangardowych, które dążyły do ​​wymazania różnic kulturowych w celu wytworzenia nowych uniwersalnych wartości, sztuka współczesna zwiększyła swoją tolerancję wobec różnic kulturowych, a także swoje funkcje krytyczne i wyzwalające (badania społeczne, aktywizm, dywersja, dekonstrukcja itp.) , stając się bardziej otwartym miejscem badań i eksperymentów.
  5. Sztuka do badań społecznych, działalności wywrotowej lub anarchii. Choć podobna do sztuki na rzecz zmian politycznych, sztuka wywrotowa lub dekonstruktywistyczna może dążyć do kwestionowania aspektów społeczeństwa bez określonego celu politycznego. W tym przypadku funkcja sztuki może być wykorzystana do krytyki jakiegoś aspektu społeczeństwa.
    Graffiti w sprayu na ścianie w Rzymie
    Graffiti i inne rodzaje sztuki ulicznej to grafiki i obrazy malowane sprayem lub umieszczane na publicznie widocznych ścianach, budynkach, autobusach, pociągach i mostach, zwykle bez pozwolenia. Niektóre formy sztuki, takie jak graffiti, mogą być również nielegalne, jeśli łamią prawo (w tym przypadku wandalizm).
  6. Sztuka dla celów społecznych. Sztuka może służyć do podnoszenia świadomości z wielu różnych powodów. Szereg działań artystycznych miało na celu podniesienie świadomości na temat autyzmu , raka, handlu ludźmi i wielu innych tematów, takich jak ochrona oceanów, prawa człowieka w Darfurze , zamordowane i zaginione aborygeńskie kobiety, znęcanie się nad osobami starszymi i zanieczyszczenie. Trashion , czyli wykorzystywanie śmieci do tworzenia mody, praktykowane przez artystów takich jak Marina DeBris, jest jednym z przykładów wykorzystywania sztuki do podnoszenia świadomości na temat zanieczyszczeń.
  7. Sztuka do celów psychologicznych i leczniczych. Sztuka jest również wykorzystywana przez arteterapeutów, psychoterapeutów i psychologów klinicznych jako arteterapia . Seria rysunków diagnostycznych służy na przykład do określenia osobowości i funkcjonowania emocjonalnego pacjenta. Produkt końcowy nie jest w tym przypadku głównym celem, ale raczej poszukiwany jest proces uzdrawiania poprzez akty twórcze. Powstałe dzieło sztuki może również dawać wgląd w problemy doświadczane przez badanego i może sugerować odpowiednie podejścia do zastosowania w bardziej konwencjonalnych formach terapii psychiatrycznej.
  8. Sztuka dla propagandy lub komercji. Sztuka jest często wykorzystywana jako forma propagandy, a zatem może być wykorzystywana do subtelnego wpływania na popularne koncepcje lub nastroje. W podobny sposób sztuka, która próbuje sprzedać produkt, również wpływa na nastrój i emocje. W obu przypadkach celem sztuki jest tutaj subtelne manipulowanie widzem w celu wywołania określonej emocjonalnej lub psychologicznej reakcji na określoną ideę lub przedmiot.
  9. Sztuka jako wskaźnik sprawności. Argumentowano, że możliwości ludzkiego mózgu znacznie przekraczają to, co było potrzebne do przetrwania w środowisku przodków. Jednym z psychologii ewolucyjnej jest to, że ludzki mózg i związane z nim cechy (takie jak zdolności artystyczne i kreatywność) są ludzkim odpowiednikiem pawiego ogona . Argumentowano, że celem ekstrawaganckiego ogona samca pawia jest przyciąganie samic (patrz także zasada uciekiniera rybaka i upośledzenie ). Zgodnie z tą teorią lepsze wykonanie sztuki było ewolucyjnie ważne, ponieważ przyciągało partnerów.

Opisane powyżej funkcje sztuki nie wykluczają się wzajemnie, gdyż wiele z nich może się nakładać. Na przykład sztuka dla celów rozrywkowych może również mieć na celu sprzedaż produktu, np. filmu lub gry wideo.

Kroki

Sztukę można podzielić na dowolną liczbę etapów, na rzecz których można argumentować. Ta sekcja dzieli proces twórczy na szerokie trzy etapy, ale nie ma zgody co do dokładnej liczby.

Przygotowanie

Myśliciel w The Gates of Hell w Musée Rodin

W pierwszym kroku artysta wyobraża sobie sztukę w swoim umyśle. Wyobrażając sobie, jak wyglądałaby ich sztuka, artysta rozpoczyna proces powoływania sztuki do istnienia. Niektórzy postulują, że samo myślenie o sztuce ją tworzy . Inni twierdzą, że myślenie o tym bezpośrednio zwiększy szanse, że się pojawi . Przygotowanie sztuki może wiązać się z podejściem i badaniem tematu. Inspiracja artystyczna jest jednym z głównych motorów sztuki i można ją uznać za wynikającą z instynktu, wrażeń i uczuć. „Iluminacją” idei artystycznej jest „natknięcie się na ideę”.

kreacja

Wielka fala u wybrzeży Kanagawy , pierwsza z serii Hokusai Trzydzieści sześć widoków na górę Fuji

W drugim kroku artysta wykonuje tworzenie swojego dzieła. Sztuka, którą tworzy artysta, może zależeć od jego nastroju , otoczenia i stanu psychicznego . Na przykład Czarne obrazy Francisco de Goya , stworzone w starszych latach jego życia, są uważane za tak ponure, ponieważ przebywał w izolacji i z powodu swoich doświadczeń wojennych. Malował je bezpośrednio na ścianach swojego mieszkania w Hiszpanii i najprawdopodobniej nigdy z nikim o nich nie rozmawiał. The Beatles stwierdzili, że narkotyki, takie jak LSD i marihuana, wpłynęły na niektóre z ich największych hitów, takie jak Revolver . Próby i błędy są uważane za integralną część procesu tworzenia.

Uznanie

Ostatnim krokiem jest docenienie sztuki , które ma podtemat krytyki. W jednym badaniu ponad połowa studentów sztuk wizualnych zgodziła się, że refleksja jest niezbędnym etapem procesu artystycznego. Według czasopism edukacyjnych refleksja nad sztuką jest uważana za istotną część doświadczenia. Jednak ważnym aspektem sztuki jest to, że inni również mogą ją oglądać i doceniać. Podczas gdy wielu skupia się na tym, czy osoby oglądające/słuchające/etc. niezależnie od tego, czy sztuka jest dobra/sukcesywna, czy nie, sztuka ma głęboką wartość wykraczającą poza jej sukces komercyjny jako dostawca informacji i zdrowia w społeczeństwie. Radość ze sztuki może wywołać szerokie spektrum emocji ze względu na piękno . Część sztuki ma być praktyczna, a jej analiza powinna być pilna i ma stymulować dyskurs.

Dostęp publiczny

Metropolitan Museum of Art na Manhattanie . Muzea są ważnymi forami wystawiania sztuki wizualnej .

Od czasów starożytnych większość najwspanialszych dzieł sztuki stanowiła celowy pokaz bogactwa lub władzy, często osiągany przy użyciu masowych rozmiarów i drogich materiałów. Wiele dzieł sztuki zostało zamówionych przez władców politycznych lub instytucje religijne, a skromniejsze wersje są dostępne tylko dla najbogatszych w społeczeństwie.

Niemniej jednak było wiele okresów, w których sztuka o bardzo wysokiej jakości była dostępna pod względem własności dla dużej części społeczeństwa, przede wszystkim w tanich mediach, takich jak ceramika, która pozostaje w ziemi, oraz w mediach łatwo psujących się, takich jak tekstylia i drewno . W wielu różnych kulturach ceramika rdzennych mieszkańców obu Ameryk znajduje się w tak szerokiej gamie grobów, że najwyraźniej nie była ograniczona do elity społecznej , chociaż mogły istnieć inne formy sztuki. Metody reprodukcji, takie jak formy , ułatwiły masową produkcję i zostały wykorzystane do wprowadzenia na bardzo szeroki rynek wysokiej jakości ceramiki starożytnego Rzymu i greckich figurek Tanagra . Pieczęcie cylindryczne były zarówno artystyczne, jak i praktyczne, i były bardzo szeroko stosowane przez to, co można luźno nazwać klasą średnią na starożytnym Bliskim Wschodzie . Kiedy monety były powszechnie używane, stały się one również formą sztuki, która dotarła do najszerszego kręgu społeczeństwa.

Kolejna ważna innowacja pojawiła się w XV wieku w Europie, kiedy zaczęto drukować od małych drzeworytów , głównie religijnych, często bardzo małych i ręcznie kolorowanych, dostępnych nawet dla chłopów , którzy przyklejali je do ścian swoich domów. Książki drukowane były początkowo bardzo drogie, ale ich cena stale spadała, aż w XIX wieku nawet najbiedniejsi mogli sobie pozwolić na niektóre z drukowanymi ilustracjami. Popularne grafiki różnego rodzaju od wieków zdobią domy i inne miejsca.

Kunstmuseum Basel , Muzeum Sztuki w Bazylei w Szwajcarii, jest najstarszym publicznym muzeum sztuki na świecie.

W 1661 roku miasto Bazylea w Szwajcarii otworzyło pierwsze publiczne muzeum sztuki na świecie, Kunstmuseum Basel . Dziś jego kolekcja wyróżnia się imponująco szerokim rozpiętością historyczną, od początku XV wieku po współczesność. Jego różne obszary nacisku nadają mu międzynarodową pozycję jako jednego z najważniejszych muzeów tego rodzaju. Obejmują one: obrazy i rysunki artystów działających w rejonie Górnego Renu w latach 1400-1600 oraz sztukę XIX-XXI wieku.

Budynki i pomniki użyteczności publicznej , świeckie i religijne, z natury rzeczy skierowane są do ogółu społeczeństwa, a zwiedzający są widzami, a eksponowanie ogółu społeczeństwa od dawna stanowi ważny czynnik przy ich projektowaniu. Typowe dla świątyń egipskich jest to, że największa i najbogatsza dekoracja została umieszczona na częściach widocznych dla ogółu społeczeństwa, a nie na obszarach widocznych tylko dla kapłanów. Wiele obszarów pałaców królewskich, zamków i domów elity społecznej było często ogólnodostępnych, a duże części kolekcji dzieł sztuki takich osób często mógł oglądać każdy, albo ci, którzy byli w stanie zapłacić niewielką cenę, albo ci, którzy noszenie odpowiednich ubrań, niezależnie od tego, kim byli, jak w Pałacu Wersalskim , gdzie odpowiednie dodatkowe akcesoria (srebrne sprzączki do butów i miecz) można było wypożyczyć w sklepach na zewnątrz.

Poczyniono specjalne ustalenia, aby umożliwić publiczności obejrzenie wielu kolekcji królewskich lub prywatnych umieszczonych w galeriach, tak jak w przypadku kolekcji orleańskiej, która mieściła się głównie w skrzydle Palais Royal w Paryżu, które można było zwiedzać przez większą część XVIII wieku. We Włoszech turystyka artystyczna w Grand Tour stała się głównym przemysłem od renesansu, a rządy i miasta podejmowały wysiłki, aby udostępnić swoje kluczowe dzieła. Brytyjska kolekcja królewska pozostaje odrębna, ale duże darowizny, takie jak Stara Biblioteka Królewska , zostały przekazane założonemu w 1753 r. Muzeum Brytyjskiemu . Uffizi we Florencji zostało otwarte w całości jako galeria w 1765 r., Chociaż funkcja ta stopniowo przejmowała budynek dawno temu z pierwotnych urzędów państwowych. Budynek zajmowany obecnie przez Prado w Madrycie został zbudowany przed rewolucją francuską w celu publicznego wyświetlania części królewskiej kolekcji sztuki, a podobne królewskie galerie otwarte dla publiczności istniały w Wiedniu , Monachium i innych stolicach. Otwarcie Musée du Louvre podczas Rewolucji Francuskiej (w 1793 r.) jako muzeum publicznego dla dużej części dawnej francuskiej kolekcji królewskiej z pewnością stanowiło ważny etap w rozwoju publicznego dostępu do sztuki, przenosząc własność na państwo republikańskie, ale było kontynuacja trendów już ugruntowanych.

Większość nowoczesnych muzeów publicznych i programów edukacji artystycznej dla dzieci w szkołach wywodzi się z tego impulsu, aby sztuka była dostępna dla każdego. Jednak muzea nie tylko zapewniają dostępność sztuki, ale także wpływają na sposób, w jaki sztuka jest postrzegana przez publiczność, jak wykazały badania. Tak więc samo muzeum jest nie tylko tępą sceną prezentacji sztuki, ale odgrywa aktywną i żywotną rolę w ogólnym postrzeganiu sztuki we współczesnym społeczeństwie.

Muzea w Stanach Zjednoczonych są zwykle prezentami od bardzo bogatych mas. ( Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku zostało stworzone przez Johna Taylora Johnstona , dyrektora kolei, którego osobista kolekcja dzieł sztuki zapoczątkowała muzeum). Mimo to przynajmniej jedna z ważnych funkcji sztuki w XXI wieku wieku pozostaje wyznacznikiem bogactwa i statusu społecznego.

Artyści podejmowali próby stworzenia sztuki, której bogaci nie mogą kupić jako przedmiotu statusu. Jednym z głównych pierwotnych motywów większości dzieł sztuki późnych lat 60. i 70. było tworzenie sztuki, której nie można było kupić ani sprzedać. „Konieczne jest przedstawienie czegoś więcej niż tylko przedmiotów” – powiedział główny powojenny niemiecki artysta Joseph Beuys . W tym okresie powstały takie rzeczy, jak sztuka performance, sztuka wideo i sztuka konceptualna . Pomysł polegał na tym, że jeśli dzieło sztuki było przedstawieniem, które nic po sobie nie pozostawiło, lub było pomysłem, nie można go było kupować ani sprzedawać. „Demokratyczne zasady krążące wokół idei, że dzieło sztuki jest towarem, napędzały estetyczną innowację, która zakiełkowała w połowie lat 60. za zaangażowanie zarówno w materialne, jak i materialistyczne kwestie związane z formą malarską lub rzeźbiarską… [usiłowali] podważyć przedmiot sztuki jako przedmiot”.

Wersal: Louis Le Vau otworzył wewnętrzny dziedziniec, aby stworzyć rozległy cour d'honneur wejściowy , później skopiowany w całej Europie.

W następnych dziesięcioleciach te idee zostały nieco zagubione, ponieważ rynek sztuki nauczył się sprzedawać limitowane edycje płyt DVD z pracami wideo, zaproszenia na ekskluzywne dzieła sztuki performance i przedmioty pozostałe po dziełach konceptualnych. Wiele z tych przedstawień tworzy dzieła, które są zrozumiałe tylko dla elity, która została wykształcona, dlaczego pomysł, wideo lub pozorny śmieć można uznać za sztukę. Wyznacznikiem statusu staje się zrozumienie dzieła, zamiast konieczności jego posiadania, a dzieło sztuki pozostaje działalnością klasy wyższej. „Wraz z powszechnym stosowaniem technologii nagrywania DVD na początku XXI wieku artyści i system galerii, który czerpie zyski ze sprzedaży dzieł sztuki, zyskał ważny sposób kontrolowania sprzedaży wideo i dzieł komputerowych w limitowanych edycjach kolekcjonerom”.

Kontrowersje

Théodore Géricault , Tratwa Meduzy , ok. 1820

Sztuka od dawna jest kontrowersyjna, to znaczy nielubiana przez niektórych widzów, z wielu różnych powodów, chociaż większość przednowoczesnych kontrowersji jest słabo rejestrowana lub całkowicie zagubiona we współczesnym spojrzeniu. Ikonoklazm to niszczenie sztuki nielubianej z różnych powodów, w tym religijnych. Anikonizm to ogólna niechęć do wszystkich obrazów figuratywnych lub często tylko do obrazów religijnych i był wątkiem wielu głównych religii. Był to kluczowy czynnik w historii sztuki islamu , gdzie wizerunki Mahometa pozostają szczególnie kontrowersyjne. Wiele dzieł sztuki było nielubianych tylko dlatego, że przedstawiały lub w inny sposób reprezentowały niepopularnych władców, partie lub inne grupy. Konwencje artystyczne były często konserwatywne i traktowane bardzo poważnie przez krytyków sztuki , choć często znacznie mniej przez szerszą publiczność. Kontrowersje budzić mogła zawartość ikonograficzna dzieł sztuki, jak w przypadku późnośredniowiecznych przedstawień nowego motywu omdlenia Marii w scenach Ukrzyżowania Jezusa . Sąd Ostateczny Michała Anioła był kontrowersyjny z różnych powodów, w tym naruszenia przyzwoitości przez nagość i pozę Chrystusa podobną do Apolla .

Treść większości dzieł sztuki formalnej w historii była dyktowana przez mecenasa lub zleceniodawcę, a nie tylko przez artystę, ale wraz z nadejściem romantyzmu i ekonomicznymi zmianami w produkcji sztuki wizja artysty stała się zwykłym wyznacznikiem treści jego twórczości. sztuki, zwiększając liczbę kontrowersji, choć często zmniejszając ich znaczenie. Silne zachęty do postrzeganej oryginalności i rozgłosu również zachęcały artystów do kontrowersji. Tratwa Meduzy Théodore'a Géricaulta ( ok. 1820 ) była po części politycznym komentarzem do niedawnego wydarzenia. Le Déjeuner sur l'Herbe (1863) Édouarda Maneta uznano za skandaliczne nie z powodu nagiej kobiety, ale dlatego, że siedzi ona obok mężczyzn ubranych w strój tamtych czasów, a nie w szaty świata antycznego. Madame Pierre Gautreau (Madam X) Johna Singera Sargenta ( 1884) wywołała kontrowersje wokół czerwonawo-różowego koloru płatka ucha kobiety, uważanego za zbyt sugestywny i rzekomo rujnującego reputację modelki z wyższych sfer. Stopniowe odchodzenie od naturalizmu i przedstawianie realistycznych przedstawień wizualnego wyglądu przedmiotów w XIX i XX wieku doprowadziło do trwającej ponad sto lat kontrowersji.

Performance Josepha Beuysa , 1978: Każdy artysta – W drodze do wolnościowej formy organizmu społecznego

W XX wieku Guernica Pabla Picassa (1937) wykorzystała porywające techniki kubistyczne i surowe monochromatyczne oleje , aby zobrazować wstrząsające konsekwencje współczesnego bombardowania małego, starożytnego baskijskiego miasta. Przesłuchanie III Leona Goluba (1981) przedstawia nagą więźniarkę w kapturze przypiętą do krzesła, z rozchylonymi nogami odsłaniającymi narządy płciowe, otoczoną przez dwóch dręczycieli ubranych w codzienne ubrania. Piss Christ Andresa Serrano (1989) to fotografia krucyfiksu, świętego dla religii chrześcijańskiej, przedstawiającego ofiarę i ostateczne cierpienie Chrystusa , zanurzonego w szklance z własnym moczem artysty. Wynikająca z tego wrzawa doprowadziła do komentarzy w Senacie Stanów Zjednoczonych na temat publicznego finansowania sztuki.

Teoria

Główny artykuł: Estetyka

Przed modernizmem estetyka w sztuce zachodniej była bardzo zainteresowana osiągnięciem odpowiedniej równowagi między różnymi aspektami realizmu lub prawdy natury i ideału ; poglądy na to, jaka jest właściwa równowaga, zmieniały się na przestrzeni wieków. Ta troska jest w dużej mierze nieobecna w innych tradycjach sztuki. Teoretyk estetyki, John Ruskin , który był orędownikiem tego, co uważał za naturalizm J. M. W. Turnera , postrzegał rolę sztuki jako sztucznego przekazywania zasadniczej prawdy, którą można znaleźć jedynie w naturze.

Definicja i ocena sztuki stała się szczególnie problematyczna od XX wieku. Richard Wollheim wyróżnia trzy podejścia do oceny wartości estetycznej sztuki: realistyczne , według którego jakość estetyczna jest wartością absolutną, niezależną od jakiegokolwiek ludzkiego poglądu; obiektywista , ale zależy od ogólnego doświadczenia ludzkiego; oraz stanowisko relatywistyczne , zgodnie z którym nie jest to wartość bezwzględna, ale zależy od ludzkich doświadczeń różnych ludzi i zmienia się wraz z nimi.

Nadejście modernizmu

Kompozycja z czerwonym, niebieskim i żółtym (1930) autorstwa Pieta Mondriana (holenderski, 1872–1944)

Pojawienie się modernizmu pod koniec XIX wieku doprowadziło do radykalnego przełomu w koncepcji funkcji sztuki, a następnie ponownie pod koniec XX wieku wraz z nadejściem postmodernizmu . Artykuł Clementa Greenberga z 1960 r. „Malarstwo modernistyczne” definiuje sztukę współczesną jako „wykorzystanie charakterystycznych metod dyscypliny do krytyki samej dyscypliny”. Greenberg pierwotnie zastosował tę ideę do ruchu abstrakcyjnego ekspresjonizmu i wykorzystał ją jako sposób na zrozumienie i uzasadnienie płaskiego (nieiluzjonistycznego) malarstwa abstrakcyjnego:

Realistyczna, naturalistyczna sztuka zdemaskowała medium, używając sztuki do ukrycia sztuki; modernizm wykorzystywał sztukę do zwrócenia uwagi na sztukę. Ograniczenia, jakie konstytuują medium malarstwa – płaska powierzchnia, kształt podłoża, właściwości pigmentu – były traktowane przez Starych Mistrzów jako czynniki negatywne, które można było uznać jedynie implicite lub pośrednio. W modernizmie te same ograniczenia zaczęto uważać za czynniki pozytywne i otwarcie je uznano.

Po Greenbergu pojawiło się kilku ważnych teoretyków sztuki, takich jak między innymi Michael Fried , TJ Clark , Rosalind Krauss , Linda Nochlin i Griselda Pollock . Chociaż pierwotnie miała służyć jedynie jako sposób zrozumienia określonej grupy artystów, definicja sztuki współczesnej Greenberga jest ważna dla wielu idei sztuki w ramach różnych ruchów artystycznych XX i początku XXI wieku.

Artyści popowi, tacy jak Andy Warhol, stali się zarówno godni uwagi, jak i wpływowi dzięki pracy obejmującej i prawdopodobnie krytykującej kulturę popularną , a także świat sztuki . Artyści lat 80., 90. i 2000. rozszerzyli tę technikę samokrytyki poza sztukę wysoką na wszelkie formy tworzenia obrazów kulturowych, w tym obrazy mody, komiksy, billboardy i pornografię.

Duchamp powiedział kiedyś, że sztuka to wszelka działalność – wszystko. Jednak sposób, w jaki tylko niektóre czynności są dziś klasyfikowane jako sztuka, jest konstrukcją społeczną. Istnieją dowody na to, że może być w tym ziarno prawdy. W The Invention of Art: A Cultural History Larry Shiner przygląda się konstrukcji nowoczesnego systemu sztuki, czyli sztuk pięknych. Znajduje dowody na to, że starszy system sztuk przed naszym nowoczesnym systemem (sztuki piękne) uważał sztukę za każdą wymagającą umiejętności działalność ludzką; na przykład społeczeństwo starożytnej Grecji nie posiadało terminu sztuka , ale techne . Techne nie może być rozumiana ani jako sztuka, ani jako rzemiosło, ponieważ różnice między sztuką a rzemiosłem są produktami historycznymi, które pojawiły się później w historii ludzkości. Techne obejmowało malarstwo, rzeźbę i muzykę, ale także gotowanie, medycynę, jazdę konną , geometrię , stolarstwo, proroctwa i rolnictwo itp.

Nowa krytyka i „zamierzony błąd”

Po Duchampie w pierwszej połowie XX wieku nastąpił znaczący zwrot w kierunku ogólnej teorii estetyki, która próbowała zastosować do siebie teorię estetyczną między różnymi formami sztuki, w tym sztukami literackimi i wizualnymi. Doprowadziło to do powstania Nowej Krytyki i debaty na temat błędu intencjonalnego . Sporna była kwestia, czy intencje estetyczne artysty przy tworzeniu dzieła sztuki, niezależnie od jego konkretnej formy, powinny być związane z krytyką i oceną końcowego wytworu dzieła sztuki, czy też, jeśli dzieło sztuki należy oceniać na podstawie własnych zalet, niezależnych od intencji artysty.

W 1946 roku William K. Wimsatt i Monroe Beardsley opublikowali klasyczny i kontrowersyjny esej New Critical zatytułowany „ The Intentional Fallacy ”, w którym stanowczo argumentowali przeciwko trafności intencji autora lub „zamierzonego znaczenia” w analizie dzieła literackiego . Dla Wimsatta i Beardsleya liczyły się tylko słowa na stronie; import znaczeń spoza tekstu uznano za nieistotny i potencjalnie rozpraszający.

W innym eseju, „ The Affective Fallacy ”, który służył jako swego rodzaju siostrzany esej do „The Intentional Fallacy”, Wimsatt i Beardsley również odrzucili osobistą/emocjonalną reakcję czytelnika na dzieło literackie jako ważny sposób analizy tekstu. Ten błąd został później odrzucony przez teoretyków ze szkoły teorii literatury opartej na reakcji czytelnika . Jak na ironię, jeden z czołowych teoretyków tej szkoły, Stanley Fish , sam był szkolony przez New Critics. Fish krytykuje Wimsatta i Beardsleya w swoim eseju „Literature in the Reader” z 1970 roku.

Jak podsumowali Berys Gaut i Paisley Livingston w swoim eseju „The Creation of Art”: „teoretycy i krytycy strukturalistów i poststrukturalistów ostro krytykowali wiele aspektów nowej krytyki, poczynając od nacisku na uznanie estetyczne i tak zwaną autonomię sztuki, ale powtórzyli atak na założenie krytyki biograficznej, że działalność i doświadczenie artysty są uprzywilejowanym tematem krytycznym”. Autorzy ci twierdzą, że: „Antyintencjonaliści, tacy jak formaliści, utrzymują, że intencje związane z tworzeniem sztuki są nieistotne lub drugorzędne dla prawidłowej interpretacji sztuki. Tak więc szczegóły aktu tworzenia dzieła, choć być może interesujące same w sobie, nie mają wpływu na prawidłową interpretację dzieła”.

Gaut i Livingston definiują intencjonalistów jako różnych od formalistów, stwierdzając, że: „Intencjonaliści, w przeciwieństwie do formalistów, uważają, że odniesienie do intencji jest niezbędne do ustalenia prawidłowej interpretacji dzieł”. Cytują Richarda Wollheima, który stwierdził, że „zadaniem krytyki jest rekonstrukcja procesu twórczego, w którym z kolei proces twórczy należy postrzegać jako coś, co nie zatrzymuje się przed samym dziełem sztuki, ale na nim kończy”.

„Zwrot językowy” i jego debata

Koniec XX wieku sprzyjał szeroko zakrojonej debacie znanej w filozofii sztuki jako spór o zwrot językowy lub „spór o niewinne oko”. W tej debacie rozważano spotkanie dzieła sztuki jako określone przez względny stopień, w jakim konceptualne spotkanie z dziełem sztuki dominuje nad percepcyjnym spotkaniem z dziełem sztuki.

Decydujące dla debaty o przełomie językowym w historii sztuki i naukach humanistycznych były dzieła jeszcze innej tradycji, a mianowicie strukturalizmu Ferdinanda de Saussure'a i wynikającego z niego ruchu poststrukturalizmu . W 1981 roku artysta Mark Tansey stworzył dzieło zatytułowane The Innocent Eye jako krytykę panującego klimatu niezgody w filozofii sztuki w ostatnich dziesięcioleciach XX wieku. Do wpływowych teoretyków należą Judith Butler , Luce Irigaray , Julia Kristeva , Michel Foucault i Jacques Derrida . Siła języka, a dokładniej pewnych tropów retorycznych, w historii sztuki i dyskursie historycznym została zbadana przez Haydena White'a . To, że język nie jest przezroczystym medium myśli, zostało podkreślone przez zupełnie inną formę filozofii języka , wywodzącą się z prac Johanna Georga Hamanna i Wilhelma von Humboldta . Ernst Gombrich i Nelson Goodman w swojej książce Languages ​​of Art: An Approach to a Theory of Symbols doszli do wniosku, że konceptualne spotkanie z dziełem sztuki dominowało wyłącznie nad percepcyjnym i wizualnym spotkaniem z dziełem sztuki w latach 60. i 70. XX wieku. Został zakwestionowany na podstawie badań przeprowadzonych przez laureata nagrody Nobla psychologa Rogera Sperry'ego , który utrzymywał, że ludzkie spotkanie wizualne nie ogranicza się do pojęć reprezentowanych wyłącznie w języku (zwrot językowy) i że inne formy psychologicznych reprezentacji dzieła sztuki były równie możliwe do obrony i udowodnienia. Pogląd Sperry'ego ostatecznie zwyciężył pod koniec XX wieku, a filozofowie estetyki, tacy jak Nick Zangwill, zdecydowanie bronili powrotu do umiarkowanego formalizmu estetycznego wśród innych alternatyw.

Spory klasyfikacyjne

Główny artykuł: Spory klasyfikacyjne o sztukę
Oryginalna Fontanna autorstwa Marcela Duchampa , 1917, sfotografowana przez Alfreda Stieglitza na wystawie 291 po wystawie Stowarzyszenia Artystów Niezależnych z 1917 roku . Stieglitz wykorzystał tło z The Warriors Marsdena Hartleya do sfotografowania pisuaru. Znacznik wejścia na wystawę jest dobrze widoczny.

Spory o to, czy sklasyfikować coś jako dzieło sztuki, nazywane są sporami klasyfikacyjnymi o sztukę. Spory klasyfikacyjne w XX wieku obejmowały obrazy kubistyczne i impresjonistyczne , Fontannę Duchampa , filmy, doskonałe imitacje banknotów JSG Boggsa , sztukę konceptualną i gry wideo . Filozof David Novitz argumentował, że niezgoda co do definicji sztuki rzadko stanowi sedno problemu. Raczej „namiętne troski i zainteresowania, jakie ludzie pokładają w swoim życiu społecznym” są „tak bardzo częścią wszystkich klasyfikacyjnych sporów dotyczących sztuki”. Według Novitza spory klasyfikacyjne są częściej sporami o wartości społeczne i to, dokąd zmierza społeczeństwo, niż o właściwą teorię. Na przykład, kiedy Daily Mail skrytykował pracę Hirsta i Emina , argumentując: „Przez 1000 lat sztuka była jedną z naszych wielkich sił cywilizacyjnych. Dzisiaj marynowane owce i brudne łóżka grożą, że uczynią z nas wszystkich barbarzyńców”. rozwijanie definicji lub teorii sztuki, ale kwestionowanie wartości pracy Hirsta i Emina. W 1998 roku Arthur Danto zasugerował eksperyment myślowy pokazujący, że „status artefaktu jako dzieła sztuki wynika raczej z idei, jakie kultura do niego stosuje, niż z jego nieodłącznych cech fizycznych lub dostrzegalnych. Interpretacja kulturowa (jakiś rodzaj teorii sztuki ) jest zatem konstytutywne dla artyzmu przedmiotu”.

Antysztuka to etykieta dla sztuki, która celowo kwestionuje ustalone parametry i wartości sztuki; to termin kojarzony z dadaizmem i przypisywany Marcelowi Duchampowi tuż przed I wojną światową, kiedy tworzył sztukę ze znalezionych przedmiotów . Jeden z nich, Fontanna (1917), zwykły pisuar, osiągnął znaczne znaczenie i wpływ na sztukę. Antysztuka jest cechą prac Situationist International , ruchu lo-fi Mail art i Young British Artists , chociaż jest to forma wciąż odrzucana przez Stuckistów , którzy określają się jako anty-anty-sztuka .

Architektura jest często zaliczana do sztuk wizualnych; jednak, podobnie jak sztuka dekoracyjna lub reklama, obejmuje tworzenie przedmiotów, w których praktyczne względy użytkowania są istotne w sposób, którego zwykle nie ma na przykład na obrazie.

Ocena wartości

Aborygeńskie grobowce z wydrążonych bali. Galeria Narodowa, Canberra , Australia.

W pewnym nawiązaniu do powyższego słowo sztuka używane jest także do oceny wartości, jak np. w takich wyrażeniach, jak „ten posiłek był dziełem sztuki” (kucharz jest artystą) czy chwalony jest wysoki poziom umiejętności oszusta). To właśnie użycie tego słowa jako miary wysokiej jakości i wysokiej wartości nadaje temu terminowi posmak subiektywności. Dokonywanie ocen wartości wymaga podstaw do krytyki. Na najprostszym poziomie sposobem na stwierdzenie, czy oddziaływanie przedmiotu na zmysły spełnia kryteria uznania za sztukę , jest postrzeganie go jako atrakcyjnego lub odpychającego. Chociaż percepcja jest zawsze zabarwiona doświadczeniem iz konieczności jest subiektywna, powszechnie przyjmuje się, że to, co nie jest w jakiś sposób satysfakcjonujące estetycznie, nie może być sztuką. Jednak „dobra” sztuka nie zawsze, a nawet regularnie, jest atrakcyjna estetycznie dla większości widzów. Innymi słowy, główną motywacją artysty nie musi być dążenie do estetyki. Ponadto sztuka często przedstawia okropne obrazy wykonane z powodów społecznych, moralnych lub prowokujących do myślenia. Na przykład Francisco Goya przedstawiający hiszpańskie strzelaniny z 3 maja 1808 r. Jest graficznym przedstawieniem plutonu egzekucyjnego dokonującego egzekucji kilku błagających cywilów. Jednak jednocześnie przerażające obrazy demonstrują artystyczne zdolności Goyi w komponowaniu i wykonywaniu, wywołując odpowiednie społeczne i polityczne oburzenie. W związku z tym trwa debata na temat tego, jaki tryb satysfakcji estetycznej, jeśli w ogóle, jest wymagany do zdefiniowania „sztuki”.

Przyjmowanie nowych wartości czy bunt wobec przyjętych wyobrażeń o tym, co estetycznie lepsze, nie musi iść w parze z całkowitą rezygnacją z pogoni za tym, co estetycznie atrakcyjne. Rzeczywiście, często jest odwrotnie, że rewizja tego, co jest powszechnie postrzegane jako atrakcyjne estetycznie, pozwala na ponowne ożywienie wrażliwości estetycznej i nowe uznanie dla standardów samej sztuki. Niezliczone szkoły zaproponowały własne sposoby definiowania jakości, ale wszystkie wydają się zgodne co najmniej w jednym punkcie: kiedy ich wybory estetyczne zostaną zaakceptowane, o wartości dzieła sztuki decyduje jego zdolność do przekraczania ograniczeń wybranego medium trafić w jakiś uniwersalny akord dzięki rzadkości umiejętności artysty lub w jego dokładnym odzwierciedleniu w tak zwanym zeitgeist . Sztuka często ma na celu odwoływanie się do ludzkich emocji i łączenie się z nimi. Może wzbudzać estetyczne lub moralne i może być rozumiana jako sposób komunikowania tych uczuć. Artyści wyrażają coś, co w jakimś stopniu pobudza słuchaczy, ale nie muszą tego robić świadomie. Sztuka może być uważana za eksplorację ludzkiej kondycji ; to znaczy, co to znaczy być człowiekiem. Co za tym idzie, Emily L. Spratt argumentowała, że ​​rozwój sztucznej inteligencji , zwłaszcza w odniesieniu do jej zastosowań z obrazami, wymaga ponownej oceny teorii estetycznej w dzisiejszej historii sztuki i ponownego rozważenia granic ludzkiej kreatywności.

Sztuka i prawo

Istotną kwestią prawną są fałszerstwa dzieł sztuki , plagiaty , repliki oraz dzieła silnie wzorowane na innych dziełach sztuki.

Obrót dziełami sztuki lub wywóz z kraju może podlegać regulacjom prawnym. Na arenie międzynarodowej podejmowane są również szeroko zakrojone wysiłki na rzecz ochrony stworzonych dzieł sztuki. ONZ , UNESCO i Blue Shield International starają się zapewnić skuteczną ochronę na poziomie krajowym oraz bezpośrednio interweniować w przypadku konfliktów zbrojnych lub katastrof . Może to w szczególności dotyczyć muzeów, archiwów, kolekcji dzieł sztuki i wykopalisk. Powinno to również zabezpieczyć podstawy ekonomiczne kraju, zwłaszcza że dzieła sztuki mają często znaczenie turystyczne. Prezes założyciel Blue Shield International, Karl von Habsburg , wyjaśnił dodatkowy związek między zniszczeniem dóbr kultury a przyczyną ucieczki podczas misji w Libanie w kwietniu 2019 r.: „Dobro kultury są częścią tożsamości ludzi żyjących w pewne miejsce. Jeśli zniszczysz ich kulturę, zniszczysz także ich tożsamość. Wiele osób jest wysiedlonych, często nie ma już żadnych perspektyw i w efekcie ucieka z ojczyzny”.

Zobacz też

Notatki

Prace cytowane

Bibliografia

Dalsza lektura

Linki zewnętrzne


Zasoby biblioteczne o Zasobach sztuki
Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Art&oldid=1140285450 ”