Niki de Saint Phalle

Niki de Saint Phalle
1970 portret autorstwa Lothara Wolleha
Urodzić się	Catherine Marie-Agnès Fal de Saint Phalle ( 1930-10-29 ) 29 października 1930 Neuilly-sur-Seine , Hauts-de-Seine , Francja
Zmarł	21 maja 2002 (21.05.2002) (w wieku 71) La Jolla, Kalifornia , Stany Zjednoczone
Narodowość	francuski , amerykański , szwajcarski
Edukacja	Samouk w sztuce
Znany z	Rzeźba, malarstwo, film
Godna uwagi praca	Ogród Tarota Nanas
Styl	Nouveau réalisme , sztuka feministyczna
Małżonek (małżonkowie)	Harry'ego Mathewsa ​ ​ ( m. 1949; dz. 1961 <a i=5>) ​ Jeana Tinguely'ego ​ ​ ( m. 1971; zm. 1991 <a i=3>) ​
Nagrody	Prix ​​Caran d'Ache (1994) Praemium Imperiale (2000)
Patron(y)	Rodzina Agnellich
Strona internetowa	nikidesaintphalle .org

[niki d(ə) sɛ̃ fal] Niki de Saint Phalle ( francuski wymowa: <a i=3>[ ; ur Catherine Marie-Agnès Fal de Saint Phalle ; 29 października 1930 - 21 maja 2002) był francusko-amerykański rzeźbiarz , malarz , filmowiec i autor kolorowych ręcznie ilustrowanych książek. Powszechnie znana jako jedna z nielicznych rzeźbiarek monumentalnych , Saint Phalle była również znana ze swojego zaangażowania społecznego i pracy.

Miała trudne i traumatyczne dzieciństwo oraz mocno zakłóconą edukację, o czym pisała wiele dekad później. Po wczesnym małżeństwie i dwójce dzieci zaczęła tworzyć sztukę w naiwnym, eksperymentalnym stylu. Po raz pierwszy zwróciła na siebie uwagę całego świata dzięki wściekłym, brutalnym zgromadzeniom , które zostały zastrzelone z broni palnej. Te przekształciły się w Nanas , beztroskie, kapryśne, kolorowe, wielkoformatowe rzeźby zwierząt, potworów i postaci kobiecych. Jej najbardziej wszechstronną pracą był Tarot Garden , duży ogród rzeźb zawierający liczne prace, od kreacji wielkości domu.

Charakterystyczny styl Saint Phalle został nazwany „ sztuką outsiderów ”; nie miała formalnego wykształcenia artystycznego, ale swobodnie obcowała z wieloma innymi współczesnymi artystami, pisarzami i kompozytorami. Jej książki i obfita korespondencja były pisane w jaskrawych kolorach, w dziecinnym stylu, ale przez całe życie odnosiła się do wielu kontrowersyjnych i ważnych globalnych problemów w odważny sposób, który dzieci często kwestionują i wzywają do niedopuszczalnego zaniedbania.

W trakcie swojej twórczej kariery współpracowała z innymi znanymi artystami, takimi jak Jasper Johns , Robert Rauschenberg , Larry Rivers , kompozytor John Cage i architekt Mario Botta , a także z dziesiątkami mniej znanych artystów i rzemieślników. Przez kilka dziesięcioleci ściśle współpracowała ze szwajcarskim artystą kinetycznym Jeanem Tinguely , który został także jej drugim mężem. W późniejszych latach cierpiała na wiele przewlekłych problemów zdrowotnych przypisywanych powtarzającemu się narażeniu na unoszące się w powietrzu włókna szklane i opary petrochemiczne z materiałów eksperymentalnych, których używała w swoich pionierskich dziełach sztuki, ale nadal tworzyła obficie do końca swojego życia.

Krytyk zauważył, że „nacisk Saint Phalle na żywiołowość, emocje i zmysłowość, jej pogoń za figuracją i odważne użycie koloru nie zjednały jej wszystkich w czasach minimalistycznych”. Była dobrze znana w Europie, ale jej prace były mało widoczne w Stanach Zjednoczonych, aż do jej ostatnich lat w San Diego. Inny krytyk powiedział: „Urodzona we Francji, wychowana w Ameryce artystka jest jedną z najważniejszych artystek i feministek XX wieku i jedną z nielicznych, które za życia zyskały uznanie w zdominowanym przez mężczyzn świecie sztuki”.

Wczesne życie i edukacja (1930–1948)

Catherine Marie-Agnès Fal de Saint Phalle urodziła się 29 października 1930 roku w Neuilly-sur-Seine , Hauts-de-Seine , niedaleko Paryża . Jej ojcem był hrabia André-Marie de Saint Phalle (1906–1967), francuski bankier, a matką Amerykanka Jeanne Jacqueline Harper (1908–1980). Marie-Agnès była drugim z pięciorga dzieci, a wśród jej kuzynów była francuska pisarka Thérèse de Saint Phalle (baronowa Jehan de Drouas), jej podwójna kuzynka, córka hrabiego Alexandre de Saint Phalle (brat hrabiego André-Marie) i jego żony Helene Georgia Harper (siostra Jeanne Jacqueline). Innym kuzynem był urodzony w Ameryce bankier inwestycyjny, prawnik i były agent Office of Strategic Services Thibaut de Saint Phalle , który służył w administracji Cartera jako dyrektor Export-Import Bank of the United States (1977-1981).

Marie-Agnès urodziła się rok po Czarnym Wtorku , a francuska gospodarka również ucierpiała w następstwie niesławnego krachu na giełdzie , który zapoczątkował Wielki Kryzys . W ciągu kilku miesięcy od jej narodzin firma finansowa jej ojca została zamknięta, a jej rodzice przeprowadzili się wraz z najstarszym bratem na przedmieścia Nowego Jorku ; została z dziadkami ze strony matki w Nièvre , w pobliżu geograficznego centrum Francji. Około 1933 roku dołączyła do rodziców w Greenwich w stanie Connecticut ; jej ojciec znalazł pracę jako kierownik amerykańskiego oddziału banku rodziny Saint Phalle. W 1937 roku rodzina przeniosła się na East 88th Street i Park Avenue w zamożnej dzielnicy Upper East Side w Nowym Jorku. W tym czasie Marie-Agnès była znana jako „Niki”, imienia, którego będzie używać odtąd.

Niki dorastała w surowym katolickim środowisku, przeciwko któremu wielokrotnie się buntowała. Jej matka była porywcza i agresywna, biła młodsze dzieci i zmuszała je do jedzenia, nawet jeśli nie były głodne. Oboje jej młodsze rodzeństwo, Elizabeth i Richard de Saint Phalle, popełnili później samobójstwo jako dorośli. Atmosfera w domu była napięta; Jedynym miejscem, w którym Niki czuła się komfortowo i ciepło, była kuchnia, nadzorowana przez czarnoskórego kucharza. Kilkadziesiąt lat później Niki ujawniła, że ​​przez lata była wykorzystywana seksualnie przez swojego ojca, począwszy od 11 roku życia. Później odniosła się do środowiska, w którym dorastała jako enfer („piekło”).

Większość dzieciństwa i młodości spędziła w Nowym Jorku, a wakacje w Connecticut lub na Long Island. Często wracała do Francji, aby odwiedzać krewnych, biegle posługując się zarówno francuskim, jak i amerykańskim angielskim . W 1937 roku uczęszczała do szkoły w Convent of the Sacred Heart na East 91st Street na Manhattanie. Po wydaleniu w 1941 roku dołączyła do swoich dziadków ze strony matki, którzy przeprowadzili się do Princeton w stanie New Jersey i przez krótki czas uczęszczała do tamtejszej szkoły publicznej.

Wróciła na Upper East Side i tam studiowała w Brearley School od 1942 do 1944. Tam poznała Jackie Matisse , wnuczkę artysty Henri Matisse'a ; zostaliby przyjaciółmi na całe życie. Jednak Saint Phalle został zwolniony za pomalowanie na czerwono liści figowych na klasycznych posągach szkoły. Mimo to później powiedziała, że ​​„[że] zostałam feministką. Wpoili nam, że kobiety mogą i muszą dokonywać wielkich rzeczy”. Następnie zapisała się do szkoły klasztornej w Suffern w stanie Nowy Jork , ale został wydalony. W końcu ukończyła szkołę Oldfields w Glencoe w stanie Maryland w 1947 roku.

W późnych latach nastoletnich Saint Phalle została modelką ; w wieku 18 lat pojawiła się na okładce Life (26 września 1949), a trzy lata później na okładce francuskiego Vogue'a z listopada 1952 roku . Pojawiła się także na łamach Elle i Harper's Bazaar .

„W pewnym momencie Gloria Steinem zauważyła Saint Phalle idącą Pięćdziesiątą Siódmą Ulicą , bez torebki i w kowbojskim stroju. jest pierwszą wolną kobietą, jaką kiedykolwiek widziałem w prawdziwym życiu. Chcę być taka jak ona”.

Pierwsze małżeństwo i dzieci (1949–1960)

Niki de Saint Phalle w 1964 roku

Części Le Paradis Fantastique (1967–1971), wczesna współpraca Saint Phalle i Jean Tinguely

W wieku 18 lat Saint Phalle poślubiła Harry'ego Mathewsa , którego poznała w wieku 11 lat (miał 12 lat) dzięki jej ojcu. Sześć lat później ponownie spotkali się przypadkowo w pociągu do Princeton i wkrótce zostali parą. Początkowo odbyli ceremonię cywilną 6 czerwca 1949 roku w nowojorskim ratuszu . Za namową matki Niki w lutym następnego roku odprawili także obrzęd religijny we francuskim kościele w Nowym Jorku.

Chociaż jej rodzice zaakceptowali związek, rodzina jej męża sprzeciwiła się jej katolickiemu pochodzeniu i odcięła ich finansowo, powodując, że od czasu do czasu uciekali się do kradzieży w sklepach . Przeprowadzili się do Cambridge w stanie Massachusetts, aby Mathews mógł studiować muzykę na Uniwersytecie Harvarda . Saint Phalle zaczął malować olejami i gwaszami , ale zamierzał kontynuować karierę aktorską. Ich pierwsze dziecko, Laura , urodziło się w kwietniu 1951 roku. W 1952 roku mała rodzina przeniosła się do Paryża, gdzie Harry kontynuował studia dyrygenckie w I'Ecole Normale de Musique. . Nowi rodzice byli przypadkowi, a nawet zaniedbali opiekę, ale ich dzieci skorzystałyby z lepszych warunków finansowych po tym, jak Mathews otrzymał spadek.

Saint Phalle odrzuciła stateczne, konserwatywne wartości swojej rodziny, która dyktowała żonom pozycje domowe i szczególnie surowe zasady postępowania. Poeta John Ashbery wspominał, że artystyczne dążenia Saint Phalle były z kolei odrzucane przez krewnych: jej wujek „francuski bankier, hrabia Alexandre de Saint-Phalle,… podobno słabo patrzy na jej działalność artystyczną”, zauważył Ashbery. Jednak po młodym ślubie i zostaniu matką zaczęła prowadzić ten sam burżuazyjny styl życia, od którego próbowała uciec.

Przez około dekadę rodzina wędrowała po Francji i Europie, prowadząc artystyczny styl życia . W Nicei Saint Phalle i Mathews mieli oddzielne sprawy w 1953 roku; po tym, jak zaatakowała kochankę swojego męża, przedawkowała tabletki nasenne , ale przyniosły one niewielki efekt, ponieważ była wtedy maniakalna . Kiedy Harry odkrył pod materacem zapas noży, brzytew i nożyczek, zabrał swoją żonę do kliniki psychiatrycznej w Nicei, gdzie została poddana terapii elektrowstrząsowej i insulinoterapii . Uwolniona od rutynowych prac domowych, zamiast tego skupiła się na tworzeniu dzieł sztuki i poprawiła się na tyle, że mogła zostać zwolniona w ciągu sześciu tygodni. Mniej więcej w tym samym czasie jej mąż porzucił studia muzyczne i zaczął pisać swoją pierwszą powieść, ostatecznie przechodząc na karierę pisarską.

Podczas pobytu w Paryżu w ramach zadania modelki w 1954 roku Saint Phalle została przedstawiona amerykańsko-francuskiemu malarzowi Hugh Weissowi , który został jej przyjacielem i mentorem artystycznym. Zachęcił ją do kontynuowania malowania w stylu samouka.

We wrześniu 1954 r. mała rodzina przeniosła się do Deià na Majorce w Hiszpanii , gdzie w maju 1955 r. urodził się jej syn Filip . architekta Antoniego Gaudiego . Wpływ Gaudiego otworzył wiele wcześniej niewyobrażalnych możliwości dla Saint Phalle, zwłaszcza użycie niezwykłych materiałów i objets-trouvés jako elementy konstrukcyjne w rzeźbie i architekturze. Szczególnie uderzył Saint Phalle „ Park Güell ” Gaudiego, który zainspirował ją do pewnego dnia stworzenia własnego dzieła sztuki w ogrodzie, łączącego elementy artystyczne i naturalne .

Saint Phalle nadal malowała, zwłaszcza po przeprowadzce z rodziną do Paryża w połowie lat pięćdziesiątych. Jej pierwsza wystawa sztuki odbyła się w 1956 roku w Szwajcarii, gdzie zaprezentowała swój naiwny styl malarstwa olejnego.

W 1956 roku poznała szwajcarskiego artystę Jeana Tinguely'ego i jego żonę, artystkę Evę Aeppli . Saint Phalle podjęła próbę wykonania swojej pierwszej rzeźby na dużą skalę, zlecając Tinguely wykonanie żelaznej armatury , którą pokryła tynkiem i farbą.

Pod koniec lat pięćdziesiątych Saint Phalle zachorował na nadczynność tarczycy i tachykardię , które ostatecznie wyleczono operacją w 1958 roku.

W 1959 roku Saint Phalle po raz pierwszy zetknęło się z wieloma dziełami sztuki Yvesa Kleina , Marcela Duchampa , Daniela Spoerriego , Willema de Kooninga , Jacksona Pollocka , Roberta Rauschenberga i Jaspera Johnsa . Widok tych awangardowych prac wywołał u niej „pierwszy wielki kryzys artystyczny”. Przerzuciła się z malarstwa olejnego na gwasze i farby z połyskiem i zaczęła tworzyć asamblaże z przedmiotów gospodarstwa domowego i odpadków. W tym czasie postanowiła całkowicie poświęcić się tworzeniu sztuki, wolnej od obowiązków codziennego życia rodzinnego.

W 1960 roku ona i Harry rozstali się za obopólną zgodą, a jej mąż przeniósł się z dwójką dzieci do innego mieszkania. W tym czasie jej córka Laura miała dziewięć lat, a jej syn Filip miał pięć lat. Mathews od czasu do czasu kupował dzieła sztuki od swojej żony, aby zapewnić jej skromne wsparcie, a ona okresowo odwiedzała go i dzieci.

Wkrótce wprowadziła się do Jean Tinguely, który do tego czasu rozstał się z własną żoną, Evą Aeppli. Stał się znany ze swoich kinetycznych rzeźb wykonanych z odrzuconych mechanizmów i złomu. Pod wieloma względami para była przeciwieństwami i czasami miała gwałtowne nieporozumienia i częste romanse z innymi. Mieszkali razem z przerwami i ściśle współpracowali przy projektach artystycznych przez ponad dekadę, zanim pobrali się w 1971 roku. Dwa lata później rozstali się, ale pozostali w dobrych stosunkach i kontynuowali współpracę przy różnych projektach aż do śmierci Tinguely'ego w 1991 roku.

W 1960 roku Tinguely przedstawił ją Pontusowi Hulténowi , ówczesnemu dyrektorowi Moderna Museet (Muzeum Nowoczesnego) w Sztokholmie w Szwecji . Przez kilka następnych lat zapraszał ją do udziału w ważnych wystawach i pozyskiwał jej prace do muzeum. Później został pierwszym dyrektorem Centre Georges Pompidou w Paryżu (1974–1981), gdzie nadal wywierał wpływ na promowanie szerszego uznania dzieł Saint Phalle.

Tyrs (1961–1963)

Autel d'or („Złoty ołtarz”, 1962) przypomina mniejsze wersje serii Tirs , ale nie został postrzelony ani poplamiony farbą

Saint Phalle stworzyła na początku lat 60. serię prac, które nazwała Tirs („Strzelany” lub „Strzały”). Seria rozpoczęła się jako „zdjęcia celu”, z malowanymi w dziesiątkę widocznymi w jej malowanych kolażach, takich jak Saint Sébastien (Portret mojego kochanka / Portret mojej ukochanej / Męczennik nécessaire) (1961) lub Assemblage (Postać z głową tarczy) (1962). Zapraszała widzów do rzucania lotkami na tarcze osadzone jako twarze w jej figuratywnych asamblażach , na które wpływ miały cele namalowane przez jej przyjaciela Jaspera Johnsa .

Wkrótce zacznie od wtapiania noży, żyletek, nożyczek, trzepaczek do jajek, ramion lalek i innych artykułów gospodarstwa domowego w gipsie pokrywającym dużą deskę, wraz z torbami wypełnionymi kolorowymi farbami, puszkami farby w sprayu , a czasem pomidorami . Może też powiesić torby z farbą lub puszki z farbą w sprayu przed pomalowanym na biało zespołem. Następnie wielokrotnie strzelała do zgromadzenia z pistoletu , karabinu lub miniaturowej armaty , powodując „krwawienie” lub rozpryskiwanie się płynów.

Jej pierwsza publiczna strzelanina odbyła się w lutym 1961 roku, w której uczestniczyli między innymi Jean Tinguely, Daniel Spoerri i Pierre Restany . Jej wczesne występy artystyczne / wydarzenia odbywały się w „Impasse Ronsin”, zaśmieconej bocznej uliczce w Montparnasse w Paryżu. Było to miejsce improwizowanych pracowni Constantina Brâncuși , Jeana Tinguely'ego , Yvesa Kleina , Maxa Ernsta , Lesa Lalanne'a i innych artystów eksperymentalnych w latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych XX wieku.

Jako założycielka ruchu Nouveau réalisme („New Realist”), Restany poprosiła Saint Phalle o dołączenie do tej grupy francuskich artystów po obejrzeniu jej występu; stałaby się jedyną kobietą w tej grupie.

Skrajne przejawy przemocy przyciągnęły uwagę mediów, katapultując Saint Phalle w szeregi awangardowego artystycznego buntu. Tirs połączyli performance , body art , rzeźbę i malarstwo w artystycznym fermentie lat 60. Saint Phalle zaczęła prezentować wariacje na temat tego procesu w muzeach i galeriach sztuki oraz rekrutowała innych artystów do udziału w inscenizowanych publicznych „ happeningach ”, w których niektórzy z jej kolegów również pociągali za spust. Na amerykańskich występach spotykała wielu innych wschodzących artystów, m.in Robert Rauschenberg , Ad Reinhardt , Frank Stella i Ed Kienholz . Organizowała także imprezy plenerowe w galeriach sztuki, na które zapraszała zwiedzających do fotografowania jej asamblaży.

Saint Phalle uczestniczyła w programie Spoerri „Edition MAT” ( Multiplication d'Art Transformable ), obejmującym wiele wydań dzieł sztuki, dostarczając prostsze wersje swoich prac Tirs , wraz ze szczegółowymi instrukcjami, jak strzelać do nich z karabinu .22 . Saint Phalle starannie dokumentowała swój proces artystyczny w Tirs za pomocą tekstów, zdjęć i filmów. Przyklejała do tablicy zwykłe gotowe artefakty, przyczepiała woreczki z kolorową farbą, wybielała wszystko, a następnie zanurzała całość w mlecznobiałym tynku. Po wyschnięciu kolekcja była gotowa do zdjęcia przez nabywcę.

W czerwcu 1961 roku Niki de Saint Phalle i Jean Tinguely dołączyli do Jaspera Johnsa i Roberta Rauschenberga podczas koncertu Variations II , zaaranżowanego przez awangardowego amerykańskiego kompozytora Johna Cage'a , który odbył się w ambasadzie amerykańskiej w Paryżu. Podczas gdy David Tudor grał na pianinie kompozycje Cage'a, artyści tworzyli swoje dzieła sztuki na scenie, podczas gdy publiczność obserwowała przebieg wydarzeń.

W sierpniu 1961 roku Marcel Duchamp przedstawił Saint Phalle i Tinguely Salvadorowi Dali , który zaprosił ich do stworzenia eksplodującego byka naturalnej wielkości z fajerwerkami ( Toro de Fuego ). To Homenage a Dalí („Homage to Dalí”) zostało wywiezione po zakończeniu tradycyjnej hiszpańskiej walki byków w Figueras w Katalonii w Hiszpanii i eksplodowało na oczach publiczności.

W 1962 roku miała swoją pierwszą indywidualną wystawę w Nowym Jorku, w galerii prowadzonej przez Alexandra Iolasa . Obejmował Homage to Le Facteur Cheval , strzelnicę, w której odwiedzający mogli strzelać do jednej z jej instalacji Tirs . To zapoczątkowało jej długą współpracę z galerystą, która ostatecznie obejmowała co najmniej 17 wystaw jej prac.

W ekskluzywnej strzelaninie plenerowej z 1962 roku w Malibu Hills nad Los Angeles wzięły udział hollywoodzkie gwiazdy, w tym Jane Fonda i John Houseman . Wśród uczestników ze świata sztuki znaleźli się John Cage, Ed Ruscha i Leo Castelli , a Ed Kienholz pomagał zarządzać bronią palną.

W większości tych publicznych występów Saint Phalle była nienagannie ubrana w modny biały garnitur .

Do 1963 roku zabrała serię do galerii w Nowym Jorku i Los Angeles, zapraszając publiczność do udziału w strzelaninach. W Los Angeles nakręciła zbudowaną przez siebie wielkoformatową King Kong , ochlapując farbą wyrzeźbione twarze polityków, takich jak John F. Kennedy , Fidel Castro i Charles De Gaulle , ze Świętym Mikołajem i Kaczorem Donaldem również. Ta praca została później przejęta przez Moderna Museet w Sztokholmie i oznaczałaby jej przejście do nowej serii fantastycznych potworów, zwierząt i postaci kobiecych. W całej jej karierze węże, ptaki i smoki stały się powracającymi symbolami w jej pracach.

Podczas pobytu w Nowym Jorku Saint Phalle i Tinguely przebywali w hotelu Chelsea w 1962 i ponownie w latach 1964-1965. W 1963 roku para kupiła stary hotel o nazwie Auberge au Cheval Blanc („Zajazd pod Białym Koniem”) w Soisy-sur-Ecole , 44 kilometry (27 mil) na południowy wschód od Paryża. Wcześniej był to hotel, kawiarnia, kino, a nawet burdel , ale nowi właściciele przekształcili go w pracownie artystyczne, którymi mieli dzielić się przez kolejne dziesięciolecia.

Nany (1964–1973)

Saint Phalle w swojej pierwszej figuratywnej wystawie muzealnej Les Nanas au pouvoir w Stedelijk Museum Amsterdam (1967)

Gwendolyn 2 (1966/1990)

Le poète et sa muse („Poeta i jego muza”, 1978)

Niebieska babcia (2000)

Nana Dansante (jaune) („Tańcząca Nana (żółta)”)

Czarna Nana

Następnie Saint Phalle zbadała różne role kobiet, co rozwinęło się w jej najbardziej znaną i najbardziej płodną serię rzeźb. Zaczęła robić naturalnej wielkości lalki przedstawiające kobiety, takie jak rodzące panny młode i matki, potwory i duże głowy. Początkowo były wykonane z miękkich materiałów, takich jak wełna, tkaniny i papier-mache , ale wkrótce przekształciły się w gips na drucianej ramie i plastikowe zabawki, niektóre pomalowane na biało.

Gdy seria rozwinęła się w większe monumentalne dzieła, Saint Phalle użył kompozytowego tworzywa poliestrowego wzmocnionego włóknem szklanym (znanego również jako FRP lub GRP) ozdobionego wieloma jasnymi farbami akrylowymi lub poliestrowymi . Używała również pianki poliuretanowej w wielu swoich wczesnych rzeźbach. Te innowacyjne materiały umożliwiły konstruowanie kolorowych, wielkoformatowych rzeźb z nową łatwością i płynnością formy. Saint Phalle nieświadomie zastosowała niebezpieczne procesy wytwarzania i malowania, które uwalniały unoszące się w powietrzu włókna szklane i chemikalia, w tym styren , epoksydowych i toksycznych rozpuszczalników .

W latach 1963–64 stworzyła serię rzeźb protestujących przeciwko stereotypowym rolom społecznym kobiet, takich jak rodzące dzieci , pożerające matki, czarownice i prostytutki . Niektóre z jej wczesnych prac z panny młodej przedstawiały upiorne, szkieletowe panny młode ubrane na biało, które porównywano do panny Havisham , eterycznej postaci z powieści Charlesa Dickensa Great Expectations .

Z biegiem czasu postacie te stały się bardziej radosne, kapryśne, kolorowe i miały większą skalę. Zainspirowany wspólnym rysunkiem z amerykańskim artystą Larrym Riversem , przedstawiającym jego żonę, jej ciężarną przyjaciółkę Clarice Price, Saint Phalle zaczęła przedstawiać archetypowe postacie kobiece z bardziej optymistycznym spojrzeniem na pozycję kobiet w społeczeństwie. Gwendoline (1965) była pierwszą dużą rzeźbą w dożywotniej serii tych prac.

Nowsze postacie przyjmowały ekstatyczne pozy taneczne, a nawet pozycje akrobatyczne, takie jak stanie na rękach i koła wozu . Beztroskie postacie Saint Phalle zostały porównane do radosnych tancerzy Matisse'a i mocnych kobiecych postaci Gastona Lachaise'a , Aristide Maillol i Rodina .

W 1965 roku nazywała swoje artystyczne wyrażenia przysłowiową każdą kobietą Nanas , po francuskim slangowym słowie, które jest z grubsza odpowiednikiem „szeroki” lub „laska”. Termin ten przypomina również dziecinną francuską drwinę nananère .

Pierwsze z tych swobodnie pozowanych form, wykonanych z papieru-mache, przędzy i sukna, zostały wystawione w Galerii Aleksandra Iolasa w Paryżu we wrześniu 1965 roku. Podczas tej wystawy wzięła udział w loterii fantowej organizowanej przez Klub Artystów im. Nowy Jork, gdzie dzieła sztuki losowo zostawiano w zamykanych na monety schowkach na bagaż na Pennsylvania Station , a klucze oferowano po 10 dolarów za sztukę.

książkę artystyczną Saint Phalle , która zawierała jej odręczny tekst w połączeniu z rysunkami bananów . Zachęcona przez Iolasa rozpoczęła wysoce produktywne prace graficzne towarzyszące jej wystawom, które obejmowały sitodruki , plakaty, książki i pisma. W nadchodzących latach opublikuje wiele ręcznie pisanych książek, bogato ilustrowanych kolorowymi rysunkami i diagramami, na tematy takie jak AIDS i różne okresy jej życia.

W 1966 roku Saint Phalle współpracował z Jeanem Tinguely i Perem Olofem Ultvedtem przy tymczasowej instalacji rzeźbiarskiej Hon – en katedral (co po szwedzku oznacza „Katedra ” ), wypełniając dużą tymczasową galerię w Moderna Museet w Sztokholmie , Szwecja. Podczas budowy Saint Phalle zwerbowało szwajcarskiego studenta sztuki Rico Webera , który pracował jako zmywarka do naczyń w muzealnej restauracji (w kolejnych latach stał się ważnym asystentem i współpracownikiem zarówno Saint Phalle, jak i Tinguely). Zespół 8 osób pracował mozolnie przez 40 dni, najpierw budując ramę z metalowych prętów zbrojeniowych , okrywając ją siatką drucianą , osłaniając tkaniną połączoną ze śmierdzącym klejem zwierzęcym , a następnie malując wnętrze obudowy na czarno i malując na zewnątrz żywe kolory. Ostateczna konstrukcja miała 82 stopy (25 m) długości i 30 stóp (9,1 m) szerokości i ważyła około 6 ton (6000 kg). W tabloidzie W obszernym katalogu gazetowym opublikowanym na potrzeby pokazu Saint Phalle zawierała schemat przedstawiający artystyczne wpływy na jej projekt, w tym Watts Towers Simona Rodii , Le Palais Idéal Ferdinanda Chevala oraz architekturę Antoniego Gaudiego .

Zewnętrzną formą była gigantyczna, leżąca rzeźba kobiety w ciąży ( Nana ), do której obszernego wnętrza można było wejść przez otwór pochwy wielkości drzwi między jej nogami. Na jednym z Hona wypisane było motto Honi soit qui mal y pense („Niech się zawstydzi ten, kto myśli o tym źle”). Wewnątrz ogromnej rzeźby znajdowało się kino na 12 miejsc, bar mleczny w piersi, staw rybny i mózg zbudowany przez Tinguely'ego z ruchomymi częściami mechanicznymi. Do tego rozłożysta Nana zawierał telefon na monety , rozkładaną sofę, muzeum fałszywych obrazów, automat z kanapkami , instalację artystyczną Ultvedta i zjeżdżalnię dla dzieci.

Po początkowej szokującej ciszy instalacja wywołała obszerne komentarze w magazynach i gazetach na całym świecie, podnosząc świadomość na temat Moderna Museet. Ponad 100 000 odwiedzających tłoczyło się, aby doświadczyć wciągającego środowiska, w tym wiele dzieci. Pod koniec 3 miesięcy rozebrano i usunięto całe tymczasowe ustawienie, z wyjątkiem głowy, którą muzeum zachowało w swoich stałych zbiorach. katalogów wystaw limitowanych i sprzedawano jako pamiątki.

Mniej więcej w tym czasie Saint Phalle zaprojektował także scenografię i kostiumy do przedstawień teatralnych: Éloge de La Folie („Pochwała szaleństwa”, 1966), balet Rolanda Petita ; adaptacja sztuki Arystofanesa Lizystrata (1966); oraz niemieckojęzyczną sztukę, którą napisała wspólnie z Rainerem von Diezem , zatytułowaną ICH (All About Me) (1968). Duże stałe lub ruchome Nana były widoczne w kilku z tych produkcji.

W 1967 roku Saint Phalle zaczął pracować z żywicą poliestrową , materiałem, który można łatwo kształtować, ale przekształca się w twardą, gładką, odporną na warunki pogodowe powierzchnię. Ta nowa technologia umożliwiła jej konstruowanie dużych, fantastycznych postaci do wystawiania na zewnątrz w miejscach publicznych i parkach. Materiał jest dość trwały na zewnątrz (podobne materiały są używane do budowy łodzi i karoserii samochodów), chociaż dziesięciolecia ekspozycji na warunki pogodowe mogą ostatecznie spowodować pogorszenie, co wymaga specjalistycznych konserwacji dzieł sztuki .

W sierpniu 1967 roku Stedelijk Museum w Amsterdamie otworzyło pierwszą retrospektywną wystawę Saint Phalle, Les Nanas au pouvoir („Moc Nana”). Na potrzeby programu Niki stworzyła swój pierwszy „Nana Dream House” i „Nana Fountain”, a także pokazała plany swojego pierwszego „Nana Town”.

W 1967 roku wystawiła Le Paradis Fantastique („Fantastyczny raj”), wspólne zgrupowanie dziewięciu jej rzeźb z sześcioma maszynami zbudowanymi przez Tinguely'ego, na tarasie na dachu 8-poziomowego pawilonu francuskiego na Expo 67 w Montrealu . Kompozycja została pierwotnie pomyślana jako atak ciemnych mechanicznych konstrukcji Tinguely'ego na jaskrawe zwierzęta i postacie kobiece Saint Phalle, rodzaj „wojny miłosnej”.

Chociaż sam pawilon francuski był popularny, większość odwiedzających nie widziała tarasu na dachu, na którym zainstalowano rzeźby. W 1968 roku rzeźby zostały ponownie wystawione w Galerii Albright-Knox w Buffalo w stanie Nowy Jork , a następnie przez rok w nowojorskim Central Parku . W 1971 roku Moderna Museet zakupiło część dzieł sztuki i zainstalowało je na stałe w ogrodzie rzeźb na Skeppsholmen , wyspie w centrum Sztokholmu.

W 1968 roku po raz pierwszy ujawniła, że ​​​​nabawiła się problemów z oddychaniem w wyniku narażenia na pył i opary podczas tworzenia swoich dzieł.

Począwszy od 1968 roku, Saint Phalle sprzedawała nadmuchiwane zabawki do basenu Nana , które ukazały się w numerze Vogue z kwietnia 1968 roku czasopismo. Ignorowała skargi krytyków sztuki, skupiając się na zbieraniu pieniędzy na swoje przyszłe monumentalne projekty. W nadchodzących latach spotkała się z większą krytyką za nadmierną komercjalizację i popularyzację swojej twórczości, ale zebrała znaczne fundusze, które umożliwiły jej samodzielne sfinansowanie kilku ambitnych projektów. Jej produkcja mniejszych, tańszych przedmiotów również sprawiła, że ​​jej sztuka znalazła się w zasięgu większej liczby zwolenników jej spraw. W swojej karierze produkowała odzież, biżuterię, perfumy, figurki ze szkła lub porcelany, meble i przedmioty rzemieślnicze, wiele z motywem Nana .

W latach 1969-1971 pracowała nad swoim pierwszym pełnowymiarowym projektem architektonicznym, trzema małymi domami rzeźbiarskimi zamówionymi przez Rainera von Dieza w południowej Francji, które nazwała Le Rêve de l'oiseau („Sen ptaka”) . Projekt był współpracą z nim i Jeanem Tinguely i był prekursorem jej późniejszego Tarot Garden .

W 1969 roku dołączyła do kilku innych artystów pod przewodnictwem Tinguely'ego, rozpoczynając pracę nad Le Cyclop („Cyclops”, znany również jako La Tête , „The Head” lub le Monstre dans la forêt , „The Monster in the forest”) w Milly-la-Forêt pod Paryżem. Współpracownikami byli Daniel Spoerri, Bernhard Luginbuhl i Eva Aeppli. Ostatecznie nad projektem pracowało 15 różnych osób, które można uznać za ukończone dopiero w 1994 roku.

W 1969 roku w wywiadzie telewizyjnym w swoim studio podzieliła się swoimi poglądami na temat miejsca kobiet w polityce i powiedziała: „Myślę, że kobiety mogłyby rządzić tym światem znacznie lepiej. Gdyby władza Czarnych i władza kobiet połączyły się, przejęłyby wszystko To jest rozwiązanie. Nowy świat radości”.

W listopadzie 1970 roku, w ramach zjazdu artystów z okazji 10. rocznicy powstania Nouveaux Réalistes, Saint Phalle zastrzelił zespół ołtarzowy .

W dniu 13 lipca 1971 r. Saint Phalle i Tinguely legalnie pobrali się, być może ze względu na oszczędności podatkowe, ponieważ w ten sposób Saint Phalle został obywatelem Szwajcarii . Ich małżeństwo dało dwóm artystom wzajemną kontrolę nad swoim majątkiem artystycznym , gdyby jeden z nich umarł. W tym samym roku zaprojektowała swoją pierwszą biżuterię .

W 1972 roku zainstalowała Golema , na zlecenie ówczesnego burmistrza Teddy'ego Kolleka , na placu zabaw dla dzieci w dzielnicy Kiryat Hayovel w Jerozolimie . Jest to gigantyczny potwór z trzema czerwonymi językami wystającymi z pyska, które służą jako zjeżdżalnie na placu zabaw . W tym projekcie po raz pierwszy zastosowała metodę natryskiwania betonu natryskowego na metalową ramę do produkcji dużych konstrukcji; metoda ta będzie stosowana w jej kolejnych dużych projektach.

Począwszy od 1972 roku zaangażowała Roberta Haligona (" Factoryant de Plastiques d'Art "), aby pomóc w wyprodukowaniu jej wielkoformatowych rzeźb, a także różnych wydań dzieł sztuki. Ta współpraca trwałaby przez 25 lat, włączając w to całą czwórkę jego dzieci, zwłaszcza Gérarda, który przejąłby inicjatywę w późniejszych latach. Współpraca przyniosłaby około 3000 rzeźb, od monumentalnych dzieł plenerowych po małe, wielokrotne edycje. Saint Phalle osobiście przeszkoliła córkę Marie Haligon, aby malowała jej wielokrotne edycje rzeźb, zgodnie z prototypem mistrza artysty. Początkowo artysta preferował matowe wykończenie farbą, unikając błyszczących powierzchni. Jednak została zmuszona do przyjęcia błyszczących wykończeń powierzchni, aby uzyskać lepszą trwałość farb na swoich rzeźbach plenerowych.Z biegiem czasu przyjęła ten błyszczący efekt wizualny i zaczęła używać luster i polerowanych kamieni do powierzchni swoich dzieł.

W 1972 roku Saint Phalle nakręciła materiał do swojego surrealistycznego horroru Daddy , opowiadającego o głęboko niespokojnej relacji miłość-nienawiść ojciec-córka . Zdjęcia kręcono w wynajętym zamku w pobliżu Grasse w południowo-wschodniej Francji we współpracy z filmowcem Peterem Whiteheadem . W listopadzie film został pokazany w Londynie. W styczniu następnego roku wyprodukowała nową wersję filmu, z dodatkowymi scenami w Soisy i Nowym Jorku oraz rozszerzoną obsadą. Poprawiona wersja miała swoją premierę w Lincoln Center na 11. Festiwalu Filmowym w Nowym Jorku w kwietniu. Zlecono jej również zaprojektowanie okładki programu festiwalu.

W 1973 roku Saint Phalle współpracował z Tinguely i Rico Weberami na zlecenie Rogera i Fabienne Nellens, aby zbudować domek zabaw w ogrodzie ich domu w nadmorskim Knokke-le-Zoute w Belgii. Zbudowany przez nich Le Dragon był solidną konstrukcją o wysokości 21 stóp (6,4 m) i długości 110 stóp (34 m), wykonaną przy użyciu technik wywodzących się z wcześniejszych projektów Le Rêve de l'oiseau i Golem . Fantastyczny budynek ostatecznie obejmowałby kuchnię, łazienkę, toaletę, system ogrzewania i sypialnię, a jego szacunkowy koszt wyniósłby od 30 000 do 40 000 USD. Zewnętrzna część została ozdobiona jasnymi obrazami, w tym wykonanymi przez Rogera Nellensa i Kierowca wyścigowy Formuły 1 Jacky Ickx . Podobnie jak w przypadku Golem z poprzedniego roku, długi język tworzył zewnętrzną zjeżdżalnię z górnego poziomu.

W 1987 roku artysta graffiti Keith Haring mieszkał w Le Dragon , pracując nad muralem zamówionym przez Rogera Nellensa w pobliskim kasynie Knokke i wracał na co najmniej trzy lata. Za entuzjastyczną zgodą Saint Phalle namalował długi fresk wzdłuż wewnętrznej ściany klatki schodowej. Ostatecznie budynek zostałby wyznaczony jako Monument Historique Belgii, choć pozostałby własnością prywatną.

Saint Phalle kontynuowała tworzenie Nanas przez resztę swojego życia, ale wkrótce skupiła swoją uwagę na kompleksowym projekcie we Włoszech.

• Le Paradis Fantastique (1967–1971)
• 
• 
• 
• 
• 
• 

• Fontanna Strawińskiego (1982)
• 

Ogród Tarota (1974–1998)

Główny artykuł: Ogród Tarota

Ogród Tarota to nie tylko mój ogród. To także ogród wszystkich, którzy pomogli mi go stworzyć. Jestem Architektem Ogrodu. Narzuciłem swoją wizję, bo inaczej nie mogłem.

Ogród powstał z trudem, dzikim entuzjazmem, obsesją, a przede wszystkim wiarą. Nic nie mogło mnie powstrzymać.

Jak we wszystkich bajkach, przed znalezieniem skarbu spotkałam na swojej drodze smoki, czarowników, magików i Anioła Wstrzemięźliwości.

— Niki de Saint Phalle

W 1955 roku Saint Phalle odwiedziła Parc Güell Antoniego Gaudiego w Barcelonie w Hiszpanii , co zainspirowało ją do wykorzystania różnorodnych materiałów i uznała przedmioty za istotne elementy jej sztuki. Innym wpływem był Parco dei Mostri w Bomarzo w regionie Lacjum we Włoszech. Pod koniec lat pięćdziesiątych ona i Jean Tinguely odwiedzili Le Palais Idéal zbudowany przez Ferdinanda Chevala (znanego jako Le Facteur Cheval ) w Hauterives we Francji, a także Watts Towers Simona Rodii w Los Angeles na początku lat 60. Obie te ostatnie lokalizacje były przykładami fantastycznej sztuki i architektury outsiderów, zbudowanych przez zwykłych robotników o skromnych środkach, ale z rozległą wizją. Saint Phalle zdecydowała, że ​​chce zrobić coś podobnego: wspaniały ogród rzeźb , ale stworzony przez kobietę.

Sponsorami założycielami jej ambitnego projektu byli członkowie włoskiej rodziny Agnelli . W 1974 roku Saint Phalle zachorowała na ropień płucny po pracy z poliestrem i trafiła do szpitala w Arizonie. Następnie wyzdrowiała w St. Moritz w Szwajcarii . Ponownie nawiązała kontakt z Marellą Agnelli , przyjaciółką z lat 50. w Nowym Jorku, i opowiedziała Agnelli o swoich pomysłach na fantastyczny ogród. W 1978 roku bracia Agnelli, Carlo i Nicola Caracciolo, zaoferowali działkę swojej ziemi w Toskanii pod ogród.

W 1974 roku Saint Phalle stworzyło trio monumentalnych Nana zainstalowanych nad rzeką Leine w Hanowerze w Niemczech . Przywódcy miasta zostali początkowo zasypani ponad 20 000 listów ze skargami, ale ostatecznie postacie otrzymały pieszczotliwe przydomki „ Sophie ”, „ Charlotte ” i „ Caroline ” na cześć trzech historycznych kobiet miasta.

W 1975 roku Saint Phalle napisała scenariusz do Un rêve plus long que la nuit („Sen dłuższy niż noc”, później również zatytułowany Camélia et le Dragon ) i zwerbowała wielu swoich przyjaciół artystów, aby pomogli zrobić z tego film , fantasmagoryczna opowieść o smokach, potworach i okresie dojrzewania. Młoda dziewczyna zostaje uwięziona przez smoka, udaje jej się uciec i musi zbadać Sept Portes du Mystère („Siedem drzwi tajemnicy”), aby znaleźć miłość. Córka Saint Phalle, Laura, była główną postacią w filmie, występując z Saint Phalle, Jeanem Tinguely i innymi przyjaciółmi artystów; Muzykę skomponował Peter Whitehead . Na potrzeby kręcenia zaprojektowała kilka mebli, które później zostały wyeksponowane na fasadzie Palais des Beaux-Arts w Brukseli . W latach 1968-1988 pracowała także nad Last Night I Had a Dream , rzeźbiarskim reliefem, który zawierał wiele elementów z jej wcześniejszego życia i snów.

W 1976 roku wycofała się w Alpy Szwajcarskie , aby udoskonalić swoje plany dotyczące parku rzeźb. W 1977 r. jej asystentem został Ricardo Menon, Argentyńczyk; ściśle z nią współpracował do 1986 roku.

W 1977 roku współpracowała z angielskim pisarzem Constantinem Mulgrave przy projektowaniu scenografii do The Travelling Companion na podstawie baśni Hansa Christiana Andersena , ale projekt nigdy nie został ukończony. Ona i Mulgrave mieszkali razem przez około cztery lata, ale Tinguely wciąż pojawiał się w jej życiu.

W 1977 roku odwiedziła także Meksyk i Nowy Meksyk w poszukiwaniu szerszych inspiracji artystycznych.

W 1978 roku Saint Phalle zaczęła zakładać swój ogród rzeźb w opuszczonym kamieniołomie w Garavicchio w Toskanii , około 100 kilometrów (62 mil) na północny zachód od Rzymu, w pobliżu zachodniego wybrzeża półwyspu włoskiego. W następnym roku oczyszczono tereny i założono fundamenty.

W 1979 roku wyprodukowała pierwszą z nowej serii rzeźb, Skinnies . Były to płaskie, płaskie, przezroczyste zarysy głów i postaci, podkreślone plamami koloru. Pod pewnymi względami przypominały jej kolorowe szkice i rysunki, ale zostały powiększone do monumentalnych rozmiarów. Seria symbolizowała również zmagania Saint Phalle z rozedmą płuc i chorobami. Kontynuowała produkcję swoich Nanas oprócz swojego nowego stylu rzeźby, a oba style postaci pojawiły się w jej projekcie Tarot Garden .

W 1980 roku Saint Phalle i jej zespół rozpoczęli budowę pierwszej rzeźby architektonicznej w ogrodzie. W miarę postępu projektu Saint Phalle zaczęła brać lekcje języka włoskiego, aby lepiej komunikować się z lokalnymi pracownikami. Drugim członkiem załogi, którego zatrudniła, był Ugo Celletti, 50-letni listonosz pracujący w niepełnym wymiarze godzin , który odkrył w projekcie zamiłowanie do mozaiki . Pracował nad projektem przez 36 lat i rekrutował swoich siostrzeńców, aby się przyłączyli; niektórzy członkowie rodziny są nadal zaangażowani w utrzymanie witryny.

Zaprosiła przyjaciół artystów z Argentyny, Szkocji, Holandii i Francji do pomocy w pracy nad rzeźbami. Z biegiem czasu Saint Phalle współpracowało z dziesiątkami osób, w tym architektami, ceramikami, ślusarzami, murarzami, malarzami i twórcami mozaik. Materiały użyte w Tarot Garden obejmowałyby stal, żelazo, cement, poliester, ceramikę, szkło mozaikowe, lustra i polerowane kamienie (które nazwała „ M&M's ”).

Struktura bardziej masywnych rzeźb była bardzo podobna do tymczasowej instalacji Hon w Moderna Museet w 1966 roku, ale tym razem dzieła sztuki znajdowały się na zewnątrz i musiały wytrzymać długotrwałe działanie słońca i deszczu. Zasadniczy kształt rzeźb został ustalony na ramach wykonanych ze spawanych stalowych prętów zbrojeniowych . Dodano drugą warstwę lżejszych stalowych prętów zbrojeniowych, a następnie dwie warstwy siatki cięto-ciągnionej . Następnie sprowadzono specjalistyczną firmę do natryskiwania betonu natryskowego na konstrukcję. Warstwa smoły do ​​hydroizolacji i ostatnia warstwa białego cementu stworzyły solidną, pustą w środku strukturę gotową do dekoracji.

W 1980 roku zaczęła również sprzedawać serię poliestrowych krzeseł wężowych, wazonów i lamp. W tym samym roku odnotowała swój pierwszy atak reumatoidalnego zapalenia stawów , bolesnej choroby atakującej stawy szkieletu.

W latach 1980-1981 zaprojektowała kolorowe malowanie dwusilnikowego samolotu Piper Aerostar 602 P, który brał udział w pierwszym regatach transatlantyckich sponsorowanych przez Fundację Petera Stuyvesanta z Amsterdamu. W akcie żartobliwego buntu przeciwko sponsorowi producenta papierosów dodała widoczny na brzuchu samolotu napis „ Zakaz palenia ” (była uczulona na dym tytoniowy ).

W 1981 roku Saint Phalle wynajął mały dom w pobliżu Ogrodu Tarota i zatrudnił młodych ludzi z Garavicchio do pomocy przy budowie ogrodu. Jean Tinguely przewodził szwajcarskiemu zespołowi, w skład którego wchodzili Seppi Imhoff i Rico Weber, i zaczął spawać ramy rzeźb. W następnym roku holenderski artysta Doc Winsen (zwany także „Dok van Winsen”) zajął się spawaniem.

W 1982 roku Saint Phalle opracowała i wprowadziła na rynek perfumy o tej samej nazwie , wykorzystując dochody na sfinansowanie swojego projektu. Na górze butelki perfum widniała mała rzeźba dwóch splecionych ze sobą węży, jednego złotego, a drugiego jaskrawo wielokolorowego. Był to jeden z pierwszych tak zwanych perfum dla celebrytów , wykorzystujący sławę i rozpoznawalność do sprzedaży produktów zapachowych. Mogła w ten sposób zebrać nawet jedną trzecią funduszy potrzebnych na ogród. Aktywnie zabiegała o fundusze od przyjaciół i znajomych, a także sprzedawała swoje dzieła.

W sierpniu 1982 roku Saint Phalle został uhonorowany na Street Festival of the Arts w Nowym Jorku. W tym samym roku Saint Phalle współpracował z Tinguely przy produkcji Fontanny Strawińskiego , 15-częściowej rzeźbiarskiej fontanny na Placu Igora Strawińskiego, znajdującej się obok Centre Georges Pompidou w Paryżu. Ze względu na swoją wybitną lokalizację w Paryżu stałaby się jedną z najbardziej znanych kolaboracji między dwoma artystami.

Od 1983 do 1988 roku, kiedy na miejscu, Saint Phalle mieszkała w małym mieszkaniu wbudowanym w Empress , rzeźbę przypominającą sfinksa wielkości domu w ogrodzie. Na drugim poziomie jej sypialnia znajdowała się w jednej piersi, a kuchnia w drugiej. Każdy z tych dwóch pokoi miał pojedyncze zagłębione okrągłe okno, wyglądające jak odwrócony sutek patrząc z zewnątrz. Wspominała w 2000 roku: „Nareszcie spełniło się moje życiowe pragnienie życia wewnątrz rzeźby: przestrzeni w całości utworzonej z falistych krzywizn… Chciałam wymyślić nową matkę, boginię matkę i być odrodził się w swojej formie… Spałbym w jednej piersi. W drugiej umieściłbym moją kuchnię”.

Na parterze znajdowała się duża lustrzana przestrzeń z lustrzanym stołem jadalnym, na którym podawała lunch robotnikom i artystom, pod żyrandolem wykonanym przez Tinguely'ego z krowiej czaszki. Wykorzystała tę macierzyńską rolę, aby wzmocnić swój autorytet w kierowaniu zespołem mężczyzn, których potrzebowała do pomocy w realizacji jej projektu. W końcu zmęczyła się ciasną przestrzenią „w łonie matki” i po 1988 roku przeprowadziła się do nowojorskiego studia w stylu loftu , które zbudowała dla siebie pod ziemią w tym miejscu. Jej asystent Ricardo Menon miał mieszkać w Wieży Babel struktury na miejscu, ściśle współpracując z Saint Phalle i opiekując się nią podczas paraliżujących zaostrzeń artretyzmu.

Około 1983 roku Saint Phalle zdecydowała się pokryć swoje rzeźby Tarota Garden przede wszystkim trwałymi kolorowymi płytkami ceramicznymi , dodając odłamki luster i szkła oraz polerowane kamienie. Menon pomógł jej zwerbować Venerę Finocchiaro, nauczycielkę ceramiki z Rzymu; nauczyła miejscowe kobiety nowych technik formowania elementów ceramicznych na zakrzywionych powierzchniach i zainstalowała na miejscu piece do wykańczania elementów. Począwszy od 1985 roku, Jean Tinguely dodał do projektu zmotoryzowane i stacjonarne stalowe rzeźby i fontanny. Robert Haligon i jego synowie wykonali większość prac związanych z żywicami poliestrowymi. Saint Phalle poprosił Pierre Marie Lejeune o stworzenie cementowej ścieżki, którą napisał hieroglify , inne znaki i symbole oraz tekst. W tym okresie Saint Phalle poświęciła prawie cały swój czas na życie i pracę w ogrodzie.

W 1986 roku Menon wyjechał, aby uczęszczać do szkoły teatralnej w Paryżu, ale ukrywał przed Saint Phalle, że zaraził się AIDS . Tam zwerbował innego Argentyńczyka Marcelo Zitellego do pracy dla Saint Phalle jako ogrodnik, ale on z kolei został jej asystentem również do innych prac, pomagając jej wytwarzać rzeźby przez co najmniej następną dekadę.

W tym samym roku Saint Phalle poświęciła trochę czasu na współpracę z Silvio Barandunem (niemieckim profesorem medycyny immunologii ) przy pisaniu i ilustrowaniu jej książki AIDS: You Can't Catch It Holding Hands , przeznaczonej dla uczniów gimnazjum lub liceum szkoła . Po raz pierwszy została opublikowana w San Francisco w języku angielskim, a później przetłumaczona na pięć różnych języków; 70 000 egzemplarzy zostało sprzedanych lub przekazanych instytucjom medycznym i szkołom. Książka została uznana za wpływową we wczesnych wysiłkach wspierających edukację zdrowia publicznego na temat tej choroby.

Od 1987 do 1993 roku Saint Phalle spędzała więcej czasu w Paryżu, gdzie opracowała wiele mniejszych rzeźb do ogrodu. Od czasu do czasu organizowała galeryjne pokazy swojej sztuki, w tym makiet jej ważniejszych prac, aby zebrać fundusze na projekt ogrodu. Saint Phalle pracowało również nad ustanowieniem stałej struktury prawnej dla zachowania i utrzymania ogrodu.

W 1988 roku Saint Phalle uczestniczyło w ogólnoświatowej wystawie objazdowej latawców . Jej wkładem był gigantyczny latawiec inspirowany jej serią rzeźb oiseau amoreux („zakochany ptak”).

przeprowadzono konserwację korekcyjną rzeźb Ogrodu Tarota , stosując nowe kleje i silikony do pewniejszego mocowania luster i elementów szklanych, odpornych na warunki atmosferyczne i dotyk rąk wielu zwiedzających. Od 2021 roku podobny proces renowacji polegający na ponownym mocowaniu luster trwał w przypadku Le Cyclop , zlokalizowanego w Milly-la-Forêt pod Paryżem.

Ogród Tarota był rozwijany przez prawie 30 lat, a na jego budowę wydano 5 milionów dolarów (około 11 milionów dolarów w 2016 roku). Fundacja Ogrodu Tarota została utworzona w 1997 r. (A oficjalny status prawny uzyskała w 2002 r.), A ogród został oficjalnie otwarty dla publiczności 15 maja 1998 r. Ukończony ogród (zwany po włosku il Giardino dei Tarocchi i le Jardin des Tarota w języku francuskim) zawiera teraz rzeźby i rzeźby architektoniczne przedstawiające 22 karty Wielkich Arkanów znalezione w Tarocie talię kart oraz inne mniejsze dzieła sztuki. Teren obejmuje około 2 hektarów (4,9 akrów) na południowym zboczu wzgórza Garavicchio w Capalbio. Najwyższe rzeźby mają około 15 metrów wysokości.

Przyjaciel Saint Phalle, architekt Mario Botta , zbudował przypominający fortecę mur ochronny i bramę w kształcie iluminatora przy wejściu do ogrodu, wyznaczając charakterystyczne oddzielenie od świata zewnętrznego. W strukturze wejściowej znajduje się również kasa biletowa, sklep z pamiątkami i toalety dla zwiedzających. Na terenie parku znajdują się fontanny, dziedzińce, wielopoziomowa wieża i wiele mitycznych stworzeń większych niż życie. Saint Phalle zaprojektowało broszurę zawierającą mapę i inne informacje dla odwiedzających sezonowo otwarty ogród.

• Ogród Tarota
• 

  Znak przy wejściu

• 

  Widok na wejście

• 

  Lustrzany mozaikowy sufit wewnątrz Cesarzowej

• 

  Kuchnia używana przez Saint Phalle w The Empress

• 

  Szczegóły Sprawiedliwości

• 

  Sufit mozaikowy wewnątrz wieży

• 

  Układanie kostki brukowej w Wieży

• 

  Chodnik wyryty tajemnymi symbolami

• 

  Ścieżka sygnowana przez Saint Phalle

• 

  Cesarzowa (widok wewnętrzny)

Późniejsze lata (1990–2002)

W ostatnich latach Saint Phalle cierpiała na rozedmę płuc , astmę i ciężkie zapalenie stawów , które ona i wielu komentatorów przypisywali ekspozycji na unoszące się w powietrzu włókna szklane, opary i substancje petrochemiczne z materiałów używanych w jej dziełach sztuki. Pomimo tych utrudnień zaczęła odkrywać nowe miejsca, nowe technologie i nowe media artystyczne.

W 1989 roku Ricardo Menon, były asystent Saint Phalle, zmarł na AIDS ; jego strata pogrążyła Saint Phalle w depresji. Stworzyła dużą mozaikową rzeźbę kota, Chat de Ricardo , która miała służyć jako nagrobek na jego cmentarzu na cmentarzu Montparnasse w Paryżu we Francji. Umieściła drugą kopię pamiątkowej rzeźby w swoim Ogrodzie Tarota w Toskanii, gdzie blisko z nią współpracował przez prawie dekadę.

W 1990 roku Saint Phalle ukończył Skull (pokój medytacyjny) , 5-metrową (16 stóp) salę w kształcie czaszki o wysokości pomieszczenia , wyłożoną kolorowymi mozaikami i wyłożoną mozaikowymi lustrami, aby upamiętnić kryzys związany z AIDS . Po raz pierwszy użyła brązu w serii egipskich bogów i bogiń.

W 1991 roku wyprodukowała makietę dla Le Temple Idéal („Idealna świątynia”), miejsca kultu przyjmującego wszystkie religie, w odpowiedzi na nietolerancję religijną, którą widziała podczas pracy w Jerozolimie. Miasto Nîmes (Francja) zleciło jej wykonanie rzeźby architektonicznej, ale projekt nigdy nie został zrealizowany ze względu na politykę. Z biegiem lat zainteresowała się mitami i tradycjami religijnymi wykraczającymi poza jej rzymskokatolickie wychowanie w dzieciństwie, w tym wierzeniami żydowskimi, hinduskimi, buddyjskimi i starożytnymi Egiptami.

W sierpniu 1991 roku Jean Tinguely zmarł nagle na atak serca w Bernie w Szwajcarii . W ciągu ostatnich dwóch lat pogarszającego się stanu zdrowia przestał brać leki i zaczął przygotowywać się do śmierci. Para rozstała się wiele lat wcześniej, ale pozostała bardzo blisko; utrata jej długoletniego współpracownika i bliskiego przyjaciela głęboko dotknęła Saint Phalle. Pisała list wspomnieniowy o ich pierwszym spotkaniu, kiedy dotarła do niej wiadomość o jego śmierci.

Ku jego pamięci Saint Phalle stworzyła swoje pierwsze rzeźby kinetyczne , które nazwała Méta-Tinguelys . Z początkową pomocą swojego przyjaciela artysty, Larry'ego Riversa , stworzyła serię płaskorzeźb kinetycznych lub ruchomych obrazów, zwanych Tableaux Éclatés („Roztrzaskane obrazy”), w hołdzie dla swojego zmarłego męża i kolegi. Kiedy odwiedzający się zbliżał, fotokomórka uruchamiała silniki, które powodowały rozdzielanie się elementów obrazów.

Saint Phalle straciła wielu przyjaciół i współpracowników z powodu AIDS, w tym Jean-Jacquesa Goetzmana, który zmarł w 1992 roku. Upamiętniła go Oiseau pour Jean-Jacques („Ptak dla Jean-Jacquesa”), dużą odblaskową abstrakcyjną rzeźbą ptaka na cmentarzu Montparnasse.

Gdy jej stan zdrowia się pogorszył, pracowała nad stworzeniem Muzeum Tinguely w Bazylei w Szwajcarii , a także kontynuowała prace nad swoim Ogrodem Tarota . W tym czasie zaprzyjaźniła się z architektem muzeum Mario Bottą , a także zaangażowała go do zaprojektowania ściany i wejścia do jej Ogrodu Tarota .

W 1994 roku Saint Phalle opublikowała swoje ręcznie ilustrowane i ręcznie kolorowane wspomnienia Mon Secret („My Secret”) w języku francuskim i ujawniła swoją historię wykorzystywania seksualnego w dzieciństwie. W 1999 roku wydała anglojęzyczną autobiografię Traces , którą również zilustrowała. W 2006 roku Harry i ja: lata rodzinne; 1950–1960 została opublikowana (pośmiertnie), składająca się z jej autoilustrowanych wspomnień z dekady, kiedy była żoną Harry'ego Mathewsa .

Saint Phalle przeniósł się z Paryża do La Jolla w Kalifornii w 1994 roku ze względów zdrowotnych. Założyła nową pracownię i wykonywała rzeźby, które zamiast farb pokryto lustrami, szkłem i polerowanymi kamieniami. W swoim nowym miejscu pracy zaczęła odkrywać nowatorskie technologie projektowania i tworzenia dzieł sztuki. Stała się również aktywnym członkiem sceny artystycznej San Diego, uczestnicząc w tamtejszych zbiórkach pieniędzy i wystawach.

W 1994 roku zaprojektowała znaczek dla Poczty Szwajcarskiej z napisem „Stop AIDS/Stop SIDA”, za który otrzymała Prix Caran d'Ache. Rozpoczęła także serię prac sitodrukowych, które nazwała California Diary , przedstawiających lokalną faunę. Zapoczątkowała nową serię Totem z ułożonych w stos postaci ludzkich lub zwierzęcych oraz fragmentów anatomicznych .

W 1994 roku ostatecznie ogłosiła zakończenie wspólnej rzeźby Le Cyclop , rozpoczętej w 1969 roku przez Tinguely'ego i nad którą pracowało 15 artystów. W maju prezydent Francji François Mitterrand otworzył dzieło dla ogółu społeczeństwa. Aby zapanować nad aktami wandalizmu, instalacja została przekazana państwu francuskiemu, które przejęło odpowiedzialność za jej zabezpieczenie i konserwację. Masywna konstrukcja ma 22,5 metra wysokości, waży 350 ton (350 000 kg) i jest wypełniona wykonanymi na zamówienie dziełami sztuki, w tym gigantyczną rzeźbą toczącej się kuli . Wiele dzieł sztuki jest kinetycznych , nadając instalacji ciągły ruch i wytwarzając głośne jęki i inne mechaniczne odgłosy.

W październiku 1994 roku w Nasu w Japonii otwarto Muzeum Niki, poświęcone opowiadaniu historii jej życia i twórczości. Jednak Muzeum Niki zostało później zmuszone do zamknięcia w 2011 roku.

W 1994 roku Saint Phalle współpracowała z Peterem Schamonim przy kręceniu filmu dokumentalnego o jej historii życia, Niki de Saint Phalle: Wer ist das Monster – Du oder ich? („Kim jest potwór, ty czy ja?”). W 1995 roku film otrzymał Bawarską Nagrodę Filmową dla najlepszego filmu dokumentalnego.

W 1996 roku zaczęła budować Gila , duży domek dla dzieci w kształcie smoka dla prywatnej rezydencji w San Diego. Ten projekt był jej pierwszym zastosowaniem technik cyfrowych do powiększenia rysunków do pełnowymiarowej konstrukcji.

W 1996 roku wsparła otwarcie Muzeum Tinguely w Bazylei, przekazując 55 głównych rzeźb i ponad 100 grafik Tinguely'ego, które stanowiły znaczną część podstawowej kolekcji. Podarowała również część dzieł swoich i jej męża, aby stworzyć L'Espace Jean Tinguely i Niki de Saint Phalle w Musée d'art et d'histoire we Fryburgu w Szwajcarii .

W 1997 roku zaprojektowała drewniane krzesła wężowe z mozaikową intarsją, wykonane przez Del Cover i Dave Carr.

W 1998 roku stworzyła serię rzeźb Black Heroes na cześć Afroamerykanów , którzy wnieśli znaczący wkład w sport lub jazz , w tym Milesa Davisa , Louisa Armstronga i Josephine Baker . Serię zadedykowała swoim prawnukom , które są rasy mieszanej . Ukończyła również serię 23 dużych zwierząt dla parku rzeźbiarskiego Arki Noego w Biblijnym Zoo w Jerozolimie z pomocą swojego międzynarodowego zespołu rzemieślników i we współpracy z architektem Mario Botta.

W 1999 roku zadebiutowała monumentalnym posągiem Buddy , jednookiej kontemplacyjnej postaci siedzącej w pozycji lotosu . Postać pokryta jest błyszczącymi mozaikami, szkłem, lustrami i polerowanymi kamieniami.

17 listopada 2000 roku została honorową obywatelką Hanoweru w Niemczech i przekazała 300 dzieł sztuki znajdującemu się tam Muzeum Sprengla . W 2000 roku artysta otrzymał nagrodę Praemium Imperiale za rzeźbę, przyznawaną przez Japan Art Association . Nagroda uznawana jest za odpowiednik Nagrody Nobla w dziedzinie sztuki.

W 2001 roku przekazała 170 prac Musée d'art moderne et d'art contemporain (MAMAC) w Nicei we Francji , a inne prace przekazała Musée des Arts Décoratifs w Paryżu.

Zaprojektowała również i zbudowała dla portu w San Diego 12-metrową (39 stóp) i 10-tonową rzeźbę Coming Together . Największa z jej Skinnies , grafika składa się z połączonej ze sobą kolorowej pół-kobiecej i czarno-białej pół-męskiej twarzy, pokrytej mozaiką i kamieniami. Ceremonia poświęcenia została opóźniona do 25 października 2001 r. Z powodu ataków z 11 września w poprzednim miesiącu; artystka nie mogła przybyć z powodu pogarszającego się stanu zdrowia. Grafika oznaczała jej interpretację yin i yang , choroba i zdrowie oraz integracja dwoistych aspektów w jedną całość.

Saint Phalle przebywała na oddziale intensywnej terapii przez sześć miesięcy, zanim zmarła z powodu niewydolności oddechowej (spowodowanej rozedmą płuc) w szpitalu Scripps Memorial Hospital w La Jolla w dniu 21 maja 2002 r. Towarzyszył jej jej pierwszy mąż Harry Mathews i ich dzieci.

Aż do końca kontynuowała projektowanie dalszych ulepszeń dla swojego Ogrodu Tarota we Włoszech, w tym labiryntu , dla którego oczyszczono teren i zainstalowano metalowe pręty. Po jej śmierci wszystkie nowe projekty w jej ogrodzie zostały wstrzymane, jak wcześniej określiła. Od tego czasu wprowadzono pewne skromne zmiany, głównie w celu dostosowania się do rosnącej liczby odwiedzających. Powstała również kawiarnia ogrodowa zaprojektowana przez Mario Bottę. Jednym z istotnych wyjątków jest figura Tarota przedstawiająca Le Fou („Głupiec”), którą Saint Phalle przeniosła do Ogrodu Tarota co najmniej dwa razy w życiu. Oczekuje się, że ta symboliczna tradycja migracyjna będzie od czasu do czasu kontynuowana.

Pośmiertnie Grota (2001–2003) została ukończona zgodnie ze szczegółowymi instrukcjami pozostawionymi przez Saint Phalle. Stała instalacja w Grosser Garten w Herrenhausen Gardens w Hanowerze składała się z trzech pomieszczeń, które na każdej powierzchni były ozdobione lustrami, szkłem, ceramiką i kolorowymi kamieniami.

Pośmiertnie w Escondido w Kalifornii w październiku 2002 r. Otwarto magiczny krąg królowej Califii (2000–2003), skąpany w słońcu ogród rzeźb o średnicy 120 stóp (37 m), zaprojektowany przez Saint Phalle . 120 m) pofałdowanej ściany zwieńczonej dużymi wężami podobnymi do pytona i zawiera labirynt i 10 dużych rzeźb, które zaprojektowała, tworząc najobszerniejszą publiczną kolekcję jej prac w USA. Prace inspirowane były kulturą rdzennych Amerykanów, a dekoracje zawierały również symbole i plakietki nawiązujące do jej wcześniejszego Tarota .

Dziedzictwo

Przez całą swoją karierę Saint Phalle otwarcie wypowiadała się na temat ważnych konfliktów religijnych, politycznych, związanych ze zdrowiem związanym z pandemią, rasą, płcią, prawami reprodukcyjnymi, bezpieczeństwem żywności, zmianami klimatycznymi i problemami kulturowymi tamtych czasów. Jej Tirs odzwierciedlały przemoc algierskiej wojny o niepodległość z początku lat 60. o niepodległość od Francji i potwierdzały jej bunt jako część feminizmu drugiej fali . Pomimo spektakularnego użycia broni palnej w jej Tirs , wspierała kontrolę broni .

Jej ogromne, zaokrąglone Nanas celebrowały płodną kobiecą sylwetkę, z dużymi piersiami i pośladkami, rozstawionymi kończynami, radosnymi tanecznymi postawami i często czarną skórą. Była jedną z pierwszych artystycznych orędowników AIDS , tworząc dzieła sztuki i szeroko rozpowszechnianą książkę edukacyjną. Krótko przed śmiercią wystawiała rysunki krytykujące George'a W. Busha . Oprócz swoich dzieł sztuki pisała obszernie po francusku i angielsku oraz udzielała licznych wywiadów; wiele z tych materiałów jest gromadzonych w jej archiwach.

Galeria

• 

  Golem (1971), Kiryat Hayovel , Izrael

• 

  La Grande Lune („Wielki Księżyc”, 1985/1992), MAHF Fryburg , Szwajcaria

• 

  Adam i Ewa (1985), Ulm, Niemcy

• 

  Fontanna ratownika (1993), Duisburg , Niemcy

• 

  Les Footballeurs („Piłkarze”, 1993), Muzeum Olimpijskie w Lozannie

• 

  L'Ange Protecteur („Anioł stróż”, 1997), Zürich Hauptbahnhof

• 

  Część groty ( 2003), Hanower, Niemcy

Główne wystawy

• 1998 Niki de Saint Phalle: insider, outsider świat inspirowany sztuką , Mingei International Museum on The Prado, Balboa Park, San Diego, Kalifornia
• Święto 2000 . Die Schenkung Niki de Saint Phalle („Uroczystość: darowizna Niki de Saint Phalle”), Muzeum Sprengla, Hanower, Niemcy
• 2002 [retrospektywa], Muzeum Sztuki Nowoczesnej i Współczesnej (MAMAC), Nicea, Francja
• 2014 Niki de Saint Phalle , Grand Palais , Galeries nationales, Paryż, Francja
• 2016 Niki de Saint Phalle , Arken Museum of Modern Art, Ishøj, Dania
• 2021 Niki de Saint Phalle: Struktury życia , MoMA PS1 , Queens, Nowy Jork
• 2021-2022 Niki de Saint Phalle w latach 60. , Menil Collection , Houston, Teksas; Muzeum Sztuki Współczesnej w San Diego

Sztuka publiczna

Budda (1999)

Nikigator (2001)

Człowiek miłości (1993)

Wiele rzeźb Saint Phalle jest dużych i jest wystawianych w miejscach publicznych. Fundacja Niki Charitable Art Foundation prowadzi internetową mapę i katalog wszystkich jej zachowanych dzieł sztuki, w tym pieca do pizzy w La Jolla w Kalifornii .

• Le Paradis Fantastique („The Fantastic Paradise”, 1967), Moderna Museet, Sztokholm, Szwecja (we współpracy z Tinguely)
• Golem (1971), Kiryat Hayovel , Jerozolima
• Hannover Nanas (1973), wzdłuż Leibnizufer w Hanowerze , Niemcy
• La Fontaine Stravinsky ( Fontanna Strawińskiego lub Fontaine des automates , 1982) w pobliżu Centre Pompidou w Paryżu (we współpracy z Tinguely)
• Bóg słońca (1983), fantazyjne skrzydlate stworzenie obok Klubu Wydziałowego na kampusie Uniwersytetu Kalifornijskiego w San Diego jako część kolekcji sztuki publicznej Stuarta
• La Lune („Księżyc”, 1987), Brea Mall w Brea w Kalifornii
• Fontaine de Château-Chinon (1988), w Château-Chinon , Nièvre (we współpracy z Tinguely), zlecenie prezydenta Francji François Mitterranda
• Le Grand Oiseau Amoureux („Great Amorous Bird”, 1988–1989), Mendrisio, Szwajcaria , przedstawia Nanę w uścisku Yab-Yum z dużym stojącym ptakiem
• Grand Oiseau de Feu sur l'arche („Great Firebird on the Arch”, 1991), przed Bechtler Plaza w Charlotte w Północnej Karolinie
• La Tempérance (1992) w Centre Hamilius, Luksemburg-Ville , Luksemburg (ta praca była przechowywana podczas rozbiórki).
• Le Monstre du Loch Ness („ Potwór z Loch Ness ”, 1992), Musée d'art moderne et d'art contemporain (MAMAC), Nicea, Francja
• Oiseau Amoureux Fontaine / Lebensretter-Brunnen ( Fontanna Amorous Bird / Lifesaver Fountain , 1989–1993), Duisburg , Niemcy (we współpracy z Tinguely)
• Le Cyclop (1969–1994), Milly-la-Forêt , Francja (we współpracy z Tinguely i 15 innymi artystami)
• Tympanon (1996) trójkątna lustrzana mozaika i lustrzany fronton nad wejściem do Glasgow Gallery of Modern Art , Szkocja
• L'Ange Protecteur („Anioł Stróż”, 1997) w holu Zürich Hauptbahnhof , największej stacji kolejowej w Szwajcarii
• Le poète et sa muse („Poeta i jego muza”, 1998), Mingei International Museum on The Prado, Balboa Park, San Diego , Kalifornia
• Big Ganesh (1998), Muzeum Sztuki Współczesnej w San Diego, hinduski bóg-słoń Ganesh tańczy z małą myszką
• Miles Davis (1999), przed hotelem Negresco w Nicei we Francji
• Arka Noego (1994–2001), biblijne zoo w Jerozolimie , 23 prace we wspólnym parku rzeźb z architektem Mario Botta
• Nikigator (2001), Międzynarodowe Muzeum Mingei na Prado, Balboa Park, San Diego, Kalifornia
• Coming Together (2001), San Diego Convention Center
• Grota (2001–2003), Ogrody Herrenhäuser w Hanowerze, Niemcy
• Magical Circle Queen Califia (2003), ogród rzeźb w Kit Carson Park , Escondido, Kalifornia

Muzea i kolekcje

Adamie

Fryburgu w Szwajcarii istnieje „ Jean Tinguely – Niki de Saint Phalle Museum” , w całości poświęcone twórczości jej i jej mężów.

Muzeum Sprengla ma największe zbiory prac Niki de Saint Phalle, a inne duże zbiory znajdują się w MAMAC . Jej archiwa i prawa artystyczne są w posiadaniu Niki Charitable Art Foundation (NCAF) w Santee w Kalifornii , niedaleko San Diego, która zaczęła działać po jej śmierci. NCAF prowadzi internetowy katalog dzieł sztuki w muzeach i głównych kolekcjach.

Bechtler Museum of Modern Art w Charlotte w Karolinie Północnej ma w swojej stałej kolekcji kilka dzieł Niki de Saint Phalle, a także Grand Oiseau de Feu sur l'arche („Wielki ognisty ptak na łuku”, 1991), który stoi na chodnik przed muzeum. [3]

Bibliografia (według daty publikacji)

Świat

•   Saint Phalle, Niki de (1987). AIDS: Nie można tego złapać trzymając się za ręce . San Francisco, Kalifornia: Lapis Press. ISBN 0-932499-52-X .
•   Saint Phalle, Niki de (1994). Mon Secret (po francusku). Paryż: La Différence. ISBN 978-2729109783 . – autobiografia
•   Hulten, Pont (1995). Niki de Saint Phalle: Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland (w języku niemieckim) (wyd. 2). Stuttgart: Verlag Gerd Hatje . ISBN 3-7757-0582-1 .
•   Mazzanti, Anna, wyd. (1998). Niki de Saint Phalle: The Tarot Garden: [utworzony z okazji wystawy „Il giardino dei Tarocchi di Niki de Saint Phalle” w Orbetello, Polveriera Guzman w 1997 r.] (1. Ital. ed.) . Mediolan: Karta. ISBN 88-8158-167-1 .
•   Longenecker, Marta; i in., wyd. (1998). Niki de Saint Phalle: Insider, Outsider World Inspired Art: Wystawa z okazji 20. rocznicy Międzynarodowego Muzeum Mingei . LaJolla: Mingei Internat. Muzeum. ISBN 0-914155-10-5 .
•   Saint Phalle, Niki de (1999). Ślady: autobiografia . Lozanna: Acatos. ISBN 2-940033-43-9 .
•   Parente, Janice, wyd. (2001). Niki de Saint Phalle: Katalog Raisonné: 1949–2000 . Lozanna: wyd. Akatos. ISBN 2-940033-48-X .
•   de Grece, Michele; i in. (2002). Niki de Saint Phalle Monografia, Monografia, Katalog raisonné . Lozanna: Acatos. ISBN 2-940033-63-3 .
•   Landeshauptstadt Hannover, Fachbereich Umwelt und Stadtgrün (2003). Niki de Saint Phalle: Grota; [opublikowane z okazji otwarcia Groty zaprojektowanej przez Niki de Saint Phalle w ogrodach Herrenhausen w Hanowerze] . Ostfildern-Ruit: Hatje Cantz Verlag . ISBN 3-7757-1276-3 .
•   Schulz-Hoffmann, Carla (2003). Niki de Saint Phalle: Moja sztuka, moje marzenia . Monachium; Berlin; Londyn; Nowy Jork: Prestel. ISBN 3-7913-2876-X .
•   Krempel, Ulrich; Jackson, Rosie (2004). Świat Niki: Niki de Saint Phalle (wyd. 2). Monachium: Prestel. ISBN 3-7913-3068-3 .
•   Saint Phalle, Niki de; Niki Charytatywna Fundacja Sztuki (NCAF) (2006). Harry i ja: lata rodzinne; 1950–1960 . [Wabern-Bern]: Benteli Publishers. ISBN 3-7165-1442-X .
• Applin, Jo, „Alberto Burri i Niki de Saint Phalle: Relief Sculpture and Violence in the Sixties”, Źródło: Notatki z historii sztuki , zima 2008
• Catherine Francblin ,   Niki de Saint Phalle: la révolte à l'œuvre: biographie (po francusku). Paryż: Hazan. 2013. ISBN 978-2754104975 .
•   Weidemann, Christiane (2014). Niki de Saint Phalle . Prestel. ISBN 978-3-7913-4975-6 .
•   Pesapane, Łucja; Saint Phalle, Niki de; Niki Charytatywna Fundacja Sztuki (2014). Le petit dictionnaire Niki de Saint Phalle: en 49 symboles (po francusku). Paryż: Réunion des Musées Nationales. ISBN 978-2-7118-6155-2 . – Kompendium powtarzających się symboli w twórczości artysty i niektóre z ich możliwych znaczeń
•   Zbierz się, chrześcijaninie; Høholt, Stine; Jałving, Camilla (2016). Niki de Sainte Phalle . Ishøj, Dania: Arken. ISBN 9788778751140 .
•   Krempel, Ulrich; Selter, Regina, wyd. (2016). Ich bin eine Kämpferin: Frauenbilder der Niki de Saint Phalle = Jestem wojownikiem: obrazy kobiet autorstwa Niki de Saint Phalle (w języku niemieckim i angielskim). Hatje Cantz. ISBN 978-3-7757-4243-6 .
•   Saint-Phalle, Niki de (2021). Niki de Saint Phalle: Struktury życia . Nowy Jork: MoMA PS1. ISBN 978-1-942884-67-5 . – Katalog pierwszej retrospektywnej wystawy artystki w Nowym Jorku, gdzie artystka spędziła większość swojego dzieciństwa i młodości
•   Dawsey, Jill (2021). Niki de Saint Phalle w latach 60 . San Diego, Kalifornia: Muzeum Sztuki Współczesnej w San Diego. ISBN 978-0300260106 . – Katalog wystawy obejmującej cykle prac Tirs i wczesnych Nanas z lat 60. XX wieku

Krótka bibliografia z adnotacjami jest dostępna na stronie internetowej Niki Charitable Art Foundation.

Od lutego 2022 r. „W przygotowaniu” jest internetowy katalog raisonné „Nanas” artysty.

Film

• Daddy (1973), napisany i wyreżyserowany przez Saint Phalle i Petera Lorrimera Whiteheada
• Un rêve plus long que la nuit / Camélia et le Dragon („Sen dłuższy niż noc / Camelia and the Dragon”, 1976), napisany i wyreżyserowany przez Saint Phalle
• Niki de Saint Phalle: Wer ist das Monster – Du oder ich? („Kim jest potwór, ty czy ja?”, 1995), dokument biograficzny (w języku niemieckim) Petera Schamoniego we współpracy z Saint Phalle
• Niki de Saint Phalle: Introspections and Reflections (2003), pośmiertny dokument André Blasa
• Niki de Saint Phalle i Jean Tinguely: Bonnie and Clyde of the Arts (2012), pośmiertny dokument Louise Faure i Anne Julien
• Niki de Saint Phalle, un rêve d'architecte ( Niki de Saint Phalle: Sen architekta , 2014), pośmiertny dokument Louise Faure i Anne Julien

Obszerna lista znajduje się na stronie internetowej Niki Charitable Art Foundation.

Zobacz też

• Isabelle Collin Dufresne
• Louise Bourgeois
• Marisol Escobar
• Nowy realizm

Dalsza lektura

• Carrick, Jill. „Falliczne zwycięstwa? Niki de Saint-Phalle's Tirs”, Historia sztuki, tom 26, nie. 5, listopad 2003, s. 700–729.
• Rosko, Zoran. „Niki de Saint Phalle (1930–2002) - Egzorcizam puškom (Egzorcyzmy z karabinu)” . roškofrenija (w języku chorwackim i angielskim) . Źródło 2017-04-13 . – różne recenzje dzieł sztuki i kina Saint Phalle

Linki zewnętrzne

• Oficjalna strona fundacji artysty, NCAF
• Oficjalna strona internetowa parku rzeźb Tarot Garden
• Oficjalna strona internetowa parku rzeźb Magicznego Kręgu Królowej Califii
• Oficjalna strona Le Cyclop
• Kolekcja Stuartów, UCSD
• Osobisty blog o Tarot Garden
• Katalog badań Raisonné
• Wycieczka wideo po Ogrodzie Tarota z retrospektywy Grand Palais
• Niki de Saint Phalle - Der Traum vom fantastischen Garten , 50-minutowy film dokumentalny Fabiana Hirschiego (w języku niemieckim)
• Krótki przegląd wideo sztuki Saint Phalle, wyprodukowany przez Tate Gallery i zaprezentowany przez Khan Academy
• Fragment wideo pokazujący budowę, działanie, a później rozbiórkę Hon – en katedral