Historia muzyki Włoch

Współczesne państwo włoskie powstało dopiero w 1861 roku, choć korzenie muzyki na Półwyspie Apenińskim sięgają muzyki starożytnego Rzymu . Jednak podstawy większości współczesnej muzyki włoskiej pochodzą ze średniowiecza .

przed 1500

Włochy były miejscem kilku kluczowych wydarzeń muzycznych w rozwoju liturgii chrześcijańskiej na Zachodzie. Około roku 230, na długo przed zalegalizowaniem chrześcijaństwa, Tradycja Apostolska Hipolita poświadcza śpiewanie psalmów z refrenami Alleluja w Rzymie . W 386 r., naśladując wzorce wschodnie, św. Ambroży napisał hymny, których niektóre teksty przetrwały do dziś, i wprowadził na Zachód psalmodię antyfonalną . Około 425 roku papież Celestyn I przyczynił się do rozwoju miasta Obrządek rzymski , wprowadzając responsoryjny śpiew graduała , oraz Kasjan, biskup Brescii , przyczynili się do rozwoju oficjum monastycznego , dostosowując egipską psalmodię monastyczną do zwyczajów zachodnich. Później, około 530 r., św. Benedykt ułożył w swojej Regule cotygodniowy porządek monastycznych psalmodii . Później, w VI wieku, Venantius Fortunatus stworzył niektóre z najtrwalszych hymnów chrześcijaństwa, w tym „ Vexilla regis prodeunt” „który później stał się najpopularniejszym hymnem wypraw krzyżowych .

Ręka Guidona

Najwcześniejszą zachowaną muzyką na Zachodzie jest śpiew zwykły , rodzaj monofonicznego , wczesnochrześcijańskiego śpiewu bez akompaniamentu, wykonywanego przez mnichów rzymskokatolickich, który rozwinął się w dużej mierze między VII a XII wiekiem. Chociaż chorał gregoriański ma swoje korzenie w chorale rzymskim i jest powszechnie kojarzony z Rzymem, nie jest rodzimy dla Włoch, nie był też najwcześniejszą ani jedyną zachodnią tradycją chorału chorałowego. Irlandia, Hiszpania i Francja rozwinęły lokalną tradycję chorałową, ale tylko we Włoszech kilka tradycji chorałowych kwitło jednocześnie: śpiew ambrozjański w Mediolanie , starorzymski śpiew w Rzymie i benewentański śpiew w Benevento i Montecassino . Chorał gregoriański, który wyparł rdzenne tradycje starorzymskie i benewentańskie, wywodzi się z syntezy chorału rzymskiego i gallikańskiego we Francji karolińskiej . Chorał gregoriański zaczął później być silnie identyfikowany z Rzymem, zwłaszcza gdy do obrządku rzymskiego dodano elementy muzyczne z północy , takie jak Credo w 1014 r. Było to częścią ogólnego trendu, w którym tradycja rękopisów we Włoszech osłabła, a Rzym zaczął podążać za północnymi tradycjami chorałowymi. Chorał gregoriański wyparł wszystkie inne zachodnie tradycje chorałowe, włoskie i niewłoskie, z wyjątkiem chorału ambrozjańskiego, który przetrwał do dziś. Rodzime włoskie tradycje chorałowe wyróżniają się systematycznym stosowaniem ozdobnych, stopniowych ruchów melodycznych w ogólnie węższym zakresie, co nadaje włoskim tradycjom chorałowym gładszy, bardziej falisty charakter niż gregoriański. Kluczowe znaczenie w przekazywaniu śpiewu miały innowacje Guido d'Arezzo , którego Micrologus , napisany około 1020 r., opisał pięciolinię muzyczną , solmizację i rękę guidoniańską . Ta wczesna forma do-re-mi stworzyła techniczną rewolucję w szybkości, z jaką można było się uczyć, zapamiętywać i nagrywać pieśni. Wiele z europejskiej klasycznej tradycji muzycznej, w tym opery , muzyki symfonicznej i kameralnej , wywodzi się z tych włoskich średniowiecznych osiągnięć w notacji muzycznej , formalnej edukacji muzycznej i techniki budowy instrumentów muzycznych .

Nawet gdy północne tradycje chorałowe wypierały rodzimy śpiew włoski, wysiedleni muzycy z północy przyczynili się do nowej kwitnącej kultury muzycznej w XII-wiecznych Włoszech. Krucjata albigensów , rzekomo mająca na celu zaatakowanie heretyków katarów, przyniosła południową Francję pod kontrolę północnej Francji i zniszczyła kulturę i język oksytański. Większość trubadurów uciekła, zwłaszcza do Hiszpanii i Włoch. Włochy rozwinęły własnych odpowiedników trubadurów, zwanych trovatori , w tym Sordello z Mantui . Fryderyk II , ostatni wielki Hohenstaufen, święty cesarz rzymski i król Sycylii, wspierał muzykę na dworze sycylijskim, który stał się schronieniem dla tych wysiedlonych trubadurów, gdzie przyczynili się do powstania tygla chrześcijańskich, żydowskich i muzułmańskich stylów muzycznych. Włoska muzyka świecka była w dużej mierze domeną tych żonglerów, trubadorów i mimów. Ważną konsekwencją wpływów trubadurów w tym okresie we Włoszech i całej Europie było stopniowe przechodzenie od pisania ściśle po łacinie do języka lokalnego, czego bronił Dante w swoim traktacie De vulgari eloquentia ; rozwój ten rozszerzył się na teksty popularnych piosenek i formy, takie jak madrygał , oznaczający „w języku ojczystym”. Mniej więcej w tym czasie włoscy biczownicy opracowali włoskie hymny ludowe znane jako duchowa laude .

W latach 1317-1319 Marchettus z Padwy napisał Lucidarium in artae musicae planae i Pomerium artis musicae mensuratae , główne traktaty o chorale i polifonii , wyjaśniając teorię zapisu rytmicznego, która utorowała drogę muzyce Trecento (włoski ars nova ). Około 1335 roku Rossi Codex , najwcześniejszy zachowany zbiór włoskiej świeckiej polifonii, zawierał przykłady rdzennych włoskich gatunków z Trecento, w tym wczesne madrygały , cacce i ballate . Wczesny madrygał był prostszy niż bardziej znane późniejsze madrygały, zwykle składający się z tercetów ułożonych polifonicznie na dwa głosy, z refrenem zwanym ritornello . Caccia była często w trzygłosowej harmonii, z dwiema górnymi liniami ustawionymi na słowa w kanonie muzycznym. Wczesna ballata była często wierszem w formie virelai z monofoniczną melodią. Rossi Codex zawierał muzykę Jacopo da Bologna , pierwszego słynnego kompozytora z Trecento.

Ivrea Codex , datowany na około 1360 i Squarcialupi Codex , datowany na około 1410, były głównymi źródłami późnej muzyki Trecento, w tym muzyki Francesco Landiniego , słynnego niewidomego kompozytora. Imię Landiniego zostało dołączone do jego charakterystycznej „ kadencji Landiniego ”, w której końcowa nuta melodii obniża się o dwie nuty przed powrotem, na przykład C – B – A – C. Muzyka Trecento wywarła wpływ na muzyków z północy, takich jak Johannes Ciconia , którego synteza stylu francuskiego i włoskiego zapowiadała „międzynarodową” muzykę typową dla renesansu.

W XV wieku Włochy weszły w powolny okres rodzimej kompozycji, z wyjątkiem kilku jasnych świateł, takich jak wykonawca i antolog Leonardo Giustinian. Gdy potężne rodziny z północy, takie jak d'Este i Medici , budowały potężne dynastie polityczne, sprowadziły na swoje dwory północnych kompozytorów ze szkoły francusko-flamandzkiej, takich jak Josquin i Compère . Począwszy od ostatnich dziesięcioleci stulecia, włoscy kompozytorzy tacy jak Marchetto Cara i Bartolomeo Tromboncino napisał lekkie, dworskie pieśni zwane frottole dla mantuańskiego dworu Izabeli d'Este . Przy wsparciu Medyceuszy florencki sezon Mardi Gras doprowadził do powstania dowcipnych, ziemistych pieśni karnawałowych zwanych canti carnascialeschi .

Epoka renesansu, XVI wiek

Świętego Marka w Wenecji. Przestronne, dźwięczne wnętrze było jedną z inspiracji dla muzyki szkoły weneckiej.

W XVI wieku pojawiła się drukowana muzyka polifoniczna i postęp w muzyce instrumentalnej, co przyczyniło się do międzynarodowej dystrybucji muzyki charakterystycznej dla renesansu. W 1501 roku Ottaviano dei Petrucci opublikował Harmonice Musices Odhecaton , pierwszy znaczący zbiór drukowanej muzyki polifonicznej, aw 1516 roku Andrea Antico opublikował Frottole intablate da sonari organi , najwcześniejszą drukowaną włoską muzykę na instrumenty klawiszowe. Głównym ośrodkiem budowy klawesynów stały się Włochy, produkcję skrzypiec rozpoczęto w Cremonie w warsztacie ks Andrea Amati i lutnista Francesco Canova da Milano przynieśli Włochom międzynarodową reputację dzięki wirtuozowskiej muzyce.

Carlo Gesualdo, książę Venosa

Muzyka osiągnęła nowe wyżyny kulturowego szacunku. Księga dworzanina Castiglione zalecała biegłość w muzyce jako cnotę dworską, a Santa Maria di Loreto , pierwsze konserwatorium muzyczne, zostało zbudowane w Neapolu . Adrian Willaert opracował muzykę na podwójny chór w St. Mark's w Wenecji . Ta tradycja weneckiej muzyki polichóralnej osiągnęła swój szczyt we wczesnobarokowej muzyce Giovanniego Gabrielego . W przeciwieństwie do wcześniejszych, prostszych madrygałów z Trecento XVI-wieczne madrygały były pisane na kilka głosów, często przez nie-Włochów sprowadzonych na bogate dwory północne. Madrygaliści dążyli do tworzenia sztuki wysokiej, często wykorzystując wyrafinowaną poezję sonetów Petrarki i wykorzystując wyrafinowane muzycznie techniki, takie jak malowanie tekstów. Kompozytorzy tacy jak Cipriano de Rore i Orlando di Lasso eksperymentowali ze wzrostem chromatyki , czego kulminacją była manierystyczna muzyka Carlo Gesualdo . W 1558 roku Gioseffo Zarlino , czołowy teoretyk muzyki tamtego okresu, napisał Istitutioni harmoniche , w której poruszono takie praktyczne kwestie muzyczne, jak odwracalny kontrapunkt . Lżejszą muzykę reprezentowała villanella , która wywodzi się z popularnych pieśni Neapolu i rozprzestrzeniła się po całych Włoszech.

Muzyka nie była odporna na politycznie naładowaną atmosferę renesansowych Włoch. W 1559 roku Antonio Gardano wydał Musica nova , której politycznie pro-republikańskie pieśni partyzanckie podobały się republikom północnych Włoch i drażniły Kościół. W latach 1562/1563 trzecia część Soboru Trydenckiego dotyczyła kwestii muzyki w Kościele. Większość muzyki paraliturgicznej, w tym wszystkie z wyjątkiem czterech Sekwencji , została zakazana. Za kulisami debatowano nad całkowitym zakazem muzyki polifonicznej i wydano wytyczne wymagające, aby muzyka kościelna miała jasne słowa i czysty, podnoszący na duchu styl. Chociaż opowieści o Giovanni Pierluigi da Palestrina „ratujący” polifonię z Missa Papae Marcelli nie są już akceptowane przez naukowców, muzyka Palestriny pozostaje paradygmatem estetyki muzycznej lansowanej przez Kościół. Wkrótce potem, w 1614 r., Wydano Editio medicea (edycja medycejska) chorału gregoriańskiego, przepisując repertuar chorału gregoriańskiego, aby oczyścić go z postrzeganych zepsuć i barbarzyństwa oraz przywrócić go do „czystszego” stanu, bliższego stylem melodiom palestyńskim .

Pod koniec XVI i na początku XVII wieku kompozytorzy zaczęli przesuwać granice stylu renesansowego. Madrygalizm osiągnął nowe wyżyny ekspresji emocjonalnej i chromatyki w tym, co Claudio Monteverdi nazwał swoją seconda pratica (druga praktyka), którą widział jako wywodzącą się od Cipriano de Rore i rozwijającą się w muzyce kompozytorów takich jak Luca Marenzio i Giaches de Wert . Muzyka ta charakteryzowała się zwiększonym dysonansem i fragmentami homofonii , co doprowadziło do takich cech wczesnego baroku, jak nierówne głosy, w których linia basu napędzała harmonie, a melodia wysokich tonów stała się bardziej wyrazista i solowa. Ten okres przejściowy między renesansem a barokiem obejmował rozwój sycylijskiej szkoły polifonicznej w dziełach Pietro Vinci, pierwszą zachowaną polifonię pisaną przez kobiety, połączenie tekstów hebrajskich i muzyki europejskiej w dziełach Salomone Rossiego oraz wirtuozowskie muzyka Luzzasco Luzzaschiego w wykonaniu Concerto delle donne w Ferrarze .

Epoka baroku, XVI – XVIII wiek

Claudia Monteverdiego

Dokładny charakter starożytnego greckiego dramatu muzycznego jest przedmiotem sporu. Dla późniejszego rozwoju muzyki włoskiej i europejskiej ważne jest jednak to, że poeci i muzycy florenckiej Cameraty pod koniec XVI wieku myśleli — jak powiedział jeden z nich, Jacopo Peri — że „starożytni Grecy śpiewali całe tragedie na scenie". Tak narodziła się muzyczna wersja włoskiego renesansu: oddanie hołdu klasycznej Grecji opowiadając na nowo greckie mity w inscenizowanym kontekście muzycznym - pierwsze opery. Powstały w tym okresie utwory ze stosunkowo prostymi melodiami i tekstami o mitologii greckiej śpiewanymi po włosku. (Opera może mieć głębsze korzenie w toskańskiej maggio drammatico . Trzy miasta są szczególnie ważne w tym okresie we Włoszech: Wenecja , jako miejsce narodzin opery komercyjnej; Rzym , dla szkoły renesansowej polifonii Palestriny ; i Neapol , jako miejsce narodzin kościelnych konserwatoriów muzycznych . Konserwatoria te przekształciły się w tereny szkoleniowe, dostarczając kompozytorów i muzyków Włochom, a nawet całej Europie. Claudio Monteverdi jest uważany za pierwszego wielkiego kompozytora nowej formy muzycznej, opery, osobę, która przekształciła florencką nowość w „jednolity dramat muzyczny o zaplanowanej strukturze”.

Lata 1600-1750 obejmują muzyczny barok . Nowa dominacja melodii w harmonii kosztem tekstu doprowadziła do wielkich zmian, w tym poszerzenia instrumentalnego zasobu orkiestry. Klawiatura została rozbudowana, a wytwarzanie instrumentów strunowych przez Antonio Stradivariego stało się wielkim przemysłem w Cremonie . Muzyka instrumentalna zaczęła się rozwijać jako osobny „ścieżka”, zupełnie poza tradycyjną rolą towarzyszenia głosowi ludzkiemu. Formy instrumentalne obejmują takie rzeczy jak sonata , symfonia i koncert . Ważnymi nazwiskami w muzyce tego okresu we Włoszech są Alessandro Scarlatti i Antonio Vivaldi , reprezentujący odpowiednio znaczenie Neapolu i Wenecji w tym okresie.

Teatro San Carlo, Neapol

Fizyczne zasoby muzyki znacznie się rozwinęły w XVIII wieku. Powstały wielkie opery w Neapolu i Mediolanie: Teatro di San Carlo i La Scala . Jest to również wiek wzrostu znaczenia neapolitańskiej, a następnie włoskiej opery komicznej . Ważne jest też przywrócenie równowagi między tekstem a muzyką w operze, w dużej mierze za sprawą librett Pietra Trapassiego, zwanego Metastasio .

Ważnymi włoskimi kompozytorami tego stulecia są: Domenico Scarlatti , Benedetto Marcello , Giovanni Battista Pergolesi , Niccolò Piccinni , Giovanni Paisiello , Luigi Boccherini , Domenico Cimarosa i Luigi Cherubini . Jest to również wiek, w którym muzyka włoska stała się, że tak powiem, międzynarodowa, a wielu włoskich kompozytorów zaczęło pracować za granicą.

Giuseppe Verdiego

19 wiek

Wiek XIX to epoka romantyzmu w europejskiej literaturze, sztuce i muzyce. Opera włoska porzuca operę komiczną na rzecz poważniejszej sztuki włoskiego romantyzmu lirycznego. Chociaż ogólnie beztroski i zawsze popularny Rossini był z pewnością wyjątkiem, muzyka włoska XIX wieku jest początkowo zdominowana przez Belliniego i Donizettiego , nadając muzyce włoskiej liryczne melodie, które pozostały z nią kojarzone odkąd. Następnie ostatnie pięćdziesiąt lat stulecia zdominował Giuseppe Verdi , największa muzyczna ikona w historii Włoch. Muzyka Verdiego „szukała uniwersalności w ramach narodowego charakteru”; to znaczy, wiele z tego, co skomponował pod względem tematów historycznych, można odnieść do jego pan-włoskiej wizji. Verdi był kompozytorem włoskiego Risorgimento , ruchu mającego na celu zjednoczenie Włoch w XIX wieku. Późniejszy wiek to także czas wczesnej kariery Giacomo Pucciniego , być może największego kompozytora czystej melodii w historii muzyki włoskiej.

Frontyspis z partytury Rycerskości wieśniaczej , arcydzieła włoskiego weryzmu z 1890 roku

Być może najbardziej godną uwagi cechą włoskiej formy muzycznej w XIX wieku i tym, co odróżnia ją od rozwoju muzycznego w innych miejscach, jest to, że pozostała ona głównie operowa. Wszyscy znaczący kompozytorzy włoscy tego stulecia pisali operę niemal z wyłączeniem innych form, takich jak symfonia. W tym stuleciu nie ma włoskich symfoników, jak na przykład w Niemczech można by mówić o Brahmsie . Jednak wielu włoskich kompozytorów napisało znaczącą muzykę sakralną, na przykład Rossini a Stabat Mater i jego późna Petite messe solennelle oraz Verdi Messa da Requiem i Quattro pezzi sacri .

Romantyzm w całej muzyce europejskiej z pewnością utrzymywał się do początku XX wieku. We Włoszech przez wiele lat dominowała muzyka Verdiego i Pucciniego. kompozytorskie oper włoskiego weryzmu , takich jak Cavalleria rusticana Mascagniego , nie wpłynęły znacząco na niezwykle melodyjny charakter muzyki włoskiej.

Notatki

Atlas, Allan W. (1998). Muzyka Renesansu . Nowy Jork: WW Norton & Company. ISBN 0-393-97169-4 .
Crocker, Richard L (1966). Historia stylu muzycznego . Nowy Jork: McGraw-Hill. ISBN 0-486-25029-6 .
Gallo, Alberto (1995). Muzyka na zamku: trubadurzy, książki i mówcy na włoskich dworach XIII, XIV i XV wieku . Chicago: University of Chicago Press. ISBN 0-226-27968-5 .
Hiley, David (1995). Western Plainchant: podręcznik . Prasa Clarendona. ISBN 0-19-816572-2 .
Hoppin, Richard (1978). Muzyka średniowieczna . Nowy Jork: WW Norton & Company. ISBN 0-393-09090-6 .
Magrini, Tullia, wyd. (1992). Il maggio drammatico: una tradizione di teatro in musica (w języku włoskim). Bolonia: Edizioni Analisi.
McKinnon, James, wyd. (1991). Starożytność i średniowiecze . Klify Eaglewood: Prentice Hall. ISBN 0-13-036153-4 .
Palisca, Claude V. (1985). Humanizm we włoskiej myśli muzycznej . New Haven: Yale University Press. ISBN 0-300-04962-5 .
Ulryk, Homer; Pisk, Paweł (1963). Historia muzyki i stylu muzycznego . Nowy Jork: Harcourt Brace Jovanoich. ISBN 0-15-537720-5 .