Sueharu Fukami

Sueharu Fukami (深見 陶 治, ur. 1947) to japoński artysta ceramik i rzeźbiarz znany ze swojej pracy w bladoniebieskiej porcelanie qinbai (określanej również jako Sei Hakuji / Celadon ). Abstrakcyjne, rzeźbiarskie prace ceramiczne Fukamiego odbiegają od tradycyjnych japońskich tradycji rzemieślniczych, z których się wychował, i zamiast tego eksplorują zjawiska naturalne i uniwersalne zmysły, takie jak „nieskończona przestrzeń”, poprzez ostre sylwetki, zamaszyste krzywe, inspirowane architekturą łuki i delikatnie kolorowe szkliwo. Jego minimalistyczne podejście do porcelany przyczyniło się do zdefiniowania i poszerzenia znaczenia, znaczenia i popularności współczesnej japońskiej ceramiki poza kręgami rzemieślniczymi, zwłaszcza wśród kolekcjonerów dzieł sztuki i muzeów na całym świecie.

Biografia

Fukami urodził się w rejonie świątyni Sennyu-ji w Higashiyama , we wschodnich górach Kioto w Japonii . Higashiyama to tradycyjne centrum znanego przemysłu ceramicznego miasta, zamieszkane przez warsztaty garncarskie i ceramików. Urodził się jako szóste dziecko po dwóch chłopcach i trzech dziewczynkach i jako dziecko był otoczony tętniącą życiem lokalną społecznością ceramików. Jego ojciec, Yoshiichi Fukami, pochodził z wioski garncarzy w pobliżu starożytnego ceramicznego miasta Seto , w dzisiejszej prefekturze Aichi . Aby uciec przed konkurencją Seto społeczności, jego ojciec przeniósł się do Kioto w latach jego rozkwitu przed II wojną światową , szkoląc się w warsztacie ceramicznym przed założeniem własnego pieca, Fukami Ryōsen, który specjalizował się w figurkach Fukusuke : ceramicznych figurkach często umieszczanych na witrynach sklepowych i sklepach kupców na szczęście. Później ojciec Fukami i starsi bracia, Takehisa i Naokatsu, wymyślili na nowo rodzinny biznes, aby skupić się na pięknych, ręcznie malowanych porcelanowych naczyniach dla kaiseki ceremonie jedzenia. Ich prowadzenie firmy rodzinnej pozwoliło Fukami skupić się na rozwijaniu osobistego stylu na podstawie eksperymentów z wieloma rodzajami przedmiotów ceramicznych.

Wykształcenie i Aktywność Zawodowa

Fukami studiował ceramikę w Kyoto Arts and Crafts Training Center i ukończył ją w wieku osiemnastu lat w 1965 roku. Jego wczesne prace składały się głównie z kamionki . Po ukończeniu studiów, w wieku dwudziestu lat Fukami pracował w rodzinnej firmie, zanim przyjaciel zachęcił go do wzięcia udziału w konkursie plastycznym. Następnie Fukami zgłosił jedną ze swoich porcelanowych prac na prestiżową wystawę Nitten ( The Japan Fine Arts Exhibition ), jeden z największych konkursów artystycznych w Japonii. Jego akceptacja i włączenie do prestiżowego miejsca pozwoliło mu wcześnie zdobyć rozgłos jako artysta i w pełni poświęcić się karierze profesjonalnego ceramika. Fukami zaczął się koncentrować Qingbai Glazura w 1975 roku i rozwinął swoją charakterystyczną technikę odlewania pod wysokim ciśnieniem w 1980 roku. Jego początkowy sukces nie przyniósł jednak od razu dalszego uznania, co doprowadziło go do kilkukrotnego wymyślenia swojej pracy i stylu na nowo, zanim znalazł swój uznany styl. W 1975 roku Fukami poślubił swoją żonę Chieko Takahashi, inną artystkę ceramiczną, która według naukowców pomogła mu w znalezieniu techniki pracy.

Ceramiczne rzeźby Fukamiego zostały po raz pierwszy zaprezentowane poza Japonią, kiedy zdobył Grand Prix 43. Premio Faenza w 1985 roku. Fukami został trzecim japońskim ceramikiem, który wygrał ten cieszący się międzynarodowym uznaniem coroczny konkurs sztuki ceramicznej odbywający się w Faenza w Emilii-Romanii , Włochy. Po tym osiągnięciu w 1986 roku jako zwycięzca ubiegłorocznego konkursu odbył z sukcesem indywidualną wystawę po Europie. W 2005 roku Fukami został ponownie zaproszony do Faenzy, tym razem jako wystawa indywidualna z 25 nagrodzonymi pracami z okazji dwudziestej rocznicy jego międzynarodowej kariery.

Nastąpiło to tuż po dużej retrospektywie wczesnych prac Fukamiego w Ruth and Sherman Lee Institute for Japanese Art w Clark Centre w Hanford w Kalifornii w 2002 roku. W 2002 roku amerykański kolekcjoner i założyciel Lee Institute, Willard G. Clark, odwiedził studio Fukami w Kioto i nabył czterdzieści wczesnych prac dla Instytutu jako obiecane prezenty. Jednym z takich dzieł była Haruka na Umi (Odległy ocean), nagrodzona rzeźba ceramiczna z wystawy sztuki współczesnej i rzemiosła w Japonii w 1976 roku. Wystawa Lee Institute w 2002 roku obejmowała trzy nagrodzone prace z Premio Faenza z 1985 roku , w tym nowo nabyta Haruka no kakei (Odległy krajobraz morski), a także Kaze no kaikei (morski krajobraz wiatru) i Kyoko no omoi (czysta myśl). Po kilku późniejszych dodatkowych przejęciach, Clark posiada obecnie 52 sztuki i stanowi jak dotąd największą i najbardziej reprezentatywną kolekcję prac Fukamiego.

Pozioma rzeźba Fukamiego o szerokości 1,2 metra zatytułowana Shinsho II (Infinity II), znajdująca się w Brooklyn Museum of Art w Nowym Jorku, jest jednym z najlepszych przykładów jego twórczości z lat 90. Jest zainstalowana jako stała instalacja w muzeum, która, jak zauważa kuratorka sztuki azjatyckiej i przewodnicząca Amy Poster, jest jednym z najpopularniejszych dzieł sztuki w japońskiej galerii Brooklyn Museum .

Praca

Wczesna praca

Na początku swojej kariery prace Fukamiego obejmowały szereg środków wyrazu i eksperymentów. Lata dwudzieste Fukamiego upłynęły pod znakiem niepokojów społecznych w Japonii między gwałtownymi protestami studenckimi, wojną w Wietnamie i ruchem hippisowskim . W tym czasie wiodącymi popularnymi formami sztuki były ekspresjonizm abstrakcyjny i muzyka rockowa . W odpowiedzi na te niestabilności, niektóre z wczesnych prac Fukamiego przyjęły jawne przesłanie polityczne, takie jak jego utwór Jōhō ni maibotsu sareta watashi z 1973 roku (Artysta pochowany w informacjach), cylindryczne naczynie z małą siedzącą postacią pośrodku. Forma pracy miała przedstawiać artystę przygniecionego ciężarem informacji w postaci pogmatwanych druków schodzących ze wszystkich stron. Innym znanym wczesnym dziełem Fukamiego z 1974 roku jest duża, ręcznie wykonana z kamionki w glazurze irabo (brązowy popiół), zatytułowana Wakakihi no Rinri (Moralność młodych dni), której wierzchołek przedstawia flagę narodową, podczas gdy jej korpus oznacza masy uciskane przez ideologia narodowa. Jego praca z 1972 roku Ehon no yume (The Dream of the Picture Book) przybrał poetycką, kapryśną formę: otwarta książka z ceramiki, ukazująca niebiesko-biały porcelanowy balon, na którym Fukami zaprosił swoją młodą siostrzenicę do narysowania popularnych postaci z anime . Poprzez wczesne eksperymenty techniczne artysty starał się tworzyć dzieła, które miały uniwersalność i trwałość wizji.

Technika

Od 1975 roku Fukami koncentruje się wyłącznie na doskonaleniu porcelany qinbai ( po japońsku Seihakuji ). Zdeterminowany, by opanować tradycję, artysta zawarł osobisty pakt. Jak sam stwierdza: „Kiedy zaczynałem odlewanie z gęstwy pod wysokim ciśnieniem, obiecałem sobie, że całkowicie zanurzę się w poszukiwaniu mojego prawdziwego ja w tej porcelanie i qingbai Glazura. I żebym nie dała klapsa i nie wróciła do kamionki. Gdybym wpadł na ścianę, wpadłbym na nią. Jeśli nie mogłem zburzyć tego muru, to był to mój własny problem i może powinienem się poddać, wiedząc, że wynika to tylko z braków we własnym talencie. przekonaniem i determinacją zdecydowałem się pozostać przy tym medium , gdy miałem 33 lata. technika polegająca na wtryskiwaniu pod ciśnieniem ciekłej gliny do specjalnie wykonanych form gipsowych, skondensowanej w celu usunięcia pęcherzyków powietrza i zanieczyszczeń. Formy są wykonane z półporcelany i pokryte gipsem, często tworzone w kawałkach i łączone ze sobą w celu złożenia ostatecznej formy rzeźbiarskiej. Po wypaleniu biskwitowym w piecu elektrycznym dzieło jest spryskiwane seledynową glazurą, a następnie wypalane redukcyjnie w piecu gazowym przez około 30 godzin. Po usunięciu formy praca jest całkowicie wysuszona. Następnie Fukami używa Tungaloya ostrze ze stopu i papier ścierny, aby wyostrzyć formę i udoskonalić drobniejsze szczegóły gliny. Fukami ma na celu stworzenie około ośmiu elementów na pojedynczą formę, czasem na przestrzeni kilku lat, a ukończenie niektórych elementów zajmuje od trzech miesięcy do roku. Dzięki temu procesowi Fukami jest zazwyczaj w stanie wyprodukować tylko od 6 do 8 rzeźb rocznie. Pomimo zastosowania formowania, Fukami twierdzi, że kształtowanie dzieł jest nadal bardzo pracochłonnym procesem, wymagającym skrupulatnego wygładzania, strugania i szkliwienia, często powtarzanego wielokrotnie. Ta technika pozwala na charakterystyczne formy, które są odporne na wypaczanie, lub to, co nazywa te-ato lub „ślady manipulacji” podczas strzelania. Co charakterystyczne, zamiast powszechnego pragnienia większości garncarzy, aby pozostawiać ślady, takie jak ślady palców widoczne w glinie, Fukami stara się nie pozostawiać żadnych śladów ludzkiego stworzenia. Prace Fukami często obejmują również współpracę z artystami i technikami, którzy tworzą specjalnie zaprojektowane drewniane i metalowe stojaki na gotowe elementy. Odlewanie wysokociśnieniowe jest procesem zwykle stosowanym przemysłowo do masowej produkcji, a adaptacja techniki Fukami do oprawy ceramiki studyjnej jest jedynym tego rodzaju przykładem. Jest znany z tego, że dodatkowo tworzy kilka rzutów kołem działa w połączeniu z technikami odlewania pod wysokim ciśnieniem , które można zobaczyć w pracach takich jak jego praca Chū (Eter) z 2003 roku.

Charakterystyczne bladoniebieskie przeszklenia qinbai stały się efektem fascynacji Fukamiego i jego estetycznego podpisu. Artysta stwierdza: „Mówiąc najprościej, moim zdaniem piękno qingbai wykraczało poza to, czy forma była dobra, czy zła. Było po prostu piękne. W tamtym momencie [praca przed 1974 r.] był to naprawdę okres, w którym Stałem się bardziej szczery w mojej pracy i byłem naprawdę udręczony. Ale tutaj odkryłem inny świat, który mogłem wyczuć bez zastrzeżeń, był naprawdę piękny i zdałem sobie sprawę, że powinienem iść naprzód ”. Technika ta wywodzi się z XI-wiecznej dynastii Song , w chińskim mieście Jingdezhen w prowincji Jianxi , charakterystycznie znana z produkcji przezroczystych, białych korpusów porcelanowych z bladoniebieską emalią. Dla Fukami jakość qingbai glazura symbolizuje „miejsce, w którym spotykają się niebo i morze,„ coś ”, co zmierza ku horyzontowi oceanu”. Własna praktyka Fukami dostosowuje ostrość kolorowego szkliwa poprzez pocienienie szkliwa na krawędziach elementu, aby odsłonić gradientową biel porcelany. Prace Fukamiego łączą historyczne techniki z minimalistycznymi, spontanicznymi formami, przesuwając medium porcelany na abstrakcyjne i współczesne terytorium. Jego twórczość wyraźnie odcina się od innych japońskich ruchów ceramicznych połowy XX wieku, takich jak mingei , promowany przez takich artystów jak m.in. Hamada Shōji zamiast tego nawiązywał do dynastycznej chińskiej estetyki niezwiązanej z jego japońskim pochodzeniem. Tytuły prac Fukami często wyrażają poetyckie skojarzenia ze zjawiskami naturalnymi, takimi jak Krajobraz nad horyzontem (Senjō no kei), Daleko na niebie I (Tenkū Haruka I) czy Chwila ciszy ( Seijaku no toki ) . Ich kompozycje czasami przywołują falujące fale oceanu, obiekty architektoniczne lub papierowe zakrzywione formy w locie.

Wpływy

Fukami wymienił włoskiego ceramika Carla Zauli (1926–2002) jako główną inspirację artystyczną. Indywidualna wystawa objazdowa Zauli w Japonii w 1973 roku wywarła wpływ na wielu japońskich abstrakcyjnych ceramików. W 1980 roku Fukami zdobył Nagrodę Nowicjusza Wystawy Sztuki i Rzemiosła Prefektury Kioto. W nagrodę otrzymał miesięczną podróż badawczą do Włoch, podczas której zaprzyjaźnił się z Zauli. Fukami wspomniał również, że jako młody artysta inspirował się garncarzami Sōdeisha , powojennym japońskim awangardowym ruchem ceramicznym, na czele którego stał garncarz Kazuo Yagi (1918–1979). Fukami opisuje swój związek z tymi abstrakcyjnymi ceramikami jako instynktowny i intymny, używając japońskiego terminu akogare lub „tęsknota za”, aby opisać ich wpływ. Twórczość Fukamiego, podobnie jak wiele jego artystycznych inspiracji, ma przede wszystkim na celu zadeklarowanie niezależności od z góry przyjętych przekonań dotyczących ceramiki i garncarstwa jako rzemiosła.

Fukami cytuje wizualne i zmysłowe wspomnienia i motywy z dzieciństwa, które miały wpływ na jego prace, w tym zarysy dachów świątyni Tōfukuji i widoki szczytów gór. Często odwołuje się do powiązań swojej pracy z uniwersalnymi doznaniami i ideami, zaprzeczając powszechnym, specyficznym dla kultury skojarzeniom, często przypisywanym jego twórczości, takim jak miecze samurajskie i japońskie pochwy. Artysta opisuje decydujący moment w swojej twórczości artystycznej jako doświadczenie ostrych zimowych wiatrów na brzegu oceanu: „To było wspomnienie spotkania z ostrym wiatrem na klifie zimą… Wszystkie zmysły w moim ciele odczuwały przyjemność z dziwnego wiatru, który dźgnął mnie w policzek. To dotykowe doświadczenie jest sercem moich dzieł”. Opisuje swoje ceramiczne formy jako abstrakcyjne w znaczeniu i niereprezentatywne, oderwane od japońskiej tożsamości na rzecz skojarzeń z szerszymi ludzkimi doświadczeniami, takimi jak oglądanie krajobrazów, czytanie abstrakcyjnych idei i interakcje z innymi rzeźbiarzami.

Reprezentacja muzeum

Prace Fukami były prezentowane w następujących muzeach: Ackland Art Museum , Musée Ariana , Art Institute of Chicago , British Museum , Brooklyn Museum of Art , Everson Museum of Art , Hetjens Museum, Museum of Fine Arts, Houston , Indianapolis Museum of Art , Muzeum Ceramiki Prefektury Aichi , Miejskie Muzeum Sztuki w Kioto , Metropolitan Museum of Art , Musée des Arts Décoratifs, Paryż , Sèvres – Cité de la céramique , Museo internazionale delle ceramiche in Faenza, Buenos Aires Museum of Modern Art , Museum of Art and History (Genewa) , Museum of Fine Arts, Boston , Museum of Contemporary Art, Belgrad , National Gallery of Australia , National Muzeum Sztuki w Osace , Narodowe Muzeum Historii , Narodowe Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Kioto , Narodowe Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Tokio , Muzeum Sztuki w Nowym Orleanie , North Carolina Museum of Art , Portland Museum of Art , Rhode Island School of Design Museum , Rijksmuseum , Spencer Museum of Art , St Louis Museum of Art , Suntory Museum of Art , Yale University Art Gallery , Victoria & Albert Museum .

Zbiory publiczne

Prace Fukami znajdują się w prawie 80 kolekcjach publicznych, w tym: Musée national de céramique-Sèvres ; Muzeum Wiktorii i Alberta ; Metropolitalne Muzeum Sztuki ; Muzeum Sztuki w Indianapolis ; Argentyńskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej; Dom Japoński, Argentyna; Musée Ariana ; Musée d'Art et d'Histoire ; Muzeum Brytyjskie ; Brooklyn Museum of Art ; Muzeum Sztuki Eversona; MIC Międzynarodowe Muzeum Ceramiki Faenza; Fundacja Kultury Francuskiej; Muzeum Hetjensa; Międzynarodowa Stała Kolekcja Sztuki Nowoczesnej, Jugosławia; Musée de design et d'arts appliqués contemporains ; Muzeum RISD ; Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie ; Galeria sztuki w Newcastle ; Muzeum Sztuki w Nowym Orleanie ; Muzeum Sztuki Karoliny Północnej ; Muzeum Sztuki w Portland ; Muzeum Sztuki Saint Louis ; Muzeum Sztuki Spencera ; Instytut Sztuki w Chicago ; Narodowe Muzeum Historyczne, Tajwan; Galeria Sztuki Uniwersytetu Yale ; Muzeum Ceramiki Prefektury Aichi ; Muzeum Sztuki Chazen ; Miejskie Muzeum Sztuki w Kioto ; Biblioteka i Archiwa Prefektury Kioto; Muzeum Nowoczesnej Sztuki Ceramicznej, Japonia; Muzeum Suntory , Japonia; Fundacja Japonii , Japonia; Ministerstwo Spraw Zagranicznych Japonii; Narodowe Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Tokio ; Narodowe Muzeum Sztuki w Osace ; Park Kultury Ceramicznej Shigaraki, Japonia; Biuro Edukacji Miasta Tokoname; Muzeum Sztuki Tsurui; Minneapolis Instytut Sztuki ; Muzeum Pamięci Wojennej w Auckland ; Narodowa Galeria Australii ; Muzeum Sztuki Ackland ; Muzeum Sztuk Pięknych w Houston ; Muzeum Sztuki Harvarda ; Muzeum Sztuki Współczesnej w Belgradzie ; Narodowe Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Kioto ; Muzeum Sztuki MOA , Japonia; Muzeum Sztuki Rakusui-tei; Fundacja Kultury Francuskiej; Muzeum Sztuki w Filadelfii ; Państwowy pensjonat w Kioto ; Muzeum Sztuki Ceramicznej Ibaraki; Musée Tomo ; Muzeum Nowoczesnej Sztuki Ceramicznej, Gifu; Muzeum Współczesnej Sztuki Ceramicznej, Shiga; Muzeum Kioto ; Muzeum Sztuki Ceramicznej, Hyogo; Muzeum Sztuki Okada ; Kolekcja Yanagisawy; Muzeum Narodowe Szkocji ; Museo Carlo Zauli; Musée des Arts Decoratifs ; Fundacja Lotte Reimers; Muzeum Sztuk Dekoracyjnych ; Museo de Arte Moderno de Buenos Aires; Muzeum Smithsona , Galeria Arthura M. Sacklera ; Muzeum Peabody w Essex ; Kolekcja Burke'a; Muzeum Newark ; Muzeum Sztuki Azjatyckiej w San Francisco ; Muzeum Sztuki w Birmingham .

Wybrane nagrody

• 1985 – Nagroda Główna, Międzynarodowa Wystawa Ceramiki Faenza
• 1992 – Nagroda Główna, MOA Mokichi Okada Art
• 1997 - Nagroda Kultury Prefektury Kioto, Nagroda za zasługi artystyczne
• 2008 - Osoba zasłużona dla kultury miasta Kioto
• 2012 – Złota Nagroda, Japońskie Towarzystwo Ceramiczne

Wybrane wystawy

1986

• 44th International Competition of Ceramic Art – Faenza, Włochy

• Hetjens Museum – Dusseldorf, Niemcy

1987

• Galerie Maghi Bettini – Amsterdam, Holandia

• Galerie Maya Behn – Zurych, Szwajcaria
• Musée des Arts Decoratifs de la Ville de Lozanna, Szwajcaria

1993

• „Modern Japanese Ceramics in American Collections” – Japan Society, Nowy Jork / New Orleans Museum of Art / Honolulu Academy of Art, USA

1995

• „Japanese Studio Craft: tradycja i awangarda” - Victoria & Albert Museum, Londyn, Wielka Brytania

2002

• Garth Clark Gallery, Nowy Jork, USA

2003

• „Japonia – ceramika i fotografia: tradycja i dziś”, Deichtorhallen, Hamburg, Niemcy

• The Ruth and Sherman Lee Institute for Japanese Art at The Clark Center, Hanford, USA

2005

• Międzynarodowe Muzeum Ceramiki Faenza, Włochy

2006

• „Contemporary Clay: Japanese Ceramics for the New Century” – Japan Society Gallery, New York USA

• „Tōji: Avant-Garde et Tradition de la Ceramique Japonaise” – Musée national de céramique-Sèvres, Francja

2008

• „The Dauer Collection, California State University” - Galeria Biblioteki Uniwersyteckiej, USA

2011

• „Purity of Form” – The Clark Center for Japanese Art and Culture, Hanford, USA

• „Modern Celadon: Ambient Green Flow – the Emergence and Rise of East Asian Celadon” – New Taipei City Yingge Ceramic Museum, Tajwan

2012

• Biennale Ceramiki w Vallauris we Francji

2013

• TEFAF Maastricht, Holandia

• „A Distant View: The Porcelain Sculpture of Sueharu Fukami” – Garden Pavillion, Portland Japanese Garden, USA

2014

• „Fukami Sueharu Porcelain Sculptures” – Eric Thomsen Japanese Art, Nowy Jork, USA

• Scena artystyczna Singapur, Singapur
• Art Miami, Stany Zjednoczone
• „Celadon Now: Techniques and Beauty przekazywana od Southern Song do dzisiaj” – Narodowe Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Tokio / The Museum of Ceramic Art, Hyogo, Japonia

2016

• Spring Masters, Nowy Jork, USA

• EAF Monako, Monako

2017

• TEFAF New York Spring, USA

• „Najwspanialsza historia, jaką kiedykolwiek opowiedziano: kolekcja, której kuratorem jest Ryan Gander” — Narodowe Muzeum Sztuki w Osace

2019

• West Bund Art and Design, Szanghaj, Chiny

• „Sylwetki jutra”, Yufuku Gallery, Londyn, Wielka Brytania
• „Kichizaemon XI Fukami Sueharu x Kichizaemon XV” – Raku Jikinyu, Muzeum Sztuki Sagawa, Sagawa, Japonia

2020

• „Celebracja ponownego otwarcia I ART in LIFE, LIFE and BEAUTY” – Suntory Museum of Art, Tokio, Japonia

• „Ceremonia otwarcia” – Latarnia morska o nazwie Kanata, Tokio, Japonia

2021

• „The Secret Show, latarnia morska o nazwie Kanata, Tokio, Japonia

• „Wszystkie nasze historie są niekompletne / kolory wyobraźni” – Tokyo Opera City Art Gallery
• The Armoury Show, Nowy Jork, USA
• ART 021, Targi Sztuki Współczesnej w Szanghaju, Chiny
• Sztuka bez tytułu Miami Beach, USA

2022

• „Czysta forma: japońska ceramika rzeźbiarska” - Galeria Sztuki Australii Południowej, Adelajda, Australia

• „Latarnia morska o nazwie Kanata New York Pop-Up” – Nowy Jork, USA
• Arcydzieło Londyn, Wielka Brytania