Thierry Geoffroy

Thierry Geoffroy/pułkownik w Muzeum ZKM ze studentami z SHG w 2011 roku

Thierry Geoffroy (ur. 1961), znany również jako pułkownik, jest duńsko-francuskim artystą mieszkającym w Kopenhadze w Danii . Jest konceptualnym wykorzystującym szeroką gamę mediów, w tym wideo i instalacje, często współpracując z innymi artystami.

Formatuj sztukę

Format art to forma sztuki zdefiniowana w praktyce Thierry'ego Geoffroya. Format sztuki można zdefiniować jako odtwarzalną, zdefiniowaną przez reguły konfigurację z zestawem cech identyfikacyjnych, które pozostają takie same w każdym odtworzeniu oryginału, z udziałem grupy lub publiczności, która bierze udział w odpowiednim akcie. Format sztuki można zdefiniować jako odtwarzalną, zdefiniowaną przez reguły konfigurację z zestawem cech identyfikacyjnych, które pozostają takie same w każdym odtworzeniu oryginału, z udziałem grupy lub publiczności, która bierze udział w odpowiednim akcie. Format sam w sobie jest sztuką i ma działać jako katalizator zmiany perspektywy zaangażowanych osób, a także publiczności. W 1989 napisał m.in manifest na pięciu rodzajach ruchomych wystaw ( Manifeste – Les differents Types de move Exhibitions ). Od tego czasu pracował nad kilkoma innymi formatami, w tym „Emergency Room”, który odbył międzynarodowe tournée i był pokazywany w PS 1 Contemporary Art Center w Nowym Jorku . Formaty na ogół obejmują wielu uczestników i mają na celu badanie dysfunkcji i sytuacji kryzysowych, podczas gdy psychologia społeczna (np. konflikty, współpraca).

Jego metoda jest inspirowana formatem programu telewizyjnego : instytucje artystyczne, które chcą wykorzystać format artystyczny, muszą wykupić licencję i zgodzić się na użycie oryginalnego tytułu, koncepcji architektonicznej i metod. Podobnie jak w telewizji, obszerna dokumentacja jest zawsze tworzona z materiałów wideo i zdjęć jako głównych elementów. Celem jest trening mięśni świadomości i odpowiedź na pytanie „co jest teraz ważne?”

Format izby przyjęć MoMA / PS1 2007

Izba Przyjęć

Zobacz też: Izba Przyjęć (sztuka)

Geoffroy opracował koncepcję „Emergency Room”, aby umożliwić artystom szybkie reagowanie na bieżące wydarzenia. Eksponaty są zmieniane każdego dnia. Artyści codziennie o ustalonej godzinie przynoszą swoje prace do specjalnie zaprojektowanej okrągłej sali, przestrzeni Emergency Room w celu zaprezentowania, pracy w wyznaczonym terminie. Prezentowane dzieła sztuki muszą zostać stworzone w ciągu 24 godzin od ich wystawienia, aby wystawa była jak najbardziej zgodna z teraźniejszością. Sztuka powinna w szczególności odnosić się do tematów nagłych; tzn. trwające kryzysy, aktualne problemy lub problemy społeczno-polityczne, dzieło sztuki jest przedmiotem dyskusji Geoffroya, mediów, publiczności i artystów. „Emergency Rooms zorganizowano w Kopenhadze , Berlinie , Nowym Jorku , Atenach , Hanoi , Johannesburgu , Neapolu i Paryżu , a wzięło w nich udział ponad 450 artystów. Po 24 godzinach dzieła sztuki z Emergency Room są wystawiane w Delay Museum, sąsiedniej przestrzeni wystawienniczej i stają się częścią kolekcji Delay Museum. Wizją Geoffroya jest posiadanie stałej izby przyjęć w każdym większym mieście na świecie.

Biennalista

Biennale to kolejny format artystyczny autorstwa Thierry'ego Geoffroya / pułkownika, który jednocześnie komentuje aktywne biennale i zarządzane wydarzenia kulturalne poprzez dzieła sztuki. Biennale poważnie traktuje tematykę biennale i podobnych wydarzeń, takich jak documenta , festiwale i konferencje, kwestionując ustalone struktury inscenizowanych wydarzeń artystycznych, aby wnieść wkład w debatę, którą chcą wywołać. Często trafność tematów biennale jest sprawdzana na miejscu. Biennale zostało aktywowane na Biennale w Wenecji 1999, 2001, 2003, 2005, 2007, 2009, 2011, 2013, 2015, 2017 i 2019, Biennale w Atenach 2007 i 2011, Biennale w Sydney 2010, Biennale Sarema 1997, Biennale w Rotterdamie 1990, U-Turn Quadriennale 2008, Manifesta 2010, Biennale w Liverpoolu 2010 i Biennale w Stambule 2007.

Krytyczny bieg

Critical Run to format artystyczny, podobnie jak Emergency Room i Biennale. Biegający uczestnicy debatują na pilne tematy, takie jak zmiany klimatu, ksenofobia, wojny, hipokryzja, apatia. Critical Run organizowany przez Thierry'ego Geoffroya / Colonela został uruchomiony na zaproszenie takich instytucji jak: Moderna Museet w Sztokholmie, MoMA PS1, Witte de With Rotterdam, ZKM Karlsruhe, Liverpool Biennale, Sprengel Museum w Hanowerze i na Biennale w Wenecji, ale biegi odbyły się także po prostu stało się na miejscu, ponieważ debata była konieczna tu i teraz.

Uczestnikami byli szwedzcy krytycy sztuki, niemiecka policja, amerykańscy aktywiści klimatyczni, chińscy galerzyści, brazylijscy studenci i wielu innych w ponad 20 krajach. Sala prezentująca 40 krytycznych przebiegów jednocześnie została zaprezentowana w ramach wystawy Geoffroya „The Awareness Muscle Training Centre” 2020 w Museum Villa Stuck w Monachium w Niemczech.

Mięsień Świadomości

Główny artykuł: Mięsień świadomości

Format Awareness Muscle to zbiór prac artysty, który obejmuje kilka różnych projektów w karierze artysty, ale przede wszystkim wskazuje na połączenie dogłębnych pytań uczestnika podczas ćwiczeń fizycznych za pomocą obwodu treningowego obejmującego maszyny fitness. Te maszyny są jednocześnie metaforyczne i poetyckie, a wszystkie odnoszą się do innego wybranego tematu (na przykład „myśląca maszyna” powtarza tematy satysfakcji z życia i inne tematy wymagające oceny poznawczej). Format ten był przedmiotem prezentacji w Blackwood Gallery w Toronto w 2007 roku i został w całości zrealizowany w ramach wystawy „The Awareness Muscle Training Center” w Museum Villa Stuck. Maszyny tworzą kompletny tor, który ma na celu kształcenie świadomości zwiedzających w zakresie ich własnych postaw wobec takich zagadnień, jak demokracja, różnorodność, zmiany klimatyczne i środowisko.

Penetracja

Thierry Geoffroy/pułkownik oferujący przestrzeń penetracyjną na Manifesta Biennial / Murcia 2010 artystom z Afryki Północnej

Format „Penetration” to akt artysty polegający na umieszczeniu dzieła sztuki na wystawie innego artysty. Penetracja to sposób na uniknięcie spóźnienia biurokratycznych instytucji artystycznych poprzez cyrkulację przestrzeni między aktorami – artysta do artysty. Penetracja to nie tylko droga na skróty, ale także korzystna współpraca. Format był widziany na Biennale w Atenach „Emergency Room”, na Biennale w Stambule , na Biennale w Wenecji w 2007 (przez Biennale), na Biennale w Wenecji w 2009 (penetracje w Pawilonie Wenezueli z Danielem Mediną , w fińskim pawilonie z Jussi Kivi i na belgijskiej łodzi z Jacquesem Charlierem, której kuratorem jest Enrico Lunghi). Format „Penetration” został również aktywowany na Manifesta 8 w Murcji . Tutaj format odbył się w „Pokoju penetracji”, łącząc sztukę „penetracji” Geoffroya. Biennale w 2010 roku podjęło temat „Afryki Północnej”, a Geoffroy zaprosił artystów z Afryki Północnej do interwencji (lub penetracji) przestrzeni wystawienniczej.

Ekstraktor

Extracteur istnieje od początku artystycznej kariery Geoffroya, czego wyrazem jest jego Manifest z 1989 roku „Moving Exhibition”. Format może obejmować wysłanie osoby (postaci) do stworzenia kolekcji fotograficznej lub tekstowego udziału w osobistym doświadczeniu. W 2011 roku opracowano wersję cyfrową, aby „odzyskać prawo do ponownego odczytania i reorganizacji reprezentacji świata” w odpowiedzi na gromadzenie prywatnych informacji przez media społecznościowe. Po raz pierwszy użył tego formatu podczas Biennale w Wenecji w 2011 roku.

Debata slowdance'owa

Innym formatem Geoffroya jest debata slowdance. Ten format polega na tym, że nieznajomi tańczą z innymi w objęciach, debatując na ważne tematy. Tematy debat mają podobny charakter do tych w Critical Run i często były aktywowane jako mniej wymagająca fizycznie, wolniejsza opcja formatu biegowego. Format można postrzegać jako próbę zainspirowania świadomości, otwartości i ekspresji między ludźmi, aby ludzie byli bardziej świadomi otaczającego ich świata i bardziej skłonni do reagowania na bieżące problemy. Został aktywowany w konwergencji z innymi formatami, na przykład na wystawie MoMA/PS1 w Emergency Room, gdzie był aktywowany w większość niedziel oraz wielokrotnie w ramach Biennale na Biennale w Wenecji. Debata Slow Dance na festiwalu w Roskilde była prezentowana w programie „The Meaning of Life” na DR2.

Grafika

Podczas gdy Thierry Geoffroy często zajmuje się sztuką, którą nazywa sztuką formatu, tworzy również fizyczne dzieła sztuki, aby przekazać natychmiastowe wyrażenia dotyczące świata i sztuki. Podczas gdy jego dzieła sztuki z namiotów mogą być najbardziej znane, używał również różnych mediów do prezentowania wypowiedzi (zwykle o charakterze krytycznym) i własnych rysunków. Przyjęły one formę neonów, spersonalizowanych znaków drogowych, dzieł sztuki na tekturze („kartony”), obrazów na płótnie, a także prac fotograficznych lub wideo.

Namiotowe dzieła sztuki

Documenta Kassel

Geoffroy w swojej karierze wykorzystywał namioty do komentowania bieżących sytuacji, zwykle w kontekstach specyficznych dla danej kwestii. Najbardziej godną uwagi grafiką namiotu, którą stworzył, jest zatytułowana „The Emergency Will Replace The Contemporary”. Ten niezamówiony namiot został umieszczony przez Geoffroya przed Fridericianum w Documenta Kassel podczas Documenta 13. Namiot został pomalowany sprayem z napisem tytułowym, a także „Sztuka w opóźnieniu nie może mieć wpływu”, „Współczesność jest zawsze zbyt późno, nigdy na czas” i „Nie pracuję w biurze turystycznym”. Stwierdzenia te koncentrują się wokół krytyki Documenta i współczesnego świata sztuki, tego, jak spektakl sztuki współczesnej, zwłaszcza w jej próbach przedstawienia humanitarnego wizerunku, często zapobiec jakimkolwiek konkretnym zmianom. „Nagły wypadek zastąpi współczesność” to koncepcja, zgodnie z którą uważne i aktywne podejście do sztuki przejmie w przyszłości strukturę współczesnego świata sztuki. Zdjęcie namiotu pojawiło się na okładce Belgia Hart magazyn. W tym momencie namiot został usunięty, pozostawiając ślady przypaleń tam, gdzie był. Namiot został później kupiony przez Kunsthalle Mannheim, stając się częścią ich stałej kolekcji. Co dziwne, na Documenta 14, Documenta zamówiła duży marmurowy namiot, podobny w wyglądzie Geoffroy's, na wystawę w Atenach. Geoffroy stworzył kolejną grafikę namiotu, tym razem pomalowaną sprayem z napisem „Welcome Cheap Workers” jako komentarz do przeprowadzki Documenta do Aten.

Kopenhaga

Stworzył także serię dzieł sztuki z namiotów, które komentują wpływ blokady koronawirusa na społeczeństwo. Umieszczone w kilku miejscach w Kopenhadze podczas pierwszego okresu blokady związanej z koronawirusem, tematy prezentowane przez namioty kwestionowały wpływ sytuacji na bezdomnych, wyznaczanie branż niezbędnych i nieistotnych oraz kwestie demokratyczne wynikające ze środków ostrożności związanych z pandemią.

Wenecja

W 2017 roku Geoffroy wziął udział w Biennale w Wenecji i wykorzystał jeden ze swoich namiotów do zakwestionowania tematu tego roku „Viva Arte Viva”, który miał być inspirowany humanizmem. W odpowiedzi na deklarację kuratorki Christine Macel, że sztuka jest ostatnim bastionem powstania, Geoffroy rozstawił namiot przy Giardini, przed jednym z megajachtów, z hasłem „Czy sztuka jest ostatnim bastionem powstania?”. kwestionując zdolność sztuki do bycia czysto ekspresyjną, humanistyczną platformą, podczas gdy Biennale przyciąga światową elitę.

Namioty na wystawie

Fotografie

Namioty Geoffroya były prezentowane na wystawach w formie odbitek fotograficznych, dzięki czemu oryginalny kontekst namiotu może pozostać nienaruszony, a namioty zachowują swoją specyfikę miejsca. Na przykład na wystawie „Constructing the World” w Kunsthalle Mannheim Geoffroy wystawił kilka odbitek swoich dzieł z namiotów w Wenecji, Atenach i Kassel.

Rzeźby

Kilka namiotowych dzieł sztuki znalazło się na wystawach muzealnych, m.in. w Izbie Przyjęć we Wrocławiu, Biennale w Muzeum ZKM oraz w Kunsthalle Mannheim. W tej scenerii namioty stają się rzeźbami o symbolicznych powierzchniach przypominających afisze. Na wystawie Kunsthalle Mannheim Geoffroy miał również okazję rozstawić swoje namioty w całej kolekcji muzealnej.

Kartony

Geoffroy często pracuje z niekonwencjonalnymi materiałami, najczęściej używając kartonowych kartonów do wyrażania wypowiedzi społeczno-politycznych, krytycznych lub filozoficznych, którym zwykle towarzyszą szkice lub zdjęcia odnoszące się do wypowiedzi. Są one często tworzone w zbieżności z innymi formatami Geoffroya i używane jako sposób bezpośredniego przekazywania pomysłów, obaw lub realizacji Geoffroya na tematy obecne w danym momencie, zwykle dotyczące rzeczy, które dzieją się lokalnie lub globalnie. Można je również sklasyfikować jako ultranowoczesną sztukę ratunkową Geoffroya. Tematyka prezentowana na opakowaniach była bardzo zróżnicowana, od krytyki Documenta po obawy związane ze zmianami klimatycznymi w poszczególnych lokalizacjach oraz osobiste obserwacje i zmartwienia.

Neony

Geoffroy użył neonów do wyrażenia swoich artystycznych wypowiedzi, zajmując się podobnymi tematami jak jego dzieła sztuki namiotowe i kartony. Są one zwykle pisane odręcznie przez Geoffroya i czasami zawierają hashtag, jako koncepcyjne powiązanie z krążeniem internetowym i natychmiastową widocznością. Stwierdzenia są zwykle imperatywne i stanowcze, a jasne światło dodatkowo wywołuje ton alarmu. Tematy obejmują obserwacje społeczne, takie jak „Chłód to nasza porażka” lub ostrzeżenia o zmianie klimatu „Teraz, zanim będzie za późno”. Te neony były prezentowane na wielu wystawach Geoffroya, w tym „Too Late” w Sabsay Gallery w Kopenhadze i „The Awareness Muscle Training Center” w Museum Villa Stuck w Monachium.

Znaki drogowe

Geoffroy wykorzystuje w swojej pracy znaki drogowe. Motyw instrukcji kierunkowych i symbolicznych nieodłącznie związany ze znakami drogowymi został ponownie wykorzystany, aby przekazać proponowaną ostrożność, działanie lub obserwację Geoffroya, czasami używając gry słownej i paradoksalnych symboli i mieszanek słów, aby sprowokować do ponownego przemyślenia i zakwestionowania społeczeństw, instytucji, a nawet polityki rządowej. Jeden konkretny utwór, który wykorzystuje sygnalizację świetlną na rondzie, brzmi: „La conséequence de l'oeuvre c'est encore l'oeuvre”, co z grubsza oznacza „konsekwencją całej pracy jest kontynuacja pracy”. Jest to zakorzeniony pomysł w twórczości Geoffroya, wyrażający koncepcję nigdy nieukończonego dzieła sztuki, które jest ciągłą sekwencją elementów.

Płótno / Opóźniony / Za późno

Geoffroy kwestionuje płótno i motywy czasu, malując na płótnach „Retard” (fr.), „Trop Tard” (fr.) Lub „Too Late”, wyrażając pogląd, że sztuka jest w opóźnieniu. Używa płócien także do wyrażania przyszłych intencji, malując na płótnie datę, na której odbędzie się zaplanowana przez niego akcja. W tych utworach podejście Geoffroya polega na wykorzystaniu sztuki jako platformy do zbiorowego działania.

Fotografia

Fotograficzne autoportrety

Od najmłodszych lat Geoffroy eksperymentował z autoportretami. W 1974 roku, po tym jak jego dziadek dał mu aparat i nauczył go robić zdjęcia i je przetwarzać, Geoffroy stworzył serię autoportretów. Pracował z samowyzwalaczem, aby zrobić te zdjęcia. Wcielał się w nich w różne role, przebierając się i komponując wspólnie obrazy, tworząc historie. Przebierał się w mundur wojskowy, strój do tenisa itp., często grając dwie role w opozycji, jak np. „kowboj i indianin” oraz serial „Ja kontra ja”, w którym grał własnego rywala. Później opublikował tę pracę w swojej książce Strategies d'existence and jego Moving Exhibition Manifeste 1989; ten ostatni ozdobił autoportretem, na którym gra „The Good Boy”, siedzącego przy biurku ojca i wykonującego pracę. Geoffroy pokazał je w Café Krasnapolsky w 1990 roku na wystawie zatytułowanej „Dlaczego ludzie tak szaleją za Cindy Sherman?” (Schube, 2002).

Fotografia autorska

Geoffroy robił postępy w swojej fotografii w latach 80. i 90., rozpoczynając serię dotyczącą zachowań turystów w kilku miejscach, począwszy od Peru i Egiptu w 1982 r., przez Meksyk, Gwatemalę, Chiny i Tajlandię. W 1986 roku w duńskim czasopiśmie fotomagazine ukazał się artykuł zatytułowany „Narodziny gwiazdy fotograficznej”. Jego praca o turystach skonfrontowanych z biedą w Indiach została opublikowana we francuskim Photomagazine w 1989 roku i była tematem artykułu w duńskiej publikacji w tym samym roku. W 1995 roku zdobył nagrodę Photographic Book Prize w Danii. Jego zdjęcia pojawiały się w wielu duńskich publikacjach na początku lat 90., zwłaszcza gdy zaczął organizować happeningi i performansy w takich miejscach jak Charlottenborg, Billedhuset i Café Krasnapolski. Jego podejście do fotografii zostało również pochwalone za to, że jest wolne od egzotyki, zamiast tego skupia się na międzykulturowych relacjach między nieznajomymi, które wytwarza podróżowanie, i jaki ma to wpływ na podróżnika. Kontynuując praktykę fotograficzną w Kopenhadze, opisano również tryb, w jakim wykonywał zdjęcia, ze względu na konfrontacyjne, intensywne techniki, które stosował, zbliżając się do ludzi i wchodząc im prosto w twarz, w klubach i innych miejscach publicznych, opisywane jako „maniakalny archeolog”.

Ekshibicjonista

Już pod koniec lat 80. zmienił tryb pracy z fotografią, zaczynając kolekcjonować cudze zdjęcia na wystawy. Zaczął zdobywać uznanie za swoje niezwykłe praktyki wystawiennicze, przerywanie wydarzeń artystycznych i wystawianie w przestrzeni publicznej z obrazami na swoich ubraniach, gromadząc grupy ludzi pokazujących swoje prywatne zdjęcia w ten sam sposób. W Paryżu wykorzystał lokalną stację radiową do wyemitowania happeningu w FIAC, zapraszając fotografów-amatorów i członków społeczeństwa do przychodzenia ze swoimi zdjęciami przyczepionymi do ubrań; zaowocowało to zgromadzeniem 35 osób na miejscu, tworząc zaimprowizowaną wystawę. Geoffroy zorganizował podobne imprezy w Centre Pompidou i Grand Palais w Paryżu w 1988 roku. W 1989 roku napisał manifest opisujący różne typy wystaw, które robił i które zamierzał robić, oznaczone pięcioma specyficznymi rodzajami tego, co nazwał „ Moving Exhibitions”, które stały się podstawą wielu jego przyszłych formatów artystycznych.

Elementy tej wystawy typu ekshibicjonistycznego są podobne do aspektów portalu społecznościowego Facebook: idea „przyjaciół”, „ściany”, „postów” i „ograniczonego dostępu” są składnikami ekshibicjonistycznego formatu zarówno Facebooka, jak i Geoffroya. Aby wziąć udział w happeningu, należy wyeksponować swoje zdjęcie i stworzyć profil identyfikacyjny, co pozwala osobie stać się „przyjacielem” i daje dostęp do zdjęć innych osób, aby wytworzyć wobec siebie samokrytykę oraz między innymi solidarność i otwartość. Zachęcano ludzi do przynoszenia osobistych fotografii, takich jak zdjęcia rodzinne. Jego fascynacja turystyczna została dodatkowo zintegrowana z jego nowym podejściem do fotografii, podczas podróży, a potem prosił turystów o cztery zdjęcia z ich podróży, aby mogli je wystawić w Danii. Rozszerzył tę praktykę na wystawie w Billedhuset w Kopenhadze, zapraszając członków publiczności, aby przyniosła swoje zdjęcia z podróży, aby je tam wystawić.

Grafika z obrazami z mediów

Geoffroy pracował również ze zdjęciami ze źródeł medialnych. Ten rodzaj pracy jest często związany z koncepcją czasu — zbieranie źródeł medialnych każdego dnia i tworzenie dzieł sztuki, które są następnie wystawiane w ciągu 24 godzin. Dzieła te różnią się tematyką i estetyką i były włączane do asortymentu wystaw artysty często w związku z Emergency Room czy Galerią Ultracontemporaine. Tryb, w jakim są tworzone, wymusza, aby ukazywane tematy były zbieżne z tym, co dzieje się na świecie. Geoffroy stworzył w ten sposób wiele serii, z których najobszerniejsze to „Błękitne hełmy” i „Pomiar dystansu kulturowego”.

Niebieskie Hełmy

W 1991 roku Geoffroy rozpoczął serię „Błękitne hełmy”, która trwała 10 lat i zakończyła się 11 września 2001 roku. W ramach tego projektu wyciął z gazety wszystkie zdjęcia przedstawiające żołnierzy i pomalował ich hełmy na niebiesko. To pokazałoby obrazy wyrwane z kontekstu, pozwalając mu na rekonfigurację interpretacji obrazu. Niebieskie hełmy nawiązują do hełmów żołnierzy ONZ, malując każdego żołnierza niebieskim hełmem, rekontekstualizując naturę żołnierzy na obrazie, jako metaforę „niewinności i dobrych intencji”. Niebieskie hełmy reprezentują rzeczywistość, w której wszyscy żołnierze są żołnierzami sił pokojowych, co prowadzi do paradoksalnej interpretacji obrazów, w których niebieski wywołuje uspokajające, przyjazne wrażenie, a sam obraz może temu zaprzeczać. Może również ujawnić zainscenizowane zdjęcia, które działają jako propaganda lub wskazują na niepokojący charakter wpływu, jaki niebieski ONZ wywiera na ludzi, ponieważ niebieski zachęca ludzi do robienia zdjęcia zgodnie z wartością nominalną i zaufania, że ​​ci żołnierze mają dobre intencje jak ONZ chce je przedstawić. Ten projekt został również nazwany „Pułkownikiem: Peintre de la Justice”, przekazując projekt w kategoriach celowo naiwnych charakterystyk wszystkich żołnierzy, kwestionując siłę malarza, tworząc alternatywny wymiar, w którym wszyscy żołnierze są pomocami humanitarnymi.

Pomiar dystansu kulturowego

W 2002 roku rozpoczął projekt „Pomiar dystansu kulturowego” w Vejle Kunstmuseum, który kontynuował w Galerie Sparwasser Berlin w 2003 roku i w Kalashnikovv Berlin w 2016 roku. zrobienie zdjęcia, na którym pojawiają się dwie osoby o różnym pochodzeniu kulturowym/etnograficznym, oraz zmierzenie odległości między tymi dwiema osobami. Często uruchamiał ten projekt z różnymi grupami ludzi, takimi jak bibliotekarze czy galerzyści, prosząc ich o wycięcie obrazów, zmierzenie odległości, a następnie zastanowienie się nad rzeczywistością przepaści kulturowej między dwoma tematami w prawdziwym życiu. Odbyło się to w Bibliotece Helsingør w ramach projektu „Ultrafast”, w ramach którego uczestnicy mierzą dystans kulturowy na wyciętych z gazet zdjęciach, a następnie tego samego dnia wystawiają je na swoich telefonach komórkowych.

Godne uwagi wystawy

Izba przyjęć, MoMA/PS1, NYC, 2007

W 2007 roku Geoffroy wystawił swój format Emergency Room w Museum of Modern Art w Nowym Jorku. Był to najdłuższy okres wystawienniczy tego formatu, trwający 7 tygodni i obejmujący 29 artystów. Były zbieżności innych formatów, takich jak Critical Run i Slow Dance Debate, a także obejmowały użycie indywidualnie wyrażanych opasek na głowę. Po zmianie wystawy odbywały się czasem sesje jogi z artystami i publicznością. Na wystawie prowadzony był codzienny blog, a także wyprodukowano i wyemitowano w Times Out Radio podcast z utworem dźwiękowym DJ Copyflex. Wystawa była relacjonowana w segmentach telewizyjnych przez ABC News i Reuters oraz omawiana w audycji radiowej „The Brian Lehrer Show”, a także szeroko nagłośniona przez międzynarodowe media. Zaangażowanie jak największej liczby mediów było celową strategią formatu, aby dotrzeć z wystawami do jak największej liczby osób na całym świecie. Każdego dnia liczba zwiedzających wystawę przekraczała ponad tysiąc. Emergency Room był chwalony za atmosferę, koncept i przesłanie, szczególnie za to, w jaki sposób rzucił wyzwanie współczesnemu światu sztuki i podniósł wagę debaty nad aktualnymi problemami. Retrospektywny artykuł o wystawie pt. „Dwanaście lat później” ukazał się w Arte al dia w 2019 roku.

Centrum treningu mięśni świadomości, Museum Villa Stuck, Monachium, 2020

W 2020 roku Geoffroy zaprezentował Centrum Treningu Mięśni Świadomości w Muzeum Villa Stuck w Monachium w Niemczech (villastuck.de, 2020). Składało się z 5 pokoi i przestrzeni zewnętrznej: Sali Treningowej, Galerii Ultracontemporaine, Sali Energii, Muzeum Opóźnienia, Sali Strategii i Przestrzeni Ruchu. Sala Treningowa składała się z uczestników korzystających ze zmodyfikowanych maszyn treningowych, pytanych o sens ich życia przez wystawców „instruktorów” poprzez określoną rutynę; Galeria Ultracontemporaine prezentowała dzieła sztuki i fotografie Geoffroya wystawione tego samego dnia, w którym zostały wykonane; Pokój energetyczny był zbiorem 40 przebiegów krytycznych na ekranach prezentowanych w okrągłej przestrzeni; Pokój strategii był kwaterą główną, w której ludzie byli zaangażowani w planowanie przebiegów krytycznych, a przestrzeń ruchu wyświetlała znaki drogowe z różnymi samodzielnie narysowanymi obrazami i wypowiedziami samego artysty.

Biennale w Muzeum ZKM, Karlsruhe, 2011

W 2011 roku Geoffroy zorganizował wystawę w ZKM w Karlsruhe, która była zarówno mini-retrospektywą jego formatu Biennale, jak i zleconym śledztwem w sprawie Biennale w Atenach, uzupełnionym szkoleniem i siedzibą w muzeum przed i po. Swój format Biennale uruchomił na Biennale zatytułowanym Monodrome, badając różnicę między proponowanymi celami a rzeczywistością Biennale. Doprowadziło to do odkrycia gentryfikacji i przymusowego wysiedlenia „niepożądanych” mieszkańców okolicy w ramach przygotowań do Biennale, a także całkowitego braku prób zaangażowania okolicznych społeczności. Geoffroy wcielił się również w Ateńczyków w swój format Extracteur, zbierając ich otwarte odpowiedzi i doświadczenia związane z trwającymi zamieszkami w pobliżu Biennale. Skomentował również sytuację poprzez umieszczone na miejscu dzieła sztuki z namiotów i uliczne graffiti. Po rozwiązaniu tych problemów i skonfrontowaniu się z nieszczerością rzekomych celów Biennale na miejscu, Geoffroy później przekazuje swoje odkrycia podczas samej wystawy.

Artistes de Garde/ HQ, CPH, 2009

4 grudnia 2009 Thierry Geoffroy otworzył wystawę w kopenhaskiej galerii Gallery Poulsen. Geoffroy zaprosił do udziału międzynarodowych aktywistów, artystów i organizacje pozarządowe, w szczególności amerykański duet aktywistów „The Yes Men”, ponieważ wystawa celowo zbiegła się z Konferencją Klimatyczną COP15 w Kopenhadze. Tutaj Yes Men wystawił materiał filmowy z COP15, że Kanada zgodziła się dać Ugandzie 3 miliardy dolarów na jej dług klimatyczny i zmniejszyć emisje o 40% do 2020 r., tworząc mnóstwo żartobliwych artykułów i prowokując odpowiedź ze strony prawdziwych kanadyjskich Minister Środowiska Kanady. W projekt zaangażowane były również organizacje pozarządowe, takie jak Avaaz.org, Climate Action Factory i MSAction Aids, a także prywatni detektywi, dziennikarze i inne wybitne osobistości (art-agenda.com, 2010). Geoffroy codziennie organizował Critical Runs w trakcie konferencji, przyciągając do udziału wielu działaczy klimatycznych. Wystawa obejmowała również własną grafikę ratunkową Geoffroya, która została zmieniona w ciągu 24 godzin od wystawienia, zajęcia się i skomentowania w czasie rzeczywistym aktualizacji z konferencji klimatycznej, a także innych kwestii. Pokazano również zrzuty ekranu stron Facebooka przekształconych w obrazy, przedstawiające serię satyrycznych fikcyjnych profili, które Geoffroy stworzył w celu komentowania rzeczywistych sytuacji postaci, często poruszających takie tematy, jak zmiany klimatyczne czy rasizm. Tytuł HQ nawiązuje do struktury wystawy w formacie Headquarter, w której Geoffroy wykorzystuje przestrzeń artystyczną jako strategiczny punkt centralny do opracowywania działań, które mogą coś zmienić. W tym konkretnym przypadku wystawa była szczególnie zaangażowana w krytykę nieskuteczności COP15 i roli artystów jako siły do ​​zielonego prania. Później na zakończenie wystawy została pokazana Diagnoza skuteczności wystawy.

Art et Publicité - Muzeum MM, CPH, 1991

W 1991 roku Thierry Geoffroy miał wystawę w Muzeum MM w Kopenhadze. Wystawa zatytułowana „Art et Publicité” prezentowała mieszankę różnych dzieł medialnych, w tym zdjęcia z nazistowskiego biura turystycznego w Kopenhadze z lat 1940–42 oraz dzieła przedstawiające gwiazdy sportu w sponsorowanych ubraniach. Zawierał również ideę „tego samego dnia, tych samych mediów”, w ramach której Geoffroy codziennie wymieniał zawartość wystawy z codziennymi dostosowaniami, w szczególności dotyczącymi tego, co działo się w tamtym czasie na świecie, na przykład ultimatum Rady ONZ w sprawie wojny w Zatoce Perskiej. Pokazano również obrazy eksplorujące wykorzystanie dzieci i sportu w reklamach.

Emergency Room, Uniwersytet Sztuk Pięknych, Hanoi, 2009 i 2011

W 2009 roku Emergency Room został wystawiony na Uniwersytecie Sztuk Pięknych w Hanoi w Wietnamie w związku z wizytą państwową duńskiej królowej, księcia i księżnej, która odwiedziła wystawę. Wizją Geoffroya było zapewnienie stałego miejsca na izbę przyjęć, ale jego próby nie przyniosły rezultatu. Jednak w Hanoi miał okazję doświadczyć przybliżenia tej wizji, aktywując format w odstępie dwóch lat w tej samej przestrzeni. W 2011 roku został zaproszony do reaktywacji formatu Emergency Room w ASP. Zbiegłoby się to z wizytą państwową następcy tronu Danii, księcia Frederika. Te dwie aktywacje zapewniły długowieczność projektu na tym obszarze, umożliwiając analizę, które tematy były najbardziej obecne i warte uwagi w ciągu dwóch lat. Tematy, które były szczególnie obecne, to zmiana klimatu, rosnący poziom zanieczyszczeń, różnice pokoleniowe i korupcja (BBC). W obu aktywacjach wzięli udział artyści duńscy i wietnamscy, a także artyści innych narodowości.

Medienarbeiten/Media-Based Works, Muzeum Sprengla, Hanower, 2002

W 2002 roku Geoffroy miał indywidualną wystawę w Muzeum Sprengla w Hanowerze, zatytułowaną „Dzieła medialne z ostatnich dziesięciu lat”. Przedstawił w nim fotografie, koszulki z własnoręcznie wydrukowanymi zdjęciami, fragmenty swojego serialu „Kapitan” w duńskiej telewizji oraz asortyment przedmiotów, które dodatkowo ujawniły jego współpracę z różnymi mediami przez ostatnią dekadę. Wiele prac ma charakter transformacyjny, na przykład Geoffroy robi swoje zdjęcie, umieszcza je w gazecie przez sekcję reklam, a następnie wykorzystuje ten obraz gazety do opublikowanego artykułu prasowego. Były tam zdjęcia z happeningów, które zorganizował Geoffroy, na które ludzie przychodzili ze swoimi zdjęciami. Klipy z jego seriali telewizyjnych pokazały, w jaki sposób artysta wykorzystał telewizję jako alternatywną platformę do pokazania swoich prac i zakwestionowania medium, które zostały pokazane na ekranach telewizyjnych w przestrzeni. Pokazano również, jak Geoffroy wykorzystał inspirację takimi artystami jak Daniel Buren i Marcel Duchamp do własnych koncepcji. Artysta miał też okazję umieścić część swoich prac w stałej kolekcji muzeum, na przykład obok obrazów Picassa. Zespół muzealny codziennie włączany był w aktywną część projektu, wyszukując w gazetach zdjęcia narastającego konfliktu irackiego i robiąc z nich papierowe samoloty, spuszczając je z wyższych pięter do głównego przejścia. Kiedy te zaczęły się piętrzyć, przybrały wygląd gruzu, tworząc niewygodny pomost między prawdziwym konfliktem a tym, jak był on przedstawiany na Zachodzie. Ogólnie rzecz biorąc, wystawa przedstawiała przegląd obiegów medialnych Geoffroya, łącząc materiały archiwalne i nowo zrekonstruowane dzieła sztuki, aby zbadać skumulowany efekt medialnej pracy Geoffroya.

Extracteur, Sprengel Museum, Hanower, 2011

W 2011 roku Geoffroy został zaproszony do udziału w wystawie zbiorowej Photography Calling w Sprengel Museum w Hanowerze. Inni artyści to Diane Arbus, Wolfgang Tillmans i Jeff Wall. Wystawa Geoffroya była przemyśleniem tego, co teraz zrobić jako artysta, w związku z wyprzedzeniem mediów społecznościowych jako wizualnej platformy i archiwum zdjęć, szukając odpowiedzi muzeum sztuki na ten problem. Format „Extracteur” wywodzi się z artystycznych początków Geoffroya, wcześniej przypisany do kategorii Fondation Moving Exhibition Typ Exhibitioniste, istniejący jako format umożliwiający ludziom udostępnianie artystom ich własnych prywatnych zdjęć do wystawiania. Wersja prezentowana na wystawie to „digital extracteur”. Edycja 2011 obejmowała zespół „ekstraktorów” zbierających karty pamięci i dane telefonów od ludzi. Ekstrakturzy, za ich zgodą, pobierali całą zawartość ich telefonu lub danych wizualnych z aparatu fotograficznego, z podpisaną umową, że mogą one być wykorzystywane przez artystę do celów artystycznych. Dokonał tego w Hanowerze, na Biennale w Wenecji, a później sam Geoffroy podczas zamieszek w Atenach. Dane te były udostępniane tylko innym uczestnikom (zwanym „ekshibicjonistami”), którzy również udostępnili swoje własne zdjęcia. Wystawa przedstawiała również historię formatu, jego związek z Facebookiem w zakresie własności obrazów (projekty Geoffroya wyprzedzały portal społecznościowy o kilka dekad) oraz angażowała policję w Hanowerze i Park Frau we własny projekt ekstraktora. W tym przypadku policja codziennie robiła zdjęcia i prezentowała je na wykresie kołowym w przestrzeni muzeum, umieszczając swoje zdjęcia w kontekście „pracy”, „prywatności”, mieszanki tych lub „nagłych okoliczności”. Kolejnym elementem wystawy była ławka, na której pary mogły umocnić swoje relacje poprzez zrobienie sobie zdjęcia na „Randkowej ławce”. Podczas wystawy uruchomione zostały również Debaty Slowdance oraz Critical Runs .

Anatomia uprzedzeń, IKM Museum, Oslo, 2017

Geoffroy uruchomił kolejny format Extracteur w postaci rosnącej od 5 lat wystawy w IKM Museum w Oslo. Projekt ma na celu zbudowanie spisu uprzedzeń poprzez udział zwiedzających muzeum, przyciągając ok. 200 osób tygodniowo (przed covidem) do udziału w autoanalizie zdjęć z ich rolki z aparatu. Wystawa ma formę wiszącej rzeźby, na której uczestnicy drukują zdjęcia ujawniające uprzedzenia ze swoich telefonów i przypinają je do zawieszonej instalacji. W ten sposób mogą zastanowić się nad tym, w jaki sposób kategoryzują ludzi i jaki wpływ może to mieć na społeczeństwo. Pod koniec 5-letniego okresu instalacja zgromadzi doświadczenia ksenofobii ponad 50 000 aktywnych uczestników. Będzie to również rzeźba danych, które można badać. Przyglądając się indywidualnym danym osób, wystawa może dać wyobrażenie o tym, gdzie zaczynają się uprzedzenia i jak są one widoczne na poziomie osobistym.

Wielki malarz, Gallerie Asbæk, Kopenhaga, 2007

W 2007 roku Geoffroy zorganizował wystawę zatytułowaną „Wielki malarz” w Galerie Asbæk w Kopenhadze. Ta wystawa eksplorowała konceptualne projekty malarskie Geoffroya, a jej tytuł był swego rodzaju paradoksalnym podejściem do pojęcia malarza, biorąc pod uwagę, że Geoffroy nie jest malarzem w klasycznym tego słowa znaczeniu. Galeria Asbæk była również galerią malarską, prowadzące do celowego zakwestionowania idei malarza. Uwzględniono zdjęcia projektu Geoffroy „Protest Underwear”, w ramach którego skłonił uczestników do malowania wypowiedzi na swoich ubraniach, a także obrazy autorstwa kopistów stron Geoffroy w mediach społecznościowych, z których jeden przedstawiał ranking artystów Geoffroya na stronie internetowej. Wystawa była eksploracją pytania „Czy malarze mają władzę?” i zawierał różne zestawienia między treściami medialnymi a malarstwem, na przykład poprzez słowo „la toile” (fr.), które oznacza „płótno”, ale jest również słowem używanym na określenie „ściany” na Facebooku. Pokazano między innymi, w jaki sposób pomysły Marcela Duchampa zostały zintegrowane z twórczością Geoffroya, biorąc przykłady z jego wcześniejszych odcinków seriali telewizyjnych. Umieszczanie zrzutów ekranu i obrazów w formie obrazu za pomocą kopistów jeszcze bardziej zagmatwa rolę malarza; jeden konkretny przykład ilustruje to zamieszanie, obraz przedstawiający ranę postrzałową namalowaną na Geoffroyu przez kopistę. Na tym obrazie, noszącym ten sam tytuł co wystawa, Geoffroy skłania widzów do zastanowienia się, kim jest malarz w tym scenariuszu i jak malarstwo koliduje z wojenną propagandą.

Pawilon Malediwów, Biennale w Wenecji, 2013

W 2013 roku Thierry Geoffroy został zaproszony do wystawienia w pawilonie Malediwów na Biennale w Wenecji. Wykorzystał tę przestrzeń do ustawienia mobilnej izby przyjęć i wystawienia dzieł sztuki w namiocie. Pytanie „Czy zmiana klimatu nadal jest stanem wyjątkowym?” była szczególnie trafna, pojawiając się na namiocie i będąc głównym tematem projektów Geoffroya na biennale. Później używał namiotów do „testowania gościnności”; pracując z tematem zmian klimatu, Geoffroy zapytał inne pawilony, czy byłyby w stanie pomieścić namiot, jako metaforę zatonięcia Malediwów i tysięcy uchodźców klimatycznych, które z tego wynikną. Spray do namiotu z pytaniem „Czy naród może powitać inny naród?” został użyty do tego gestu i zgodził się na „goszczenie” w miejscu przy pawilonie izraelskim, na Ziemi niczyjej między pawilonami izraelskim i amerykańskim, jednak zostało to później usunięte przez policję. Jeśli chodzi o kryzys klimatyczny, Geoffroy miał zamiar rozpocząć „COP18B”, w nawiązaniu do nieudanej konferencji klimatycznej z poprzedniego roku, biorąc pod uwagę, że na biennale było obecnych wiele ważnych osobistości. Geoffroy też nosił swój niebieski hełm , aby pokazać, że zatonięcie Malediwów powinno być głównym problemem ONZ.

Pod wpływem chwili, Moderna Museet, Sztokholm, 1996

Ta wystawa z artystą Jeffem Guessem została pokazana w trzech przestrzeniach: na ulicy, w muzeum i na stronie internetowej Svenska Dagbladet. Podczas trwania wystawy wykonano zdjęcia, a film można było wywołać i wydrukować w ciągu 1 godziny. W sumie w ciągu 9-dniowego okresu wystawowego zgromadziłoby się 10 000 fotografii wykonanych i pokazanych. Projekt ten został pomyślany jako „osobista forma środków masowego przekazu”, mająca na celu wykrywanie i kategoryzowanie pojawiających się tematów w treści, a następnie ich dystrybucję. Głównym celem projektu był czas, a nieodłącznym celem było maksymalne skrócenie przerwy między wykonaniem zdjęć a ich dystrybucją. Tematy komentowane na wystawie były szczególnie istotne kontekstowo, patrząc na wiele perspektyw trwającego Festiwalu Wody w Sztokholmie; w tym działania rekrutacyjne do armii.

Biennale Socle du Monde, Muzeum Sztuki Współczesnej Herning, Herning, 2010

W przypadku Biennale Socle du Monde w Muzeum Sztuki Współczesnej w Herning, którego tematem przewodnim było „Między kulturami”, Geoffroy skoncentrował swoje projekty na imigrantach w Danii. Samo muzeum posiada największą kolekcję dzieł sztuki Piero Manzoniego, a Geoffroy nawiązał do prac włoskiego artysty poprzez projekt, w ramach którego zaangażował imigrantów do sprzątania końskich odchodów pozostawionych przez królewskiego konia, a następnie pakowania tych odchodów w dziewięćdziesiąt dostosowanych do potrzeb puszek. Był to zarówno mroczny, humorystyczny ukłon w stronę Manzoniego, jak i badanie kwestii, w jaki sposób imigranci mogą być uważani za przydatnych w duńskim społeczeństwie. Puszki były nasycone znakami firmowymi „Merde de Cheval Royal” i „Przed złamaną ręką”, odniesieniem do Marcela Duchampa i zawierającym ideę, że zbierając końskie odchody, imigranci zapobiegają wypadkom, a zatem są „dobrymi imigrantami”. ”. Miał także „ścianę penetracji”, na której prezentował prace libańskich i bośniackich artystów-imigrantów.

Konstruowanie świata, Kunsthalle Mannheim, 2018

W 2018 roku Geoffroy brał udział w zbiorowej wystawie w Kunsthalle Mannheim zatytułowanej „Constructing the World”, wystawie poświęconej kryzysowi finansowemu z 2008 roku, jego wpływowi na sztukę i zestawieniu go z przeszłymi załamaniami gospodarczymi. Inni uczestniczący artyści to Thomas Hirschhorn, Andreas Gursky i Jeremy Deller. Geoffroy wystawił kilka swoich rzeźb namiotowych w całym muzeum, mając możliwość zestawienia swoich namiotowych wypowiedzi z innymi dziełami sztuki z kolekcji muzealnej, na przykład Josepha Beuysa Filzanzuga i Capricorne Maxa Ernsta, a także dziełami land artu i dziełami sztuki Neue Sachlichkeit. Podczas wystawy zorganizował również Critical Runs.

Co z turystyką? Galeria Billedhuset, CPH, 1990

W 1990 roku Geoffroy zaprezentował wystawę poświęconą turystyce w Galerie Billedhuset w Kopenhadze. Na plakatach wystawy proszono zwiedzających o przyniesienie własnych zdjęć turystycznych. Geoffroy wystawił własne odbitki cybachromowe z Indii, w których skupia się na zachowaniach turystów za granicą. Pomysł ten został rozwinięty poprzez serię prezentującą pseudoantropologiczne przedsięwzięcia Geoffroya polegające na kolekcjonowaniu zdjęć od turystów w Tajlandii. Geoffroy ujawnił osobiste cechy jednostki (co fotografowała, co robiła podczas podróży, z kim podróżowała, jak długo podróżowała itp.) oraz przedstawił zapis i komentarz zachowań turystów, czyniąc to także czy turystyka jest dobra dla odwiedzanych osób. Geoffroy pokazał także swoje zdjęcie z napisem „Nie jestem lepszy od innych”. Inna sekcja zawierała fotorelację z podróży Geoffroya w czasie z przewodnikiem turystycznym, zawierającą samokrytykę własnego zachowania i nastroje, do których zachęcał przewodnik.

Telewizja jako przestrzeń wystawiennicza

Awaria telewizora

Thierry Geoffroy / Pułkownik po raz pierwszy pojawił się w telewizji w czasie największej oglądalności, z których najsłynniejszym był wyczyn kaskaderski, w którym stanął za reporterem wiadomości, żartobliwie naśladując go z pałką kukurydzy jako mikrofonem, podczas reportażu o piłce nożnej w 1998 roku. finał Dania kontra Brazylia. Pojawiło się to na duńskich kanałach DR, a później TV2. Celem Geoffroya było pokazanie, że piłka nożna nie powinna być przedstawiana tak, jakby była czymś więcej niż rozrywką. Ten klip obejrzałoby ponad 3 miliony osób, czyli ⅔ populacji Danii. Był również prezentowany na późniejszych wystawach artysty, z tytułem „Zaopiekuj się myszami transgenicznymi”, którego tytuł nawiązuje do kija kukurydzy trzymanego przez Geoffroya w klipie, jako nawiązanie do genetycznie zmodyfikowanej kukurydzy. W artykule opublikowanym w 1998 roku w Blender Magazine, Geoffroy został opisany jako „częsty gość wyjątkowej przestrzeni publicznej: środków masowego przekazu”.

Serial telewizyjny

Geoffroy wykorzystał telewizję jako platformę dla swojej sztuki w 3 seriach zrealizowanych dla Danmarks Radio , głównego duńskiego kanału. Nazywany „Capitain”, „Immigranten” i „Photographe”, odgrywa różne role, przechodząc od „profesjonalnego turysty” do „aktywnego imigranta”, aw końcu do fotografa. Programy obejmowały udział duńskiej publiczności, często badając pojęcia „duńskości” i „inności”. Celem Geoffroya w tych programach było wykorzystanie telewizji jako sceny dla jego sztuki, aby dotrzeć do jak największej liczby ludzi, a nie tylko do wybranych artystów. Serial stał się jednym z najczęściej oglądanych treści na kanale. Obiekty z tej serii stały się częścią stałych kolekcji Heart Museum Denmark i NBK Berlin oraz znalazły się w instalacjach Sprengel Museum Hannover i Fries Museum Leeuwarden.

Film telewizyjny dla Manifesta 8 w Murcji

W ramach Manifesta Biennale „W dialogu z Afryką Północną” Geoffroy zrealizował film krótkometrażowy dla hiszpańskiego kanału 7RM. Wiązało się to z zapytaniem zarówno mieszkańców Hiszpanii, jak i Afryki Północnej o ich opinie i doświadczenia w tej kwestii, a także nakłonieniem niektórych osób do przeprowadzenia ze sobą wywiadów. Tutaj zagrał postać „Artysty kolonialisty”.

Manifest o 5 rodzajach wystaw ruchomych 1989

Manifesty

• Manifest Ruchoma Wystawa, Katalog, Brandts Klædefabrik, Odense, Dania, 1989
• Sport Art Manifest, Katalog, Brandts Klædefabrik, Odense, Dania, 1991
• Manifest sztuki sportowej, Bildtidningen(S), 1991
• Manifest kolorów, Zoom, (F), März 1991
• Konkluzja, L'Alliance (BKK) (1992)
• W dialogu z Afryką Północną, Manifesta 8, Murcia 201

Krytyczny występ Thierry'ego Geoffroya w Moderna Museet w Sztokholmie

Publikacje

•   2010, „Słownik pokoju awaryjnego”, Revolver, ISBN 978-3-86895-093-9 , Królewska Duńska Akademia Sztuk Pięknych
• 2005, „Samopomiar szkockości”, tekst Claudii Zeiske i Kevina Hendersona
• 2002, „Avoir l 'air”, Forlaget Nifca, tekst Rune Gade i Line Rosenvinge, Helsinki The Nordic Institute for Contemporary Art 2002
• 1997, „Turyści w Tajlandii”, Rhodos Forlag
•   1996, „Strategie istnienia”, ISBN 978-87-7245-694-2 , Rhodos Publishing
• 1995, Kulturministeriets Fotografiske Bogpris

Nagrody

• 2003, „Chevalier des Arts et des Lettres”
• 2002, 3-letni grant roboczy od National Arts Council
• 1995, Kulturministeriets Fotografiske Bogpris

Wystawy indywidualne

• 2020, CENTRUM TRENINGU MIĘŚNI ŚWIADOMOŚCI, Museum Villa Stuck, Monachium
• 2019, „Empatia”/Vejle Kunst Museum/DK.
• 2019, „Za późno”/Galeria Sabsay/Kopenhaga/DK.
• 2018, „Anatomia uprzedzeń”/Muzeum IKM/Oslo/NO.
• 2017, „#documentasceptic”/Gallery Sabsay/Kopenhaga/DK.
• 2013-2014, „Przed złamaniem ręki?” Galeria Marianne Fries, Kopenhaga
• 2011, Art Format: Emergency Room Poland, gość: Emergency Artists
• 2011, Art Format: Emergency Room Wietnam, Uniwersytet Sztuk Pięknych, gość: Emergency Artists
• 2009, „Artistes de Garde” w galerii Poulsen, Kopenhaga , gość: Yes Men i Emergency Artists
• 2009, Art Format: Emergency Room Hanoi, Uniwersytet Sztuk Pięknych z Emergency Artists
• 2009, format PAN/NAPOLI "Pogotowie Ratunkowe Napoli"
• 2008, Art Format Emergency Room / Paryż w Galerie Taiss
• 2008, Fotografisk center / Kopenhaga "Gymnastic Mediatic"
• 2007, MoMA PS1 , Nowy Jork „Sala ratunkowa”
• 2007, „Biennalista” na Biennale w Wenecji
• 2007, „Wielki malarz”, Galeria Asbaek, Kopenhaga
• 2007, Blackwood Gallery, Toronto , kurator: Seamus Kealy
• 2007, Galeria Ileana Tounta, z artystą ratunkowym
• 2006, „Emergency Room the Berlin test”, Gallerie Olaf Stüber, Berlin , z artystami ratunkowymi
• 2006, Kunsthallen Nikolaj / Dania , "Emergency Room" z Frankiem Franzenem i artystami ratunkowymi
• 2006, Ovegaden / Instytut Sztuki Współczesnej, „Biokolonializm” z Khaledem Ramadanem
• 2005, „Izolacja”, Muzeum IKM, Oslo , Norwegia
• 2004, „Konkurs podnoszenia kuratorów” centrum sztuki Nikolaj (DK), z Biennale w Wenecji
• 2004, "Para genów", Stadtische Galerie Ravensburg (DE)
• 2004, „Avoir l´air”, Fries Museum , Leeuwarden , Holandia
• 2004, „I wreszcie” Deveron Arts , Huntly , Aberdeenshire , Szkocja
• 2004, „Pułkownik sprawiedliwości”, The Showrrom FDK /DK
• 2003, Galerie Olaf Stüber, Berlin , czerwiec 2003
• 2003, Berlin , Haus der Kulturen der Welt (DE)
• 2003, „Oszukiwana moda”, Galeria Pio Diaz (DK)
• 2003, Helsingør Biblioteker, „Ultraszybka wystawa” (DK)
• 2002, Muzeum Sprengla , Hanower (DE)
• 2001, Artspace Rhizom (Dania)
• 2000, Fotografisk Centre (Dania)
• 2000, Det Nationale Fotomuseum (DK)
• 1999, Nikolaj Udstillingscenter (DK)
• 1999, zamek Frederiksborg (Dania)
• 1999, Traneudstilling Gentofte Hovebibliotek (DK)
• 1997, Saaremaa Biennale, „Inwazja”, Estonia
• 1996, Moderna Museet , Sztokholm
• 1996, Galerie Brott Fabrik, Berlin
• 1996, Færgen Kronborg (Dania)
• 1996, Galleri Billedhuset, (Dania)
• 1995, Fotofeis, Szkocja
• 1995, Fotografisk Galleri (Dania)
• 1994, Galleri Billedhuset (Dania)
• 1994, Galeria Pascala Lesnesa, Paryż
• 1993, Fotografisk Galleri (DK)
• 1993, Kunstakademiets Bibliotek (DK)
• 1990, Galleri Billedhuset (Dania)

Linki zewnętrzne

Media związane z Thierrym Geoffroyem w Wikimedia Commons

• Oficjalna strona internetowa