Iwana Albrighta

“Self-Portrait” by Ivan Albright (1897–1983), 1934, oil on canvas, 291⁄4 by 191⁄4 inches. Collection of New Trier High School District 203.png
Autoportret , 1934, olej na płótnie. Kolekcja New Trier High School District 203
Ivana Albrighta
Urodzić się
Iwana Le Lorraine Albrighta

( 1897-02-20 ) 20 lutego 1897
North Harvey, Illinois , USA
Zmarł 18 listopada 1983 ( w wieku 86) ( 18.11.1983 )
Woodstock, Vermont , USA
Edukacja

Art Institute of Chicago Narodowa Akademia Projektowania Pennsylvania Academy of the Fine Arts
Znany z Malarstwo , rysunek , poezja
Styl Magiczny realizm
Współmałżonek Josephine Medill Patterson

Ivan Le Lorraine Albright (20 lutego 1897 - 18 listopada 1983) był amerykańskim malarzem, rzeźbiarzem i grafikiem najbardziej znanym ze swoich autoportretów , studiów postaci i martwych natur . Ze względu na swoją technikę i mroczną tematykę jest często zaliczany do Magicznych Realistów i czasami nazywany jest „mistrzem makabry ” .

Pochodzący z rodziny artystów i rzemieślników, Albright pojawił się na amerykańskiej scenie artystycznej w latach trzydziestych XX wieku i zyskał reputację jednego z najbardziej enigmatycznych amerykańskich realistów . Szokował, przerażał i denerwował publiczność, kładąc nacisk na kruchość ciała, ciała i kondycji ludzkiej takimi pracami, jak Liniowiec (1928), To, co powinienem był zrobić, nie zrobiłem (Drzwi) (1931 ) i Portret Doriana Graya (1943). Jego praca polegająca na podkreślaniu najdrobniejszych szczegółów i faktury każdej powierzchni często wymagała od niego spędzenia lat lub dziesięcioleci na jednym obrazie.

Podczas gdy prace Albrighta można znaleźć w muzeach w całych Stanach Zjednoczonych, najważniejsze repozytorium jego prac znajduje się w Instytucie Sztuki w Chicago .

Życie

Adam Emory Albright (Amerykanin, 1862–1957), Barnacles , 1907, olej na płótnie, 24 x 30 cali, Art Institute of Chicago. Barnacles jest przykładem malarstwa Adama wykorzystującego Ivana i Malvina jako modeli.

Przed narodzinami Ivana Le Lorraine i jego identycznego brata bliźniaka Malvina Marra Albrighta rodzina Albrightów (wcześniej rodzina Albrechtów ) była już znana z dzieł sztuki i rzemiosła. Prapradziadek Ivana ze strony ojca, Andreas Albrecht, był mistrzem rusznikarza w Turyngii w Niemczech . Zawód rodzinny odziedziczył po dziadku Ivana, Zachariaszu. Podobnie ojciec Ivana, Adam Emory Albright, był malarzem impresjonistą i uczniem Thomasa Eakinsa. który zbudował swoją reputację na pejzażach i wyidealizowanych obrazach dzieci.

Młodzież i edukacja (1897–1925)

Ivan i Malvin urodzili się w 1897 roku niedaleko Chicago w North Harvey w stanie Illinois jako syn Adama Emory'ego Albrighta i Clary Wilson Albright. Przez całą ich młodość, aż do ukończenia przez nich jedenastu lat, ich ojciec używał chłopców jako modeli na swoich obrazach. Adam również zaczął uczyć tę dwójkę rysowania w wieku ośmiu lat: obejmowało to formalne lekcje rysunku w stylu Eakinsa i regularne wizyty w Instytucie Sztuki w Chicago . Dzięki ojcu chłopcy zostali przedstawieni kilku wybitnym amerykańskim impresjonistom i realistom , w tym Childe Hassamowi , Robertowi Henriemu , William Glackens , Maurice Prendergast , Edmund Tarbell i John Twachtman . Jak opisuje biograf Ivana Michael Croydon, te doświadczenia położyły podwaliny pod późniejszą karierę malarzy Ivana i jego brata.

Formalne perspektywy edukacji i kariery Ivana w młodości i wczesnej dorosłości były stosunkowo nieregularne. Jego rodzina często się przeprowadzała ze względu na karierę ojca i dopiero w 1910 roku osiedlili się w Hubbard Woods, gdzie Ivan i Malvin mogli uczęszczać do New Trier High School . W 1915 roku Ivan wstąpił do College of Liberal Arts na Northwestern University , z którego nie udało mu się wylecieć. Wkrótce potem do tej samej szkoły zapisał się jego brat. W 1916 rozpoczął studia na Uniwersytecie Illinois w Urbanie , rozważając wówczas karierę w architekturze lub inżynierii chemicznej. Dopiero w 1918 roku, po rodzinnej wyprawie malarskiej do Caracas w Wenezueli , Ivan zaczął poważnie traktować możliwość zostania artystą. W tym samym roku publicznie wystawił swoją pierwszą pracę - akwarelowe studium drzew w swoim domu w Hubbard Woods, zatytułowane The Oaks in Winter - na dorocznej wystawie akwareli w Instytucie Sztuki w Chicago. Wejście Stanów Zjednoczonych do I wojny światowej również zakłóciło jego wczesne dorosłe życie, ponieważ zarówno on, jak i jego brat zostali zaciągnięci do Armia Stanów Zjednoczonych jako część Korpusu Medycznego Amerykańskich Sił Ekspedycyjnych . Podczas stacjonowania w Nantes we Francji w latach 1918-1919 Albright wyprodukował co najmniej osiem szkicowników rysunków medycznych ilustrujących operacje i rany grafitem i akwarelą. Chociaż Albright nie był jeszcze znakomitym rysownikiem, historycy sztuki i krytycy często cytują te ilustracje jako katalizator jego zainteresowania kruchością ciała i człowieczeństwa cierpiących.

Filozof , 1922, olej na papierze nałożonym na deskę, 24 x 18 cali. Malował, gdy Ivan uczęszczał do Art Institute of Chicago.

Po krótkiej pracy w architekturze i reklamie, w 1920 roku on i jego brat wstąpili do Art Institute of Chicago. Podczas gdy Malvin studiował rzeźbę, Ivan studiował malarstwo – każdy z nich otrzymał standardowe wykształcenie akademickie zgodne z tradycyjną filozofią instytutu. Przebywał tam do ukończenia studiów w 1923 r., Wystawiając Filozofa (1922) i otrzymując wyróżnienie Wydziału zarówno w dziedzinie życia, jak i portretu. Po pobycie w Art Institute kontynuował studia na macierzystej uczelni swojego ojca, Pennsylvania Academy of the Fine Arts z zamiarem uczenia się od George'a Bellowsa . Bellows przebywał wówczas na urlopie naukowym w Europie, więc zamiast tego Ivan zdecydował się przenieść do National Academy of Design , aby studiować pod kierunkiem Charlesa Webstera Hawthorne'a . Po ukończeniu formalnej edukacji w 1925 roku wraz z bratem Malvinem wynajęli pracownię w Filadelfii i rozpoczęła się jego kariera artystyczna.

Wczesna i środkowa kariera (1925–1950)

W latach 1925-1926 zaczął pojawiać się dojrzały „barokowy” formalny styl Albrighta, aw wielu przypadkach opinia publiczna nie była przygotowana na jego „nagie i bezkompromisowe ujawnienie ludzkiej kondycji”. Pod koniec 1926 roku Albright i jego brat spędzili trzy miesiące w południowej Kalifornii niedaleko San Diego . Tam Albright wyprodukował kilka dzieł, które są reprezentatywne dla dojrzałości jego stylu, w tym I Walk To and Fro Through Civilization i I Talk As I Walk (Follow Me, The Monk) oraz I Draw a Picture in the Sand and the Water Washed To daleko (teozof) . W 1927 roku on i Malvin wrócili do Illinois, gdzie ich ojciec Adam przekształcił stary kościół metodystów na Albright Gallery of Painting and Sculpture. Ze względu na bliskość braci przez następne dwa lata, Malvin przyjął pseudonim Zsissly, aby uniknąć pomylenia z Ivanem. To właśnie podczas lat spędzonych w tym studio styl Ivana zaczął budzić kontrowersje: w maju 1928 roku jego obraz The Lineman został wykorzystany jako okładka magazynu branżowego Electric Light and Power . Czytelnicy magazynu uważali postać liniowego za niedokładną i przygnębiającą; jednak obraz odniósł znacznie większy sukces wśród krytyków sztuki. Niedługo potem Albright zaczął pracować nad obrazami, które podkreślały zarówno mikroskopijną jakość powierzchni, jak i barokową formę, poczynając od Kobiety (1928). Kiedy Kobieta została wystawiona w Muzeum Sztuki w Toledo na 17. Wystawie Wybranych Obrazów Współczesnych Artystów Amerykańskich w 1929 roku, obraz spotkał się z protestującymi, którzy jako pierwsi usunęli obraz, a następnie inna grupa protestowała przeciwko usunięciu obrazu.

Kuchnia farmera , 1933–34, olej na płótnie, 36 x 30,13 cala.

Do 1931 roku i na początku Wielkiego Kryzysu kariera Albrighta była już ugruntowana. W lipcu tego roku wystawił czternaście obrazów w Art Institute of Chicago wraz z innymi artystami, George'em i Martinem Baerami. Również w tym roku, po ukończeniu monumentalnego dzieła Na świat przyszła dusza zwana Idą (1929–30), rozpoczął swoją trwającą dekadę obsesję na punkcie swojego opus magnum To, co powinienem był zrobić, nie zrobiłem (The Drzwi) (1931). Według Albrighta kryzys nie wpłynął znacząco na jego karierę, ponieważ ludzie nie kupowali jego obrazów „niezależnie od tego, czy czasy były dobre, czy złe, [więc] nie miało to większego znaczenia”. Rzeczywiście, sukces jego ojca w sprzedaży dzieł sztuki i nieruchomości pozwolił Albrightowi żyć wygodnie w latach trzydziestych XX wieku. Niemniej jednak, podobnie jak wielu innych artystów tego okresu, Albright brał udział w Public Works of Art Project w Illinois. Miał otrzymywać w programie trzydzieści osiem dolarów tygodniowo jako artysta „klasy A”, ale utrzymywał, że nigdy nie otrzymywał wynagrodzenia za swoje prace. W ramach projektu Albright ukończył dwa obrazy: Kuchnia wieśniaka (1933–34) i Autoportret (1934). The Farmer's Kitchen , obecnie mieszcząca się w Amerykańskim Muzeum Sztuki Smithsonian , w szczególności odpowiadał oczekiwaniom PWAP co do wizerunków ciężko pracujących Amerykanów i rzeczywiście jest tematycznie najbliższy obrazom Albrighta do obrazów popularnych Regionalistów . Niemniej jednak temat ten pozwolił Albrightowi pokazać zmęczenie i pogorszenie stanu kobiety, a tym samym krytykować pozytywistyczne poglądy artystów regionalistów, takich jak Grant Wood i Doris Lee .

Lata czterdzieste przyniosły szereg zmian w życiu Albrighta. Jego matka, Carla Wilson Albright, zmarła 8 maja 1939 roku i ze złamanym sercem on, Malvin i Adam spędzili kilka następnych lat malując w Maine. W tym okresie, w 1941 roku, Albright zakończył pracę nad Drzwiami i rozpoczął pracę nad swoim de facto towarzyszem Biedny pokój - nie ma czasu, nie ma końca, nie ma dzisiaj, nie ma wczoraj, nie ma jutra, tylko wieczność i wieczność i wieczność bez końca (The Window) , nad którym Albright pracował z przerwami przez następne dwadzieścia jeden lat. Pracuj nad Oknem doświadczyła pierwszej przerwy, gdy Ivan i Malvin zostali poproszeni o namalowanie adaptacji Portretu Doriana Graya w w Metro-Goldwyn-Mayer reżyserii Alberta Lewina . W przypadku swojego portretu Albright nalegał na pracę w tym samym ostrym świetle, co na planie, więc aby to zrekompensować, rozwinął nową agresywną wrażliwość na kolor, która utrzymywała się w jego pracach do lat 70. W 1946 roku życie osobiste Albrighta zmieniło się jeszcze bardziej, gdy 27 sierpnia poślubił Josephine Medill Patterson Reeve. Po ślubie para na krótko przeniosła się do Billings w stanie Montana a następnie na południe do Ten Sleep w Wyoming przed powrotem do Chicago. Albright adoptował dzieci Josephine po ślubie. W 1947 roku Ivan i Josephine mieli syna Adama Medilla, a dwa lata później, w 1949 roku, córkę Blandinę Van Etten.

Późna kariera (1950–1983)

Portrety i autoportrety dominują w większości dorobku z ostatniej części kariery Albrighta. Ostatnią przerwą w pracy Albrighta nad Oknem było zamówienie Portretu Mary Block (1955–57). Po ukończeniu Okna w 1962 roku natychmiast rozpoczął pracę nad pośmiertnym portretem swojego teścia, kapitana Josepha Medilla Pattersona (1962–64), oficera podczas I wojny światowej i założyciela New York Daily News . Podobnie, kiedy on i jego rodzina byli na wakacjach w Aspen w Kolorado w 1963 roku, dokonał egzekucji Aspen Autoportret , obiektywnie przedstawiający artystę w wieku sześćdziesięciu sześciu lat.

Dziesięciolecia lat pięćdziesiątych i sześćdziesiątych przyniosły niewiele dużych prac Albrighta, ale poszerzył on swoje horyzonty o podróże. W latach 1948-1964 Albright wyprodukował wiele olejów i gwaszy o tematyce zachodniej. Stało się tak po części dlatego, że dzięki Josephine i jej siostrze Alicii Patterson Guggenheim artystka nabyła częściową własność rancza w Dubois w stanie Wyoming. Ranczo było odpowiednim miejscem dla serii dzieł sztuki o tematyce zachodniej, w tym Roaring Fork, Wyoming (1948) , The Purist (1949), The Wild Bunch (Hole in the Wall Gang) (1951), Tin (1952–54) i The Rustlers (1959, 1963–64). Podobnie, po śmierci Alicii w 1963 roku, Ivan i Josephine odziedziczyli jej plantację w Georgii , na północ od Jacksonville , co skłoniło Albrighta do szczególnego zainteresowania się bagnami jako tematem. Pobyt Ivana w Georgii w latach 1963-1965 był jednak częściowo konieczny, ponieważ miasto Chicago zdecydowało się zburzyć jego studio przy Ogden Avenue zrobić miejsce dla galerii handlowej. Ponadto, pomimo uhonorowania retrospektywą w Art Institute of Chicago i Whitney Museum of American Art w latach 1964–65, Albright czuł się wykluczony przez społeczność artystyczną Chicago. Sztuka współczesna była wówczas zdominowana przez pop-art i minimalizm , co znacznie różniło się od figuratywnego stylu Albrighta. Po części, aby uciec od tej „sceny”, Ivan i Josephine przenieśli się do Woodstock w stanie Vermont w 1963 r., ale mogli zamieszkać tam na pełny etat dopiero w 1965 r., kiedy nieruchomość została całkowicie odnowiona. To tam Albright ukończył prawdopodobnie swoje ostatnie duże dzieło, Gdyby życie było życiem – nie byłoby śmierci (The Vermonter) (1966–77), korzystając z modelu Kennetha Harpera Atwooda, emerytowanego hodowcy klonów i byłego członka Izba Reprezentantów stanu Vermont .

Kiedy Albright miał siedemdziesiąt pięć lat, jego wzrok zaczął się pogarszać wraz z rozwojem zaćmy. Zaćma została odwrócona w 1977 roku po pierwszym przeszczepie rogówki, który dał artyście nowy sens życia. W tym samym roku podarował większość swoich prac Art Institute of Chicago, a rok później opublikowano jego pierwszą biografię autorstwa Michaela Croydona. Mimo to stan jego zdrowia szybko się pogorszył. Ostatnią serią jego obrazów była grupa autoportretów wykonanych w latach 1981-1983. Cykl powstał na zlecenie Galleria degli Uffizi we Florencji o autoportret do swojej kolekcji autoportretów autorstwa wielkich mistrzów na cześć ich 400-lecia. Podczas gdy jeden z obrazów znajduje się teraz w Uffizi, Albright wyprodukował łącznie ponad dwadzieścia cztery obrazy w różnych stylach i mediach. Ostatni z nich ukończył po wylewie i zaledwie kilka dni przed śmiercią 18 listopada 1983 roku.

Styl i prace

Rozwój artystyczny

Jestem tym, o którym mówił (Samson) , 1925, olej na płótnie, 26 1/8 x 20 1/8 cala. Samson jest dziełem przejściowym dla Albrighta, ponieważ pokazuje jego ruch w kierunku stylu „barokowego”, ale nie pokazuje skrupulatnej dbałości o powierzchnię, którą widać na późniejszych obrazach.

Dopiero w latach trzydziestych XX wieku Albright wypracował spójną technikę swoich prac. Technika ta obejmowała tworzenie wielu szczegółowych rysunków, tworzenie własnej palety kolorów i malowanie setkami małych pędzli. Czasochłonna technika Albrighta nie tylko pozwoliła na szczegółowe przedstawienie fizycznego zniszczenia przedmiotów i ludzi, ale umożliwiła mu uwzględnienie wielu drobnych zmian punktu widzenia i podkreślenie relacji między obiektami. Połączenie skrajnego realizmu Albrighta z brutalną i ponurą paletą kolorów skłoniło krytyków sztuki do kategoryzowania jego prac z dziełami American Magic Realists .

W późnych latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych do rysunków używał metalpointu. The Last of the Old WoodStock Inn został narysowany w 1968 roku przy użyciu srebrnego, platynowego, złotego, miedzianego i mosiężnego punktu na papierze VideoMedia.

Tematy w pracach Albright obejmują śmierć, życie, duchowe kontra fizyczne oraz skutki czasu. Tytuły jego prac były podobnie złożone. Nie nazywał obrazu, dopóki nie był ukończony, kiedy to wymyślał kilka możliwości, zanim zdecydował się na jedną. Na przykład obraz przedstawiający okno nosi tytuł Biedny pokój - nie ma czasu, nie ma końca, nie ma dzisiaj, nie ma wczoraj, nie ma jutra, tylko wieczność oraz wieczność i wieczność bez końca (okno) . Obraz jest ogólnie określany tylko przez te dwa ostatnie słowa. Kolejny obraz I człowiek stworzył Boga na swój własny obraz , miał słowa w tytule odwrócone na Bóg stworzył człowieka na swój własny obraz , kiedy podróżował po południowych Stanach Zjednoczonych , aby uniknąć kontrowersji.

Główne dzieła

Zobacz także: Lista prac Ivana Albrighta

Na świat przyszła dusza zwana Idą (1929–30)

Obraz ten jest groteskowym przedstawieniem kobiety, która (według tytułu) ma na imię Ida. Na tym obrazie jest kilka odniesień do idei, że ludzkie ciało jest słabe i wszyscy jesteśmy uwięzieni w naszych fizycznych formach. Wydaje się, że istnieje konflikt między duszą a ciałem. Postać siedzi w pokoju, który jest zagracony iw stanie ruiny. Patrzy w lusterko ręczne z wyrazem smutku na twarzy. Jednym z odczytów jest to, że jest smutna z powodu swojego wieku i braku urody. Niektórzy uważają, że jest starą aktorką, a może prostytutką. Ida jest podobny do wielu innych prac Albrighta ze względu na martwy i rozkładający się wygląd postaci, a także głębsze (i często mroczne) znaczenia, które są w nich ukryte.

To, co powinienem był zrobić, nie zrobiłem (Drzwi) (1931–1941)

Jeden z jego najsłynniejszych obrazów, zatytułowany „To, co powinienem był zrobić, czego nie zrobiłem” (Drzwi) , namalowanie zajęło mu dziesięć lat i zdobył główną nagrodę na trzech głównych wystawach w Nowym Jorku , Chicago i Filadelfii w 1941 roku. nagroda w Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku przyniosła mu nagrodę w wysokości 3500 USD na zakup obrazu i jego miejsce w stałej kolekcji, ale Albright ustalił cenę zakupu na 125 000 USD. Zamiast tego wziął pierwszy medal, co pozwoliło mu zachować pracę. Ten obraz można obecnie oglądać w Instytucie Sztuki w Chicago .

Portret Doriana Graya (1943)

Portret Doriana Graya, 1943, olej na płótnie, 85 x 42 cale.

W 1943 roku Albright otrzymał zlecenie stworzenia tytułowego obrazu do filmowej adaptacji Portretu Doriana Graya Oscara Wilde'a w reżyserii Alberta Lewina . Jego naturalistyczne, przesadzone przedstawienia rozkładu sprawiły, że nadawał się do stworzenia wizerunku zepsutego Doriana. Jego brat został pierwotnie wybrany do wykonania początkowego, nieskażonego obrazu Graya. Jednak obraz użyty w ostatnim filmie pochodził od Henrique Medina . Kiedy potrzebne były zmiany w obrazie Mediny, aby pokazać upadek Graya, Albright je namalował. Jego obraz przedstawiający zepsutego Doriana Graya znajduje się obecnie w Instytucie Sztuki w Chicago.

Reputacja i dziedzictwo

Obrazy Albrighta można znaleźć w niektórych z najbardziej znanych kolekcji instytucjonalnych w Stanach Zjednoczonych, w tym w Museum of Modern Art , Metropolitan Museum of Art , Detroit Institute of Arts , National Gallery of Art , Whitney Museum of American Art , oraz Muzeum Solomona R. Guggenheima . Największa i najważniejsza kolekcja dzieł sztuki i archiwów Albright znajduje się w Instytucie Sztuki w Chicago , demonstrując swój szczególny związek z instytucją. Pomiędzy darowiznami od artysty, jego rodziny i mecenasów Instytut posiada obecnie 137 obrazów, rysunków, grafik i rzeźb. Z kolei instytut działa na rzecz promocji jego spuścizny poprzez publikację katalogów naukowych i wystawę prac. Ważniejsze retrospektywy jego twórczości odbyły się w 1964 i 1997 roku. Ponadto mniejsze wystawy odbyły się w 1978, 1984 i 2018 roku.

Ciężkie wiosło temu, kto jest zmęczony, ciężki płaszcz, ciężkie morze , 1929, olej na płótnie, 53 1/4 x 34 cale.

Kolekcja Art Institute of Chicago była wynikiem sprytu Albrighta w umacnianiu jego reputacji wśród muzeów i kolekcjonerów wysokiego szczebla. W latach czterdziestych i pięćdziesiątych Albright wielokrotnie zezwalał wybitnym instytucjom na wymianę dzieł na lepsze przykłady: w 1947 r. Instytut wymienił Kobieta (1928) na Na świat przyszła dusza zwana Idą (1929–30); aw 1956 wraz z finansowaniem darczyńców sprzedali Idę razem z Ciężkim Wiosłem Zmęczonemu, Ciężki Płaszcz, Ciężkie Morze (1929) i O Boże, Śledzie, Boje, Lśniące Morze (1940) za arcydzieło Albrighta The Door (1931–1941). W 1977 roku Albright podarował muzeum siedemdziesiąt pięć ze swojej osobistej kolekcji, zwracając kilka dzieł, którymi handlowano wcześniej. Po śmierci Albrighta wdowa po nim, Josephine Patterson Albright, przekazała dodatkowe dwadzieścia autoportretów, a także kolekcję materiałów archiwalnych, obecnie przechowywanych przez Ryerson & Burnham Libraries w Art Institute of Chicago . W archiwum znajdują się fotografie, albumy, szkice, zeszyty, film i inne materiały dokumentujące jego życie i karierę.

Zobacz też

Bibliografia

  •   Croydon, Michael (1978). Iwana Albrighta . Nowy Jork: Abbeville Press. ISBN 9780896590021 .
  •   Donnell, Courtney Graham; Wenninger, Susan S.; Cozzolino, Robert (1997). Rossen, Susan F. (red.). Iwana Albrighta . Chicago: Instytut Sztuki w Chicago. ISBN 9781555951368 . Katalog wystawy.
  •   Grayson, Gael, wyd. (1978). Graven Image: The Prints of Ivan Albright, 1931–1977 . Lake Forest, Illinois: Lake Forest College. OCLC 5220669 . Katalog wystawy.
  •   Oehler, Sarah Kelly, wyd. (2019). Obrazy Ivana Albrighta w Instytucie Sztuki w Chicago . Chicago: Instytut Sztuki w Chicago. ISBN 9780865593039 . Opublikowano po wystawie Flesh: Ivan Albright w Art Institute of Chicago , zorganizowanej i prezentowanej w Art Institute of Chicago, 4 maja – 4 sierpnia 2018 r.
  •   Słodki, Frederick A. (1964). Ivan Albright: retrospektywna wystawa zorganizowana przez Art Institute of Chicago we współpracy z Whitney Museum of American Art . Chicago: Instytut Sztuki w Chicago. OCLC 472225602 . Katalog wystawy.

Uwagi końcowe


Linki zewnętrzne

Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Ivan_Albright&oldid=1125489855 ”