Sztuka El Greca
El Greco (1541-1614) był wybitnym malarzem , rzeźbiarzem i architektem działającym w okresie hiszpańskiego renesansu . Rozwinął się w artystę tak wyjątkowego, że nie należy do żadnej konwencjonalnej szkoły. Jego dramatyczny i ekspresjonistyczny styl spotkał się z konsternacją współczesnych, ale zyskał nowe uznanie w XX wieku.
Najbardziej znany jest z zawile wydłużonych ciał i torsów postaci oraz często fantastycznej lub fantasmagorycznej pigmentacji , łączącej tradycje bizantyjskie z tradycjami zachodniej cywilizacji . O El Greco Hortensio Félix Paravicino , siedemnastowieczny hiszpański kaznodzieja i poeta, powiedział: „Kreta dała mu życie i rzemiosło malarskie, Toledo lepszą ojczyznę, gdzie przez śmierć zaczął osiągać życie wieczne”. Według autorki Liisy Berg, Paravacino ujawnił w kilku słowach dwa główne czynniki, które decydują o tym, kiedy wielki artysta zyskuje uznanie, na jakie zasługuje: nikt nie jest prorokiem w swojej ojczyźnie i często dopiero z perspektywy czasu czyjaś praca zyskuje prawdziwe uznanie i wartość .
Ponowna ocena jego sztuki
Panny z Awinionu Picassa (1907, olej na płótnie, 243,9 x 233,7 cm, Nowy Jork, Muzeum Sztuki Nowoczesnej ) wydają się mieć pewne morfologiczne i stylistyczne podobieństwa z Otwarciem piątej pieczęci .
|
.jpg)
El Greco był pogardzany przez pokolenia bezpośrednio po jego śmierci, ponieważ jego twórczość pod wieloma względami sprzeciwiała się zasadom stylu wczesnego baroku , który wysunął się na pierwszy plan na początku XVII wieku i wkrótce wyparł ostatnie zachowane cechy stylu XVI- wieku Manieryzm. Malarz został uznany za niezrozumiałego i nie miał znaczących naśladowców. Tylko jego syn i kilku nieznanych malarzy stworzyło słabe kopie dzieł El Greco. Późniejsi komentatorzy hiszpańscy z XVII i początku XVIII wieku chwalili jego umiejętności, ale krytykowali jego antynaturalistyczny styl i złożoną ikonografię . Niektórzy z tych komentatorów, tacy jak Antonio Palomino i Céan Bermúdez, opisali jego dojrzałą twórczość jako „godną pogardy”, „śmieszną” i „godną pogardy”. Poglądy Palomino i Bermúdeza były często powtarzane w hiszpańskiej historiografii , ozdobione określeniami takimi jak „dziwny”, „dziwny”, „oryginalny”, „ekscentryczny” i „dziwny”. Wyrażenie „zatopiony w ekscentryczności”, często spotykane w tego typu tekstach, z czasem stało się jego „szaleństwem”.
Wraz z nadejściem nastrojów romantycznych , prace El Greco zostały ponownie zbadane. Dla francuskiego pisarza Théophile'a Gautiera El Greco był prekursorem europejskiego ruchu romantycznego w całym jego pragnieniu dziwności i ekstremalności. Francuscy pisarze romantyczni chwalili jego twórczość za tę samą „ekstrawagancję” i „szaleństwo”, które niepokoiły komentatorów XVIII wieku. W okresie funkcjonowania Muzeum Hiszpańskiego w Paryżu El Greco był podziwiany jako idealny bohater romantyczny i wszystkie romantyczne stereotypy (zdolny, niezrozumiany, marginalny, szalony, ten, który stracił rozum z powodu pogardy współczesnych ) zostały rzutowane na jego życie. Mit szaleństwa El Greca pojawił się w dwóch wersjach. Z jednej strony Théophile Gautier, francuski poeta, dramaturg, prozaik, dziennikarz i krytyk literacki, uważał, że El Greco oszalał z powodu nadmiernej wrażliwości artystycznej. Z drugiej strony opinia publiczna i krytycy nie posiadaliby ideologicznych kryteriów Gautiera i zachowaliby wizerunek El Greco jako „szalonego malarza”, dlatego jego „najbardziej szalone” obrazy nie były podziwiane, ale uważane za dokumenty historyczne udowadniając swoje „szaleństwo”.
Krytyk Zacharie Astruc i uczony Paul Lefort pomogli promować powszechne odrodzenie zainteresowania jego malarstwem. W latach 90. XIX wieku hiszpańscy malarze mieszkający wówczas w Paryżu przyjęli go na swojego przewodnika i mentora.
W 1908 roku historyk sztuki Manuel Bartolomé Cossío, który uważał styl El Greco za odpowiedź na hiszpańskich mistyków , opublikował pierwszy obszerny katalog dzieł El Greco. W tej książce El Greco jest opisany jako założyciel szkoły hiszpańskiej i jako zwiastun hiszpańskiej duszy. Julius Meier-Graefe , uczony francuskiego impresjonizmu , podróżował po Hiszpanii w 1908 roku i opisał swoje doświadczenia w The Spanische Reise , pierwszej książce, która ustanowiła El Greco jako wielkiego malarza przeszłości. W twórczości El Greco Meier-Graefe znalazł zapowiedź nowoczesności. Dla Der Blaue Reiter w Monachium w 1912 roku El Greco uosabiał tę mistyczną konstrukcję wewnętrzną , której ponowne odkrycie było zadaniem ich pokolenia. Dla angielskiego artysty i krytyka Rogera Fry'a w 1920 roku El Greco był archetypowym geniuszem, który robił to, co uważał za najlepsze, „z całkowitą obojętnością na to, jaki wpływ może mieć właściwa wypowiedź na publiczność”. Fry opisał El Greco jako „starego mistrza, który jest nie tylko nowoczesny, ale w rzeczywistości wydaje się być o wiele kroków przed nami, zawracając, aby pokazać nam drogę”. W tym samym okresie niektórzy inni badacze opracowali pewne sporne teorie. Lekarze August Goldschmidt i Germán Beritens argumentowali, że El Greco malował tak wydłużone postacie ludzkie, ponieważ miał problemy ze wzrokiem (prawdopodobnie postępujący astygmatyzm lub zez ), które powodowały, że widział ciała dłuższe niż były i pod kątem do pionu. Teoria ta cieszyła się zaskakującą popularnością we wczesnych latach XX wieku i sprzeciwił się jej niemiecki psycholog David Kuntz. To, czy El Greco miał postępujący astygmatyzm, jest nadal przedmiotem dyskusji. Stuart Anstis, profesor na Uniwersytecie Kalifornijskim (Wydział Psychologii) konkluduje, że „nawet gdyby El Greco miał astygmatyzm, przystosowałby się do tego, a jego figury, czy to rysowane z pamięci, czy z życia, miałyby normalne proporcje. Jego wydłużenia były wyrazem artystycznym, a nie symptomem wizualnym”. Według profesora języka hiszpańskiego, Johna Armstronga Crowa, „astygmatyzm nigdy nie byłby w stanie nadać jakości płótnu ani talentu głupkowi”. Angielski pisarz W. Somerset Maugham przypisał osobisty styl El Greco „utajony homoseksualizm”, który, jak twierdził, mógł mieć artysta; lekarz Arturo Perera przypisał styl El Greco używaniu konopi indyjskich .
Ponowna ocena El Greco nie ograniczała się tylko do stypendium. Jego ekspresja i kolory wywarły wpływ na Eugène'a Delacroix i Édouarda Maneta . Pierwszym malarzem, który najwyraźniej zauważył kod strukturalny w morfologii dojrzałego El Greco, był Paul Cézanne , jeden z prekursorów kubizmu. Porównawcze analizy morfologiczne obu malarzy ujawniły ich wspólne elementy, takie jak zniekształcenie ludzkiego ciała, czerwonawe i (tylko z wyglądu) nieobrobione tła, podobieństwa w renderowaniu przestrzeni itp. Według Browna „Cézanne i El Greco są braćmi duchowymi pomimo dzielących ich wieków”. Fry zauważył, że Cézanne czerpał ze „swojego wielkiego odkrycia przenikania każdej części projektu jednolitym i ciągłym motywem plastycznym”.
Symboliści i Pablo Picasso podczas jego niebieskiego okresu czerpali z zimnej tonacji El Greco, wykorzystując anatomię jego ascetycznych postaci. Kiedy Picasso pracował nad Les Demoiselles d'Avignon , odwiedził swojego przyjaciela Ignacio Zuloagę w jego pracowni w Paryżu i studiował Otwarcie piątej pieczęci El Greco (własność Zuloagi od 1897). Związek Demoiselles d'Avignon z Otwarciem Piątej Pieczęci został dostrzeżony na początku lat 80., kiedy dokonano analizy podobieństw stylistycznych i relacji między motywami obu dzieł. Według historyka sztuki Johna Richardsona Les Demoiselles d'Avignon „okazuje się, że mamy jeszcze kilka odpowiedzi do udzielenia, gdy zdamy sobie sprawę, że obraz zawdzięcza El Greco co najmniej tyle samo, co Cézanne”. Picasso powiedział o Demoiselles d'Avignon , „w każdym razie liczy się tylko wykonanie. Z tego punktu widzenia słuszne jest stwierdzenie, że kubizm ma hiszpańskie pochodzenie i że ja go wymyśliłem. Musimy szukać wpływów hiszpańskich u Cézanne'a Wymuszają to same rzeczy, wpływ na niego weneckiego malarza El Greco. Ale jego struktura jest kubistyczna”.
Wczesne kubistyczne poszukiwania Picassa miały na celu odkrycie innych aspektów twórczości El Greco: analizy strukturalnej jego kompozycji, wielopłaszczyznowego załamania formy, przeplatania się formy i przestrzeni oraz efektów specjalnych świateł. Kilka cech kubizmu, takich jak zniekształcenia i materialistyczne renderowanie czasu, ma swoje analogie w pracach El Greco. Według Picassa struktura El Greco jest kubistyczna. 22 lutego 1950 Picasso rozpoczął serię „parafraz” dzieł innych malarzy od Portretu malarza wg El Greco . Foundoulaki twierdzi, że Picasso „zakończył… proces aktywacji malarskich wartości El Greco, który został zapoczątkowany przez Maneta i prowadzony przez Cézanne'a”.
Ekspresjoniści skupili się na ekspresyjnych zniekształceniach El Greco. Według Franza Marca , jednego z głównych malarzy niemieckiego ruchu ekspresjonistycznego, „z przyjemnością i niezłomnie odnosimy się do przypadku El Greco, ponieważ chwała tego malarza jest ściśle związana z ewolucją naszego nowego postrzegania sztuki” . Jackson Pollock , główna siła w ruchu abstrakcyjnego ekspresjonizmu , również był pod wpływem El Greco. Do 1943 roku Pollock ukończył sześćdziesiąt kompozycji rysunkowych po El Greco i posiadał trzy książki o kreteńskim mistrzu.
Współcześni artyści również czerpią inspirację ze sztuki El Greco. Kysa Johnson wykorzystała obrazy El Greco przedstawiające Niepokalane Poczęcie jako ramy kompozycyjne dla niektórych swoich prac, a anatomiczne zniekształcenia mistrza są nieco odzwierciedlone w portretach Fritza Chesnuta.
Technika i styl
Prymat wyobraźni nad subiektywnym charakterem kreacji był podstawową zasadą stylu El Greca. Według Lambraki-Plaka „intuicja i osąd oka są najpewniejszym przewodnikiem malarza”.
Wierzenia artystyczne
Wnioski uczonych na temat estetyki El Greco opierają się głównie na notatkach, które El Greco umieścił na marginesach dwóch książek w swojej bibliotece. El Greco odrzucił klasycystyczne kryteria, takie jak miara i proporcja. Uważał, że łaska jest najwyższym celem sztuki. Ale malarz osiąga wdzięk tylko wtedy, gdy z oczywistą łatwością udaje mu się rozwiązać najbardziej złożone problemy.
El Greco uważał kolor za najważniejszy i najbardziej nieokiełznany element malarstwa („Naśladowanie koloru uważam za największą trudność sztuki” — Notatki malarza w jednym z jego komentarzy). Oświadczył, że kolor ma pierwszeństwo przed rysunkiem; tak więc jego opinia na temat Michała Anioła była taka, że „był dobrym człowiekiem, ale nie umiał malować”. Francisco Pacheco , malarz i teoretyk, który odwiedził El Greco w 1611 roku, był zaskoczony techniką malarza: pozostawić surowe i nierozmyte kolory w wielkich plamach jako chełpliwy pokaz jego zręczności? Pacheco twierdzi, że „El Greco wierzył w ciągłe przemalowywanie i retuszowanie, aby szerokie masy były płaskie, jak w naturze”.
Dalsze oceny
Historyk sztuki Max Dvořák był pierwszym uczonym, który połączył sztukę El Greco z manieryzmem i antynaturalizmem . Współcześni uczeni określają teorię El Greco jako „typowo manierystyczną” i wskazują jej źródła w neoplatonizmie renesansu . Według Browna malarz starał się stworzyć wyrafinowaną formę sztuki. Nicholas Penny, starszy kurator w National Gallery of Art w Waszyngtonie , twierdzi, że „w Hiszpanii El Greco był w stanie stworzyć własny styl – taki, który wypierał się większości opisowych ambicji malarstwa”.
W swoich dojrzałych utworach El Greco wykazywał charakterystyczną tendencję raczej do dramatyzowania niż do opisywania. Silne duchowe emocje przenoszą się z malarstwa wprost na widza. Według Pacheco, wzburzona, brutalna i czasami pozornie nieostrożna w wykonaniu sztuka El Greco była wynikiem przestudiowanych wysiłków zmierzających do uzyskania swobody stylu. Preferencja El Greca dla bardzo wysokich i smukłych postaci oraz wydłużonych kompozycji, które służyły zarówno celom ekspresyjnym, jak i estetycznym zasadom mistrza, skłoniły go do lekceważenia praw natury i coraz większego wydłużania kompozycji, zwłaszcza gdy były przeznaczone do ołtarzy. W dojrzałych pracach malarza anatomia ludzkiego ciała staje się jeszcze bardziej nieziemska. Na przykład dla Matki Boskiej Niepokalanego Poczęcia, którą namalował do bocznej kaplicy Izabeli Oballe w kościele św. w ten sposób forma będzie idealna, a nie zredukowana, co jest najgorszą rzeczą, jaka może spotkać figurę”. Protokoły dotyczące komisji, które sporządzili pracownicy gminy, opisują El Greco jako „jednego z największych ludzi zarówno w tym królestwie, jak i poza nim”. Istotną innowacją dojrzałych dzieł El Greco jest przeplatanie się formy i przestrzeni; rozwija się między nimi wzajemna relacja, która całkowicie ujednolica płaszczyznę malarską. To przeplatanie pojawiło się ponownie trzy wieki później w dziełach Cézanne'a i Picassa.
Inną cechą charakterystyczną dojrzałego stylu El Greco jest użycie światła. Jak zauważa Brown, „każda postać wydaje się nieść w sobie własne światło lub odbijać światło emanujące z niewidzialnego źródła”. Fernando Marias i Agustín Bustamante García, uczeni, którzy dokonali transkrypcji odręcznych notatek El Greco, łączą moc, jaką malarz daje na światło dzienne, z ideami leżącymi u podstaw chrześcijańskiego neoplatonizmu. Późniejsze prace malarza zamieniają to użycie światła w świecące kolory. W Wizji św. Jana i Piątej Pieczęci Apokalipsy sceny zawdzięczają swoją moc temu nieziemskiemu burzowemu światłu, które ujawnia ich mistyczny charakter. Słynny Widok Toledo (ok. 1600 r.) również nabiera wizjonerskiego charakteru dzięki temu burzliwemu światłu. Szaroniebieskie chmury przecinają błyskawice, które żywo podkreślają szlachetną zabudowę miasta. Jego ostatni krajobraz, Widok i plan Toledo , jest prawie jak wizja, wszystkie budynki pomalowane na biało. Według Wetheya, w jego ocalałych krajobrazach „El Greco zademonstrował swoją charakterystyczną tendencję do dramatyzowania, a nie do opisywania”. Profesor Nicos Hadjinicolaou zwraca uwagę na sposób, w jaki El Greco mógł dostosować swój styl do otoczenia i podkreśla znaczenie Toledo dla pełnego rozwoju dojrzałego stylu El Greco.
Wethey twierdzi, że „chociaż artysta był Grekiem z pochodzenia i Włochem z przygotowania artystycznego, tak bardzo zanurzył się w religijnym środowisku Hiszpanii, że stał się najważniejszym wizualnym przedstawicielem hiszpańskiego mistycyzmu”. Ten sam uczony uważa, że w dojrzałych dziełach El Greco „nabożna intensywność nastroju odzwierciedla religijnego ducha rzymskokatolickiej Hiszpanii w okresie kontrreformacji”. El Greco często przedstawia na swoich obrazach otwartą rurę między Ziemią a Niebem. Zwiastowanie jest jednym z przykładów obecności tego duchowego kanału . Ludzie, chmury i inne przedmioty na wielu jego obrazach otwierają się z centralnego, pustego przejścia między ziemią a górnym firmamentem duchowym. Czasami jest to subtelna wklęsłość w tkaninach, która sugeruje upiorne przejście, które prowadzi pionowo od ludzi na dole do aniołów na górze obrazów. Na innych obrazach ten centralny cylinder otwartej przestrzeni jest bardzo widoczny, zapewniając charakterystyczny wizjonerski styl, dzięki głębokiemu wglądowi pobożnego malarza. Obrazy te sugerują, że sam El Greco widzi świętą ścieżkę od zwykłej ludzkiej egzystencji do bardzo realnego Nieba.
El Greco celował także jako portrecista, głównie duchownych czy dżentelmenów, który potrafił nie tylko uchwycić rysy modela, ale oddać jego charakter. Chociaż był przede wszystkim malarzem o tematyce religijnej, jego portrety, choć mniej liczne, są równie wysokiej jakości. Dwa z jego późnych dzieł to portrety Fray Felix Hortensio Paravicino (1609) i kardynała Don Fernando Niño de Guevara (ok. 1600). Obaj siedzą, jak to było w zwyczaju na portretach przedstawiających ważnych duchownych. Wethey mówi, że „tak prostymi środkami artysta stworzył niezapomnianą charakterystykę, która stawia go jako portrecistę najwyższej rangi, obok Tycjana i Rembrandta ”.
Sugerowane powinowactwa bizantyjskie
W pierwszej połowie XX wieku niektórzy uczeni rozwinęli pewne teorie dotyczące bizantyjskiego pochodzenia stylu El Greco. Profesor Angelo Procopiou zapewnił, że chociaż El Greco należy do manieryzmu, jego korzenie tkwią mocno w tradycji bizantyjskiej. Według historyka sztuki Roberta Byrona „wszystkie najbardziej indywidualne cechy Greco, które tak zdziwiły i przeraziły jego krytyków, wywodzą się bezpośrednio ze sztuki jego przodków”. Z drugiej strony Cossío argumentował, że sztuki bizantyjskiej nie można łączyć z późniejszymi pracami El Greco.
Odkrycie Zaśnięcia Marii Panny na Syros , autentycznego i sygnowanego dzieła malarza z okresu kreteńskiego (typ ikonograficzny Zaśnięcia był przez dłuższy czas sugerowany jako wzór kompozycyjny dla Pogrzebu hrabiego Orgaza ) oraz szeroko zakrojone badania archiwalne na początku lat 60. przyczyniły się do ożywienia i ponownej oceny tych teorii. Znaczące prace naukowe z drugiej połowy XX wieku poświęcone El Greco ponownie oceniają wiele różnych jego interpretacji, w tym jego rzekomy bizantynizm. Opierając się na notatkach sporządzonych własnoręcznie przez El Greco i jego unikalnym stylu, dostrzegają organiczną ciągłość między malarstwem bizantyjskim a jego sztuką. Niemiecki historyk sztuki August L. Mayer podkreśla to, co nazywa „elementem orientalnym” w sztuce El Greco. Twierdzi, że artysta „pozostał Grekiem, żywo odzwierciedlającym orientalną stronę kultury bizantyjskiej… Fakt, że podpisał się greckimi literami, nie jest zwykłym przypadkiem”. W tym wyroku Mayer nie zgadza się z profesorami Uniwersytetu Oksfordzkiego , Cyrilem Mango i Elizabeth Jeffreys, którzy twierdzą, że „pomimo twierdzeń przeciwnych, jedynym bizantyjskim elementem jego słynnych obrazów był jego podpis greckimi literami”. Hadjinicolaou, inny uczony, który sprzeciwia się utrzymywaniu się bizantyjskiego pochodzenia El Greca, stwierdza, że od 1570 r. malarstwo mistrza nie jest „ani bizantyjskie, ani postbizantyjskie, ale zachodnioeuropejskie. Dzieła, które stworzył we Włoszech, należą do historii sztuki włoskiej , a te, które wyprodukował w Hiszpanii, do historii sztuki hiszpańskiej”.
Walijski historyk sztuki David Davies szuka korzeni stylu El Greco w intelektualnych źródłach jego grecko-chrześcijańskiej edukacji oraz w świecie jego wspomnień z liturgicznego i ceremonialnego aspektu Kościoła prawosławnego . Davies uważa, że religijny klimat kontrreformacji i estetyka manieryzmu zadziałały jak katalizatory, które uruchomiły jego indywidualną technikę. Według Daviesa „El Greco starał się przekazać podstawowe lub uniwersalne znaczenie tematu poprzez proces redefinicji i redukcji. W Toledo osiągnął to, porzucając renesansowy nacisk na obserwację i selekcję zjawisk naturalnych. Zamiast tego odpowiedział na Bizantyjska i szesnastowieczna sztuka manierystyczna, w której obrazy powstają w umyśle”. Ponadto twierdzi, że filozofia platonizmu i starożytnego neoplatonizmu, dzieła Plotyna i Pseudo-Dionizego Areopagity , teksty Ojców Kościoła i liturgia dają klucze do zrozumienia stylu El Greca.
Podsumowując późniejszą debatę naukową na ten temat, José Álvarez Lopera, kurator w Museo del Prado , konkluduje, że obecność „bizantyjskich wspomnień” jest oczywista w dojrzałych pracach El Greco, chociaż wciąż istnieją pewne niejasne kwestie dotyczące bizantyjskiego pochodzenia El Greco, które wymagają dalsze oświecenie. Zdaniem Lambraki-Plaki „daleko od wpływów Włoch, w miejscu neutralnym, intelektualnie podobnym do jego miejsca urodzenia, Kandii, pojawiły się bizantyjskie elementy jego edukacji, które odegrały rolę katalityczną w nowej koncepcji obrazu przedstawianego nas w swojej dojrzałej pracy”. Według Lambraki-Plaki, El Greco celowo zastosował styl nienaturalistyczny, a jego całkowicie uduchowione postacie są nawiązaniem do ascetów bizantyjskiej hagiografii .
Architektura i rzeźba
El Greco za życia był cenionym architektem i rzeźbiarzem. Zwykle projektował kompletne kompozycje ołtarzowe, pracując jako architekt i rzeźbiarz oraz malarz, m.in. w Hospital de la Caridad. Tam udekorował szpitalną kaplicę, ale drewniany ołtarz i wykonane przez niego rzeźby najprawdopodobniej zaginęły. Dla Espolio mistrz zaprojektował oryginalny ołtarz z pozłacanego drewna, który został zniszczony, ale jego mała grupa rzeźbiarska Cudu św. Ildefonsa nadal przetrwała w dolnej środkowej części ramy.
| „Nie byłbym szczęśliwy, widząc piękną, proporcjonalną kobietę, niezależnie od tego, z jakiego punktu widzenia, jakkolwiek ekstrawaganckiego, nie tylko traci piękno, aby, powiedziałbym, urosnąć zgodnie z prawem widzenia, ale nie wydają się już piękne, a w rzeczywistości stają się potworne”. |
| El Greco (marginalia malarza wpisane w jego kopii przekładu Witruwiusza Daniele Barbaro) |
Jego najważniejszym osiągnięciem architektonicznym był kościół i klasztor Santo Domingo el Antiguo, dla których wykonał także rzeźby i obrazy. El Greco jest uważany za malarza, który włączył architekturę do swojego malarstwa. Przypisuje mu się również ramy architektoniczne do jego własnych obrazów w Toledo. Pacheco scharakteryzował go jako „pisarza malarstwa, rzeźby i architektury”.
Na marginesie El Greco wpisanym w jego kopię przekładu De Architectura Witruwiusza dokonanego przez Daniele Barbaro obalił przywiązanie Witruwiusza do pozostałości archeologicznych, proporcji kanonicznych, perspektywy i matematyki. Widział także sposób Witruwiusza zniekształcający proporcje w celu skompensowania odległości od oka jako odpowiedzialny za tworzenie monstrualnych form. El Greco był przeciwny samej idei zasad w architekturze; wierzył przede wszystkim w wolność inwencji i bronił nowości, różnorodności i złożoności. Pomysły te były jednak zbyt skrajne dla kręgów architektonicznych jego epoki i nie miały bezpośredniego oddźwięku.
Zobacz też
- Muzeum El Greco , Fodele , Kreta
- Pośmiertna sława El Greco