Sztuka modułowa

Sztuka modułowa to sztuka tworzona przez łączenie zestandaryzowanych jednostek ( modułów ) w celu utworzenia większych, bardziej złożonych kompozycji. W niektórych pracach jednostki można następnie przesuwać, usuwać i dodawać – czyli modulować – w celu stworzenia nowego dzieła sztuki, innego niż oryginalne lub wynikające z niego konfiguracje.

Pochodzenie

Historycznie, zmienne obiekty sztuki istniały od renesansu , na przykład w Tryptyku „ Ogród ziemskich rozkoszy ” Hieronima Boscha lub w tak zwanych „zmiennych ołtarzach ”, takich jak Ołtarz z Isenheim Matthiasa Grünewalda lub Albrechta Ołtarz Paumgartnera Dürera , w którym zmieniające się motywy można było zmieniać zgodnie ze zmieniającymi się tematami kalendarza kościelnego.

XX wiek

Począwszy od pierwszej połowy XX wieku wielu współczesnych artystów starało się włączyć do swoich prac techniki kinetyczne , próbując przezwyciężyć to, co uważali za przeważnie statyczny charakter sztuki. Telefony komórkowe Alexandra Caldera należą do najbardziej znanych demonstracji fizycznego dynamizmu w sztukach wizualnych, w których forma może nieustannie zmieniać się w nieustannym ruchu, czasem nawet bez udziału ludzkiej ręki. Jeana Tinguely'ego próby stworzenia autodestrukcyjnej machiny artystycznej stanowią być może ostateczny wyraz zmienności sztuki, w tym przypadku przybierając formę jej całkowitego wykorzenienia. Victor Vasarely postulował w swoim Manifest Jaune w 1955 roku w Paryżu, że dzieła sztuki powinny charakteryzować się właściwościami mnożenia i powtarzalności w seriach. Niedawno pogląd, że sztuka wizualna nie musi być pojmowana wyłącznie w kategoriach wiecznie nieruchomych przedmiotów, jest ucieleśniony w sztuce performansu i instalacji ze względu na ich rozwijające się i tymczasowe cechy.

Wzornictwo przemysłowe i architektura

Architektoniczny ekran autorstwa Erwina Hauera.

Modułowość wkracza do współczesnego repertuaru artystycznego głównie poprzez dyscypliny wzornictwa przemysłowego i architektury. Belgijski architekt Louis Herman De Koninck przewodził zespołowi rodaków w tworzeniu jednego z pierwszych modułowych systemów produktów w serii kuchni Cubex z 1932 roku. Seria składała się ze standardowych i produkowanych przemysłowo komponentów, które można było łączyć i ustawiać w nieograniczonych kombinacjach, aby pomieścić prawie każdą kuchnia na wymiar. Nowojorski projektant Gilbert Rohde stworzył kilka linii modułowych obudów dla Herman Miller Corporation w latach 30. i 40.; podobnie jak De Koninck, Rohde ustandaryzował jednostki pod względem wymiarów, materiałów i konfiguracji, aby ułatwić masową produkcję i wymienność. Jego linia Executive Office Group (EOG), wprowadzona na rynek w 1942 roku, była podobnie przełomowym podejściem systemowym do mebli biurowych. Zaledwie rok przed Eero Saarinenem i Charlesem Eamesem wspólnie wyprodukowała zestaw modułowych mebli domowych dla Red Lion Company, w wyniku konkursu ogłoszonego przez Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku. W 1950 roku Herman Miller przedstawił serię EAS Storage Unit autorstwa Charlesa i Raya Eamesów, bardzo udany modułowy system regałów i szafek ściennych, który pozostaje w produkcji do dziś.

Moduł cieszy się długą historią w dziedzinie architektury. W starożytności architekci używali modułu przede wszystkim jako jednostki miary wyznaczającej proporcje planu i elewacji. Rzymski autor i architekt Witruwiusz zastosował metodę modułową w swoich opisach porządków klasycznych i kompozycji budynków w swoim traktacie Dziesięć ksiąg o architekturze , jedyny kompletny tekst o architekturze, który przetrwał od starożytności. Architekci renesansu uwiecznili system witruwiański, wskrzeszając porządki klasyczne, tradycję, która trwa do dnia dzisiejszego. Wśród współczesnych architektów moduł ten jest często wykorzystywany jako narzędzie do projektowania i planowania.

Modułowy konstruktywizm

Główny artykuł: Modułowy konstruktywizm

Architektura i rzeźba modułowa krzyżowały się począwszy od lat pięćdziesiątych XX wieku w pracach Normana Carlberga , Erwina Hauera i Malcolma Lelanda. Wszyscy trzej otrzymali zlecenia na zaprojektowanie perforowanych ekranów architektonicznych zbudowanych z powtarzalnych motywów modułowych odlanych w betonie. Niekonstrukcyjne ekrany zostały użyte na zewnątrz budynków w celu podziału przestrzeni, filtrowania światła i stworzenia wizualnej atrakcyjności. Ich twórczość została opisana jako konstruktywizm modułowy , odzwierciedlając zarówno jego metodologię kompozycyjną, jak i kontekst architektoniczny. Każdy z nich stworzył samodzielne rzeźby o tematyce modułowej w latach 60. i później.

Modułowość w sztukach pięknych

„Biały obraz” Roberta Rauschenberga z 1951 r.; składający się z zaledwie czterech równych białych kwadratów, z geometrią zazębiających się form, jest jednym z najwcześniejszych stwierdzeń modułowości jako autonomicznego przedmiotu sztuki. Rauschenberg zgłębił ten temat w tym samym roku w formacie trzy- i siedmiopanelowym; liniowy układ prostokątnych paneli w tych wersjach sugeruje ich potencjalnie nieskończoną replikację. Chłodna abstrakcja tych płócien zapowiada pojawienie się modułowości jako pełnoprawnego tematu sztuki minimalistycznej w latach 60. Tony'ego Smitha , Sola LeWitta i Dana Flavina i Donald Judd należą do najbardziej płodnych przedstawicieli tej szkoły w tym okresie. W szczególności prace Smitha są kluczem do zrozumienia transformacji modułowości z narzędzia kompozycyjnego i produkcyjnego w szeroko badany sam w sobie temat artystyczny.

Amarylis (1965), Tony Smith, Minneapolis, Minnesota.

Smith rozpoczął swoją karierę jako projektant architektoniczny. Aby kontynuować swoją edukację, przez kilka lat, począwszy od 1938 roku, uczył się przy niektórych projektach Franka Lloyda Wrighta. Od Wrighta nauczył się wykorzystywać systemy modułowe do generowania projektów architektonicznych w dwuwymiarowych planach, a także w aplikacjach trójwymiarowych, takich jak jako zabudowę przekrojów budynków i zabudów wewnętrznych. Jako architekt sam Wright był częścią wielowiekowego kontinuum sięgającego czasów Witruwiusza do starożytności grecko-rzymskiej, w której moduł był wykorzystywany do proporcji budowy i rzeźbionej formy. W przypadku Wrighta zainteresowanie projektowaniem modułowym mogło również wynikać z jego znajomości praktyki modułowej w tradycyjnej architekturze japońskiej (takiej jak tatami ).

Wright's Hanna House z 1937 roku jest wyraźnym przykładem obiektu mistrza z nowoczesnym modułowym projektem w wielu wymiarach. Jego uderzająco ukośne formy zbudowane są z pojedynczych sześciokątnych modułów, które określają plan piętra i różne pionowe elementy. Wykorzystanie przez Wrighta sześciokąta nie jest tutaj w żadnym wypadku arbitralnym wyborem estetycznym, ale przykładem tego, jak zakorzenił swoją architekturę w naturze, czerpiąc z jej form i zasad - zazębiające się sześciokątne komórki plastra miodu pszczoły są najdoskonalszą reprezentacją natury konstrukcji modułowej . Nic dziwnego, że projekt ten jest czasami nazywany „domem o strukturze plastra miodu”.

Smith zastosował sześciokąt i inne elementarne geometrie we własnej praktyce architektonicznej i ponownie w rzeźbie, którą zaczął wytwarzać na początku lat sześćdziesiątych. Uwolnione od programowych i rozległych wymagań konstrukcyjnych jego prac architektonicznych, rzeźby Smitha są trójwymiarowymi ekstruzjami o modułowej formie bez pozornego pragmatycznego celu poza kontemplacją estetyczną.

Co istotne, sam Smith nie wykonał ręcznie ostatecznej wersji swoich rzeźb. Zamiast tego zlecił ich produkcję wykwalifikowanym ślusarzom w odlewniach i zakładach przemysłowych, którzy opracowali jego rysunki i modele w celu wykonania projektów. Po części odzwierciedla to wykształcenie Smitha jako architekta, który zwykle projektuje i dokumentuje, ale nie konstruuje swojej sztuki. To dodatkowo wzmacnia ideę sztuki modułowej jako systemu generatywnego w którym układ z góry określonych jednostek formalnych – a nie masowa wyobraźnia – definiuje akt twórczy. Wreszcie, zgodne jest z pojęciem zawartym w modułowości, że podaż modułów w systemie modułowym musi być nieskończona, to znaczy, że są one produkowane raczej przemysłowo niż rzemieślniczo, aby system mógł zostać zrealizowany. (Pszczoły w plastrze miodu działają zasadniczo jako przedsiębiorstwo przemysłowe, o ile produkcja komórek nie ma końca.)

Prace Smitha i szkoły minimalistycznej stanowią najdalej idącą eksplorację modułowości w sztuce przed tysiącleciem. Jednak ani ona, ani eksploracje sztuki ruchomej i zmiennej w poprzednich stuleciach nie zsyntetyzowały dwóch głównych cech sztuki modułowej. Mobiles i inne dzieła kinetyczne nie były modułowe, a modułowa praca artystów minimalistycznych z połowy wieku była, z kilkoma wyjątkami, niezmienna.

Teoria XXI wieku

Leda Luss Luyken: ModulArt, Para.

Leda Luss Luyken :ModulArt, Para, modulacja 1.

Leda Luss Luyken:ModulArt, Para, modulacja 2.

Leda Luss Luyken:ModulArt, Para, modulacja 3.

Leda Luss Luyken:ModulArt, Para, modulacja 4.

Współtwórczość

Szkoła myślenia wywodząca się ze Stanów Zjednoczonych podkreśla zgodność sztuki modułowej z postindustrialnym charakterem kultury XXI wieku i jej kontrast z tradycyjnymi koncepcjami sztuki. Podstawowe cechy postindustrializmu, w dużej mierze zdefiniowane przez teoretyka Daniela Bella w jego książce The Coming of Post-Industrial Society z 1973 roku , obejmują pojawienie się gospodarki usługowej w miejsce gospodarki produkcyjnej; prymat społeczny i ekonomiczny klas kreatywnych, zawodowych i technicznych; centralne miejsce wiedzy teoretycznej jako źródła innowacji; silny wpływ technologii na życie codzienne; i wysoki poziom urbanizacji.

Sztuka modułowa wydaje się doskonale synchronizować z kilkoma z tych kryteriów. Na przykład jego ręczna zmienność otwiera możliwość sztuki współtwórczej, w której kolekcjoner lub użytkownik współpracuje z pierwotnym artystą modułowym, aby wspólnie określić wygląd dzieła sztuki. Zakłada to istnienie kreatywnych ludzi zdolnych do pełnienia takiej roli i zainteresowanych nią – ewolucja demograficzna, która miała miejsce już w czasach Bella i która została później zbadana w pracach takich jak Rise of the Creative Class Richarda Floridy (2002 ) .

Współtworzenie jest ściśle związane z masową personalizacją , modelem produkcji, który łączy możliwość indywidualnej personalizacji z masową produkcją. Sztuka modułowa i masowa personalizacja mają wspólną cechę w syntezie dwóch przeciwstawnych cech. Z jednej strony, jak wspomniano wcześniej, sama koncepcja modułowości implikuje nieograniczoną podaż identycznych modułów, jaką może zapewnić jedynie produkcja przemysłowa; z drugiej strony zdolność jednostki do ponownego ułożenia tych modułów w dziele sztuki w oparciu o kryteria estetyczne przywraca subiektywny i czysto ludzki wymiar aktowi twórczemu.

Masowe dostosowywanie stało się możliwe dopiero wraz z pojawieniem się komputerów i oprogramowania zwanego konfiguratorem . Konfigurator to narzędzie programowe używane przez kupującego do konfigurowania produktu z opcji udostępnionych przez sprzedawcę. Stosowany w celu komponowania dzieła sztuki modułowej na ekranie, może znacznie ułatwić projektowanie modułowego zespołu, umożliwiając użytkownikowi szybsze i bardziej szczegółowe badanie wielu opcji projektowych niż przy użyciu metod analogowych. Po ustaleniu projektu plik komputerowy jest następnie przesyłany bezprzewodowo do zakładu produkcyjnego, w którym sterowane roboty wytwarzają obiekt zgodnie ze specyfikacjami. To wspomagane komputerowo wytwarzanie (CAM) nie tylko pozwala na dostosowywanie obiektów produkowanych masowo, ale także zapewnia znacznie wyższy poziom precyzji i dopasowania – cech krytycznych dla fizycznego łączenia modułów. Identyfikacja Bella z technologią jako centralną osią życia postindustrialnego jest podkreślona w przeplataniu się technologii cyfrowej z fizyczną realizacją sztuki modułowej.

Podejście de- i rekonstrukcyjne w Europie

W Europie, gdzie minimalistyczna szkoła sztuki modułowej lat 60. była często postrzegana jako zjawisko zasadniczo amerykańskie, dyskusja o modułowości często skupia się na jej zmienności. Na przykład zmienność sztuki jest podstawową zasadą Arte Povera , współczesnego ruchu, który pojawił się we Włoszech, który utrzymuje, że dzieła sztuki „nie powinny być postrzegane jako stałe byty”, ale jako obiekty zmian i ruchu, aby „obejmować czas i przestrzeń w nowy sposób. Stawką jest kwestia przeniesienia „fenomenologii ludzkiego doświadczenia” do sztuki.

Niedawno artysta Leda Luss Luyken stworzył obrazy modułowe, składające się z ruchomych malowanych paneli osadzonych w stalowych ramach. Luss Luyken nazwała swoją pracę „ModulArt”. W jej twórczości zmiana konfiguracji modułowego obrazu stanowi formę ruchu, oferując widzowi alternatywne poglądy i alternatywne interpretacje, a tym samym dopasowując dzieło bardziej niż statyczny przedmiot do dynamiki fizycznego ludzkiego doświadczenia. Historyk i teoretyk sztuki Denys Zacharopoulos nazwał to „nowym sposobem ruchu w malarstwie”. Koncepcja sztuki modułowej pozwala użytkownikowi na dekompozycję i ponowną kompozycję dzieła sztuki, które jest już ukończone poprzez ponowne ułożenie jego części, zapewniając w ten sposób liczne możliwości tworzenia coraz nowszych obrazów, których jeszcze nie można sobie wyobrazić. Oryginalny obraz można rekontekstualizować ad libitum i ad infinitum.

Artyści modułowi i ich twórczość

Artyści wizualni

Pracując w latach 1950-60 w Manchesterze (Wielka Brytania), amerykańska artystka Mitzi Cunliffe opracowała rzeźby składające się z wielu bloków o powierzchni około dwunastu cali kwadratowych, które łączyła w różne kombinacje, aby uzyskać efekt rzeźby na dużą skalę. Nazywała je rzeźbami modułowymi . University of Manchester i University of Manchester Institute of Science and Technology (UMIST) nabyły niektóre z tych prac, chociaż nie ma do nich wzmianek w opublikowanych relacjach z jej pracy.

Rzeźbiarz i ceramik Malcolm Leland zaprojektował w 1954 roku podobny modułowy system rzeźbiarski oparty na pojedynczym module o wysokości 23 cali, który można było układać pionowo za pomocą kołka centrującego; moduł ma ogólnie biomorficzny, krzywoliniowy zarys, który daje pofałdowaną sylwetkę, gdy wiele modułów jest umieszczonych jeden na drugim. Technika układania powtarzających się elementów na okrągło przypomina „ Kolumnę bez końca ” Constantina Brâncușiego z 1938 roku.

Począwszy od lat 70. współczesny Lelandowi Norman Carlberg tworzył grupy odbitek w kwadratowych ramach, które umieszczał razem na ścianie w ciasnej siatce, z których każda była pomyślana jako niezależny moduł. Widz jest następnie zapraszany do obracania lub zmiany ich położenia w celu wygenerowania nowych złożonych obrazów. Abstrakcyjność odbitek zwiększała twórcze możliwości ich reorientacji w zakresie, w jakim są one bezkierunkowe i geometrycznie powiązane.

Urodzona w Grecji artystka konceptualna Leda Luss Luyken , która początkowo kształciła się jako architekt, od lat 90. bada modułowość w malarstwie. W jej pracach znormalizowane panele płócienne są montowane jako moduły na stalowej ramie, w ramach której można je przesuwać i obracać.

W Stanach Zjednoczonych Moshé Elimelech stworzył coś, co nazwał „konstrukcjami sześciennymi”. Są to wielokrotne grupy około trzycalowych kostek umieszczonych w kieszeniach w oprawionym pudełku z cieniami. Precyzyjnymi, kontrolowanymi pociągnięciami pędzla nakłada farbę na pola o jaskrawych kolorach i abstrakcyjnym wzorze. Podobnie jak Carlsberg, Elimelech zaprasza następnie widza do zmiany położenia dowolnego lub wszystkich sześcianów, aby wyświetlić jeden z ich sześciu boków, z których każdy jest pomalowany na inny wzór. Wystawiając od lat 80., Elimelech pokazuje głównie w kalifornijskich galeriach, a jego prace są również reprezentowane w kilku muzealnych sklepach projektowych.

Kolejne portfolio interaktywnej sztuki modułowej pochodzi od Studio for ART and Architecture, nowojorskiej firmy kierowanej przez Donalda Rattnera. Rattner zaprojektował sztukę modułową w postaci rzeźb ściennych, obrazów rotacyjnych, gobelinów, tapet artystycznych i książek artystycznych. Aby wprowadzić swoje prace i prace innych „modularystów” na rynek, Rattner założył ART (przemyślenie sztuki), sklep ze sztuką skupiający się na współtworzeniu i pracy modułowej. W swoich pismach Rattner podkreślał postindustrialny aspekt najnowszych trendów w sztuce modułowej, tworząc termin „nowy industrializm” na określenie masowej personalizacji, produkcji na żądanie, otwartej innowacji, współtworzenia projektu , teleprodukcja, robotyka i inne technologie sterowane komputerowo, które na nowo definiują sposób wytwarzania rzeczy na globalnym rynku.

Kompozytorzy

Modułowość w muzyce może być postrzegana jako wprowadzenie dwóch kluczowych elementów kompozycji muzycznej i filmu do świata malarstwa: wariacja tematu oraz ruch obrazu i wewnątrz obrazu. Z tego właśnie powodu współczesny kompozytor Minas Borboudakis poświęcił metodologii modułowej trzecią część swojej trylogii ROAI III na fortepian i elektronikę.

Włoski kompozytor i teoretyk sztuki Stefano Vagnini opracował teorię kompozycji open-source opartą na modułowej agregacji. Koncepcja muzycznego dzieła sztuki jako czegoś zamkniętego, ograniczonego i nieruchomego zanika na rzecz procesu licznych agregacji, które w zasadzie pozwalają kompozycji stać się nieskończoną. Kilka takich kompozycji wykonano w Europie, Ameryce Południowej, Azji i Ameryce Północnej i omówiono na konferencjach w Europie. Podejście to jest dyskutowane naukowo na Uniwersytecie Zachodniej Georgii oraz Carrollton Cultural Arts Center w USA. Pisarz, malarz i teoretyk sztuki Gian Ruggero Manzoni opisał modułowość kompozycji Vagniniego jako „okrągły jak istnienie, jego prace nie są skończone, a jedynie bodziec dla nowych głosów”.

Powiązane ruchy artystyczne

• Sztuka konceptualna
• Sztuka generatywna
• Minimalizm
• Sztuka seryjna
• Sztuka systemów

Filmy

• Panta rei, Leda Luss-Luyken's ModulArt, reż. Dagmar Scheibert & Reinhard Eisener, film 3'30", 15', Berlin, 2005.
• ModulArt, Roman Angelos Luyken, 2', Londyn, 2008.
• Leda Luss Luyken: ModulArt , film fabularny Peidera Defilla dla BRα - ARD TV, Monachium, 15', 2011.

Literatura

• Leda Luss Luyken:ModulArt, wyd. Georg von Kap-herr, z udziałem prof. Paula Schilfgaarde i dr Joachima Kaske, angielski i niemiecki, 112 s., Bobingen, 2008.
• The Modular Method in Music, Stefano Vagnini, angielski i włoski, 161 stron, Rzym: Falcon Valley Music, 2002.

Dalsza lektura

• BLAST: Sztuka w edukacji
• Lista publicznie dostępnych źródeł danych zawierających zmienne związane ze sztuką
• Konkurs na Zaawansowany Reaktor Modułowy 2020
• Portret zeichnen lassen (w języku niemieckim)