Pedagogika wokalna
| Anatomia fałdów głosowych | |
|---|---|
 Widok laryngoskopowy fałdów głosowych
| |
| |
| Szczegóły | |
| Prekursor | Szósty łuk gardłowy |
| Nerw | N. laryngeus recurrens i N. laryngeus superior |
| Identyfikatory | |
| łacina | plica wokalis |
| Terminologia anatomiczna | |
Pedagogika wokalna to nauka o sztuce i nauce nauczania głosu . Jest używany w nauczaniu śpiewu i pomaga w określeniu, czym jest śpiew, jak działa śpiew i jak osiągnąć właściwą technikę śpiewu .
Pedagogika wokalna obejmuje szeroki zakres aspektów śpiewu, począwszy od fizjologicznego procesu produkcji wokalnej, a skończywszy na artystycznych aspektach interpretacji pieśni z różnych gatunków czy epok historycznych. Typowe obszary studiów to:
- Anatomia i fizjologia człowieka w odniesieniu do fizycznego procesu śpiewania.
- Oddech i wsparcie powietrza do śpiewania
- Postawa do śpiewania
- Fonacja
- Rezonans wokalny lub projekcja głosu
- Dykcja, samogłoski i artykulacja
- Rejestracja wokalu
- Sostenuto i legato do śpiewu
- Inne elementy śpiewu, takie jak rozszerzenie zakresu, jakość brzmienia, vibrato , koloratura
- Zdrowie głosu i zaburzenia głosu związane ze śpiewaniem
- Style wokalne, takie jak nauka śpiewu operowego , pasa lub piosenki artystycznej
- Fonetyka
- Klasyfikacja głosu
Wszystkie te różne koncepcje są częścią rozwijania prawidłowej techniki wokalnej . Nie wszyscy nauczyciele głosowi mają takie same opinie na każdy temat studiów, co powoduje różnice w podejściu pedagogicznym i technice wokalnej.
Historia
W kulturze zachodniej studia nad pedagogiką wokalną rozpoczęto w starożytnej Grecji . Tacy uczeni, jak Alypius i Pitagoras , studiowali i dokonywali obserwacji sztuki śpiewu. Nie jest jednak jasne, czy Grecy kiedykolwiek opracowali systematyczne podejście do nauczania śpiewu, ponieważ zachowało się niewiele pism na ten temat.
Pierwsza zachowana wzmianka o usystematyzowanym podejściu do nauczania śpiewu powstała w średniowiecznych klasztorach Kościoła rzymskokatolickiego mniej więcej na początku XIII wieku. Podobnie jak w przypadku innych kierunków studiów, klasztory były centrum muzycznego życia intelektualnego w okresie średniowiecza, a wielu mężczyzn w klasztorach poświęcało swój czas studiom muzycznym i sztuce śpiewu. Duży wpływ na rozwój wokalnego systemu pedagogicznego mieli mnisi Johannes de Garlandia i Hieronim Morawski, którzy jako pierwsi opracowali koncepcję rejestry wokalne . Ci mężczyźni zidentyfikowali trzy rejestry: głos klatki piersiowej , głos gardła i głos głowy (piersiowy, gardłowy i capitis). Ich koncepcja głosu głównego jest jednak znacznie bardziej podobna do rozumienia przez współczesnych pedagogów rejestru falsetu . Inne koncepcje omawiane w systemie monastycznym obejmowały rezonans wokalny , klasyfikację głosu , wspomaganie oddechu, dykcja i jakość dźwięku, by wymienić tylko kilka. Idee wypracowane w systemie monastycznym wywarły duży wpływ na rozwój pedagogiki wokalnej w ciągu następnych kilku stuleci, w tym stylu śpiewu Bel Canto .
Wraz z nadejściem renesansu w XV wieku nauka śpiewu zaczęła przenosić się poza kościół. Dwory bogatych mecenasów, takich jak książęta Burgundii , którzy wspierali szkołę burgundzką i szkołę francusko-flamandzką , stały się świeckimi ośrodkami studiów śpiewu i wszystkich innych dziedzin studiów muzycznych. Wokalne metody pedagogiczne nauczane w tych szkołach opierały się jednak na koncepcjach wypracowanych w systemie monastycznym. Wielu nauczycieli w tych szkołach jako dzieci przeszło wstępne szkolenie muzyczne od śpiewu w chórach kościelnych. Kościół pozostawał również w czołówce kompozycji muzycznych w tym czasie i miał duży wpływ na kształtowanie gustów i praktyk muzycznych zarówno w Kościele, jak i poza nim. To Kościół katolicki jako pierwszy spopularyzował użycie kastratów w XVI wieku, co ostatecznie doprowadziło do popularności głosów kastratów w operach barokowych i klasycznych .
Dopiero wraz z rozwojem opery w XVII wieku pedagogika wokalna zaczęła odrywać się od niektórych utrwalonych myśli pisarzy monastycznych i rozwijać głębsze rozumienie fizycznego procesu śpiewu i jego związku z kluczowymi pojęciami, takimi jak rejestracja głosu i wokal . rezonans . W tym czasie zaczęli pojawiać się znani nauczyciele głosowi . Giulio Caccini jest przykładem ważnego wczesnego włoskiego nauczyciela śpiewu. Pod koniec XVII wieku bel canto metoda śpiewu zaczęła się rozwijać we Włoszech. Ten styl śpiewu miał ogromny wpływ na rozwój opery i pedagogiki śpiewu w klasycyzmu i romantyzmu . To właśnie w tym czasie nauczyciele i kompozytorzy po raz pierwszy zaczęli identyfikować śpiewaków i pisać role dla bardziej określonych typów głosów . Jednak dopiero w XIX wieku pojawiły się jaśniej zdefiniowane systemy klasyfikacji głosu, takie jak niemiecki Fach . W ramach tych systemów do klasyfikacji głosów używano bardziej opisowych terminów, takich jak sopran koloraturowy i liryczny sopran .
Nauczyciele śpiewu w XIX wieku kontynuowali szkolenie śpiewaków do kariery w operze. Manuel Patricio Rodríguez García jest często uważany za jednego z najważniejszych nauczycieli głosu XIX wieku, któremu przypisuje się rozwój laryngoskopu i początek nowoczesnej pedagogiki głosu.
Dziedzina pedagogiki głosu pełniej rozwinęła się w połowie XX wieku. Kilku amerykańskich nauczycieli śpiewu zaczęło studiować naukę, anatomię i fizjologię śpiewu, zwłaszcza Ralph Appelman na Indiana University , Oren Brown w Washington University School of Medicine , a później w Juilliard School oraz William Vennard na University of Southern California . Ta zmiana podejścia do badania śpiewu doprowadziła do odrzucenia wielu twierdzeń bel canto metoda śpiewu, szczególnie w zakresie rejestracji głosu i rezonansu głosu . W rezultacie obecnie wśród nauczycieli głosowych dominują dwie szkoły myślenia: ci, którzy podtrzymują historyczne stanowisko metody bel canto, oraz ci, którzy wybierają bardziej współczesne rozumienie oparte na aktualnej wiedzy o anatomii i fizjologii człowieka. Są też tacy nauczyciele, którzy zapożyczają pomysły z obu perspektyw, tworząc ich hybrydę.
Appelman i Vennard byli również częścią grupy instruktorów śpiewu, którzy opracowali kursy dla początkujących nauczycieli śpiewu, dodając te naukowe idee do standardowych ćwiczeń i empirycznych sposobów doskonalenia techniki wokalnej, a do 1980 roku zaczęto zajmować się pedagogiką głosu. zawarte w wielu programach studiów muzycznych dla śpiewaków i nauczycieli muzyki wokalnej.
Nowsze prace autorów, takich jak Richard Miller i Johan Sundberg, zwiększyły ogólną wiedzę nauczycieli głosowych, a naukowe i praktyczne aspekty pedagogiki głosowej są nadal badane i omawiane przez profesjonalistów. Ponadto utworzenie organizacji takich jak National Association of Teachers of Singing (obecnie międzynarodowa organizacja instruktorów śpiewu) umożliwiło nauczycielom śpiewu osiągnięcie większego konsensusu co do ich pracy i poszerzyło zrozumienie tego, czym zajmują się nauczyciele śpiewu.
Tematy studiów
Filozofia pedagogiczna
Zasadniczo istnieją trzy główne podejścia do pedagogiki wokalnej. Wszystkie są związane z mechanizmami kontroli mechanicznej i psychologicznej podczas śpiewania. Niektórzy instruktorzy głosowi opowiadają się za skrajnie mechanistycznym podejściem, które uważa, że śpiewanie jest w dużej mierze kwestią umieszczenia właściwych części fizycznych we właściwych miejscach we właściwym czasie, a korygowanie błędów wokalnych odbywa się poprzez zwracanie uwagi bezpośrednio na części, które nie działają dobrze . Na drugim biegunie znajduje się szkoła myślenia, która uważa, że uwaga nigdy nie powinna być kierowana na żadną część mechanizmu wokalnego – że śpiewanie polega na wytwarzaniu w umyśle właściwych obrazów pożądanego tonu, a korygowanie błędów wokalnych osiąga się poprzez nauka prawidłowego myślenia i wyzwalania emocji poprzez interpretację muzyki. Większość nauczycieli głosowych uważa jednak, że prawda leży gdzieś pomiędzy tymi dwoma skrajnościami i przyjmuje połączenie tych dwóch podejść.
Natura dźwięków wokalnych
Fizjologia produkcji dźwięku wokalnego
Istnieją cztery procesy fizyczne związane z wytwarzaniem dźwięku wokalnego: oddychanie , fonacja , rezonans i artykulacja . Procesy te zachodzą w następującej kolejności:
- Oddech jest zabrany
- Dźwięk jest inicjowany w krtani
- Rezonatory wokalne odbierają dźwięk i wpływają na niego
- Artykulatory kształtują dźwięk w rozpoznawalne jednostki
Chociaż te cztery procesy należy rozpatrywać oddzielnie, w praktyce łączą się one w jedną skoordynowaną funkcję. W przypadku skutecznego śpiewaka lub mówcy rzadko powinno się przypominać o zachodzącym procesie, ponieważ ich umysł i ciało są tak skoordynowane, że dostrzega się jedynie wynikową zunifikowaną funkcję. Wiele problemów wokalnych wynika z braku koordynacji w ramach tego procesu.
Oddychanie
W najbardziej podstawowym sensie oddychanie to proces przemieszczania powietrza do i z ciała — wdech i wydech. Dźwięk jest wytwarzany w krtani. Ale wytworzenie dźwięku nie byłoby możliwe bez źródła zasilania: przepływu powietrza z płuc. Ten przepływ wprawia fałdy głosowe w ruch w celu wytworzenia dźwięku. Oddychanie podczas śpiewania i mówienia jest procesem bardziej kontrolowanym niż zwykłe oddychanie używane do podtrzymywania życia. Kontrole zastosowane do wydechu są szczególnie ważne w dobrej technice wokalnej.
Fonacja
Fonacja to proces wytwarzania dźwięku wokalnego poprzez wibracje fałdów głosowych , które z kolei są modyfikowane przez rezonans traktu głosowego . Ma to miejsce w krtani , gdy fałdy głosowe zbliżają się do siebie i przykłada się do nich ciśnienie oddechu w taki sposób, że powstaje wibracja, która powoduje powstanie słyszalnego źródła energii akustycznej, czyli dźwięku, który następnie może być modyfikowany przez artykulacyjne działania krtani. reszta aparatu głosowego . Fałdy głosowe łączą się głównie dzięki działaniu mięśni międzynalewkowych, które ciągną chrząstki nalewkowate razem.
Rezonans
Rezonans wokalny to proces, w którym podstawowy produkt fonacji jest wzmacniany pod względem barwy i/lub intensywności przez wypełnione powietrzem wnęki, przez które przechodzi w drodze do powietrza zewnętrznego. Różne terminy związane z procesem rezonansu obejmują wzmocnienie, wzbogacenie, powiększenie, poprawę, intensyfikację i przedłużenie, chociaż w ściśle naukowym użyciu większość z nich zostałaby zakwestionowana przez autorytety akustyczne. Głównym wnioskiem, jaki piosenkarz lub mówca powinien wyciągnąć z tych terminów, jest to, że końcowym rezultatem rezonansu jest lub powinno być uzyskanie lepszego dźwięku.
Istnieje siedem obszarów, które można wymienić jako możliwe rezonatory głosu. W kolejności od najniższego w ciele do najwyższego, obszary te to klatka piersiowa , drzewo tchawicy , sama krtań , gardło , jama ustna , jama nosowa i zatoki .
Badania wykazały, że krtań, gardło i jama ustna są głównymi rezonatorami dźwięku wokalnego, przy czym jama nosowa bierze udział tylko w nosowych spółgłoskach lub samogłoskach nosowych, takich jak te występujące we francuskim. Ta główna przestrzeń rezonansowa, biegnąca od fałdów głosowych do ust, nazywana jest traktem głosowym . Wielu użytkowników głosu doświadcza odczuć w zatokach, które mogą być błędnie interpretowane jako rezonans. Jednak te odczucia są spowodowane wibracjami współczulnymi i są raczej skutkiem niż przyczyną skutecznego rezonansu wokalnego.
Artykulacja
Miejsca artykulacji (bierne i aktywne): 1. Exo-wargowe, 2. Endo-wargowe, 3. Dental, 4. Alveolar, 5. Post-alveolar, 6. Pre-palatal, 7. Palatal, 8. Velar, 9 Uvular, 10. Gardłowy, 11. Krtaniowy, 12. Nagłośniowy, 13. Radykalny, 14. Tylny-grzbietowy, 15. Przedni-grzbietowy, 16. Blaszkowy, 17. Wierzchołkowy, 18. Sub-wierzchołkowy
Artykulacja to proces, w którym wspólny produkt wibratora i rezonatorów jest kształtowany w rozpoznawalne dźwięki mowy poprzez dopasowywanie mięśni i ruchy narządów mowy. Te regulacje i ruchy artykulatorów skutkują komunikacją werbalną i tym samym tworzą zasadniczą różnicę między głosem ludzkim a innymi instrumentami muzycznymi. Śpiewanie bez zrozumiałych słów ogranicza głos do komunikacji niewerbalnej. W odniesieniu do fizycznego procesu śpiewania, instruktorzy śpiewu mają tendencję do skupiania się bardziej na aktywnej artykulacji niż na biernej. Istnieje pięć podstawowych aktywnych artykulatorów: warga („ spółgłoski wargowe ”), elastyczny przód języka („ spółgłoski koronalne ”), środek/tył języka („ spółgłoski grzbietowe ”), nasada języka wraz z nagłośnią ( „ spółgłoski gardłowe ”) oraz głośni („ spółgłoski krtaniowe ”). Te artykulatory mogą działać niezależnie od siebie, a dwa lub więcej może współpracować w tak zwanej koartykulacji .
W przeciwieństwie do aktywnej artykulacji, pasywna artykulacja jest kontinuum bez wielu wyraźnych granic. Miejsca językowo-wargowe i międzyzębowe, międzyzębowe i zębowe, zębowe i zębodołowe, zębodołowe i podniebienne, podniebienne i podniebienne, welarne i języczkowe łączą się ze sobą, a spółgłoska może być wymawiana gdzieś pomiędzy nazwanymi miejscami.
Ponadto, gdy używana jest przednia część języka, kontakt może mieć górna powierzchnia lub ostrze języka („ spółgłoski blaszkowate ”), czubek języka („ spółgłoski wierzchołkowe ”) lub dolna powierzchnia ( „ spółgłoski podwierzchołkowe ”). Te artykulacje również łączą się ze sobą bez wyraźnych granic.
Interpretacja
Interpretacja jest czasami wymieniana przez nauczycieli śpiewu jako piąty proces fizyczny, chociaż ściśle mówiąc nie jest to proces fizyczny. Powodem tego jest to, że interpretacja wpływa na rodzaj dźwięku, jaki wydaje piosenkarz, co ostatecznie osiąga się poprzez fizyczne działanie, które wykonuje piosenkarz. Chociaż nauczyciele mogą zapoznać swoich uczniów ze stylami muzycznymi i praktykami wykonawczymi oraz zasugerować pewne efekty interpretacyjne, większość nauczycieli śpiewu zgadza się, że interpretacji nie można się nauczyć. Studenci, którym brakuje wrodzonej wyobraźni twórczej i wrażliwości estetycznej, nie mogą się tego nauczyć od kogoś innego. Niewłaściwa interpretacja nie jest wadą wokalną, chociaż może znacząco wpłynąć na brzmienie głosu.
Klasyfikacja dźwięków wokalnych
Dźwięki wokalne dzielą się na dwie podstawowe kategorie — samogłoski i spółgłoski — z szeroką gamą podklas. Nauczyciele śpiewu i poważni adepci śpiewu spędzają dużo czasu na studiowaniu, w jaki sposób głos tworzy samogłoski i spółgłoski oraz na badaniu problemów, jakie niektóre spółgłoski lub samogłoski mogą powodować podczas śpiewania. Międzynarodowy alfabet fonetyczny jest często używany przez nauczycieli głosowych i ich uczniów.
Problemy z opisywaniem dźwięków wokalnych
Opisywanie brzmienia wokalu jest nauką niedokładną, głównie dlatego, że ludzki głos jest niezależnym instrumentem. Ponieważ instrument wokalny jest instrumentem wewnętrznym, zdolność piosenkarza do monitorowania wytwarzanego dźwięku jest skomplikowana przez wibracje przenoszone do ucha przez trąbkę Eustacheja (słuchową) oraz struktury kostne głowy i szyi. Innymi słowy, większość śpiewaków słyszy w swoich uszach/głowie coś innego niż to, co słyszy osoba, która ich słucha. W rezultacie nauczyciele głosowi często mniej skupiają się na tym, jak to „brzmi”, a bardziej na tym, jak to „czuje”. Wrażenia wibracyjne wynikające ze ściśle powiązanych procesów fonacji i rezonansu oraz kinestetyczne wynikające z napięcia mięśni, ruchu, pozycji ciała i ciężaru służą śpiewakowi jako przewodnik po prawidłowej produkcji głosu.
Inny problem w opisywaniu brzmienia wokalu leży w samym słownictwie wokalnym. Istnieje wiele szkół myślenia w ramach pedagogiki wokalnej, a różne szkoły przyjęły różne terminy, czasem z innych dyscyplin artystycznych. Doprowadziło to do użycia mnóstwa opisowych terminów odnoszących się do głosu, które nie zawsze są rozumiane jako oznaczające to samo. Niektóre terminy używane czasem do opisania jakości dźwięku głosu to: ciepły, biały, ciemny, jasny, okrągły, trzcinowy, rozciągnięty, skupiony, przykryty, połknięty, do przodu, dzwoniący, pohukiwany, beczący, śliwkowy, łagodny, w kształcie gruszki, i tak dalej.
Wyrównanie ciała
Proces śpiewania przebiega najlepiej, gdy istnieją określone warunki fizyczne organizmu. Zdolność do swobodnego wchodzenia i wychodzenia powietrza z ciała oraz uzyskiwania potrzebnej ilości powietrza może być poważnie ograniczona przez ustawienie ciała różnych części mechanizmu oddechowego. Zapadnięta pozycja klatki piersiowej ogranicza pojemność płuc, a napięta ściana brzucha hamuje ruch przepony w dół . Dobre ułożenie ciała pozwala mechanizmowi oddechowemu skutecznie spełniać swoją podstawową funkcję bez zbędnego wydatkowania energii. Dobre ustawienie ciała ułatwia również zainicjowanie fonacji i dostrojenie rezonatorów, ponieważ właściwe ustawienie zapobiega niepotrzebnemu napięciu ciała. Instruktorzy głosowi zauważyli również, że kiedy śpiewacy zakładają dobre ułożenie ciała, często daje im to większe poczucie pewności siebie i opanowania podczas występów. Publiczność również lepiej reaguje na śpiewaków z dobrym ułożeniem ciała. Nawykowe dobre ułożenie ciała ostatecznie poprawia również ogólny stan zdrowia organizmu, umożliwiając lepsze krążenie krwi i zapobiegając zmęczeniu i stresowi organizmu.
Oddychanie i wspomaganie oddychania
Każdy śpiew zaczyna się od oddechu. Wszystkie dźwięki wokalne powstają w wyniku drgań krtani wywołanych powietrzem z płuc . Oddychanie w życiu codziennym jest podświadomą funkcją organizmu, która zachodzi naturalnie; jednak śpiewak musi mieć kontrolę nad wdechem i wydechem, aby osiągnąć maksymalne rezultaty ze swojego głosu.
Naturalne oddychanie ma trzy etapy: okres wdechu, okres wydechu i okres odpoczynku lub regeneracji; te etapy zwykle nie są świadomie kontrolowane. W śpiewie wyróżnia się cztery etapy oddychania:
- okres wdechu (wdech)
- ustanowienie okresu kontroli (zawieszenie)
- kontrolowany okres wydechu (fonacja)
- czas wyzdrowienia
Etapy te muszą być pod świadomą kontrolą śpiewaka, dopóki nie staną się odruchami warunkowymi. Wielu śpiewaków porzuca świadomą kontrolę, zanim ich odruchy zostaną w pełni uwarunkowane, co ostatecznie prowadzi do chronicznych problemów wokalnych.
Klasyfikacja głosu
| Rodzaj głosu |
|---|
| Kobieta |
| Mężczyzna |
W europejskiej muzyce klasycznej i operze głosy traktowane są jak instrumenty muzyczne . Kompozytorzy , którzy piszą muzykę wokalną, muszą rozumieć umiejętności, talenty i właściwości wokalne śpiewaków. Klasyfikacja głosów to proces, w ramach którego oceniane są głosy śpiewające człowieka, a tym samym przydzielane do typów głosów . Cechy te obejmują między innymi: zakres głosu , wagę głosu , tessiturę głosu , barwę głosu i wokalne punkty przejścia , takie jak przerwy i podniesienia w głosie. Inne kwestie to cechy fizyczne, poziom mowy, testy naukowe i rejestracja głosu . Nauka stojąca za klasyfikacją głosów rozwinęła się w ramach europejskiej muzyki klasycznej i powoli dostosowywała się do bardziej nowoczesnych form śpiewu. Klasyfikacja głosów jest często używana w operze do kojarzenia możliwych ról z potencjalnymi głosami. Obecnie w muzyce klasycznej używanych jest kilka różnych systemów, w tym: niemiecki Fach system i system muzyki chóralnej wśród wielu innych. Żaden system nie jest powszechnie stosowany ani akceptowany.
Jednak większość systemów muzyki klasycznej uwzględnia siedem różnych głównych kategorii głosów. Kobiety są zwykle podzielone na trzy grupy: sopran , mezzosopran i kontralt . Mężczyźni dzielą się zwykle na cztery grupy: kontratenor , tenor , baryton i bas . Rozważając głosy dzieci, można zastosować ósmy termin, wysokie tony . W ramach każdej z tych głównych kategorii istnieje kilka podkategorii, które identyfikują określone cechy wokalne, takie jak koloratura łatwość i waga głosu, aby rozróżnić głosy.
W muzyce chóralnej głosy śpiewaków dzieli się wyłącznie na podstawie skali głosu. Muzyka chóralna najczęściej dzieli partie wokalne na głosy wysokie i niskie w obrębie każdej płci (SATB). W rezultacie typowa sytuacja chóralna stwarza wiele okazji do błędnej klasyfikacji. Ponieważ większość ludzi ma średnie głosy, należy im przypisać partię, która jest dla nich albo za wysoka, albo za niska; mezzosopran musi śpiewać sopranem lub altem, a baryton tenorem lub basem. Każda z opcji może stwarzać problemy dla śpiewaka, ale dla większości śpiewaków śpiewanie zbyt nisko jest mniej niebezpieczeństwem niż śpiewanie zbyt wysoko.
We współczesnych formach muzycznych (czasami określanych jako współczesna muzyka komercyjna ) śpiewacy są klasyfikowani według stylu muzyki, którą śpiewają, na przykład jazz, pop, blues, soul, country, folk i rock. Obecnie nie ma autorytatywnego systemu klasyfikacji głosów w muzyce nieklasycznej. Podejmowano próby przyjęcia klasycznego rodzaju głosu terminy do innych form śpiewu, ale takie próby spotkały się z kontrowersjami. Opracowanie kategoryzacji głosów zostało dokonane przy założeniu, że wokalista będzie używał klasycznej techniki wokalnej w określonym zakresie przy użyciu niewzmocnionej (bez mikrofonów) produkcji wokalnej. Ponieważ współcześni muzycy posługują się różnymi technikami wokalnymi, mikrofonami i nie są zmuszani do wpasowywania się w określoną rolę wokalną, stosowanie takich określeń jak sopran, tenor, baryton itp. może być mylące, a nawet nietrafne.
Niebezpieczeństwa związane z szybką identyfikacją
Wielu nauczycieli głosu ostrzega przed niebezpieczeństwami związanymi z szybką identyfikacją. Przedwczesna troska o klasyfikację może skutkować błędną klasyfikacją, ze wszystkimi towarzyszącymi jej niebezpieczeństwami. Vennard mówi:
„Nigdy nie odczuwam pilnej potrzeby klasyfikowania początkującego ucznia. Tyle przedwczesnych diagnoz okazało się błędnych, a dalsze dążenie do źle obranego celu może być szkodliwe dla ucznia i krępujące dla nauczyciela. Najlepiej zacząć w środkową część głosu i pracuj w górę iw dół, aż głos się sklasyfikowa”.
Większość nauczycieli śpiewu uważa, że przed przystąpieniem do klasyfikacji głosu konieczne jest wypracowanie dobrych nawyków wokalnych w ograniczonym i wygodnym zakresie. Kiedy techniki postawy, oddychania, fonacji , rezonans i artykulacja ustabilizują się w tym wygodnym miejscu, pojawi się prawdziwa jakość głosu i będzie można bezpiecznie eksplorować górne i dolne granice zakresu. Tylko wtedy można uzyskać wstępną klasyfikację, którą można dostosować w miarę rozwoju głosu. Wielu uznanych instruktorów głosowych sugeruje, aby nauczyciele zaczynali od założenia, że głos ma średnią klasyfikację, dopóki nie zostanie udowodnione, że jest inaczej. Powodem tego jest to, że większość osób posiada średnie głosy i dlatego takie podejście jest mniej podatne na błędną klasyfikację lub uszkodzenie głosu.
Rejestracja wokalu
| Rejestry wokalne |
|---|
| Najwyższy Najniższy |
Rejestracja wokalna odnosi się do systemu rejestrów wokalnych w ludzkim głosie. Rejestr w głosie ludzkim to szczególna seria tonów, wytwarzanych w tym samym układzie wibracyjnym fałdów głosowych i posiadających tę samą jakość. Rejestry pochodzą z krtani . Występują, ponieważ fałdy głosowe są zdolne do wytwarzania kilku różnych wzorców wibracyjnych. Każdy z tych wzorców wibracyjnych pojawia się w określonym zakresie tonów i wydaje charakterystyczne dźwięki. Termin rejestr może być nieco mylący, ponieważ obejmuje kilka aspektów ludzkiego głosu. Termin rejestr może być używany w odniesieniu do dowolnego z następujących elementów:
- Określona część zakresu głosu, taka jak rejestry górne, środkowe lub dolne.
- rezonansu , taki jak głos klatki piersiowej lub głos głowy .
- Proces fonacyjny _
- Pewna barwa głosu
- Obszar głosu, który jest określony lub ograniczony przerwami głosowymi.
- Podzbiór języka używany w określonym celu lub w określonym środowisku społecznym.
W językoznawstwie język rejestrowy to język, który łączy fonację tonu i samogłoski w jeden system fonologiczny .
W patologii mowy termin rejestr głosowy obejmuje trzy elementy składowe: określony wzór wibracyjny fałdów głosowych, pewną serię wysokości i określony rodzaj dźwięku. Patolodzy mowy identyfikują cztery rejestry głosowe w oparciu o fizjologię funkcji krtani: rejestr narybku głosowego , rejestr modalny , rejestr falsetu i rejestr gwizdków . Pogląd ten przyjmuje również wielu nauczycieli śpiewu.
Jednak niektórzy nauczyciele głosowi organizują rejestry w inny sposób. W tej dziedzinie stosuje się kilkanaście różnych konstrukcji rejestrów wokalnych. Zamieszanie, jakie istnieje co do tego, czym jest rejestr i ile jest rejestrów, wynika częściowo z tego, co dzieje się w rejestrze modalnym, gdy osoba śpiewa z najniższych tonów tego rejestru do najwyższych tonów. Częstotliwość drgań fałdów głosowych zależy od ich długości, napięcia i masy. Wraz ze wzrostem tonu fałdy głosowe wydłużają się, napięcie wzrasta, a ich grubość maleje. Innymi słowy, wszystkie trzy z tych czynników są w stanie płynnym w przejściu od najniższych do najwyższych tonów.
Jeśli piosenkarz utrzymuje którykolwiek z tych czynników na stałym poziomie i zakłóca ich postępujący stan zmian, jego funkcja krtani staje się statyczna i ostatecznie pojawiają się przerwy z oczywistymi zmianami jakości dźwięku. Te przerwy są często identyfikowane jako granice rejestrów lub obszary przejściowe między rejestrami. Wyraźna zmiana lub przerwa między rejestrami nazywana jest passaggio lub ponticello . Instruktorzy wokalni uczą, że dzięki nauce wokalista może bez wysiłku przechodzić z jednego rejestru do drugiego z łatwością i spójnym tonem. Rejestry mogą nawet nakładać się podczas śpiewania. Nauczyciele, którzy lubią stosować tę teorię „mieszania rejestrów”, zwykle pomagają uczniom przejść przez „przejście” z jednego rejestru do drugiego, ukrywając ich „windę” (gdzie zmienia się głos).
Jednak wielu instruktorów głosowych nie zgadza się z tym rozróżnieniem granic, obwiniając za takie przerwy problemy głosowe, które zostały stworzone przez statyczną regulację krtani, która nie pozwala na zajście niezbędnych zmian. Ta różnica zdań wpłynęła na różne poglądy na temat rejestracji głosu.
Koordynacja
Śpiew jest zintegrowanym i skoordynowanym działaniem i trudno jest omawiać poszczególne obszary techniczne i procesy bez odniesienia ich do innych. Na przykład fonacja pojawia się w perspektywie tylko wtedy, gdy jest połączona z oddychaniem; artykulatory wpływają na rezonans; rezonatory wpływają na fałdy głosowe; fałdy głosowe wpływają na kontrolę oddechu; i tak dalej. Problemy z głosem są często wynikiem załamania się jednej części tego skoordynowanego procesu, co powoduje, że nauczyciele śpiewu często intensywnie koncentrują się na jednym obszarze procesu ze swoim uczniem, dopóki problem nie zostanie rozwiązany. Jednak niektóre obszary sztuki śpiewu są tak bardzo wynikiem skoordynowanych funkcji, że trudno je omawiać pod tradycyjnymi kategoriami, takimi jak fonacja, rezonans, artykulacja czy oddychanie.
Gdy uczeń śpiewu zda sobie sprawę z procesów fizycznych składających się na akt śpiewania i tego, jak te procesy funkcjonują, uczeń zaczyna próbować je skoordynować. Nieuchronnie uczniowie i nauczyciele będą bardziej zainteresowani jednym obszarem techniki niż innym. Różne procesy mogą przebiegać w różnym tempie, co prowadzi do braku równowagi lub braku koordynacji. Obszary techniki wokalnej, które wydają się najbardziej zależeć od zdolności ucznia do koordynacji różnych funkcji, to:
- Rozszerzenie zakresu wokalu do maksymalnego potencjału
- Rozwijanie spójnej produkcji wokalnej ze stałą jakością dźwięku
- Rozwijanie elastyczności i zwinności
- Osiągnięcie zrównoważonego vibrato
Rozwijanie głosu śpiewającego
Niektórzy uważają, że śpiewanie nie jest procesem naturalnym, ale umiejętnością wymagającą wysoko rozwiniętych odruchów mięśniowych, inni uważają, że niektóre sposoby śpiewania można uznać za naturalne. Śpiewanie nie wymaga dużej siły mięśni, ale wymaga wysokiego stopnia koordynacji mięśni. Poszczególne osoby mogą dalej rozwijać swój głos poprzez staranne i systematyczne ćwiczenie zarówno piosenek, jak i ćwiczeń wokalnych. Nauczyciele głosu instruują swoich uczniów, aby ćwiczyli głos w inteligentny sposób. Śpiewacy powinni stale myśleć o tym, jaki dźwięk wydają i jakie doznania odczuwają podczas śpiewania.
Ćwiczenie głosu śpiewającego
Istnieje kilka celów ćwiczeń wokalnych, w tym:
- Ocieplenie głosu
- Rozszerzanie skali głosu
- „Wyrównanie” głosu w poziomie iw pionie
- Zdobycie technik wokalnych takich jak legato, staccato, kontrola dynamiki, szybkie figuracje, nauka komfortowego śpiewania szerokich interwałów, korygowanie wad wokalnych.
Rozszerzanie skali głosu
Ważnym celem rozwoju wokalnego jest nauczenie się śpiewania do naturalnych granic własnego zakresu wokalnego bez żadnych oczywistych lub rozpraszających zmian w jakości lub technice. Instruktorzy głosowi uczą, że śpiewak może osiągnąć ten cel tylko wtedy, gdy wszystkie procesy fizyczne zaangażowane w śpiew (takie jak praca krtani, wspomaganie oddechu, regulacja rezonansu i ruch artykulacyjny) skutecznie współpracują ze sobą. Większość nauczycieli śpiewu uważa, że pierwszym krokiem w koordynowaniu tych procesów jest ustanowienie dobrych nawyków wokalnych w najwygodniejszej tessiturze głosu, a następnie powolne rozszerzanie zakresu poza ten zakres.
Istnieją trzy czynniki, które znacząco wpływają na zdolność śpiewania wyżej lub niżej:
- Współczynnik energii – w tym użyciu słowo energia ma kilka konotacji. Odnosi się do całkowitej reakcji organizmu na wytwarzanie dźwięku. Odnosi się do dynamicznego związku między mięśniami wdechu i wydechu, znanego jako mechanizm wspomagania oddechu. Odnosi się również do wielkości ciśnienia oddechu dostarczanego do fałdów głosowych i ich odporności na to ciśnienie oraz odnosi się do poziomu dynamiki dźwięku.
- Czynnik przestrzenny – Przestrzeń odnosi się do ilości przestrzeni utworzonej przez ruch ust oraz położenie podniebienia i krtani. Ogólnie rzecz biorąc, usta śpiewaka powinny być otwierane szerzej, im wyżej śpiewa. Przestrzeń wewnętrzną lub położenie podniebienia miękkiego i krtani można poszerzyć poprzez rozluźnienie gardła. Nauczyciele głosowi często opisują to uczucie jako „początek ziewania”.
- Czynnik głębi – w tym użyciu słowo głębokość ma dwie konotacje. Odnosi się do rzeczywistych fizycznych odczuć głębi w ciele i mechanizmie wokalnym oraz odnosi się do mentalnych koncepcji głębi związanych z jakością dźwięku.
McKinney mówi: „Te trzy czynniki można wyrazić w trzech podstawowych zasadach: (1) Śpiewając wyżej, musisz zużywać więcej energii; śpiewając niżej, musisz zużywać mniej. (2) Śpiewając wyżej, musisz używać więcej miejsca; śpiewając niżej, musisz używać mniej. (3) Śpiewając wyżej, musisz używać więcej głębi; śpiewając niżej, musisz używać mniej”.
Ogólnokształcące studia muzyczne
Niektórzy nauczyciele śpiewu spędzają czas pracując ze swoimi uczniami nad ogólną wiedzą i umiejętnościami muzycznymi, w szczególności nad teorią muzyki , historią muzyki oraz stylami i praktykami muzycznymi w odniesieniu do studiowanej literatury wokalnej. W razie potrzeby mogą również spędzać czas pomagając swoim uczniom w lepszym czytaniu a vista, często przyjmując solfeż , który przypisuje określone sylaby nutom skali.
Umiejętności i praktyki wykonawcze
Ponieważ śpiew jest sztuką sceniczną, nauczyciele śpiewu poświęcają trochę czasu na przygotowanie swoich uczniów do występów. Obejmuje to nauczanie swoich uczniów etykiety zachowań na scenie, takich jak kłanianie się, nauka radzenia sobie z tremą, rozwiązywanie problemów, takich jak tiki nerwowe, oraz korzystanie ze sprzętu, takiego jak mikrofony. Niektórzy studenci mogą również przygotowywać się do kariery w dziedzinie opery lub teatru muzycznego gdzie wymagane są umiejętności aktorskie. Wielu instruktorów głosowych poświęci czas na techniki aktorskie i komunikację z publicznością ze studentami w tych dziedzinach. Studenci opery również spędzają dużo czasu ze swoimi nauczycielami śpiewu, ucząc się wymowy języków obcych.
Zobacz też
Notatki
-
Thurman, Leon; Welch, wyd., Graham (2012). Bodymind & voice: Podstawy edukacji głosowej (poprawiona red.). Collegeville, Minnesota: The VoiceCare Network i in. ISBN 978-0-87414-123-8 .
{{ cite book }}:|last2=ma nazwę ogólną ( pomoc )
