Historia muzyki

Zgodnie z ruchem wskazówek zegara, od góry po lewej:

Chociaż definicje muzyki różnią się znacznie na całym świecie, uczestniczy w niej każda znana kultura i dlatego jest uważana za kulturową uniwersalną . Pochodzenie muzyki pozostaje wysoce kontrowersyjne; komentatorzy często wiążą to z pochodzeniem języka , z wieloma różnicami zdań co do tego, czy muzyka powstała przed, po czy jednocześnie z językiem . Uczeni z różnych dziedzin zaproponowali wiele teorii, ale żadna nie zyskała szerokiego uznania. Większość kultur ma swoje mityczne korzenie dotyczące wynalezienia muzyki, na ogół zakorzenione w ich wierzeniach mitologicznych, religijnych lub filozoficznych.

  Muzyka kultur prehistorycznych jest po raz pierwszy mocno datowana na ok. 40 000 lat temu z górnego paleolitu na podstawie śladów kościanych rowków , chociaż pozostaje niejasne, czy faktyczne pochodzenie należy do wcześniejszego okresu środkowego paleolitu (300 000 do 50 000 lat temu). Niewiele wiadomo o muzyce prehistorycznej, a ślady ograniczają się głównie do prostych fletów i instrumentów perkusyjnych. Jednak takie dowody wskazują, że muzyka istniała do pewnego stopnia w społeczeństwach prehistorycznych, takich jak dynastia Xia i Xia Cywilizacja doliny Indusu . Wraz z rozwojem pisma muzyka cywilizacji piśmiennych — muzyka starożytna — była obecna w głównych społeczeństwach chińskich, egipskich, greckich, indyjskich, perskich, mezopotamskich i bliskowschodnich. Trudno o wiele uogólnień na temat muzyki dawnej jako całości, ale z tego co wiadomo często charakteryzowała się monofonią i improwizacją . W starożytnej piosence formy, teksty były ściśle powiązane z muzyką i chociaż najstarsza zachowana notacja muzyczna przetrwała z tego okresu, wiele tekstów przetrwało bez towarzyszącej im muzyki, na przykład Rigveda i Shijing Classic of Poetry . Ostateczne pojawienie się Jedwabnego Szlaku i rosnący kontakt między kulturami doprowadziły do ​​​​przekazu i wymiany muzycznych pomysłów, praktyk i instrumentów. Taka interakcja doprowadziła do tego, że dynastii Tang była pod silnym wpływem tradycji Azji Środkowej, podczas gdy muzyka dynastii Tang, japońskie gagaku i koreańska muzyka dworska wzajemnie na siebie wpływały.

Historycznie rzecz biorąc, religie często były katalizatorami muzyki. Wedy hinduizmu wywarły ogromny wpływ na indyjską muzykę klasyczną , a Pięć klasyków konfucjanizmu położyło podwaliny pod późniejszą muzykę chińską . Po szybkim rozprzestrzenianiu się islamu w VI wieku muzyka islamska zdominowała Persję i świat arabski, a w Złotym Wieku Islamu było obecnych wielu ważnych teoretyków muzyki. Muzyka napisana dla i przez Kościół wczesnochrześcijański właściwie inauguruje zachodnią tradycję muzyki klasycznej , która jest kontynuowana w muzyce średniowiecznej , gdzie rozwinęła się polifonia , zapis pięcioliniowy i rodzące się formy wielu współczesnych instrumentów. Oprócz religii lub jej braku, na muzykę społeczeństwa wpływają wszystkie inne aspekty jego kultury, w tym organizacja społeczna i ekonomiczna oraz doświadczenie, klimat i dostęp do technologii. Wiele kultur połączyło muzykę z innymi formami sztuki, takimi jak chińskie cztery sztuki i średniowieczne quadrivium . Emocje i idee wyrażane przez muzykę, sytuacje, w których muzyka jest odtwarzana i słuchana, a także postawy wobec muzyków i kompozytorów różnią się w zależności od regionu i epoki. W wielu kulturach rozróżnia się lub nadal rozróżnia muzykę artystyczną (lub „muzykę klasyczną”), muzykę ludową i muzykę popularną .

Pochodzenie

Dalsze informacje: Muzykologia ewolucyjna § Pochodzenie muzyki
Zobacz też: Archeologia muzyki i Definicja muzyki

„Ale muzyka jest językiem, za pomocą którego wiadomości są opracowywane, że takie wiadomości mogą być zrozumiane przez wielu, ale wysyłane tylko przez nielicznych, i że jako jedyna spośród wszystkich języków łączy sprzeczny charakter bycia jednocześnie zrozumiałym i nieprzetłumaczalnym - te fakty czynią twórcę muzyki istotą podobną do bogów i czynią samą muzykę najwyższą tajemnicą ludzkiej wiedzy”.

Claude Lévi-Strauss , Surowe i gotowane

Muzyka jest uważana za uniwersalną kulturę , chociaż jej definicje są bardzo różne na całym świecie i w całej historii. Podobnie jak w przypadku wielu aspektów ludzkiego poznania , pozostaje przedmiotem dyskusji, w jakim stopniu pochodzenie muzyki zostanie kiedykolwiek zrozumiane, a uczeni często zajmują polaryzujące stanowiska. Pochodzenie muzyki jest często omawiane obok pochodzenia języka , a charakter ich związku jest przedmiotem wielu dyskusji. Jednak przed połową końca XX wieku naukowcom rzadko poświęcano uwagę obu tematom. Od czasu odrodzenia tematu główne źródło sporów dzieli się na trzy perspektywy: czy muzyka powstała jako rodzaj prajęzyka (w wyniku adaptacji ), który doprowadził do powstania języka; jeśli muzyka jest spandrelem ( fenotypowym produktem ubocznym ewolucji), który był wynikiem języka; lub jeśli muzyka i język wywodzą się ze wspólnego poprzednika.

Istnieje niewielki konsensus co do jakiejkolwiek konkretnej teorii pochodzenia muzyki, która obejmowała wkład archeologów, kognitywistów, etnomuzykologów, biologów ewolucyjnych , lingwistów, neurobiologów, paleoantropologów , filozofów i psychologów ( rozwojowych i społecznych ). Oto niektóre z najbardziej znanych teorii:

  • Muzyka powstała jako wyszukana forma doboru płciowego , być może powstała podczas wezwań godowych. Teorię tę, być może pierwszą znaczącą dotyczącą pochodzenia muzyki, przypisuje się na ogół Karolowi Darwinowi . Po raz pierwszy pojawił się w książce Darwina The Descent of Man and Selection in Relation to Sex z 1871 roku i od tego czasu był krytykowany, ponieważ nie ma dowodów na to, że którakolwiek z płci ludzkich jest „bardziej muzykalna”, a zatem nie ma dowodów na dymorfizm płciowy ; obecnie nie ma innych przykładów doboru płciowego, które nie obejmują znacznego dymorfizmu płciowego. Niedawni komentatorzy, powołując się na wykorzystanie muzyki w systemach kojarzenia się innych zwierząt, mimo to propagowali i rozwijali teorię Darwina; tacy uczeni to Peter JB Slater, Katy Payne , Björn Merker , Geoffrey Miller i Peter Todd.
  • Muzyka powstała wraz z językiem, który rzekomo wywodzi się od „wspólnego prekursora”. Biolog Herbert Spencer był ważnym wczesnym orędownikiem tej teorii, podobnie jak kompozytor Richard Wagner , który nazwał wspólnego przodka muzyki i języka „muzyką mowy”. Od XXI wieku wielu uczonych popiera tę teorię, zwłaszcza archeolog Steven Mithen .
  • Muzyka powstała, aby zaspokoić praktyczną potrzebę. Propozycje obejmują:
    • Aby pomóc w organizowaniu spójnej pracy, po raz pierwszy zaproponował ekonomista Karl Bücher .
    • Aby poprawić łatwość i zasięg komunikacji na duże odległości, po raz pierwszy zaproponował muzykolog Carl Stumpf .
    • Aby poprawić komunikację z boskością lub w inny sposób nadprzyrodzonymi , po raz pierwszy zaproponował antropolog Siegfried Nadel .
    • Aby pomóc w „koordynacji, spójności i współpracy”, szczególnie w kontekście rodzin lub społeczności.
    • Być środkiem do odstraszania drapieżników lub jakiegoś rodzaju wrogów.
  • Muzyka miała dwa źródła, „z mowy (logogeniczna) iz ekspresji emocjonalnej (patogenna)”, po raz pierwszy zaproponowana przez muzykologa Curta Sachsa . Zastanawiając się nad różnorodnością muzyki na całym świecie, Sachs zauważył, że część muzyki ogranicza się do formy komunikatywnej lub ekspresjonistycznej, co sugeruje, że te aspekty rozwijały się oddzielnie.

Wiele kultur ma swoje mityczne korzenie w tworzeniu muzyki. Czasami przypisuje się wynalezienie muzyki określonym postaciom, takim jak Jubal w mitologii chrześcijańskiej , legendarny Shah Jamshid w mitologii perskiej / irańskiej , bogini Saraswati w hinduizmie i muzy w mitologii starożytnej Grecji . Niektóre kultury przypisują wielu twórcom muzyki; starożytna mitologia egipska kojarzy ją z licznymi bóstwami, m.in Amon , Hathor , Izyda i Ozyrys , ale przede wszystkim Ihy . Istnieje wiele historii związanych z pochodzeniem muzyki w mitologii chińskiej , ale najbardziej znana jest historia muzyka Ling Luna , który na rozkaz Żółtego Cesarza (Huangdi) wynalazł bambusowy flet , naśladując śpiew mitycznych ptaków fenghuang .

Pre-historia

Osobny artykuł: Muzyka prehistoryczna
U góry po lewej rzekomy flet Divje Babe z Divje Babe w Słowenii; u góry po prawej kościany flet oryniacki z Geissenklösterle w Niemczech; dno flet z kości gudi we współczesnym Jiahu , Wuyang , prowincja Henan .

W najszerszym znaczeniu muzyka prehistoryczna — w przeszłości częściej nazywana muzyką prymitywną — obejmuje całą muzykę wytwarzaną w kulturach przedpiśmiennych ( prehistoria ), począwszy od co najmniej 6 milionów lat temu, kiedy ludzie i szympansy mieli ostatnio wspólnego przodka . Muzyka pojawiła się po raz pierwszy w paleolitu , choć nie jest jasne, czy był to środkowy (300 000 do 50 000 lat temu ), czy górny paleolit (50 000 do 12 000 lat temu). Zdecydowana większość instrumentów paleolitycznych została znaleziona w Europie i pochodzi z górnego paleolitu. Z pewnością jest możliwe, że śpiew pojawił się znacznie wcześniej, choć zasadniczo nie można tego potwierdzić. Potencjalnie najstarszym instrumentem jest flet Divje Babe z jaskini Divje Babe w Słowenii, datowany na 43 000 i 82 000 i wykonany z kości udowej młodego niedźwiedzia jaskiniowego . Podobno używany przez neandertalczyków , flet Divje Babe wzbudził duże zainteresowanie naukowców, a to, czy jest to naprawdę instrument muzyczny, czy przedmiot utworzony przez zwierzęta, jest przedmiotem intensywnej debaty. Jeśli to pierwsze, byłby to najstarszy znany instrument muzyczny i dowód kultury muzycznej w środkowym paleolicie. Poza fletem Divje Babe i trzema innymi wątpliwymi fletami, praktycznie nie ma zachowanych muzycznych dowodów ze środkowego paleolitu, które byłyby pewne, podobnie jak sytuacja w przypadku sztuk wizualnych . Najwcześniejszymi przedmiotami, których oznaczenia jako instrumenty muzyczne są powszechnie akceptowane, są kościane flety z Jury Szwabskiej , Niemcy, a mianowicie z jaskiń Geissenklösterle , Hohle Fels i Vogelherd . Datowane na oryniacki (z górnego paleolitu) i używane przez wczesnoeuropejskich współczesnych ludzi , ze wszystkich trzech jaskiń znajduje się osiem przykładów, cztery wykonane z kości skrzydeł ptaków i cztery z mamutowej kości słoniowej ; trzy z nich są prawie ukończone. Trzy flety z Geissenklösterle są datowane jako najstarsze, ok. 43 150–39 370 lat temu.

Biorąc pod uwagę względną złożoność fletów, prawdopodobnie istniały wcześniejsze instrumenty, podobne do przedmiotów powszechnych w późniejszych społecznościach łowców i zbieraczy , takich jak grzechotki , shakery i bębny . Brak innych instrumentów z tego okresu i wcześniej może wynikać z użycia przez nie słabszych - a tym samym bardziej biodegradowalnych - materiałów, takich jak trzcina, tykwy, skóry i kora. Obraz w jaskini Trois-Frères datowany na ok. Uważa się, że 15 000 pne przedstawia szamana grającego w smyczek muzyczny .

Uważa się, że kultury prehistoryczne miały wiele różnych zastosowań dla muzyki, z niewielkim zjednoczeniem między różnymi społeczeństwami. Muzyka była prawdopodobnie szczególnie cenna, gdy brakowało jedzenia i innych podstawowych potrzeb. Jest również prawdopodobne, że kultury prehistoryczne postrzegały muzykę jako nierozerwalnie związaną z naturą i mogły wierzyć, że jej użycie miało bezpośredni wpływ na świat przyrody.

Najwcześniejsze instrumenty znalezione w prehistorycznych Chinach to 12 fletów z kości gudi we współczesnym Jiahu , Wuyang , prowincja Henan z ok. 6000 pne. Jedynymi instrumentami datowanymi na prehistoryczną dynastię Xia ( ok. 2070–1600 ) są dwa qing , dwa małe dzwony (jeden gliniany , jeden z brązu ) i xun . Ze względu na ten skrajny niedobór ocalałych instrumentów i ogólną niepewność otaczającą większość Xia, tworzenie muzycznej narracji z tego okresu jest niepraktyczne. w Subkontynent indyjski , prehistoryczna cywilizacja doliny Indusu ( ok. 2500–2000 pne w stanie dojrzałym) ma archeologiczne dowody wskazujące na użycie prostych grzechotek i fletów naczyniowych , podczas gdy dowody ikonograficzne sugerują, że istniały również wczesne harfy i bębny. Ideogram w późniejszym IVC zawiera najwcześniejsze znane przedstawienie łukowatej harfy , datowane na jakiś czas przed 1800 rokiem pne .

Antyk

Główny artykuł: Muzyka starożytna
Rysunek tabliczki z Hymnem do Nikkal ( ok. 1400 pne), najstarsza z pieśni huryckich

Po pojawieniu się pisma , piśmienne cywilizacje są określane jako część starożytnego świata , periodyzacja, która rozciąga się od pierwszej sumeryjskiej literatury Abu Salabikh (obecnie południowy Irak) z ok. 2600 pne, aż do epoki postklasycznej VI wieku n.e. Chociaż muzyka starożytnych społeczeństw była niezwykle zróżnicowana, niektóre podstawowe koncepcje pojawiają się wyraźnie w praktycznie wszystkich z nich, a mianowicie monofonia , improwizacja oraz dominacja tekstu w oprawie muzycznej. Różne pieśni były obecne w kulturach starożytnych, w tym w Chinach, Egipcie, Grecji, Indiach, Mezopotamii, Rzymie i na Bliskim Wschodzie. Tekst, rytm i melodie tych pieśni były ściśle powiązane, podobnie jak muzyka w ogóle, z magią, nauką i religią. Złożone formy pieśni rozwinęły się w późniejszych społeczeństwach starożytnych, zwłaszcza podczas narodowych świąt Chin, Grecji i Indii. W późniejszych społeczeństwach starożytnych obserwowano również wzmożony handel i przekazywanie pomysłów muzycznych i instrumentów, często prowadzonych przez Jedwabny Szlak . Na przykład klucz do strojenia qin -cytra z IV–V w. p.n.e. Chiny zawierają znaczną ikonografię perską. Ogólnie rzecz biorąc, nie ma wystarczających informacji, aby dokonać wielu innych uogólnień na temat muzyki starożytnej między kulturami.

Kilka rzeczywistych przykładów starożytnej notacji muzycznej, które przetrwały, zwykle istnieje na papirusie lub glinianych tabliczkach . Informacje na temat praktyk muzycznych, gatunków i myśli są dostępne głównie w literaturze, przedstawieniach wizualnych i coraz częściej w miarę upływu okresu, w instrumentach. Najstarszą zachowaną muzyką pisaną są pieśni huryckie z Ugarit w Syrii. Spośród nich najstarszym jest Hymn do Nikkal (hymn nr 6; h. 6), który jest nieco kompletny i datowany na ok. 1400 pne. Jednak epitafium Seikilos jest najwcześniejszą całkowicie kompletną odnotowaną kompozycją muzyczną. Datowane na II wiek n.e. lub później, jest epitafium , być może dla żony nieznanego Seikilosa.

Chiny

Shang i Zhou





Biją w dzwony, krewni , krewni , Grają na se -cytrze, grają na cytrze qin , Organy ustne i dzwonki brzmią razem; Śpiewają Ody Ya i Nan I grają bezbłędnie na swoich fletach.


Shijing , Oda 208, Gu Zhong Przetłumaczone przez Johna S. Majora

Do połowy XIII wieku pne późna dynastia Shang (1600–1046 pne) rozwinęła pismo, które występuje głównie jako inskrypcje wróżbiarskie na rytualnych kościach wyroczni , ale także jako inskrypcje z brązu . Aż 11 znaków pisma wyroczni może w pewnym stopniu odnosić się do muzyki, z których niektóre mogą być ikonograficznymi przedstawieniami samych instrumentów. kamienne dzwony qing były szczególnie popularne wśród klasy rządzącej Shang i chociaż żadne zachowane flety nie zostały datowane na Shang, dowody pisma wyroczni sugerują, że używali ich okaryny ( xun ), flet poprzeczny ( xiao i dizi ), podwójne piszczałki, organy ustne ( sheng ) i być może flet pana ( paixiao ). W związku z pojawieniem się brązu w 2000 r. p.n.e. Shangowie używali tego materiału na dzwony — ling [ zh ] (鈴), nao [ zh ] (鐃) i zhong (鐘) - które można rozróżnić na dwa sposoby: te z klapką lub bez oraz te uderzone od wewnątrz lub od zewnątrz. Bębny, których nie znaleziono sprzed Shang, czasami używano brązu, choć częściej były drewniane ( bangu ). Wspomniane instrumenty dęte z pewnością istniały za czasów dynastii Zhou (1046–256 p.n.e.), podobnie jak pierwsze chińskie instrumenty smyczkowe: qin (lub guqin ) i se cytry . Zhou byli świadkami pojawienia się głównych zespołów dworskich i dobrze znanego grobowca markiza Yi z Zeng (po 433 pne) zawiera różnorodne złożone i zdobione instrumenty. Zdecydowanie najbardziej godnym uwagi instrumentem grobowca jest monumentalny zestaw 65 strojonych dzwonów bianzhong , które obejmują pięć oktaw i wymagają co najmniej pięciu muzyków; nadal można je odtwarzać i zawierają rzadkie napisy na muzyce.

Monumentalny Bianzhong markiza Yi z Zeng , ok. V wiek pne, z Hubei

Starożytne chińskie instrumenty służyły zarówno praktycznym, jak i ceremonialnym środkom. Ludzie używali ich do odwoływania się do nadprzyrodzonych sił w celu przetrwania, podczas gdy flety pana mogły być używane do przyciągania ptaków podczas polowań, a bębny były powszechne podczas składania ofiar i ceremonii wojskowych. Chińska muzyka zawsze była ściśle związana z tańcem, literaturą i sztukami pięknymi; wielu wczesnych myślicieli chińskich również utożsamiało muzykę z właściwą moralnością i zarządzaniem społeczeństwem. Przez cały okres Shang i Zhou muzyka była symbolem władzy na dworze cesarskim, była używana podczas nabożeństw religijnych, a także celebracji przodków i bohaterów. Konfucjusz ( ok. 551–479 ) formalnie określił muzykę związaną z rytuałem i idealną moralnością jako nadrzędną yayue ( 雅 樂 ; „właściwa muzyka”), w przeciwieństwie do suyue ( 俗 樂 ; „muzyka wernakularna / popularna”), która obejmowała praktycznie cała muzyka nieceremonialna, ale szczególnie ta, która została uznana za przesadną lub lubieżną. W okresie Walczących Królestw, za życia Konfucjusza, urzędnicy często ignorowali to rozróżnienie, preferując żywsze suyue . muzyka i wykorzystywanie starszej tradycji yayue wyłącznie do celów politycznych. Konfucjusz i jego uczniowie, tacy jak Mencjusz , uważali tę preferencję za bezwartościową i źle postrzegali ignorancję przywódców co do ganyingu , teorii, która utrzymywała, że ​​muzyka jest nierozerwalnie związana ze wszechświatem. Tak więc wiele aspektów muzyki starożytnych Chin było zgodnych z kosmologią: 12-tonowy shí-èr-lǜ odpowiadał w równym stopniu pewnym wagom i miarom; skala pentatoniczna z pięcioma wuxingami ; oraz ośmiotonowa klasyfikacja Chińskie instrumenty Bayin z ośmioma symbolami Bagua . Nie zachowała się żadna rzeczywista muzyka ani teksty dotyczące praktyk wykonawczych starożytnych chińskich muzyków. Pięć klasyków dynastii Zhou zawiera komentarz muzyczny; Kroniki Chunqiu Wiosny i Jesieni I Ching i zawierają odniesienia, podczas gdy Księga Obrzędów Liji zawiera obszerne omówienie (patrz rozdział Nagranie muzyczne Yue Ji ). Podczas gdy Yue Jing Classic of Music zaginął, Shijing Classic of Poetry zawiera 160 tekstów do zaginionych teraz pieśni z okresu zachodniego Zhou (1045–771).

Qin i Han

Dwóch muzyków ze wschodniej dynastii Han (25–220 n.e.), Muzeum Szanghajskie

Dynastia Qin (221-206 p.n.e.), założona przez Qin Shi Huanga , trwała zaledwie 15 lat, ale rzekome spalenie ksiąg spowodowało znaczną utratę wcześniejszej literatury muzycznej. Qin widzieli, jak guzheng stał się szczególnie popularnym instrumentem; jako bardziej przenośna i głośniejsza cytra spełnia potrzeby rozwijającej się sceny muzyki popularnej. W czasach dynastii Han (202 pne - 220 n.e.) próbowano zrekonstruować muzykę Shang i Zhou, ponieważ była ona teraz „wyidealizowana jako doskonała”. Biuro muzyczne , Yuefu , zostało założone lub u szczytu swojej świetności przez co najmniej 120 p.n.e. pod panowaniem cesarza Wu z dynastii Han i było odpowiedzialne za kolekcjonowanie pieśni ludowych. Cel tego był dwojaki; pozwoliło to Dworowi Cesarskiemu właściwie zrozumieć myśli zwykłych ludzi, a także było okazją dla Dworu Cesarskiego do adaptacji i manipulowania pieśniami do celów propagandowych i politycznych. Zatrudniając muzyków ceremonialnych, zorientowanych na rozrywkę i wojskowych, Biuro występowało również w różnych miejscach, pisało nową muzykę i tworzyło muzykę do poezji zamawianej przez znane osobistości, takie jak Sima Xiangru . Dynastia Han została oficjalnie przyjęta Konfucjanizm jako filozofia państwowa, a teorie ganyingu stały się filozofią dominującą. W praktyce jednak wielu urzędników ignorowało lub bagatelizowało wielki szacunek Konfucjusza dla yayue zamiast suyue , woląc później angażować się w bardziej żywe i nieformalne. Do 7 roku pne Biuro zatrudniało 829 muzyków; w tym roku cesarz Ai albo rozwiązał, albo zredukował departament z powodu ograniczeń finansowych i coraz bardziej widocznego suyue Biura muzyka sprzeczna z konfucjanizmem. Dynastia Han była świadkiem przewagi zagranicznych wpływów muzycznych z Bliskiego Wschodu i Azji Środkowej : wyłaniający się Jedwabny Szlak doprowadził do wymiany instrumentów muzycznych i pozwolił podróżnikom, takim jak Zhang Qian , na przekazywanie nowych gatunków muzycznych i technik. Instrumenty ze wspomnianego przekazu kulturowego obejmują metalowe trąbki i instrumenty podobne do współczesnego oboju i lutni oudowej , która stała się pipą . Popularność innych wcześniej istniejących instrumentów znacznie wzrosła, takich jak qing , piszczałki Pana, a zwłaszcza qin -cytra (lub guqin ), która odtąd była najbardziej szanowanym instrumentem, kojarzonym z dobrym charakterem i moralnością.

Grecja

Główny artykuł: Muzyka starożytnej Grecji

Grecka historia pisana sięga daleko w starożytną Grecję i była główną częścią starożytnego greckiego teatru . W starożytnej Grecji chóry mieszane płci występowały dla rozrywki, świętowania i ze względów duchowych. [ potrzebne źródło ] Instrumenty obejmowały najważniejszy instrument dęty, aulos z podwójnym stroikiem , a także szarpany instrument strunowy , lirę , zwłaszcza specjalny rodzaj zwany kitarą .

Indie

Główny artykuł: Muzyka w starożytnych Indiach

Główne źródła muzyki starożytnych Indii są tekstowe i ikonograficzne; w szczególności przetrwały niektóre traktaty teoretyczne w sanskrycie , w literaturze ogólnej są krótkie wzmianki i istnieje wiele rzeźb przedstawiających muzyków starożytnych Indii i ich instrumenty. Starożytna sanskrycka , palijska i prakrycka często zawiera odniesienia muzyczne, od Wed po dzieła Kalidasa i epos Silappatikaram Ilango Adigala . Mimo to niewiele wiadomo na temat rzeczywistych praktyk muzycznych starożytnych Indii, a dostępne informacje wymuszają nieco jednorodne spojrzenie na muzykę tamtych czasów, mimo że dowody wskazują, że w rzeczywistości była ona znacznie bardziej zróżnicowana.

Traktat o sztuce monumentalnej Natya Shastra jest jednym z najwcześniejszych i głównych źródeł muzyki starożytnych Indii; same fragmenty muzyczne pochodzą prawdopodobnie z okresu Gupta (IV do VI wieku n.e.).

Persji i Mezopotamii

Dalsze informacje: Muzyka Mezopotamii

Aż do okresu Achemenidów

Lira z głową byka z Ur , znaleziona na Cmentarzu Królewskim w Ur , jest najbardziej znaną ze starożytnych lir z Ur

Ogólnie rzecz biorąc, nie jest możliwe stworzenie dokładnego zarysu najwcześniejszej muzyki w Persji ze względu na niedostatek zachowanych zapisów. Potwierdzone przez C. 3300-3100 pne Przedstawienia Elamu , łukowate harfy są pierwszym potwierdzeniem muzyki perskiej, choć jest prawdopodobne, że istniały one na długo przed ich artystycznymi przedstawieniami. Elamickie liry byka z ok. 2450 znaleziono w Suzie , a ponad 40 małych trąb Oxus znaleziono w Baktrii i Margianie , datowanych na ok. 2200–1750 Zespół archeologiczny Bactria-Margiana . Wydaje się, że trąby oxus miały ścisły związek zarówno z religią, jak i zwierzętami; mit zoroastryjski , w którym Jamshid wabi zwierzęta trąbką, sugeruje, że Elamici używali ich do polowań. Pod wieloma względami najwcześniejsze znane kultury muzyczne Iranu są silnie związane z kulturami Mezopotamii. starożytne harfy łukowe ( ok. 3000 ), a niedobór instrumentów sprawia, że ​​​​nie jest jasne, z jakiej kultury pochodzi harfa. W Ur przetrwało znacznie więcej lit byków z Mezopotamii, zwłaszcza lira z głową byka z Ur , chociaż są one niemal identyczne z ich współczesnymi elamickimi odpowiednikami. Z dowodów w płytkach z terakoty wynika, że ​​w II wieku pne łukowata harfa została wyparta przez kanciaste harfy , które istniały w 20-strunowych wariantach pionowych i 9-strunowych poziomych. Lutnie były rzekomo używane w Mezopotamii co najmniej 2300 pne, ale dopiero ok. 1300 p.n.e. pojawiają się w Iranie, gdzie stały się dominującymi instrumentami smyczkowymi zachodniego Iranu , chociaż dostępne dowody sugerują, że jego popularność była poza elitą. Płaskorzeźby naskalne Kul -e Farah pokazują, że w I wieku p.n.e. pojawiły się wyrafinowane perskie zespoły dworskie, w których centralnym instrumentem była łukowata harfa. Wyróżnienie muzyków w tych pewnych płaskorzeźbach sugeruje, że byli niezbędni w ceremoniach religijnych.

Podobnie jak w przypadku wcześniejszych okresów, istnieje bardzo mało współczesnych informacji na temat muzyki imperium Achemenidów (550–330 pne). Większość wiedzy na temat kultury muzycznej Achemenidów pochodzi od greckich historyków. W swoich Dziejach Herodot odnotował , że kapłani Achamenidów nie używali muzyki aulos w swoich ceremoniach, natomiast Ksenofont wspominał swoją wizytę w Persji w Cyropedii , wspominając o obecności wielu śpiewaczek na dworze. Athenaeus wspomina również o śpiewaczkach, zauważając, że 329 z nich zostało zabranych z Król królów Dariusz III przez macedońskiego generała Parmeniona . Późniejsze teksty perskie twierdzą, że minstrele -poeci-muzycy gōsān byli wybitni i mieli znaczny status na dworze.

Okres Partów i Sasanian

Dalsze informacje: muzyka Partów i muzyka Sasanian
Terakotowy posąg partyjskiego lutnisty

Imperium Partów (247 pne do 224 n.e.) odnotowało wzrost tekstowych i ikonograficznych przedstawień działalności muzycznej i instrumentów. Partia rhuta (rogi do picia) z II wieku pne znaleziona w starożytnej stolicy Nysie zawiera jedne z najbardziej żywych przedstawień muzyków z tamtych czasów. Dowody obrazkowe, takie jak z terakoty , przedstawiają harfistki, podczas gdy tablice z Babilonu przedstawiają fujarki , a także smyczki (harfy, lutnie i liry) i instrumenty perkusyjne ( tamburyny i kołatki) ). Brązowe posągi z Dura-Europos przedstawiają większe piszczałki Pana i podwójne aulos. Muzyka była najwyraźniej używana podczas ceremonii i uroczystości; fryz z epoki Partów w Hatrze przedstawia wesele, na którym są muzycy grający na trąbkach, tamburynach i różnych fletach. Inne dowody tekstowe i ikonograficzne wskazują na ciągłe znaczenie gōsān . Jednak, podobnie jak w okresie Achemenidów, greccy pisarze nadal są głównym źródłem informacji o muzyce Partów. Strabon odnotował, że gōsan nauczył się pieśni opowiadających historie o bogach i szlachcicach, podczas gdy Plutarch podobnie zapisuje gōsāna wychwalającego bohaterów Partów i kpiących z rzymskich. Plutarch odnotowuje również, ku swojemu zdumieniu, że rhoptra (duże bębny) były używane przez armię Partów do przygotowań do wojny.

C. 379 n.e. Płaskorzeźba przedstawiająca Sassanidki grające na chang w Taq-e Bostan w Iranie

okres Sasanian (226–651 n.e.) pozostawił wiele dowodów na istnienie muzyki. Ten napływ zapisów Sasanian sugeruje wybitną kulturę muzyczną w Imperium, zwłaszcza na obszarach zdominowanych przez zaratusztrianizm . Wielu Sasanian Shahanshahs było zagorzałymi zwolennikami muzyki, w tym założyciel imperium Ardashir I i Bahram V. Chosrow II ( r. 590-628 ) był najwybitniejszym mecenasem , jego panowanie uważane jest za złoty wiek muzyki perskiej. Muzycy w służbie Khosrowa to Āzādvar-e Changi, Bamshad , harfistka Nagisa (Nakisa), Ramtin, Sarkash i Barbad , który był najbardziej znany. Ci muzycy byli zwykle aktywni jako minstrele , czyli wykonawcy, którzy pracowali zarówno jako nadworni poeci, jak i muzycy; w imperium sasańskim istniało niewielkie rozróżnienie między poezją a muzyką.

Inne kultury arabskie i afrykańskie

Zachodnioafrykańska kultura Nok (dzisiejsza Nigeria) istniała od ok. 500-200 pne i pozostawił znaczną ilość rzeźb. Wśród nich są przedstawienia muzyczne, takie jak mężczyzna, który potrząsa dwoma przedmiotami uważanymi za marakasy . Inna rzeźba przedstawia mężczyznę z otwartymi ustami (prawdopodobnie śpiewającym), a także rzeźbę mężczyzny grającego na bębnie.

Epoka postklasyczna

japońska muzyka gagaku

Główny artykuł: Gagaku

  Cesarski dwór Japonii rozwinął muzykę gagaku (( 雅楽 ); dosł. „muzyka elegancka”), wywodzącą się z cesarskiej akademii muzycznej Gagakuryō , założonej w 701 roku n.e. w okresie Asuka . Chociaż słowo gagaku wywodzi się z chińskiej muzyki yayue , ta ostatnia pierwotnie odnosiła się do konfucjańskiej muzyki rytualnej, podczas gdy gagaku obejmuje wiele gatunków, stylów i instrumentów. We wczesnej historii tradycji trzema głównymi gatunkami były wagaku (rodzima muzyka japońska), sankangaku (muzyka z Trzech Królestw Korei ) i tōgaku (muzyka z chińskiej dynastii Tang ), a także bardziej pomniejsze gatunki, takie jak toragaku , gigaku i rin'yūgaku . Wyjątkowo wśród muzyki azjatyckiej tamtych czasów istnieje wiele zachowanych partytur gagaku od VIII do XI wieku.

Główna zmiana w muzyce gagaku nastąpiła w IX wieku, a mianowicie rozwój rozróżnienia między muzyką tōgaku i komagaku . Tōgaku był stylem inspirowanym Chinami, który łączył się z tradycją rin'yūgaku , określaną jako „muzyka lewicy” ( sahō ). Komagaku było wówczas określane jako „Muzyka prawicy” ( uhō ), obejmująca muzykę inspirowaną zarówno Koreą ( sankangaku ), jak i Balhae ( bokkaigaku) . ). Chociaż ten podział był wyraźny, nie był ścisły, a tōgaku i komagaku przeplatały się i wzajemnie na siebie wpływały. W długim okresie Heian (794–1185) muzyka gagaku była patronem dworu, ponieważ towarzyszyła ona wielu festiwalom i uroczystościom. W tym czasie pojawiło się wiele nowych gatunków, takich jak saibara i rōei . Zespoły Gagaku składają się z szerokiej gamy instrumentów i są największymi tego typu formacjami w tradycyjnej muzyce japońskiej .

Średniowieczna Europa

Osobny artykuł: Muzyka średniowieczna
Zobacz też: Lista kompozytorów średniowiecznych , Lista teoretyków muzyki średniowiecznej i Lista średniowiecznych instrumentów muzycznych
Alleluia nativitas Perotina z Codex Guelf.1099

Współcześni uczeni ogólnie definiują „ muzykę średniowieczną ” jako muzykę Europy Zachodniej w średniowieczu , od około VI do XV wieku. Muzyka była z pewnością ważna we wczesnym średniowieczu , o czym świadczą artystyczne przedstawienia instrumentów, pisma o muzyce i inne zapisy; jednak jedynym repertuarem muzycznym, który przetrwał od 800 roku do dnia dzisiejszego, jest chorał liturgiczny Kościoła rzymskokatolickiego, którego największa część nazywana jest chorałem gregoriańskim . Papież Grzegorz I , który nadał swe imię repertuarowi muzycznemu i być może sam był kompozytorem, jest zwykle uważany za pomysłodawcę części muzycznej liturgii w jej obecnym kształcie, chociaż źródła podające szczegóły jego wkładu pochodzą z ponad stu lat po jego śmierci. Wielu uczonych uważa, że ​​jego reputacja została wyolbrzymiona przez legendy. Większa część repertuaru chorałowego została skomponowana anonimowo w wiekach od czasów Grzegorza do Karola Wielkiego .

W IX wieku miało miejsce kilka ważnych wydarzeń. Po pierwsze, Kościół podjął duży wysiłek w celu ujednolicenia wielu tradycji śpiewów i zniesienia wielu z nich na rzecz liturgii gregoriańskiej. Po drugie, śpiewano najwcześniejszą polifoniczną , formę śpiewu równoległego znaną jako organum . Po trzecie, co ma największe znaczenie dla historii muzyki, notacja została wynaleziona na nowo po upływie około pięciuset lat, chociaż minie jeszcze kilka stuleci, zanim wyewoluuje system zapisu tonacji i rytmu, charakteryzujący się precyzją i elastycznością, które współcześni muzycy uważają za rzecz oczywistą. .

W okresie po 1100 roku rozkwitło kilka szkół polifonii: szkoła organum St. Martial , której muzykę często charakteryzowała szybko poruszająca się część na jednej przedłużonej linii; szkoła Notre Dame , do której należeli kompozytorzy Léonin i Pérotin , i która około 1200 roku wyprodukowała pierwszą muzykę na ponad dwie części; muzyczny tygiel Santiago de Compostela w Galicji , cel pielgrzymek i miejsce, w którym w późnym średniowieczu spotykali się muzycy z wielu tradycji, których muzyka przetrwała w Codex Calixtinus ; oraz szkoła angielska, której muzyka przetrwała w Worcester Fragments i Old Hall Manuscript . Obok tych szkół muzyki sakralnej rozwinęła się prężna tradycja pieśni świeckiej, czego przykładem jest muzyka trubadurów , trouvères i Minnesänger . Wiele z późniejszej świeckiej muzyki wczesnego renesansu wyewoluował z form, idei i estetyki muzycznej trubadurów, dworskich poetów i wędrownych muzyków, których kultura została w dużej mierze wytępiona podczas krucjaty albigensów na początku XIII wieku.

Formy muzyki sakralnej, które rozwinęły się pod koniec XIII wieku, obejmowały motet , dyrygent , dyskant i clausulae . Jednym z niezwykłych wydarzeń był Geisslerlieder , muzyka wędrownych band biczowników w dwóch okresach: w połowie XIII wieku (do czasu ich stłumienia przez Kościół); oraz okres w trakcie i bezpośrednio po Czarnej Śmierci , około 1350 r., kiedy to ich działalność została żywo zapisana i dobrze udokumentowana zapisem nutowym. Ich muzyka łączyła style pieśni ludowych z tekstami pokutnymi lub apokaliptycznymi. Wiek XIV w historii muzyki europejskiej jest zdominowany przez styl ars nova , który umownie zaliczany jest w muzyce do epoki średniowiecza, choć miał wiele wspólnego z ideałami i estetyką wczesnego renesansu . Znaczna część zachowanej muzyki tamtych czasów jest świecka i ma tendencję do wykorzystywania poprawek form : ballady , virelai , lai , rondeau , które odpowiadają formom poetyckim o tych samych nazwach. Większość utworów w tych formach jest na jeden do trzech głosów, prawdopodobnie z akompaniamentem instrumentalnym: do znanych kompozytorów należą Guillaume de Machaut i Francesco Landini .

bizantyjski

Główny artykuł: muzyka bizantyjska
Zobacz także: Lista kompozytorów bizantyjskich

Wybitne i różnorodne praktyki muzyczne były obecne w Cesarstwie Bizantyjskim , które istniało od 395 do 1453 roku. Zarówno muzyka sakralna, jak i świecka były powszechne, przy czym muzyka sakralna była często używana w nabożeństwach kościelnych, a muzyka świecka podczas wielu wydarzeń, w tym ceremonii, dramatów, baletów, bankietów, festiwale i gry sportowe. Jednak pomimo swojej popularności świecka muzyka bizantyjska była ostro krytykowana przez Ojców Kościoła . Kompozytorzy muzyki sakralnej, zwłaszcza hymnów i pieśni, są na ogół dobrze udokumentowani w całej historii muzyki bizantyjskiej. Jednak ci sprzed panowania Justyniana I są praktycznie nieznani; mówi się, że mnisi Anthimos, Auxentios i Timokles napisali troparia , ale przetrwał tylko tekst jednego autorstwa Auxentiosa. Pierwszą główną formą był kontakion , z którego czołowym kompozytorem był Roman Melodysta . Pod koniec VII wieku popularność kanōn wyprzedziła kontakion; Andrzej z Krety stał się jego pierwszym znaczącym kompozytorem i jest tradycyjnie uznawany za twórcę gatunku, chociaż współcześni uczeni wątpią w to przypisanie. Kañon osiągnął swój szczyt dzięki muzyce Jana z Damaszku i Kosmy z Maiuma , a później Teodora ze Stoudios i Teofanesa Napiętnowanego odpowiednio w VIII i IX wieku. Kompozytorzy muzyki świeckiej są znacznie mniej udokumentowani. Dopiero pod koniec historii imperium kompozytorzy znani są z nazwiska, z Joannesem Koukouzelesem , Xenosem Koronesem i Joannesem Glykysem na czele.

Podobnie jak ich zachodni odpowiednicy z tego samego okresu, kompozytorzy bizantyjscy byli przede wszystkim mężczyznami. Kassia jest tu głównym wyjątkiem; była płodną i ważną kompozytorką sticheronowych i jedyną kobietą, której utwory weszły do ​​liturgii bizantyjskiej . Wiadomo, że kilka innych kobiet było kompozytorkami, Thekla, Teodozja, Marta i córka Jana Kladasa (jej imię nie jest zapisane). Tylko ten ostatni ma jakieś zachowane dzieło, jedną antyfonę . Wiadomo, że niektórzy cesarze bizantyjscy byli kompozytorami, np Leon VI Mądry i Konstantyn VII .

Okresy nowożytne i nowożytne

Indyjska muzyka klasyczna

Główny artykuł: indyjska muzyka klasyczna
Dalsze informacje: muzyka klasyczna hindustani i muzyka klasyczna karnatycka
Zobacz także: Lista kompozytorów karnatycznych

W starożytności i średniowieczu muzyka klasyczna subkontynentu indyjskiego była w dużej mierze ujednoliconą praktyką. W XIV wieku zawirowania społeczno-polityczne zapoczątkowane przez Sułtanat Delhi zaczęły izolować północne i południowe Indie, aw każdym regionie zaczęły pojawiać się niezależne tradycje. Do XVI wieku ukształtowały się dwa odrębne style: klasyczna muzyka Hindustan z Północy i klasyczna muzyka karnatycka Południa. Jedną z głównych różnic między nimi jest to, że żyła północnego Hindustanu była pod znacznym wpływem perskich i arabskich praktyk muzycznych tamtych czasów. Muzyka karnatyczna jest w dużej mierze dewocyjna; większość pieśni skierowana jest do bóstw hinduskich.

Indyjska muzyka klasyczna (marga) jest monofoniczna i oparta na jednej linii melodycznej lub ragach rytmicznie zorganizowanych poprzez talas .

Zachodnia muzyka klasyczna

Główny artykuł: zachodnia muzyka klasyczna

renesans

Główny artykuł: muzyka renesansu
Zobacz także: Lista kompozytorów renesansu
Guillaume Du Fay (po lewej), z Gillesem Binchois (po prawej) w c. 1440 Iluminowana kopia rękopisu Le champion des dames Martina le Franc

Początek renesansu w muzyce nie jest tak wyraźnie zaznaczony jak początek renesansu w innych sztukach i w przeciwieństwie do innych sztuk nie rozpoczął się on we Włoszech, ale w północnej Europie, a konkretnie na obszarze obejmującym obecnie środkową i północnej Francji , Holandii i Belgii . Styl burgundzkich , jak nazywa się pierwsze pokolenie szkoły francusko-flamandzkiej , był początkowo reakcją na nadmierną złożoność i manieryzm późnego XIV wieku ars subtilior i zawierał wyraźną, dającą się zaśpiewać melodię i zrównoważoną polifonię we wszystkich głosach. Najbardziej znanymi kompozytorami szkoły burgundzkiej połowy XV wieku są Guillaume Dufay , Gilles Binchois i Antoine Busnois .

W połowie XV wieku kompozytorzy i śpiewacy z Niderlandów i terenów przyległych zaczęli rozprzestrzeniać się po Europie, zwłaszcza we Włoszech, gdzie zatrudniani byli przez papieską kaplicę i arystokratycznych mecenasów sztuki (takich jak Medyceusze , Este i rodziny Sforzów ). Nieśli ze sobą swój styl: gładką polifonię, którą można było odpowiednio dostosować do użytku sakralnego lub świeckiego. W tamtych czasach głównymi formami sakralnej kompozycji muzycznej były msza , motet i laude ; formy świeckie obejmowały pieśń , frottolę , a później madrygał .

Wynalazek druku wywarł ogromny wpływ na rozpowszechnienie stylów muzycznych i wraz z ruchem muzyków francusko-flamandzkich przyczynił się do ustanowienia pierwszego prawdziwie międzynarodowego stylu w muzyce europejskiej od czasu zjednoczenia chorału gregoriańskiego pod rządami Karola Wielkiego. [ potrzebne źródło ] Do kompozytorów średniego pokolenia szkoły francusko-flamandzkiej należeli Johannes Ockeghem , który pisał muzykę w kontrapunktycznie złożonym stylu, o zróżnicowanej fakturze i wyszukanym wykorzystaniu środków kanonicznych ; Jakub Obrecht , jeden z najsłynniejszych kompozytorów mszalnych ostatnich dziesięcioleci XV wieku; oraz Josquin des Prez , prawdopodobnie najsłynniejszy kompozytor w Europie przed Palestriną , który w XVI wieku był znany jako jeden z największych artystów w każdej postaci. Muzyka w pokoleniu po Josquin eksplorowała rosnącą złożoność kontrapunktu ; prawdopodobnie najbardziej ekstremalna ekspresja występuje w muzyce Nicolasa Gomberta , którego kontrapunktowa złożoność wpłynęła na wczesną muzykę instrumentalną, taką jak canzona i ricercar , ostatecznie zakończone barokowymi formami fugalnymi .

W połowie XVI wieku styl międzynarodowy zaczął się załamywać i ujawniło się kilka bardzo zróżnicowanych trendów stylistycznych: tendencja do prostoty w muzyce sakralnej, kierowana przez kontrreformacyjny sobór trydencki, czego przykładem jest muzyka Giovanniego Pierluigi da Palestrina ; tendencja do złożoności i chromatyki madrygału, która osiągnęła swój skrajny wyraz w awangardowym stylu szkoły Luzzaschiego z Ferrary i madrygalisty końca wieku Carlo Gesualdo ; oraz wspaniała, dźwięczna muzyka szkoły weneckiej , która wykorzystała architekturę Bazyliki San Marco di Venezia do stworzenia antyfonalnych kontrastów. Muzyka szkoły weneckiej obejmowała rozwój orkiestracji , ozdobnych partii instrumentalnych i partii basu continuo , z których wszystkie miały miejsce na przestrzeni kilku dekad około 1600 roku. Znani kompozytorzy weneccy to Gabrielis, Andrea i Giovanni , a także Claudio Monteverdiego , jednego z najważniejszych innowatorów końca epoki.

Nuty do części Missa Papae Marcelli Giovanniego Pierluigiego da Palestriny

Pod koniec wieku większość części Europy miała aktywne i dobrze zróżnicowane tradycje muzyczne. W Anglii kompozytorzy tacy jak Thomas Tallis i William Byrd pisali muzykę sakralną w stylu podobnym do tego pisanego na kontynencie, podczas gdy aktywna grupa rodzimych madrygalistów dostosowała formę włoską do angielskich gustów: do znanych kompozytorów należeli Thomas Morley , John Wilbye i Thomasa Weelkesa . Hiszpania opracowała własne style instrumentalne i wokalne, z Tomásem Luisem de Victoria pisząc wyrafinowaną muzykę podobną do Palestriny i wielu innych kompozytorów piszących na nową gitarę. Niemcy kultywowali formy polifoniczne zbudowane na chorałach protestanckich, które jako podstawę muzyki sakralnej zastąpiły rzymskokatolicki chorał gregoriański, a także zaimportowali styl szkoły weneckiej (której pojawienie się wyznaczyło tam początek epoki baroku). Ponadto niemieccy kompozytorzy napisali ogromne ilości organowej , tworząc podstawę dla późniejszego barokowego stylu organowego, którego kulminacją była twórczość JS Bacha . Francja rozwinęła unikalny styl dykcji muzycznej znany jako musique mesurée , używana w świeckich pieśniach, z kompozytorami takimi jak Guillaume Costeley i Claude Le Jeune, wybitnymi w tym ruchu.

Jeden z najbardziej rewolucyjnych ruchów epoki miał miejsce we Florencji w latach 70 . muzyka starożytnych Greków. Najważniejszymi z nich byli Vincenzo Galilei , ojciec astronoma, i Giulio Caccini . Owocem ich pracy był deklamacyjny melodyjny styl śpiewu znany jako monodia i odpowiadająca mu inscenizowana forma dramatyczna: forma znana dziś jako opera . Pierwsze opery, napisane około 1600 roku, wyznaczają również koniec renesansu i początek epoki baroku.

Muzyka przed 1600 rokiem była modalna , a nie tonalna . Kilka teoretycznych zmian pod koniec XVI wieku, takich jak pisma Gioseffo Zarlino i Franchinus Gaffurius na temat skal na temat trybów , doprowadziło bezpośrednio do rozwoju tonacji powszechnej praktyki. Gamy dur i moll zaczęły dominować nad starymi modusami kościelnymi , cecha ta była początkowo najbardziej widoczna w punktach kadencji kompozycji, ale stopniowo stała się wszechobecna. Muzykę po 1600 roku, poczynając od muzyki tonalnej epoki baroku, określa się często jako należącą do wspólny okres praktyki .

Barokowy

Osobny artykuł: Muzyka baroku
Zobacz też: Lista kompozytorów barokowych
Toccata i fuga d-moll BWV 565 JS Bacha
Wykonywane przez Ashtara Moirę
Masz problemy z odtwarzaniem tego pliku? Zobacz pomoc dotyczącą multimediów .

Epoka baroku trwała od 1600 do 1750 roku, kiedy barokowy styl artystyczny rozkwitał w całej Europie, aw tym czasie muzyka rozszerzyła swój zakres i złożoność. Muzyka barokowa zaczęła się, gdy powstały pierwsze opery (dramatyczna solowa muzyka wokalna z towarzyszeniem orkiestry). W epoce baroku polifoniczna muzyka kontrapunktyczna , w której stosowano wiele niezależnych linii melodycznych jednocześnie (kontrapunkt był ważny w muzyce wokalnej średniowiecza). [ wymagane wyjaśnienie ] Niemieccy, włoscy, francuscy, holenderscy, polscy, hiszpańscy, portugalscy i angielscy kompozytorzy baroku pisali na małe zespoły , w tym smyczki , instrumenty dęte blaszane i drewniane , a także na chóry i instrumenty klawiszowe, takie jak organy piszczałkowe , klawesyn i klawikord . W tym okresie zdefiniowano kilka głównych form muzycznych, które przetrwały do ​​późniejszych okresów, kiedy zostały rozszerzone i dalej ewoluowały, w tym fuga , wynalazek , sonata i koncert. Styl późnego baroku był złożony polifonicznie i bogato zdobiony. Do ważnych kompozytorów epoki baroku należą: Johann Sebastian Bach , Arcangelo Corelli , François Couperin , Girolamo Frescobaldi , George Frideric Handel , Jean-Baptiste Lully , Jean-Philippe Rameau , Claudio Monteverdi , Georg Philipp Telemann i Antonio Vivaldi .

Klasyczny

Główny artykuł: okres klasyczny (muzyka)
Zobacz także: Lista kompozytorów epoki klasycznej
Główni kompozytorzy epoki klasycyzmu i okresu przejściowego do romantyzmu , zbiorczo określani mianem pierwszej szkoły wiedeńskiej . Zgodnie z ruchem wskazówek zegara, od góry po lewej: Joseph Haydn ( Hardy , 1791); Wolfganga Amadeusza Mozarta ( della Croce , 1781); Ludwig van Beethoven ( Stieler , 1820); i Franza Schuberta ( Rieder , 1875).

Muzykę klasycyzmu charakteryzuje faktura homofoniczna , czyli oczywista melodia z akompaniamentem . Te nowe melodie były zwykle prawie podobne do głosu i nadające się do śpiewania, co pozwalało kompozytorom faktycznie zastąpić śpiewaków jako centrum muzyki. Muzyka instrumentalna szybko wyparła więc operę i inne formy śpiewane (takie jak oratorium ) jako ulubieniec muzycznej publiczności i uosobienie świetnej kompozycji. Jednak opera nie zniknęła: w okresie klasycznym kilku kompozytorów zaczęło produkować opery dla szerokiej publiczności w swoich językach ojczystych (poprzednie opery były na ogół w języku włoskim).

Wraz ze stopniowym przechodzeniem głosu na rzecz mocniejszych, wyraźniejszych melodii, kontrapunkt stawał się też zazwyczaj ozdobnym zawijasem, często stosowanym pod koniec utworu lub dla pojedynczej części . Zamiast tego zastosowano proste schematy, takie jak arpeggio i, w muzyce fortepianowej, bas Alberti (akompaniament z powtarzającym się wzorem typowym dla lewej ręki), aby ożywić ruch utworu bez tworzenia mylącego dodatkowego głosu. W popularnej obecnie muzyce instrumentalnej dominowało kilka dobrze zdefiniowanych form: sonata , symfonia i koncert , chociaż żaden z nich nie był wówczas szczegółowo zdefiniowany ani nauczany, tak jak jest to obecnie w teorii muzyki . Wszystkie trzy wywodzą się z formy sonatowej , która jest zarówno formą nadrzędną całego utworu, jak i strukturą pojedynczej części. Forma sonatowa dojrzewała w epoce klasycznej, by stać się podstawową formą kompozycji instrumentalnych w XIX wieku.

Wczesny okres klasyczny został zapoczątkowany przez Szkołę Mannheim , do której należeli tacy kompozytorzy jak Johann Stamitz , Franz Xaver Richter , Carl Stamitz i Christian Cannabich . Wywarł głęboki wpływ na Josepha Haydna , a za jego pośrednictwem na całą późniejszą muzykę europejską. Wolfgang Amadeus Mozart był centralną postacią okresu klasycznego, a jego fenomenalna i różnorodna twórczość we wszystkich gatunkach definiuje nasze postrzeganie tego okresu. Ludwiga van Beethovena i Franza Schuberta byli kompozytorami przejściowymi, prowadzącymi do epoki romantyzmu, wraz z ekspansją istniejących gatunków, form, a nawet funkcji muzyki.

Romantyczny

Główny artykuł: Muzyka romantyczna
Zobacz też: Lista kompozytorów romantycznych

W okresie romantyzmu muzyka stała się bardziej ekspresyjna i emocjonalna, rozszerzając się na literaturę, sztukę i filozofię. Znani kompozytorzy wczesnego romantyzmu to Schumann , Chopin , Mendelssohn , Bellini , Donizetti i Berlioz . Pod koniec XIX wieku nastąpił dramatyczny wzrost liczebności orkiestry i roli koncertów w społeczeństwie miejskim . Znani kompozytorzy drugiej połowy wieku to Johann Strauss II , Brahms , Liszta , Czajkowskiego , Verdiego i Wagnera . W latach 1890-1910 trzecia fala kompozytorów, w tym Grieg , Dvořák , Mahler , Richard Strauss , Puccini i Sibelius , opierała się na twórczości kompozytorów średniego romantyzmu, tworząc jeszcze bardziej złożone – i często znacznie dłuższe – dzieła muzyczne. Znakiem rozpoznawczym muzyki końca XIX wieku jest jej nacjonalistyczny zapał, którego przykładem są takie postaci jak Dvořák, Sibelius czy Grieg. Inne wybitne postacie końca wieku to m.in Saint-Saënsa , Fauré , Rachmaninowa , Francka , Debussy'ego i Rimskiego-Korsakowa .

XX i XXI wiek

Główny artykuł: muzyka XX wieku
Dalsze informacje: XX-wieczna muzyka klasyczna , modernizm (muzyka) , współczesna muzyka klasyczna i muzyka popularna
Zobacz także: Lista kompozytorów modernistycznych , Lista kompozytorów postmodernistycznych , Lista kompozytorów klasycznych XX wieku i Lista kompozytorów klasycznych XXI wieku

W XX wieku nastąpiła rewolucja w słuchaniu muzyki, ponieważ radio zyskało popularność na całym świecie, a nowe media i technologie zostały opracowane do nagrywania, edycji i dystrybucji muzyki. Występy muzyczne stawały się coraz bardziej wizualne wraz z transmisją i nagrywaniem występów.

Muzyka XX wieku przyniosła nową swobodę i szerokie eksperymentowanie z nowymi stylami i formami muzycznymi, które rzucały wyzwanie przyjętym regułom muzyki z wcześniejszych okresów. [ potrzebne źródło ] Wynalezienie wzmacniacza muzycznego i instrumentów elektronicznych , zwłaszcza syntezatora, w połowie XX wieku zrewolucjonizowało muzykę klasyczną i popularną oraz przyspieszyło rozwój nowych form muzycznych.

Jeśli chodzi o muzykę klasyczną, bieg stulecia wyznaczyły dwie podstawowe szkoły: szkoła Arnolda Schönberga i szkoła Igora Strawińskiego . Jednak inni kompozytorzy również mieli znaczący wpływ. Na przykład: Béla Bartók , Anton Webern , Dmitri Shostakovich , Olivier Messiaen , John Cage , Benjamin Britten , Karlheinz Stockhausen , Sofia Gubaidulina , Krzysztof Penderecki , Brian Ferneyhough , Kaija Saariaho .

Wiek XX przyniósł bezprecedensowe rozpowszechnienie muzyki popularnej , czyli muzyki o szerokim zasięgu. Termin ten ma swoje korzenie w muzyce amerykańskiej Tin Pan Alley , grupy wybitnych muzyków i wydawców, którzy zaczęli pojawiać się w latach osiemdziesiątych XIX wieku w Nowym Jorku. Chociaż muzyka popularna jest czasami nazywana „muzyką pop”, terminy te nie zawsze są zamienne. Muzyka popularna odnosi się do różnych gatunków muzycznych, które odpowiadają gustom dużej części populacji, podczas gdy muzyka pop zwykle odnosi się do określonego gatunku w ramach muzyki popularnej. Popularne piosenki i utwory muzyczne zazwyczaj są łatwe do zaśpiewania melodie . Struktura piosenki w muzyce popularnej zwykle obejmuje powtarzanie sekcji, przy czym zwrotka i refren lub refren powtarzają się w całym utworze, a przejście zapewnia kontrastową i przejściową sekcję w utworze.

Notatki

Źródła

Książki i rozdziały

Artykuły z czasopism i encyklopedii

Linki zewnętrzne


Zasoby biblioteczne dotyczące historii muzyki
Pobrane z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=History_of_music&oldid=1140814539 ”