Grega Draslera


Grega Draslera
Urodzić się 1952 (70-71 lat)
Waukegan, Illinois , USA
Narodowość amerykański
Edukacja Uniwersytet illinois w Urbana-Champaign
Znany z Obraz
Współmałżonek Nancy Davidson
Nagrody Guggenheim Fellowship , Pollock-Krasner Foundation , National Endowment for the Arts , New York Foundation for the Arts
Strona internetowa Grega Draslera
Greg Drasler, On the Lam , olej na płótnie w dwóch panelach, 70" x 160", 2011.

Greg Drasler jest amerykańskim artystą znanym z metaforycznych obrazów, które łączą w sobie obrazy i dekoracje w języku narodowym oraz zagadki wizualne i interpretacyjne. Jego prace badają konstruowanie tożsamości i pamięci poprzez malowane tematy, od misternie skonstruowanych wnętrz, przez symboliczne przedmioty powszechne, po wzorzyste panoramy amerykańskiej autostrady. Chociaż prace Draslera są reprezentatywne, wymykają się zdefiniowanym kategoriom estetycznym, takim jak realizm , zawierający elementy surrealizmu , abstrakcji , postmodernistycznego bricolage'u i rekontekstualizacji. Na początku Art in America , Robert G. Edelman, napisał, że Drasler „wspólnie z Magritte'em potrafi tworzyć obrazy, które są zarówno przekonujące, jak i głęboko dezorientujące”; Jonathan Goodman opisał swoje późniejsze obrazy jako enigmatyczne łamigłówki, nad którymi należy medytować, zarówno jako „wizualne metafory siebie”, jak i formalne stwierdzenia istniejące ze względu na psychologiczną tajemnicę. Drasler otrzymał stypendium Guggenheima oraz stypendia Fundacji Pollock-Krasner , National Endowment for the Arts i New York Foundation for the Arts . Jego prace były pokazywane w New Museum , PS1 , Whitney Museum Stamford, Artists Space i Carnegie Museum of Art , a także recenzowane lub prezentowane w Art in America , Flash Art , New Art Examiner , The Paris Review i The New York Times . Drasler mieszka w Tribeca w Nowym Jorku ze swoją żoną, artystką Nancy Davidson , i wykłada w Pratt Institute .

Wczesne życie i kariera

Drasler urodził się w Waukegan w stanie Illinois w 1952 roku. W latach 60. wywarł na niego wpływ widok obejmującego pokój F-111 Jamesa Rosenquista , a także prace HC Westermann i Chicago Imagists , takich jak Jim Nutt i Roger Brown , i studiował sztuki na Uniwersytecie Illinois w Urbana-Champaign . W 1978 roku pożar zniszczył cały jego dobytek i dzieła sztuki w różnych mediach, z wyjątkiem dwóch obrazów; potem poświęcił się malarstwu jako medium. Po uzyskaniu tytułu BFA (1980) zapisał się do szkolnego programu Year in Japan, co zwiększyło zainteresowanie związkiem między miejscem a tożsamością i zachęciło go do przyszłego wykorzystania obrazów w języku narodowym.

w 1983 roku, po ukończeniu studiów magisterskich, Drasler przeniósł się do Nowego Jorku i zaczął wystawiać profesjonalnie. W swojej pierwszej dekadzie pojawił się na dwóch wystawach, których kuratorką była Marcia Tucker w New Museum (inauguracyjna „On View”, 1983; „Other Man: Alternative Views of Masculinity”, 1987), a także na wystawach zbiorowych w Galerii Berggruen (San Francisco), Jack Tilton and Artists Space (Nowy Jork), Carnegie Museum of Art i Knoxville Museum of Art . Wczesne wystawy indywidualne miały miejsce w galeriach RC Erpf (1985–7) i Shea & Beker (1990) w Nowym Jorku oraz Marianne Deson (1988) i Centre for Contemporary Art (1990) w Chicago.

W kolejnych latach Drasler miał wystawy indywidualne w Nowym Jorku ( Queens Museum of Art , 1994; Betty Cuningham Gallery, 2007–16), Bostonie, Kalifornii, Chicago i Seattle; występował między innymi na wystawach zbiorowych w New Museum, PS1, Whitney Museum Stamford i Weatherspoon Art Museum . Drasler jest członkiem wydziału Sztuk Pięknych w Pratt Institute od 2005 roku, a wcześniej wykładał na Montclair State University , Princeton University , Hofstra University i Williams College .

Greg Drasler, Odbiór bagażu , olej na płótnie, 80" x 70", 1990.

Praca i odbiór

Obrazy Draslera eksplorują liminalne przestrzenie i progi między miejscami lub stanami bytu (wewnątrz i na zewnątrz, tu i tam, publiczne i prywatne, rzeczywiste i wyobrażone, przedmiot i środowisko); należą do nich walizki, sypialnie, wnętrza samochodów, amerykańska autostrada i zajazd oraz plany filmowe. Stosuje strategie bricolage, recyklingu i przemieszczania, wypełniając swoje obrazy znakami, symbolami, metaforami, wzorami i projektami, wizualnymi łamigłówkami i grami słownymi. Elementy te przekazują humor, nostalgię i poczucie niesamowitości w badaniu siebie i jego związku z przestrzenią osobistą, lokalizacją i lokalną kulturą.

Obrazy figuratywne i „Bagażowe” (1983–1990)

Wczesne prace Draslera koncentrowały się na obrazach budowniczych domów i majsterkowiczów, które funkcjonowały jako alegoria samodzielnego budowania. Po przeprowadzce do Nowego Jorku zaczął malować przedmioty, które służyły jako zastępy ludzi i samotne postacie, często z nieoczekiwanymi rekwizytami, w opuszczonych krajobrazach. Recenzenci opisali ich jako unoszących się między wspomnieniem a snem, zauważając w pracach figuratywnych, takich jak Headlights (1986), Laocoön (1987) czy Mercury Rising (1990), poczucie izolacji i wizualnej zarozumiałości, które czasami nawiązywały do ​​cudów lub mitologii.

Jego „Obrazy bagażowe” (1987–90) przedstawiają pluszowy sprzęt z epoki w pozornie przypadkowych, ale starannie skomponowanych stanach - ułożonych w stos ( Samson i Delilah ), przeszukanych ( Cła ), zgrupowanych ( Deposed lub Baggage Claim ) - które sugerują alegorie tożsamości, luksusu i prywatności, bawiąc się konwencjami literatury i reprezentacji, takimi jak martwa natura , pejzaż i minimalizm . Krytycy, tacy jak Robert Berlind, opisują je jako skrupulatnie szczegółowe, z „wirtuozowskimi, płynnymi pędzlami” podkreślającymi grę odbitego światła i koloru oraz zabawnym stylem, który wprawia widzów w „radosne współudział”, często osłabiane przez ciemniejsze elementy. W Samsonite (1990) — szeroko otwartej, pustej walizce z wyściółką z tkaniny przypominającą pogniecione prześcieradła, sugerującej prywatny, seksualny element — Drasler zasygnalizował swoje przejście w ciągu następnych dwóch dekad do wnętrz jako miejsc eksploracji podmiotowości.

Greg Drasler, Przebieralnia , olej na płótnie, 80" x 70", 1994.

Wnętrza (1990–2010)

Prace Draslera „Cave Painting” przedstawiają misternie skonstruowane, ozdobne wnętrza, które służą jako metafory wewnętrznej konstrukcji jaźni i relacji człowieka z osobistą, domową przestrzenią. Łączą jego zainteresowania współczesną teorią psychoanalityczną i projektowaniem domów – architekturą, ornamentami, tapetami i tkaninami – z teatralnymi, przypominającymi plan filmowy scenami charakteryzującymi się ludzką nieobecnością, wizualnymi zagadkami i zaciemnianiem trompe-l'oeil . Pod względem formalnym krytycy zwracają uwagę na techniczną łatwość dzieła, iluzjonistyczną perspektywę oraz efektowne połączenie okresów i motywów, odnotowując nawiązania do Vuillarda , XVIII-wieczne idealizacje natury i barok ; pod względem psychologicznym sugerują, że przyciąga widzów w sposób podglądający, poprzez senną, nieco niepokojącą obecność i ukradkowe znaki, które sugerują ślady pozostawione w opuszczonych pokojach lub pilnie strzeżonych tajemnicach.

Drasler stworzył enigmatyczne, podobne do Magritte'a formalne i psychologiczne łamigłówki w obrazach takich jak Przebieralnia (1994), którego surrealistyczne trompe-l'œil drapowane prześcieradła, lustrzane odbicia i malowany pejzaż kamuflują zarówno architekturę, jak i cel. Robert G. Edelman sugeruje, że te obrazy powoli ujawniają „krzywe i złowieszcze tajemnice”, takie jak Las Meninas Velázqueza czy place De Chirico , które podobnie opierają się rozdzielczości. W innych obrazach, takich jak Niespokojna sypialnia (1992), Drasler przekazuje bardziej ożywionego ducha za pomocą otaczających pokosów tkanin lub motywów natury, które zacierają granice między organicznymi i stworzonymi przez człowieka, wewnątrz i na zewnątrz oraz figurą i podłożem. Wprowadził także zawieszone pospolite przedmioty (poduszka pomidorowa w Green Room , 1995; połączone wieszaki w Mobile , 2001) i symboliczne wzory tapet do swoich prac (błękitny ptak i klatka dla ptaków, ul oraz kula i łańcuch w Faktach z życia , 1995), które nawiązywać do psychoseksualnych dramatów do rozwikłania.

Greg Drasler, Salon tatuażu , instalacja, Grand Central Art Center, California State University Fullerton, Santa Ana w Kalifornii, 2005.

W swojej serii „Salon tatuażu” Drasler kontynuował eksplorację wzorów tapet (na płótnie i jako środowisko instalacyjne), używając znanej ikonografii i odtwarzając ideę odcisku, jaki miejsca pozostawiają na swoich mieszkańcach. Jego „Tapeta Jezusa” składała się z prostych, luźno oddanych ikonicznych obrazów Jezusa, które pojawiły się jako tło w serii obrazów pokojowych (1995–197) przedstawiających różne wiszące przedmioty (kable rozruchowe w Jumping Jesus , portfel w Profit , ołówek w 2B Jezus ). „Salon tatuażu” został w pełni zrealizowany - z obrazami zawieszonymi na ręcznie malowanych ścianach z motywem tapety Jezusa - podczas jego rezydencji w Fundacji Djerassi (1996) oraz w instalacjach w PS1 (pokaz grupowy „Get Busy”, 1997) i Kalifornii State University at Fullerton (wystawa indywidualna, 2005). Drasler wykorzystał również wzór w swoich „Materiach kapeluszy” (1988–2012), zbliżając się do abstrakcji na płótnach wypełnionych od krawędzi do krawędzi morzami anonimowych mężczyzn w subtelnie cieniowanych fedorach, z twarzami odwróconymi lub ukrytymi pod czapkami.

Wycieczka drogowa i prace związane z samochodami (2006–)

W 2000 roku badania Draslera nad przestrzeniami wewnętrznymi i liminalnymi rozszerzyły się o hollywoodzki iluzjonizm, wnętrza samochodów i amerykańską wycieczkę samochodową . Zwiedzanie dawnego Metro-Goldwyn-Mayer Studios zwróciło jego uwagę na wycięte rekwizyty samochodowe używane do filmowania, które, jak zauważył, istnieją zarówno jako przestrzeń wewnętrzna, jak i zewnętrzna oraz jako okna na świat. Wykorzystał je w wizualnie enigmatycznych obrazach, takich jak Green Screen (2006), Road Trip (2006) i Internal Combustion (2010), osadzonych na tle lub zielonych ekranach ; tła, reprezentujące potencjał niewyczerpanych, nie do ustalenia lokalizacji, rozbudowane metafory dotyczące wolności i możliwości wyobraźni oferowanych przez samochód.

W programie „On the Lam” (2011) Drasler badał wnętrza samochodów jako miejsca niezależności, odosobnienia, fantazji i kinowego pokazu doświadczeń. Ramy obrazkowe (w tym przedstawione szyby przednie) prac takich jak On the Lam wypełnił przedmiotami, dekoracyjnymi wzorami rdzennych Amerykanów ( Rain Dance ) oraz odniesieniami do podróży Americana . Recenzenci opisali te obrazy jako hałaśliwe dzieła wizualnego dowcipu i wzruszenia, nostalgiczne wspomnienia podróży międzystanowych z lat 50., stare ręcznie kolorowane pocztówki i plakaty koncertowe z lat 60. oraz fantastyczne, niewytłumaczalne asamblaże, które jednocześnie przywołują elementy twórczości Roger Brown , ruch Pattern and Decoration oraz Philip Pearlstein .

Drasler wykorzystał stypendium Guggenheima z 2014 r. do jazdy przełajowej, zbierając pomysły, które pojawiły się w jego pracach „Road Trip”. Czerpał inspirację z rozległych widoków wielkiego nieba Środkowego Zachodu i rodzimej architektury amerykańskiego zajazdu . Zrekonfigurował te inspiracje na płótnie z szalonymi wzorami kołdry, sugerującymi zarówno rozległy zasięg krajobrazu, jak i jego podział na własności dokonany przez człowieka. Kluczowym dziełem był sześciopanelowy, 400-calowy Stratocaster Suite (2016), która została wyświetlona w wąskim pomieszczeniu tak, aby rozwijała się dla widzów w czasie jak krajobraz z wycieczki lub sekwencja poklatkowa Muybridge'a .

Projekty współpracy

Alegoryczne obrazy Draslera z wiszącymi przedmiotami z lat 90. były pod wpływem koncepcji znanego nieprzemyślanego psychologa Christophera Bollasa ; napisał esej „Painting into a Corner: Representation as Shelter” do książki The Vitality of Objects: Exploring the Work of Christopher Bollas (2002), pod redakcją Josepha Scalii. Współpracował z poetą Timothym Liu przy książce Politeogamia (2009), składający się z przeplatanych obrazów obrazów Draslera z poezją Liu. Od 2011 roku wyprodukował serię wywiadów wideo z Nancy Davidson, dokumentujących życie i twórczość artystów, w tym Dona Dudleya , Judith Linhares , Thomasa Kovachevicha i Matta Freedmana, które pojawiają się na stronie internetowej Romanov Grave.

Nagrody i zbiórki publiczne

Drasler został nagrodzony stypendium Guggenheima (2014), stypendium Helen L. Bing (1996) oraz stypendystą Pollock-Krasner Foundation (2019), National Endowment for the Arts (1993) i New York Foundation for the Arts ( 1991), m.in. Otrzymał również rezydencje artystyczne z Djerassi (1996) i MacDowell Colony (1986). Jego prace należą do kilku publicznych kolekcji sztuki, w tym New Museum, Krannert Art Museum , Fisher Landau Center , University of Illinois at Urbana-Champaign oraz Dow Jones & Company .

Linki zewnętrzne

Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Greg_Drasler&oldid=1121038801 ”