Chicagowscy imagiści

Chicago Imagists to grupa artystów reprezentatywnych związanych ze School of the Art Institute of Chicago, którzy wystawiali w Hyde Park Art Center pod koniec lat 60.

Ich twórczość znana była z groteski, surrealizmu i całkowitej obojętności na światowe trendy w sztuce Nowego Jorku . Krytyk Ken Johnson odniósł się do Chicago Imagism jako „powojennej tradycji tworzenia sztuki opartej na fantazji”. Starszy Chicago , Christine Newman, powiedziała: „Nawet z Beatlesami i wojną w Wietnamie na czele, artyści szli własną drogą, wyznaczając swój czas, swoje miejsce i swoją pracę jako niezapomniane wydarzenie w historii sztuki”.

Imagiści mieli niezwykle wysoki odsetek artystek. Istnieją trzy odrębne grupy, które poza Chicago są bezkrytycznie łączone razem jako Imagists: The Monster Roster , The Hairy Who i The Chicago Imagists.

Lista potworów

Monster Roster to grupa artystów z Chicago, z których kilku służyło podczas II wojny światowej i mogło chodzić do szkoły artystycznej dzięki ustawie GI Bill . Swoją nazwę nadał im w 1959 roku krytyk i członek Monster Roster, Franz Schulze. Nazwa została oparta na ich egzystencjalnej, czasem makabrycznej, na wpół mistycznej figuratywnej pracy. Opiekunem wielu z nich była Vera Berdich , wpływowa surrealistyczna grafik, która wykładała w School of the Art Institute of Chicago . Grupa została doceniona na dużej wystawie w Smart Museum of Art na Uniwersytecie w Chicago , która badała jej historię i wpływ na rozwój sztuki amerykańskiej. Lista potworów obejmowała:

Włochaty Kto

„Ani ruch, ani styl, Hairy Who było po prostu imieniem, które wybrało sześciu artystów z Chicago , kiedy postanowili połączyć siły i wspólnie wystawiać w połowie lat sześćdziesiątych”.

The Hairy Who była „grupą” składającą się z sześciu absolwentów School of the Art Institute , których mentorami byli Ray Yoshida i Whitney Halstead : Jim Falconer, Art Green , Gladys Nilsson , Jim Nutt , Karl Wirsum i Suellen Rocca . Wypracowali żywe i wulgarne podejście do tworzenia sztuki – i po zaledwie sześciu wspólnych wystawach: trzech w Hyde Park Art Center (w latach 66, 67 i 68) i trzech poza miastem, w Instytucie Sztuki w San Francisco ('68), School of Visual Art w Nowym Jorku ('69) i Corcoran Gallery of Art w DC ('69), postanowili się rozstać i kontynuować pracę nad własnymi indywidualnymi praktykami i/lub inne grupy.

W 1964 roku Jim Nutt , Gladys Nilsson i Jim Falconer zwrócili się do dyrektora wystawy Hyde Park Art Center , Dona Bauma (kluczowa postać sukcesu Hairy Who), z pomysłem wystawy grupowej składającej się z nich trzech, a Art Green i Suellen Rocca . Baum zgodził się, a także zasugerował, aby włączyli do nich Karla Wirsum . Sześciu artystów zorganizowało wystawy w Hyde Park Art Center w latach 1966, 1967 i 1968. Wystawy nazwali „Hairy Who?” ale nigdy nie zamierzali organizować się razem jako zjednoczona grupa.

Obrazy Hairy Who były nie tylko inspirowane kulturą komercyjną (reklamy, komiksy, plakaty i katalogi sprzedaży) spotykaną na ulicach Chicago, ale podobnie jak wielu Amerykanów tamtych czasów, ich prace powstały w momencie radykalnego konfliktu, wojny w Wietnam , protesty studentów, kontrkultura, burzliwe stosunki płciowe i rasowe oraz szybki rozwój kapitalistycznej gospodarki konsumpcyjnej. Obrazy, rysunki i rzeźby Hairy Who przenikają niezwykle kwaśne kolory zarysowane grubymi czarnymi konturami, jazzujące i psychodeliczne wzory z młodzieńczym poczuciem humoru. W całym spektrum poszczególnych stylów nie sposób było nie wyróżnić poszczególnych artystów, choć wzajemnie się uzupełniają. Łączy ich dominacja figuracji oraz traktowanie ludzkiej twarzy i formy, często ocierające się o groteskę lub kreskówkowy.

Ich poczucie humoru obejmowało dziwactwo i spontaniczność z grą słów, kalamburami i wewnętrznymi dowcipami, które często przeczyły transgresywności ich tematu. Niejednoznaczne, prowokacyjne, ale także strategiczne, ich prace przekazywały postępowe idee, które rzucały wyzwanie dominującym pojęciom płci i seksualności, obyczajom społecznym i standardom piękna oraz nostalgii i starości. Nowojorski galerzysta Derek Eller, który reprezentuje Wirsum od 2010 roku, mówi, że Wirsum prawie nie był wcześniej obecny w mieście: jego poczucie jest takie, że „Imagists zawsze nie byli zsynchronizowani z nowojorskim gustem i stylem”. W latach sześćdziesiątych i siedemdziesiątych oznaczało to surowo redukcjonistyczne formy minimalizmu lub konceptualizmu; Kiedy figuracja weszła do głównego nurtu Nowego Jorku, poprzez pop, stało się to przez pośredniczący filtr współczesnych środków masowego przekazu.

Z kolei The Hairy Who przyglądali się rozmaitym formom narracyjnym i wernakularnym, takim jak kreskówki, tatuaże, sztuka outsiderów (w tym rysunki samouka Josepha Yoakuma, który pracował w Chicago), a także obrazy i rękopisy Quattrocento, malarstwo północnego renesansu i tradycyjna sztuka Afryki, Oceanii i Ameryk prekolumbijskich. W swoim szerokim zasięgu geograficznym i historycznym dystansowali się od artystycznej awangardy (i jej zwolenników), która miała tendencję do skupiania się na swoim współczesnym momencie społecznym i artystycznym.

Podczas pierwszej wystawy współpracowali przy zniewalającym plakacie przedstawiającym mocno wytatuowane plecy mężczyzny, każdy tatuaż zaprojektowany przez innego członka grupy. Wspólny komiks The Portable Hairy Who! , powstał w miejsce katalogu i sprzedawany był na wystawie po 50 centów za egzemplarz. Natychmiast zaowocowało to drugą wystawą w następnym roku, a kolejną w 1968. Pierwsza wystawa została entuzjastycznie zrecenzowana (z ilustracjami!) ambicje artystów, aby ich prace trafiały do ​​szerszej publiczności. W rezultacie w 1968 roku Philip Linhares, kurator San Francisco Art Institute, zaproponował im pierwszą wystawę poza Chicago. W następnym roku Walter Hopps, który założył Ferus Gallery w Los Angeles i był wówczas kuratorem Corcoran Gallery of Art w Waszyngtonie, zaprosił ich do zorganizowania wystawy.

Nazewnictwo wystawy zostało wyjaśnione w wywiadzie przeprowadzonym przez Dana Nadela z artystą Jimem Nuttem :

MoMA było kilka wystaw … zatytułowanych „Szesnastu Amerykanów” lub „Trzynastu Amerykanów”… Wszyscy z nas byliśmy zdeterminowani, by nie naśladować takiego uprzejmego luz, ale nie mieliśmy pojęcia, co by zadziałało. Podczas naszego pierwszego spotkania w celu omówienia programu do niczego nie doszliśmy z tym problemem. Był to również nasz pierwszy kontakt z Karlem osobiście od nasza piątka. Gdy frustracja narastała z powodu nierozwiązania dylematu, dyskusja w grupie rozpadła się na mniejsze części, kiedy usłyszał, jak Karl mówi żałośnie: „Harry kto? Kim jest ten facet?” W tym momencie niektórzy z nas histerycznie nie mogli uwierzyć, że nie wiedział o Harrym Bourasie, wyjątkowo zadufanym w sobie artyście, który był krytykiem sztuki w WFMT, kulturalnej stacji FM w Chicago . to bardzo zabawne, w tym Karl, i kiedy przekomarzaliśmy się na temat wariantów sytuacji, zdaliśmy sobie sprawę z potencjału tego imienia, zwłaszcza jeśli zmieniliśmy Harry'ego na Włochatego.

„Niemniej jednak należy dokonać ważnego rozróżnienia między The Chicago Imagist a Hairy Who”, mówi Thea Liberty Nichols, badaczka druków i rysunków w AIC, która współorganizowała „Hairy Who? 1966-1969” wraz z Markiem Pascale, kurator ds. grafik i rysunków oraz Ann Goldstein, wicedyrektor i przewodnicząca oraz kurator ds. sztuki nowoczesnej i współczesnej . „The Hairy Who była zaprojektowaną przez artystę grupą wystawową nazwaną przez artystę, podczas gdy Chicago Imagism było etykietą stosowaną do całej grupy artystów przez zewnętrznego krytyka” – mówi Nichols.

Hairy Who obejmował:

Chicagowscy Imagiści

Imagiści nie byli formalną grupą, ale raczej opisem artystów zaangażowanych w wystawy, których kuratorem był Baum w połowie lat 60. i na początku lat 70. Kilku innych artystów, w tym Roger Brown , Ed Paschke , Barbara Rossi i Philip Hanson, jest często błędnie kojarzonych z wystawami Hairy Who, podczas gdy w rzeczywistości pokazywali oni w Hyde Park Art Center w latach 1968-1971 w kilku innych pokazach, takich jak „ Non-Plussed Some”, „Fałszywy obraz”, „Chicago Antigua” i „Małżeństwo w stylu Chicago”. Oprócz Hairy Who byli wśród nich:

W 1969 roku Muzeum Sztuki Współczesnej w Chicago wystawiło wielu Imagistów, w tym Yoshidę, w wystawie zatytułowanej „Don Baum mówi„ Chicago potrzebuje znanych artystów ””. Właścicielka galerii, Phyllis Kind, dała Jimowi Nuttowi i Gladys Nilsson swoje pierwsze indywidualne wystawy w 1970 roku, a Roger Brown swoją pierwszą taką wystawę w 1971 roku.

Rozróżnienie między chicagowskim imagizmem a nowojorskim pop-artem

Prywatny marszand z Chicago, Karen Lennox, powiedziała: „The Hairy Who czerpał z surrealizmu, Art Brut i komiksów. Pop-art czerpał ze świata reklam komercyjnych i popularnych ilustracji. Jeden był bardzo osobisty, drugi antyosobowy”.

Inni artyści

Poza Chicago każdy artysta z Chicago, którego prace są figuratywne i dziwaczne, jest często nazywany imagistą. Artyści z Chicago, którzy malują dziwne i figuratywne dzieła, ale nie są imagistami, to:

W rzeczywistości imagizm jako styl lub szkoła jest na tyle elastyczny, że abstrakcjoniści z Chicago pracujący w stylu organicznym lub pod wpływem surrealizmu w okresie rozkwitu imagizmu, tacy jak David Sharpe , Steven Urry i Jordan Davies, zostali opisani jako „abstrakcyjni imagiści. "

Dziedzictwo

Dziedzictwo The Chicago Imagists jest szczególnie eksplorowane w filmie Pentimenti Production, Hairy Who and the Chicago Imagists, wyreżyserowanym przez chicagowskiego filmowca Lesliego Buchbindera .

Zobacz też

Linki zewnętrzne

Pobrane z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Chicago_Imagists&oldid=1039896298 ”