Nancy Davidson (artysta)

Nancy Davidson
"Buttress", 1997,180" x 53" x 33", Latex and fabric.jpg
Buttress , lateks, lina i plastik, 180" x 53" x 333", 1997.
Urodzić się
Nancy Brachmann

( 03.11.1943 ) 3 listopada 1943
Chicago, Illinois , Stany Zjednoczone
Narodowość amerykański
Edukacja School of the Art Institute of Chicago , University of Illinois w Chicago
Znany z Rzeźba, fotografia, wideo
Ruch współczesna , feministyczna
Współmałżonek Grega Draslera
Nagrody Guggenheim , Pollock-Krasner , Anonymous Was a Woman Award , National Endowment for the Arts , Creative Capital
Strona internetowa Nancy Davidson

Nancy Davidson to amerykańska artystka najbardziej znana z wielkoformatowych nadmuchiwanych rzeźb, uważanych za hipersfeminizowane abstrakcje ludzkiej kobiecej postaci. Bulwiaste i mięsiste rzeźby przypominają pośladki i piersi, a ich kształt i dekoracja wykorzystują erotyczne oznaczenia kulturowe. Prace Davidsona obejmują media artystyczne, ale koncentrują się wokół rzeźby. Ma ona w dużej mierze postminimalistyczny charakter i jest opisywana przez komentatorów jako feministyczny kontrapunkt dla zdominowanej przez mężczyzn, minimalistycznej rzeźby z lat 60., a także kulturowych tropów związanych z ciałami, do których odwołują się prace. Na szczególną uwagę zasługuje użycie przez Davidsona humoru i poczucia absurdu, aby pozornie zarówno celebrować, jak i obalać te tropy, zapraszając ich do zbadania, ale bez powagi i moralizmu, które często towarzyszą pracom krytycznym. Sculpture Magazine Robert Raczka napisał, że „Cukierniczy kolor i duża skala” rzeźby Davidsona tworzą „żartobliwie optymistyczny nastrój, który pozwala kwestiom feministycznym i płciowym wypływać na powierzchnię w nieregularnych odstępach czasu, bez dydaktyzmu”. Egzaminator nowej sztuki Susan Canning opisała to jako ustanowienie „kontekstu, w którym wszyscy mogą upajać się transgresywną i wyzwalającą mocą groteski”.

Prace Davidsona były również omawiane między innymi w New York Times , Artforum , Art in America i Der Spiegel , a także wyróżnione stypendium Guggenheim Fellowship , grantami Pollock-Krasner i Creative Capital , a także nagrodą Anonymous Was a Woman Award , między innymi . Mieszka i pracuje w Nowym Jorku.

życie i kariera

Urodzona i wychowana w Chicago, Davidson od najmłodszych lat zajmowała się sztuką, obserwując, jak jej ojciec maluje pejzaże, a później uczęszczała na zajęcia w Chicago's Junior Art Institute. Po uzyskaniu tytułu licencjata w dziedzinie edukacji w 1965 roku i rozpoczęciu równoczesnej kariery pedagogicznej przez całe życie, studiowała sztukę na University of Illinois w Chicago oraz School of the Art Institute of Chicago , zdobywając odpowiednio BFA i MFA. W 1975 roku rozpoczęła swoją profesjonalną karierę artystyczną w Chicago, produkując obrazy i rysunki na kilka wystaw zbiorowych i indywidualnych, zanim przeniosła się do Nowego Jorku w 1979 roku . Walker Art Center w Minneapolis, zostały pozytywnie ocenione przez Artforum i Art in America . Po przeprowadzce do Nowego Jorku zaczęła wykorzystywać tekstylia w swoich pracach i stale pokazywała w latach 80. – na wystawach zbiorowych w MCA i Albright-Knox Art Gallery oraz na wystawach indywidualnych, głównie w Marianne Deson Gallery w Chicago.

Na początku lat 90. twórczość Davidson przesunęła się w stronę rzeźby i zaczęła tworzyć duże wystawy balonów, z których jest najbardziej znana. Po tej zmianie jej prace zostały wybrane do wystaw zbiorowych w Whitney Museum , Aldrich Museum of Contemporary Art i Corcoran Gallery of Art , a także pojawiły się na wystawach indywidualnych w Institute of Contemporary Art w Filadelfii (1999) i Contemporary Arts Center (2001) w Cincinnati, między innymi; wystąpiła także w znanej feministycznej wystawie „Bad Girls West” (1994). W tym okresie Davidson zajął się innymi mediami, w tym wideo i fotografią. Przez następne dwie dekady miała solowe pokazy w Galeria Roberta Millera (2001), Galeria Betty Cuningham (2012), Muzeum Sztuki Boca Raton (2013) i Muzeum Sztuki Krannert (2020–1).

Równolegle ze swoją zawodową karierą artystyczną, Davidson wykładała w wielu instytucjach, w tym na University of Illinois Urbana-Champaign , Williams College i State University of New York w Purchase College, gdzie ukończyła 24-letnią kadencję.

Nancy Davidson, Lulu (1 z 3), lateks i tkanina, 48" x 24" x 24", 1993.

Praca

Przez pierwsze dwie dekady Davidson zajmowała się głównie malarstwem, rysunkiem frotażu i tekstyliami. Na początku lat 90. zaczęła eksperymentować z lateksowymi balonami pogodowymi, a do 1993 zaczęła pokazywać sfeminizowane, antropomorficzne rzeźby, z których stała się znana. Jej wystawy są tradycyjne w tym sensie, że zawierają dyskretne prace, ale często pokazuje je w obrazach lub jako część immersyjnego środowiska, na wzór sztuki instalacyjnej .

Mówi się, że rzeźba Davidsona czerpie z prac rzeźbiarzy Donalda Judda i Evy Hesse , a ona wymieniła ich jako inspirację, wraz z postaciami literackimi Michaiłem Bachtinem i Jeanette Winterson . Jej twórczość została również nazwana „Rabelaisowską”, na cześć francuskiego pisarza François Rabelais , którego pisma wprowadzały krytykę społeczną poprzez satyryczne wykorzystanie sprośnego humoru i groteski .

Tematyka i użyte materiały - wraz z rozmiarem i minimalistycznym charakterem dzieł - skłoniły komentatorów do opisania prac Davidsona jako wyraźnie feministycznej odpowiedzi na męską, minimalistyczną rzeźbę z lat 60. Podczas gdy rzeźby Davidsona odzwierciedlają te prace w skali i poziomie abstrakcji, ich miękka giętkość, lekkość i żywiołowa kobiecość ostro kontrastują ze sztywnymi i ciężkimi, trzeźwymi pracami odlewanymi ze stali i betonu przez poprzedników artysty. Davidson potwierdziła celowość tego kontrastu w wywiadach, stwierdzając, że zaprojektowała jedną ze swoich największych prac, Double Exposure (2003), jako kobiecy kontrapunkt dla gigantycznej rzeźby „X” artysty Ronalda Bladena ( The X , 1965), która w 1967 roku zajmowała tę samą przestrzeń atrium w Corcoran Gallery of Art, dla której zamówiono dzieło Davidsona. Krytycy dostrzegają również wywrotowy etos feministyczny w sposobie, w jaki sztuka Davidsona wykorzystuje kulturowe tropy obejmujące ciała i pożądanie, zauważając, że wszelkie wywroty są osiągane subtelnie. Sztuka w Ameryce” s Travis Diehl napisał, że „dzieła [Davidsona] są lekkie i zabawne, a także autentycznie erotyczne, co sprawia, że ​​nasze zaangażowanie w nie jest bardziej empiryczne niż intelektualne. Jej przebiegłe uwodzenie pokazuje, że jesteśmy zarówno uprzedmiotawiającymi, jak i uprzedmiotowionymi, oświetlając nasze role zarówno jako wspólników i ofiary”.

Jaskrawo kolorowe, duże i noszące odniesienia do ikon popkultury, takich jak Elvis Presley i Mae West , rzeźby wydają się celebrować przesadne formy wyidealizowanych kulturowo ciał, jednocześnie podważając siły, które za nimi stoją. David Frankel z Artforum napisał: „jest pewna wesołość, a nawet radość w ich komicznie zaokrąglonych wybrzuszeniach i bruzdach, w ich kolorach i wyszukanym gorsecie”, zauważając dalej, że praca Davidsona „bada role narzucone kobietom w teatrze męskich oczekiwań jednocześnie pozwalając kobietom na działanie w tym teatrze bez ograniczeń - w efekcie przejmując kontrolę nad sztuką ”. Humor, ograniczenia i przekraczanie ograniczeń są częstymi tematami jej sztuki, a artystka wymieniła ten ostatni element – ​​który nazywa „niesforą” – jako kluczową inspirację dla jej prac.

Wczesne rzeźby balonowe

Prace Davidson obejmują wiele dyscyplin artystycznych, ale najbardziej znana jest z dużych, nadmuchiwanych abstrakcyjnych rzeźb, które erotycznie nawiązują do kobiecej postaci ludzkiej. Wykonane z lateksowych balonów pogodowych, prace mają bulwiasty, mięsisty wygląd i są postrzegane jako hiper-sfeminizowane abstrakcje erogennych części ciała – wizualna interpretacja wzmocniona przez użycie przez Davidsona ażurowej koronki, liny i innych kulturowo erotycznych tekstyliów do ozdabiania, uciskania i uformuj mocno napompowane formy. Jedna z wczesnych konfiguracji obejmowała zwężenie pojedynczych balonów za pomocą gorsetu i zawierała rozwidlone wybrzuszenia zarówno na górze, jak iu dołu, naśladujące krzywizny pośladków i piersi. Ten projekt zaowocował kilkoma pracami, a artysta - podobnie jak krytycy - zaczął nazywać zbiorczo gorsetowane dzieła „lulus”, po triadzie z 1993 roku o tej nazwie. Inne elementy typu lulu obejmują Maebe (1994) i Blue Moon (1998), które odnoszą się odpowiednio do Mae West i Elvisa Presleya. Blue Moon (1998) znalazł się na wystawie grupowej „Sculpture-Figure-Woman” (Landesgalerie, 1998), która powstała w Linz w Austrii i udała się do Chemnitz w Niemczech; utwór został następnie zaprezentowany w Der Spiegel .

Stajnia Davidsona z pracami ubranymi w bieliznę obejmuje również podobną do jajka Netellę ( 1998), a także Buttress (1998) i Dulcinea (1999) - dwie przypominające filary rzeźby stosów o wysokości ponad piętnastu stóp. Podobnie jak w przypadku Lulu , Davidson ponownie odwiedził Buttress , ponownie wznawiając go z podobnym, ale wyrazistym, jasnozielonym Stacked w 2016 roku . Hang 'Em High (1999) miał prawie dwadzieścia stóp kwadratowych i zawierał ustawione obok siebie czerwone kule osłonięte siatką i zawieszone na lina, która również wiązała kawałek pionowo pośrodku.

W okresie lateksu pojawił się również powracający, dosłowny motyw „spojrzenia” w rzeźbie Davidsona, za pomocą kulistych form, które jawnie nawiązują do ludzkiego oka. W jej pracy Carnivaleyes z lat 1998–1999 dwanaście owiniętych tkaniną par oczu tworzy ścianę, a ich spojrzenia są skośne. W 2001 roku stworzyła instalację o wymiarach dwanaście na piętnaście stóp kwadratowych w Centrum Sztuki Współczesnej, która zawierała kopiec kreskówkowych par oczu z wciągającym elementem dźwiękowym. W swoim artykule z 2017 r., Eyeenvy , 14-metrowa gałka oczna patrzy z góry na widzów ze szczytu czworonożnej platformy.

Nancy Davidson, Dustup , nylon powlekany winylem, lina, skóra, dmuchawy, worki z piaskiem i trociny, 240” x 240” x 192”, 2012.

Późniejsza rzeźba

Na początku XXI wieku Davidson zaczął używać nylonu powlekanego winylem jako podstawowego materiału rzeźbiarskiego. Galeria Corcoran zleciła Davidsonowi w 2002 roku stworzenie pracy na 47. Biennale, a ona wyprodukowała Double Exposure , nylonową pracę o wymiarach 34 na 20 stóp kwadratowych, która wypełniła jedną stronę atrium muzeum. Nawiązując do jej lateksowej pracy Hang 'Em High , instalacja zawierała antropomorficzną czerwoną podwójną kulę, widoczną zarówno z góry, jak iz dołu, zawieszoną od środka na grubej niebieskiej linie.

W 2005 r. Grant Creative Capital Artist Grant sfinansował badania nad nowym zakresem prac — eksploracją archetypu kowbojki. Wyniki były prezentowane na jej indywidualnych wystawach „Dustup” (2012) i „Let 'er Buck” (2013), a także obejmowały gigantyczne nylonowe pontony wraz z innymi rodzajami prac. Utwór Dustup (2012) oparty jest według Davidsona na klasyczno-komicznej konwencji przedstawiania potyczek jako „kulek kurzu” i ma formę trzech bulwiastych, odzianych w buty i chwosty postaci w kolorach różowym, żółtym i niebieskim, zawieszonych wokół centralny punkt, „nogi do góry”. Utwór Let'er Buck (2013) pozuje różową postać z Dustup pojedynczo, w pozycji stojącej.

W latach 2016-2018 Davidson miał wiele wystaw indywidualnych - w tym „Ridin 'High” (2016) i „Per Sway” (2017–208), z których obie przedstawiały nowe żyły pracy. Jeden z głównych tematów dotyczył związku przywilejów z punktem obserwacyjnym i miał gałki oczne i węzły o różnym charakterze zamontowane na platformach o różnej wysokości.

Nancy Davidson, Hive , tkanina, LED, dmuchawy, okablowanie elektroniczne, tkanina, komputer, 222” x 144” x 144”, 2020, Muzeum Sztuki Krannert.

W 2020 roku Davidson współpracował z Lakshmi Ramgopal przy tworzeniu wystawy „Hive” w Muzeum Sztuki Krannert, całorocznej, wciągającej instalacji obejmującej rzeźbę, dźwięk i światło. Dwie wysokie na osiemnaście stóp rzeźby Davidsona wypełniają przeszklone wejście do Kinkead Pavilion Krannert, podczas gdy pejzaż dźwiękowy stworzony przez Ramgopala przedstawia abstrakcyjne wokalizacje oddechu, w tym wdechy, westchnienia i pomruki. Davidson's Hive są miękkie, różowe i zaokrąglone, kontrastując z twardymi, kanciastymi cechami postmodernizmu - stylowy pawilon. Podwójne rzeźby są wewnętrznie oświetlone i migają według zaprogramowanego wzoru. Hive wywodzi się z mniejszego, podobnego dzieła Davidsona – Bigarurre – które znalazło się na solowym pokazie artysty „Per Sway” w latach 2017–2018.

Fotografia i wideo

Oprócz rzeźby Davidson tworzy również prace fotograficzne i wideo, z których wiele wykorzystuje jej rzeźby i materiały artystyczne jako tematy.

W swojej indywidualnej wystawie „nobutsaboutit” (1998, 1999) Davidson pokazała wiele serii obrazów, które stworzyła ze zdjęć dwóch jej rzeźb: Musette (1994) i Spin Too! (1995). Obrazy przedstawiają szczegóły rzeźb i odzwierciedlają je wzdłuż linii środkowej, aby uzyskać symetryczny efekt, który - zgodnie z trójwymiarowymi pracami Davidsona - nawiązuje do rozszczepionych krzywizn pośladków i piersi. Ze względu na zbliżenie, przycięty charakter scen, nieożywione pochodzenie obrazów jest nieco zamaskowane, pozostawiając widzom przekonanie, że może to być człowiek. Feministyczne podteksty serii zostały zauważone przez recenzentów, w tym Krytyk New York Timesa , Ken Johnson , który napisał: „Konstruując takie obrazy zamiast fotografować prawdziwe kobiety, pani Davidson chce zastanowić się nad konstruowaniem kobiet jako obiektów pożądania przez media i robi to w pracach, które są, jak ikony przywołują, od Mae West po Marilyn Monroe , uwodzicielską i przebiegłą ironię”.

W 1999 roku Davidson wystawiła swoją pierwszą pracę wideo, Breathless (1999), jako część wciągających mediów na pokaz swoich prac w Instytucie Sztuki Współczesnej w Filadelfii. Uchwycił różowy balon pogodowy w procesie opróżniania, podskakujący po pokoju, przeplatany scenami nadmuchiwania balonu i nakładanymi dźwiękami balonu. W 2009 roku jej badania nad rodeo dla projektu kowbojki doprowadziły do ​​powstania All Stories Are True , pięciominutowy film w zwolnionym tempie przedstawiający mężczyzn wykonujących rodeo. Na wideo nałożono ulepszenia, w tym wizualny i dźwiękowy efekt lampy błyskowej aparatu oraz zwolnioną muzykę. Wyprodukowała także 7-minutowe wideo z Gotham Girls Roller Derby, zatytułowane I Am Not Tame (2016), przeznaczone do odtwarzania w pętli w instalacji wideo.

Uznanie publiczne

Davidson została wyróżniona stypendium Guggenheima (2014), nagrodą Anonymous Was a Woman Award (1997) oraz stypendiami Fundacji Pollack-Krasner (2001, 2015), Creative Capital (2005), Massachusetts Council of the Arts (1981, 1984) ) i National Endowment for the Arts (1979). Otrzymała rezydencje artystyczne od Yaddo , MacDowell i Djerassi .

Komentatorzy zauważyli również, że prace Davidsona z lat 90. przecinają się - i wydaje się, że zapowiadały - kulturowe zmiany w obrazie ciała i pożądaniu, które stały się powszechne w 2010 roku. Podczas MTV Video Music Awards 2019 występ piosenkarki Lizzo zawierał rekwizyt - dużą nadmuchiwaną rzeźbę pośladków - która przypominała pracę Davidsona. Inni dokonywali porównań między rzeźbami Davidsona a biuściastym wizerunkiem ciała spopularyzowanym przez gwiazdy mediów, takie jak Kim Kardashian .

Linki zewnętrzne

Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Nancy_Davidson_(artist)&oldid=1131640604 ”