Kobiety artystki

Bridget Riley , Bolt of Colour , 2017–2019 Chinati Foundation , Marfa, Teksas
Część serii o
kobietach w społeczeństwie
Venus symbol
Społeczeństwo
Kultura popularna
Sporty
Zobacz też: Lista sportów
Według kraju

Nieobecność kobiet w kanonie sztuki zachodniej jest przedmiotem dociekań i przemyśleń od wczesnych lat siedemdziesiątych. Wpływowy esej Lindy Nochlin z 1971 r. „ Dlaczego nie było wielkich artystek? ” badał społeczne i instytucjonalne bariery, które w historii uniemożliwiały większości kobiet wejście do zawodów artystycznych, skłonił nowe skupienie się na artystkach , ich sztuce i doświadczeniach oraz wniósł inspirację do feministycznego ruchu artystycznego . Chociaż kobiety-artystki były zaangażowane w tworzenie sztuki na przestrzeni dziejów, ich praca, w porównaniu z pracą ich męskich odpowiedników, była często zaciemniana, pomijana i niedoceniana. The Zachodni kanon historycznie cenił pracę mężczyzn nad pracą kobiet i przywiązywał stereotypy związane z płcią do niektórych mediów, takich jak tekstylia lub sztuki włókiennicze , aby były kojarzone przede wszystkim z kobietami.

Kobiety-artystki stoją przed wyzwaniem braku dostępu do edukacji artystycznej, profesjonalnych sieci i możliwości wystawienniczych. Począwszy od późnych lat 60. i 70. feministyczne artystki i historyczki sztuki zaangażowane w ruch sztuki feministycznej zajmowały się rolą kobiet, zwłaszcza w zachodnim świecie sztuki, tym, jak światowa sztuka jest postrzegana, oceniana lub przywłaszczana ze względu na płeć.

Era prehistoryczna

Malowidła naskalne Gwion Gwion znalezione w północno-zachodnim regionie Kimberley w Zachodniej Australii

Nie ma żadnych wzmianek o tym, kim byli artyści z epok prehistorycznych, ale badania wielu wczesnych etnografów i antropologów kultury wskazują, że kobiety często były głównymi rzemieślnikami w kulturach neolitu , w których tworzyły ceramikę , tekstylia, kosze, malowane powierzchnie i biżuterię . Współpraca przy dużych projektach była powszechna, jeśli nie typowa. Ekstrapolacja na dzieła sztuki i umiejętności epoki paleolitu sugeruje, że kultury te podążały za podobnymi wzorami. Jaskiniowe malowidła z tej epoki często mają odciski ludzkich dłoni, z których 75% można zidentyfikować jako kobiece.

Sztuka ceramiczna

Istnieje długa historia sztuki ceramicznej w prawie wszystkich rozwiniętych kulturach, a często przedmioty ceramiczne są artystycznymi dowodami pozostałymi po kulturach zaginionych, takich jak kultura Nok w Afryce ponad 3000 lat temu. Kultury szczególnie znane z ceramiki obejmują chińską , kreteńską , grecką , perską , Majów , japońską i koreańską , a także współczesne kultury zachodnie. Istnieją dowody na to, że ceramika została wynaleziona niezależnie w kilku regionach świata, w tym w Azji Wschodniej, Afryce Subsaharyjskiej, na Bliskim Wschodzie iw obu Amerykach. Nie wiadomo, kim byli rzemieślnicy.

Starożytna epoka historyczna

Tradycyjne wyplatanie koszy w Rwandzie i Burundi
Igiseke, tradycyjny pleciony kosz wykonany przez kobiety z regionu Rift Valley

kontynent afrykański

Geometryczna sztuka Imigongo pochodzi z Rwandy w Afryce Wschodniej i jest związana z wielowiekowym świętym statusem krowy. Wyewoluował z mieszania krowiego łajna z popiołem i gliną oraz stosowania naturalnych barwników. Paleta jest ograniczona do odważnego koloru ziemi. Sztuka jest tradycyjnie kojarzona z artystkami, podobnie jak wyszukana sztuka tkania koszy na tym obszarze, z własnymi regularnymi fryzami.

Indie

„Przez około trzy tysiące lat kobiety – i tylko kobiety – z Mithili malowały nabożne obrazy bogów i bogiń hinduskiego panteonu. Nie będzie więc przesadą stwierdzenie, że ta sztuka jest wyrazem najbardziej autentyczny aspekt cywilizacji indyjskiej”.

Klasyczna Europa i Bliski Wschód

Najwcześniejsze wzmianki o kulturach zachodnich rzadko wspominają o konkretnych osobach, chociaż kobiety są przedstawiane w całej sztuce, a niektóre są pokazywane jako pracujące jako artystki. Starożytne odniesienia Homera , Cycerona i Wergiliusza wspominają o wybitnej roli kobiet w tekstyliach, poezji, muzyce i innych działaniach kulturalnych, bez omawiania poszczególnych artystów. Wśród najwcześniejszych europejskich zapisów historycznych dotyczących poszczególnych artystów znajduje się Pliniusz Starszy , który pisał o wielu greckich kobietach, które były malarzami, w tym o Helenie z Egiptu , córka Tymona Egipcjanina, Niektórzy współcześni krytycy uważają, że Aleksander Mosaic mógł nie być dziełem Filoksenosa , ale Heleny Egipcjanki. Jedna z nielicznych nazwanych malarek, które mogły pracować w starożytnej Grecji, podobno stworzyła obraz bitwy pod Issos, który wisiał w Świątyni Pokoju za czasów Wespazjana . Inne kobiety to Timarete , Eirene , Kalypso, Aristarete, Iaia i Olympias. Podczas gdy tylko niektóre z ich prac przetrwały, w ceramice starożytnej Grecji w kolekcji Torno w Mediolanie znajduje się hydria caputi . Przypisuje się go leningradzkiemu malarzowi z ok. 460-450 p.n.e. i przedstawia kobiety pracujące u boku mężczyzn w warsztacie, w którym obie malowały wazony.

Europa

Średniowiecze

Artyści z okresu średniowiecza to Claricia , Diemudus , Ende , Guda , Herrade z Landsberg i Hildegarda z Bingen . We wczesnym średniowieczu kobiety często pracowały obok mężczyzn. Iluminacje rękopisów, hafty i rzeźbione kapitele z tego okresu wyraźnie pokazują przykłady kobiet pracujących w tych sztukach. Z dokumentów wynika, że ​​byli także piwowarami, rzeźnikami, handlarzami wełną i żelazem. Artyści tamtego okresu, w tym kobiety, pochodzili z niewielkiej podgrupy społeczeństwa, której status pozwalał im uwolnić się od tych bardziej uciążliwych rodzajów pracy. Artystki często należały do ​​​​dwóch klas piśmiennych, albo zamożnych arystokratek, albo zakonnic. Kobiety należące do tej pierwszej kategorii często tworzyły hafty i tkaniny; te z późniejszej kategorii często tworzyły iluminacje.

W tamtym czasie w Anglii istniało wiele warsztatów hafciarskich, zwłaszcza w Canterbury i Winchester; Hafty Opus Anglicanum , czyli angielskie, były już znane w całej Europie – XIII-wieczny inwentarz papieski liczył ponad dwieście sztuk. Przypuszcza się, że niemal w całości odpowiedzialne za tę produkcję były kobiety.

Tkanina z Bayeux

Główny artykuł: Tkanina z Bayeux

Jednym z najbardziej znanych haftów (to nie jest gobelin) okresu średniowiecza jest gobelin z Bayeux , który był haftowany wełną na dziewięciu lnianych panelach i ma 230 stóp długości. To c. siedemdziesiąt scen opowiada o bitwie pod Hastings i podboju Anglii przez Normanów . Tkanina z Bayeux mogła zostać stworzona w warsztacie handlowym przez królewską lub arystokratyczną damę i jej orszak lub w warsztacie w klasztorze. Sylvette Lemagnen, konserwatorka gobelinu, w swojej książce La Tapisserie de Bayeux z 2005 roku stwierdza:

Gobelin z Bayeux jest jednym z najwyższych osiągnięć normandzkiego stylu romańskiego … Jego przetrwanie prawie nienaruszone przez dziewięć stuleci jest prawie cudowne… Jego wyjątkowa długość, harmonia i świeżość kolorów, wykwintne wykonanie i geniusz jego ducha przewodniego składa się na to, że jest nieskończenie fascynujący.

Wysokie średniowiecze

W XIV wieku udokumentowany jest warsztat królewski z siedzibą w Tower of London i mogły istnieć inne wcześniejsze ustalenia. Iluminacja rękopisów dostarcza nam wielu wymienionych artystów okresu średniowiecza, w tym Ende , hiszpańską zakonnicę z X wieku; Guda , XII-wieczna niemiecka zakonnica; i Claricia , XII-wieczna świecka w bawarskim skryptorium. Te kobiety i wiele innych nienazwanych iluminatorów skorzystało z charakteru klasztorów jako głównych miejsc nauki dla kobiet w tym okresie i najbardziej możliwej opcji dla intelektualistów spośród nich.

W wielu częściach Europy, wraz z reformami gregoriańskimi w XI wieku i rozwojem feudalizmu, kobiety stanęły w obliczu wielu ograniczeń, z którymi nie spotkały się we wczesnym średniowieczu. Wraz z tymi zmianami społecznymi zmienił się status klasztoru. Na Wyspach Brytyjskich podbój normański zapoczątkował stopniowy upadek klasztoru jako siedziby nauki i miejsca zdobywania władzy przez kobiety. Klasztory były zależne od męskich opatów, zamiast kierować nimi przeorysza, jak to było wcześniej. W pogańskiej Skandynawii (w Szwecji) jedyna historycznie potwierdzona mistrzyni runów , Gunnborga , działał w XI wieku.

Hildegarda z Bingen Scivias I.6: Chóry aniołów. Z rękopisu Rupertsberga , fol. 38r.

Jednak w Niemczech, za panowania dynastii ottońskiej , klasztory zachowały swoją pozycję instytucji edukacyjnych. Może to częściowo wynikać z faktu, że klasztory były często kierowane i zaludniane przez niezamężne kobiety z rodzin królewskich i arystokratycznych. Dlatego największa praca kobiet z okresu późnego średniowiecza pochodzi z Niemiec, czego przykładem są prace Herrade z Landsberg i Hildegardy z Bingen . Hildegarda z Bingen (1098–1179) jest szczególnie dobrym przykładem niemieckiej średniowiecznej intelektualistki i artystki. Napisała Boskie dzieła prostego człowieka , Zasłużone życie , sześćdziesiąt pięć hymnów, cudowna sztuka i długi traktat składający się z dziewięciu ksiąg o różnych naturach drzew, roślin, zwierząt, ptaków, ryb, minerałów i metali. Od najmłodszych lat twierdziła, że ​​ma wizje. Kiedy papiestwo poparło te twierdzenia dyrektorki, jej pozycja jako ważnej intelektualistki została pobudzona. Wizje stały się częścią jednego z jej przełomowych dzieł z 1142 r., Scivias (Poznaj drogi Pana) , które składa się z trzydziestu pięciu wizji dotyczących i ilustrujących historię zbawienia. Ilustracje w Scivias , jak pokazano na pierwszej ilustracji, przedstawiają Hildegardę doświadczającą wizji siedząc w klasztorze w Bingen . Różnią się znacznie od innych powstałych w Niemczech w tym samym okresie, ponieważ charakteryzują się jasną kolorystyką, naciskiem na linię i uproszczonymi formami. Chociaż Hildegarda prawdopodobnie nie napisała tych obrazów, ich specyficzny charakter pozwala sądzić, że powstały pod jej ścisłym nadzorem.

W XII wieku miasto rozkwitło w Europie, wraz ze wzrostem handlu, podróży i uniwersytetów. Te zmiany społeczne pociągnęły za sobą również zmiany w życiu kobiet. Kobiety mogły kierować biznesem swoich mężów, jeśli były owdowiałe. Żona z Bath w Opowieściach kanterberyjskich Chaucera jest jednym z takich przypadków. W tym czasie kobiety mogły również należeć do niektórych cechów rzemieślniczych . Z akt cechowych wynika, że ​​kobiety były szczególnie aktywne w przemyśle włókienniczym we Flandrii i północnej Francji. Średniowieczne rękopisy posiadają liczne marginalia przedstawiające kobiety z wrzecionami. W Anglii kobiety były odpowiedzialne za tworzenie Opus Anglicanum , czyli bogatych haftów do użytku kościelnego lub świeckiego na ubraniach i różnego rodzaju zasłonach. Kobiety stały się również bardziej aktywne w iluminacji. Wiele kobiet prawdopodobnie pracowało u boku swoich mężów lub ojców, w tym córka Maître Honoré i córka Jean le Noir . Do XIII wieku większość iluminowanych rękopisów były produkowane przez warsztaty handlowe, a pod koniec średniowiecza, kiedy produkcja rękopisów stała się ważnym przemysłem w niektórych ośrodkach, kobiety stanowiły większość zatrudnionych artystów i skrybów, zwłaszcza w Paryżu. Ruch w kierunku druku i ilustracji książkowych do technik graficznych drzeworytu i grawerowania , w których kobiety wydają się być mało zaangażowane, stanowił porażkę w rozwoju kobiet-artystek.

Tymczasem Jefimija (1349-1405) , serbska szlachcianka, wdowa i ortodoksyjna zakonnica, dała się poznać nie tylko jako poetka, która napisała lament nad swoim zmarłym synem Uglješą, ale także jako utalentowana szwaczka i grawerka. Jej lament nad ukochanym synem, który uwiecznił smutek wszystkich matek opłakujących swoje zmarłe dzieci, został wyryty na odwrocie dyptyku ( dwupanelowa ikona przedstawiająca Dziewicę z Dzieciątkiem), który Teodosije, biskup Serres , podarował niemowlęciu Uglješa podczas jego chrztu. Dzieło sztuki, już cenne ze względu na złoto, szlachetne kamienie i piękne rzeźbienia na drewnianych panelach, stało się bezcenne po wyryciu lamentu Jefemiji na jego odwrocie.

W XV-wiecznej Wenecji córka artysty ze szkła, Angelo Barovièr, była artystką stojącą za szczególnym projektem szkła z weneckiego Murano . Była to Marietta Barovier , wenecka artystka zajmująca się szkłem . Pozornie musiało upłynąć kilka wieków, zanim kobiety mogły zająć się sztuką szkła .

renesans

Miniatura portretowa Elżbiety I – Levina Teerlinc Levina Teerlinc , Portret Elżbiety I. c. 1565

Artyści epoki renesansu to Sofonisba Anguissola , Lucia Anguissola , Lavinia Fontana , Fede Galizia , Diana Scultori Ghisi , Caterina van Hemessen , Esther Inglis , Barbara Longhi , Maria Ormani , Marietta Robusti (córka Tintoretta), Properzia de' Rossi , Levina Teerlinc , Mayken Verhulst i św. Katarzyny Bolońskiej (Caterina dei Vigri) .

Lucia Anguissola , Doktor z Cremony , 1560, Museo del Prado, Madryt

Jest to pierwszy okres w historii Zachodu, w którym wiele świeckich artystek zyskało międzynarodową renomę. Wzrost liczby artystek w tym okresie można przypisać poważnym zmianom kulturowym. Jedna z takich zmian nastąpiła w reakcji kontrreformacji na protestantyzm i zapoczątkowaniu ruchu w kierunku humanizmu , filozofii potwierdzającej godność wszystkich ludzi, która stała się centralnym punktem myśli renesansu i pomogła podnieść status kobiet. Ponadto za ważniejszą uznano tożsamość indywidualnego artysty w ogóle. Znani artyści tego okresu, których tożsamość jest nieznana, praktycznie przestają istnieć. Dwa ważne teksty W Słynnych kobietach i Mieście kobiet zilustruj tę zmianę kulturową. Boccaccio , XIV-wieczny humanista, napisał De mulieribus claris (łac. O sławnych kobietach ) (1335–59), zbiór biografii kobiet. Wśród 104 biografii, które zamieścił, była ta Thamar (lub Thmyris), starożytna grecka malarka waz. Co ciekawe, wśród XV-wiecznych iluminacji rękopisów O słynnych kobietach Thamar została przedstawiona jako malująca autoportret lub być może malująca mały obraz Matki Boskiej z Dzieciątkiem. Krystyna de Pizan , wybitny późnośredniowieczny francuski pisarz, retor i krytyk, napisał w 1405 roku Księgę miasta dam , tekst o alegorycznym mieście, w którym niezależne kobiety żyły wolne od oszczerstw mężczyzn. W swoich pracach włączała prawdziwe artystki, takie jak Anastazja , która była uważana za jedną z najlepszych paryskich iluminatorów, choć żadna z jej prac nie przetrwała. Inne teksty humanistyczne doprowadziły do ​​​​zwiększenia edukacji włoskich kobiet.

Najbardziej znanym z nich był Il Cortegiano lub The Courtier autorstwa XVI-wiecznego włoskiego humanisty Baldassare Castiglione . Ta niezwykle popularna praca głosiła, że ​​mężczyźni i kobiety powinni być kształceni w sztukach społecznych. Jego wpływ sprawił, że kobiety mogły zajmować się sztukami wizualnymi, muzycznymi i literackimi. Dzięki Castiglione był to pierwszy okres historii renesansu, w którym szlachcianki mogły studiować malarstwo. Sofonisba Anguissola był odnoszącym największe sukcesy z tych pomniejszych arystokratów, którzy najpierw skorzystali z edukacji humanistycznej, a następnie zdobyli uznanie jako malarze. Urodzona w Cremonie i wzorem do naśladowania dla przyszłych pokoleń artystek. Rozwój humanizmu również dotknął artystów, którzy nie byli szlachciankami. Oprócz konwencjonalnej tematyki, artyści tacy jak Lavinia Fontana i Caterina van Hemessen zaczęli przedstawiać się na autoportretach nie tylko jako malarze, ale także jako muzycy i uczeni, podkreślając w ten sposób ich wszechstronne wykształcenie. Fontana skorzystała na oświeconych postawach swojego rodzinnego miasta, Bolonii , gdzie od średniowiecza uniwersytet przyjmował uczone kobiety. Wraz ze wzrostem humanizmu nastąpiło przejście od rzemieślników do artystów. Od artystów, w przeciwieństwie do wcześniejszych rzemieślników, oczekiwano teraz znajomości perspektywy, matematyki, sztuki starożytnej i badania ludzkiego ciała. W późnym renesansie kształcenie artystów zaczęło przenosić się z warsztatu mistrza do warsztatu Akademii , a kobiety rozpoczęły długą walkę, rozstrzygniętą dopiero pod koniec XIX wieku, aby uzyskać pełny dostęp do tego szkolenia. Badanie ludzkiego ciała wymagało pracy z męskich aktów i zwłok. Uznano to za niezbędne tło do tworzenia realistycznych scen grupowych. Kobietom generalnie zabraniano trenowania z męskich aktów, dlatego nie mogły tworzyć takich scen. Takich przedstawień aktów wymagały wielkoformatowe kompozycje religijne, które otrzymywały najbardziej prestiżowe zamówienia.

Chociaż wiele arystokratek miało dostęp do pewnych szkoleń artystycznych, choć bez korzyści płynących z rysowania postaci z nagich modeli męskich, większość z tych kobiet wybrała małżeństwo zamiast kariery artystycznej. Tak było na przykład w przypadku dwóch sióstr Sofonisby Anguissoli. Kobiety uznawane za artystki w tym okresie były albo zakonnicami, albo dziećmi malarzy. Spośród nielicznych, którzy pojawili się jako włoscy artyści w XV wieku, ci znani dzisiaj są związani z klasztorami. Ci artyści, którzy byli zakonnicami, to Caterina dei Virgi , Antonia Uccello i Suor Barbara Ragnoni . W XV i XVI wieku zdecydowana większość kobiet, które odniosły jakikolwiek sukces jako artystki, była dziećmi malarzy. Jest tak prawdopodobnie dlatego, że mogli zdobyć szkolenie w warsztatach swoich ojców. Przykłady artystek, które były szkolone przez swoich ojców, to malarka Lavinia Fontana , portrecistka miniatur Levina Teerlinc i portrecistka Caterina van Hemessen . Włoskie artystki z tego okresu, nawet te wyszkolone przez rodzinę, wydają się nieco niezwykłe. Jednak w niektórych częściach Europy, zwłaszcza w północnej Francji i Flandrii, dzieci obojga płci częściej wykonywały zawód ojca. W rzeczywistości w Niderlandach, gdzie kobiety miały większą swobodę, było wielu artystów renesansu, którzy byli kobietami. Na przykład akta cechu św. Łukasza w Brugii pokazują nie tylko, że przyjmują kobiety jako praktykujących członków, ale także, że w latach osiemdziesiątych XIV wieku dwadzieścia pięć procent jej członków stanowiły kobiety (wiele prawdopodobnie pracowało jako iluminatorzy rękopisów).

Ostatnia wieczerza Nelli

Ostatnia wieczerza , obraz olejny na płótnie o wymiarach 7 x 2 metry, zachowany w Bazylice Santa Maria Novella , jest jedynym zachowanym dziełem Plautilli Nelli z podpisem.

Niedawno ponownie odkryta krucha rolka płótna o długości 22 stóp we Florencji okazała się wyjątkowym skarbem. Gdyby nie przełomowe działania amerykańskiej filantropki Jane Fortune (zm. 2018) i mieszkającej we Florencji pisarki Lindy Falcone oraz ich organizacji, Advancing Women Artists Foundation , rolka mogła zebrać więcej kurzu. Cztery lata żmudnej renowacji prowadzonej przez zespół kobiet ujawniają wspaniałość XVI-wiecznej, samouczki, suor Plautilli Nelli , zakonnicy i jedynej znanej kobiety renesansu, która namalowała Ostatnią Wieczerzę . Prace trafiły na wystawę w Santa Maria Novella we Florencji w październiku 2019 r. Od początku 2020 r. AWA sponsorowała renowację 67 prac artystek, odkrytych w zbiorach florenckich.

epoki baroku

Artyści epoki baroku to: Mary Beale , Élisabeth Sophie Chéron , Maria Theresa van Thielen , Katharina Pepijn , Catharina Peeters , Johanna Vergouwen , Michaelina Wautier , Isabel de Cisneros , Giovanna Garzoni Artemisia Gentileschi , Judith Leyster , Maria Sibylla Merian , Louise Moillon , Józefa de Ayala lepiej znana jako Josefa de Óbidos, Maria van Oosterwijk , Magdalena de Passe , Clara Peeters , Maria Virginia Borghese (córka kolekcjonerki sztuki Olimpii Aldobrandini ), Luisa Roldán znana jako La Roldana, Rachel Ruysch , Maria Theresa van Thielen , Anna Maria van Thielen , Françoise-Catherina van Thielen i Elisabetta Sirani . Podobnie jak w okresie renesansu, wśród artystów baroku wiele kobiet pochodziło z rodzin artystycznych. Artemisia Gentileschi jest tego przykładem. Szkoliła ją jej ojciec Orazio Gentileschi i pracowała u jego boku przy wielu jego zleceniach. Luisa Roldán uczyła się w warsztacie rzeźbiarskim swojego ojca ( Pedro Roldán ).

Artystki w tym okresie zaczęły zmieniać sposób przedstawiania kobiet w sztuce. Wiele kobiet pracujących jako artystki w epoce baroku nie mogło trenować od nagich modelek, którymi zawsze byli mężczyźni, ale bardzo dobrze znały kobiece ciało. Kobiety takie jak Elisabetta Sirani tworzyły obrazy kobiet jako świadomych istot, a nie oderwanych muz. Jednym z najlepszych przykładów tej nowatorskiej ekspresji jest Judyta ścinająca Holofernesowi Artemisia Gentileschi , w której Judyta jest przedstawiona jako silna kobieta, która decyduje i mści się na własnym przeznaczeniu. Letizia Treves, kuratorka w National Gallery w Londynie Program Gentileschi 2020 skomentował: „nie można tego zobaczyć bez myślenia o Tassi gwałcącym Gentileschi”. Elementy obrazu są „wyważone z taką wprawą, że mówią o malarzu, który przedkładał wirtuozerię nad pasję”. Podczas gdy inni artyści, w tym Botticelli i bardziej tradycyjna kobieta, Fede Galizia , przedstawiała tę samą scenę z pasywną Judith, w swoim nowatorskim ujęciu Judith Gentileschiego wydaje się być zdolnym aktorem w wykonywanym zadaniu. Istotą tego jest akcja i kolejny jej obraz przedstawiający Judith opuszczającą scenę. Martwa natura pojawiła się jako ważny gatunek około 1600 roku, szczególnie w Holandii. W tym malarskim nurcie przodowały kobiety. Gatunek ten był szczególnie odpowiedni dla kobiet, ponieważ miały one łatwy dostęp do materiałów do martwej natury. Na północy wśród tych praktykujących była Clara Peeters , malarka banketje lub elementów śniadaniowych oraz scen z ułożonymi towarami luksusowymi; Maria van Oosterwijk , światowej sławy malarka kwiatów; i Rachel Ruysch , malarka naładowanych wizualnie kompozycji kwiatowych. W innych regionach martwa natura była mniej powszechna, ale były ważne artystki tego gatunku, w tym Giovanna Garzoni , która tworzyła realistyczne aranżacje roślinne na pergaminie, oraz Louise Moillon , której martwe natury z owocami były znane ze swoich jaskrawych kolorów.

Influencerzy w swojej epoce

Judith Leyster , Mężczyzna oferujący pieniądze młodej kobiecie, 1631

Judith Leyster była córką tkaczy i ósmym z dziewięciorga dzieci. Nie urodziła się w tradycyjnej artystycznej rodzinie, ale jej determinacja, by zostać malarką, była wspierana przez rodzinę i studiowała malarstwo w wieku od 11 do 16 lat. Jako nastolatka nawiązała się więź między Leysterami a malarzem historycznym Fransem Petersem de Grebbera , która z miłości do haftowanych tkanin nawiązała kontakt z rodzicami. Leyster przez lata pracowała jako jego praktykantka, zanim otworzyła własne studio. W końcu została pierwszą kobietą, która dołączyła do Gildii Harleem. Jej prace pokazywały energiczne i żywiołowe techniki, których nie było wówczas u wielu artystek, i były postrzegane jako męskie, podobnie jak Artemisia Gentileschi . Po jej śmierci praca Leyster była pomijana przez wielu przez ponad dwa stulecia, zanim została wprowadzona do studiów historycznych.

18 wiek

Artyści z tego okresu to: Rosalba Carriera , Maria Cosway , Marguerite Gérard , Angelica Kauffman , Adélaïde Labille-Guiard , Giulia Lama , Mary Moser , Ulrika Pasch , Adèle Romany , Anna Dorothea Therbusch , Anne Vallayer-Coster , Elisabeth Vigée-Le Brun , Marie-Guillemine Benoist i Anna Rajecka , znana również jako Madame Gault de Saint-Germain.

W wielu krajach Europy akademie były arbitrami stylu. Akademie były również odpowiedzialne za szkolenie artystów, wystawianie dzieł sztuki i, nieumyślnie lub nie, promowanie sprzedaży dzieł sztuki. Większość akademii nie była otwarta dla kobiet. Na przykład we Francji potężna Akademia w Paryżu liczyła 450 członków między XVII wiekiem a rewolucją francuską, a tylko piętnaście stanowiły kobiety. Większość z nich to córki lub żony członków. Pod koniec XVIII wieku Akademia Francuska postanowiła w ogóle nie przyjmować kobiet. Szczytem malarstwa tego okresu było malarstwo historyczne , zwłaszcza wielkoformatowe kompozycje z grupami postaci przedstawiających sytuacje historyczne lub mityczne. Przygotowując się do stworzenia takich obrazów, artyści studiowali odlewy antycznych rzeźb i czerpali z męskich aktów. Kobiety miały ograniczony dostęp lub nie miały dostępu do tej nauki akademickiej, w związku z czym nie zachowały się żadne wielkoformatowe obrazy historyczne autorstwa kobiet z tego okresu. Niektóre kobiety zasłynęły w innych gatunkach, takich jak portrety. Elisabeth Vigee-Lebrun wykorzystała swoje doświadczenie w portretowaniu, aby stworzyć alegoryczną scenę Peace Bringing Plenty , który zakwalifikowała jako obraz historyczny i wykorzystała jako podstawę przyjęcia do Akademii. Po pokazie jej prac zażądano, aby uczęszczała na zajęcia formalne lub straciła licencję malarską. Została ulubienicą dworu i celebrytką, która namalowała ponad czterdzieści autoportretów, które udało jej się sprzedać.

W Anglii dwie kobiety, Angelica Kauffman i Mary Moser , były członkami-założycielami Królewskiej Akademii Sztuki w Londynie w 1768 roku. Kauffmann pomógł Marii Cosway wstąpić do Akademii. Chociaż Cosway odniósł sukces jako malarz scen mitologicznych, obie kobiety pozostały w nieco ambiwalentnej pozycji w Royal Academy, o czym świadczy grupowy portret The Academicians of the Royal Academy autorstwa Johana Zoffany'ego, który znajduje się teraz w The Royal Collection . W nim tylko mężczyźni z Akademii są zgromadzeni w dużej pracowni artystycznej wraz z nagimi modelami. Ze względu na przyzwoitość, biorąc pod uwagę nagie modelki, dwie kobiety nie są pokazane jako obecne, ale zamiast tego jako portrety na ścianie. Nacisk w sztuce akademickiej na studia nad aktem podczas stażu pozostawał istotną barierą dla kobiet studiujących sztukę aż do XX wieku, zarówno pod względem faktycznego dostępu do zajęć, jak i postaw rodzinnych i społecznych wobec artystek z klasy średniej. Po tej trójce żadna kobieta nie została pełnoprawnym członkiem Akademii, aż do Laury Knight w 1936 r., a kobiety przyjmowano do szkół Akademii dopiero w 1861 r. Pod koniec XVIII wieku artystki będące kobietami poczyniły ważne kroki naprzód. W Paryżu Salon, wystawa prac założona przez Akademię, został otwarty dla malarzy nieakademickich w 1791 roku, umożliwiając kobietom zaprezentowanie swoich prac na prestiżowej dorocznej wystawie. Ponadto kobiety były częściej przyjmowane jako studentki przez znanych artystów, takich jak Jacques-Louis David i Jean-Baptiste Greuze .

19 wiek

Malarze

Artystki początku XIX wieku to między innymi Marie-Denise Villers , która specjalizowała się w portretach; Constance Mayer , która malowała portrety i alegorie; Marie Ellenrieder , która była znana głównie z obrazów religijnych w stylu nazareńskim ; Louise-Adéone Drölling , która poszła w ślady ojca i starszego brata jako malarka i rysowniczka.

W drugiej połowie wieku Emma Sandys , Marie Spartali Stillman , Eleanor Fortescue-Brickdale i Maria Zambaco były artystkami ruchu prerafaelitów . Wpływ prerafaelitów wywarli także Evelyn De Morgan oraz aktywistka i malarka Barbara Bodichon .

Malarze impresjoniści Berthe Morisot , Marie Bracquemond i Amerykanie Mary Cassatt i Lucy Bacon zaangażowali się we francuski ruch impresjonistyczny lat 60. i 70. XIX wieku . Amerykańska impresjonistka Lilla Cabot Perry była pod wpływem jej studiów u Moneta i sztuki japońskiej pod koniec XIX wieku. Cecilia Beaux była amerykańską malarką portretową, która również studiowała we Francji. Oprócz Anny Bilińskiej-Bohdanowicz , Olga Boznańska uważana jest za najbardziej znaną ze wszystkich polskich artystek, stylistycznie kojarzona była z impresjonizmem.

Rosa Bonheur była najbardziej znaną artystką swoich czasów, znaną na całym świecie ze swoich obrazów przedstawiających zwierzęta. Elizabeth Thompson (Lady Butler), być może zainspirowana klasami życia uzbrojonych postaci w Szkole Rządowej , była jedną z pierwszych kobiet, które zasłynęły z dużych obrazów historycznych, specjalizujących się w scenach działań wojennych, zwykle z wieloma końmi, najbardziej znanym Szkocja na zawsze! , przedstawiający szarżę kawalerii pod Waterloo .

Kitty Lange Kielland była norweską pejzażystką.

Elizabeth Jane Gardner była amerykańską malarką akademicką, która jako pierwsza Amerykanka wystawiała swoje prace na Salonie Paryskim . W 1872 roku została pierwszą kobietą, która zdobyła złoty medal na Salonie.

W 1894 roku Suzanne Valadon była pierwszą kobietą przyjętą do Société Nationale des Beaux-Arts we Francji. Anna Boch była malarką postimpresjonistyczną , podobnie jak Laura Muntz Lyall , która wystawiała na Światowej Wystawie Kolumbijskiej w Chicago w 1893 r. , a następnie w 1894 r. jako część Société des artistes français w Paryżu.

Rzeźba

South Bank Lion w kamieniu Coade 1837, Londyn
Edmonia Lewis Śmierć Kleopatry , marmur, 1876 Smithsonian American Art Museum

gruzińskiej Anglii pojawiła się wyjątkowa, niezależna kobieta biznesu, która w wieku średnim odkryła własny talent artystyczny. Była Eleanor Coade (1733-1821). Zasłynęła z wyrobu neoklasycystycznych posągów, dekoracji architektonicznych i ozdób ogrodowych z kamienia Lithodipyra lub Coade przez ponad 50 lat od 1769 roku aż do śmierci. Lithodipyra („dwukrotnie wypalana kamieniem”) była wysokiej jakości, trwałą, formowaną, odporną na warunki pogodowe kamionką ceramiczną . Posągi i elementy dekoracyjne z tej ceramiki do dziś wyglądają prawie jak nowe. Coade nie wynalazła „sztucznego kamienia”, ale prawdopodobnie udoskonaliła zarówno recepturę gliny, jak i proces wypalania. Łączyła wysokiej jakości produkcję i gust artystyczny z umiejętnościami przedsiębiorczymi, biznesowymi i marketingowymi, aby stworzyć produkty z kamienia, które w jej wieku odniosły ogromny sukces. Wyprodukowała kamionkę dla St George's Chapel w Windsorze , The Royal Pavilion w Brighton , Carlton House w Londynie i Royal Naval College w Greenwich .

Eleanor Coade rozwinęła swój własny talent jako modelarka, wystawiając około 30 rzeźb o tematyce klasycznej w Towarzystwie Artystów w latach 1773-1780, zgodnie z wykazem ich ówczesnego katalogu wystawców. Po jej śmierci jej kamionka Coade została wykorzystana do renowacji Pałacu Buckingham i przez znanych rzeźbiarzy w ich monumentalnych pracach, takich jak South Bank Lion (1837) Williama Fredericka Woodingtona na Westminster Bridge w Londynie . Posąg został wykonany w oddzielnych częściach i uszczelniony razem na żelaznej ramie.

Wiek wydał swoje rzeźbiarki na Wschodzie, Seiyodo Bunshojo (1764-1838), japońską rzeźbiarkę netsuke i pisarkę haiku . Była córką Seiyodo Tomiharu . Jej prace można zobaczyć w Walters Art Museum . Na Zachodzie byli: Julie Charpentier , Elisabet Ney , Helene Bertaux , Fenia Chertkoff , Sarah Fisher Ames , Helena Unierzyska (córka Jana Matejki ), Blanche Moria , Angelina Beloff , Anna Golubkina , Margaret Giles (również medalistka ), Camille Claudel , Enid Yandell i Edmonia Lewis . Lewis, afrykańsko - ojibwe - haitańska amerykańska artystka z Nowego Jorku, rozpoczęła studia artystyczne w Oberlin College . Jej kariera rzeźbiarska rozpoczęła się w 1863 roku. Założyła pracownię w Rzymie we Włoszech i wystawiała swoje marmurowe rzeźby w Europie i Stanach Zjednoczonych.

Fotografia

Constance Fox Talbot może być pierwszą kobietą, która zrobiła zdjęcie. Później Julia Margaret Cameron i Gertrude Kasebier stały się dobrze znane w nowym medium fotografii , gdzie nie było żadnych tradycyjnych ograniczeń ani ustalonych szkoleń, które mogłyby ich powstrzymać. Sophia Hoare , kolejna brytyjska fotografka, pracowała na Tahiti i innych częściach Oceanii .

We Francji, kolebce medium, była tylko Geneviève Élisabeth Disdéri ( ok. 1817–1878). W 1843 roku wyszła za mąż za pionierskiego fotografa André-Adolphe-Eugène Disdéri , współpracując z nim w ich pracowni dagerotypii w Brześciu od końca lat czterdziestych XIX wieku. Po wyjeździe męża do Paryża w 1852 r. Geneviève nadal sama prowadziła pracownię. Została zapamiętana z 28 widoków Brześcia, głównie architektonicznych, które zostały opublikowane jako Brest et ses Environs w 1856 r. W 1872 r. przeniosła się do Paryża, otwierając pracownię przy Rue du Bac, gdzie prawdopodobnie pomagał jej syn Jules. Notowania giełdowe wskazują , że prowadziła swoją pracownię aż do śmierci w paryskim szpitalu w 1878 roku. Była jedną z pierwszych profesjonalnych fotografek na świecie, działającą niedługo po Niemce Bercie Beckmann i Szwedce Bricie Sofii Hesselius .

Edukacja kobiet w XIX wieku

Beatrix Potter 's Goody and Mrs. Hackee, ilustracja do The Tale of Timmy Tiptoes , 1911
Beatrix Potter , układ rozrodczy Hygrocybe coccinea , 1897

W ciągu stulecia dostęp do akademii i formalnych szkoleń artystycznych rozszerzył się bardziej dla kobiet w Europie i Ameryce Północnej. British Government School of Design, która później przekształciła się w Royal College of Art , przyjmowała kobiety od swojego powstania w 1837 roku, ale tylko do „szkoły żeńskiej”, która była traktowana nieco inaczej, z „życiowymi” zajęciami polegającymi na kilkuletnim rysunku mężczyzna ubrany w zbroję.

Szkoły Akademii Królewskiej ostatecznie przyjmowały kobiety począwszy od 1861 roku, ale uczniowie początkowo rysowali tylko modele w draperiach. Jednak inne szkoły w Londynie, w tym Slade School of Art z lat 70. XIX wieku, były bardziej liberalne. Pod koniec stulecia kobiety mogły badać nagie lub prawie nagie postacie w wielu miastach Europy Zachodniej i Ameryki Północnej. Towarzystwo Artystek (obecnie Towarzystwo Artystek). ) powstała w 1855 roku w Londynie i organizuje coroczne wystawy od 1857 roku, kiedy to 149 kobiet pokazało 358 prac, niektóre posługując się pseudonimem. Jednak jedną kobietą, której odmówiono wyższego lub specjalistycznego wykształcenia i która wciąż się „przebijała”, była przyrodniczka, pisarka i ilustratorka Beatrix Potter (1866-1943).

Angielskie malarki z początku XIX wieku, które wystawiały w Królewskiej Akademii Sztuki

XX wiek

Margaret Macdonald Mackintosh , Królowa maja , 1900

Znane artystki z tego okresu to:

Elene Akhvlediani , Hannelore Baron , Vanessa Bell , Lee Bontecou , ​​Louise Bourgeois , Romaine Brooks , Emily Carr , Leonora Carrington , Mary Cassatt , Elizabeth Catlett , Camille Claudel , Sonia Delaunay , Marthe Donas , Joan Eardley , Marisol Escobar , Dulah Marie Evans , Audrey Flak , Mary Frank , Helen Frankenthaler , Elisabeth Frink , Wilhelmina Weber Furlong , Françoise Gilot , Natalia Goncharova , Nancy Graves , Grace Hartigan , Barbara Hepworth , Eva Hesse , Sigrid Hjertén , Hannah Höch , Frances Hodgkins , Malvina Hoffman , Irma Hünerfauth , Margaret Ponce Israel , Gwen John , Elaine de Kooning , Käthe Kollwitz , Lee Krasner , Frida Kahlo , Hilma af Klint , Laura Knight , Barbara Kruger , Marie Laurencin , Tamara de Lempicka , Séraphine Louis , Dora Maar , Margaret Macdonald Mackintosh , Maruja Mallo , Agnes Martin , Ana Mendieta , Joan Mitchell , Paula Modersohn-Becker , Gabriele Münter , Alice Neel , Louise Nevelson , Georgia O'Keeffe , Betty Parsons , Aniela Pawlikowska , Orovida Camille Pissarro , Irene Rice Pereira , Paula Rego , Bridget Riley , Verónica Ruiz de Velasco , Anne Ryan , Charlotte Salomon , Augusta Savage , Zofia Stryjeńska , Zinaida Serebriakowa , Sarai Sherman , Henrietta Shore , s. Maria Stanisia , Marjorie Strider , Carrie Sweetser , Annie Louisa Swynnerton , Franciszka Themerson , Suzanne Valadon , Remedios Varo , Maria Helena Vieira da Silva , Nellie Walker , Marianne von Werefkin i Ogura Yuki .

Hilma af Klint (1862–1944) była pionierką malarstwa abstrakcyjnego, pracującą na długo przed swoimi abstrakcyjnymi ekspresjonistycznymi odpowiednikami. Była Szwedką i regularnie wystawiała swoje obrazy traktujące o realizmie, ale prace abstrakcyjne zostały pokazane dopiero 20 lat po jej śmierci, na jej prośbę. Uważała się za spirytualistkę i mistyczkę.

Margaret Macdonald Mackintosh (1865–1933) była szkocką artystką, której prace pomogły zdefiniować „styl Glasgow” lat 90. XIX wieku i początku XX wieku. Często współpracowała ze swoim mężem, architektem i projektantem Charlesem Renniem Mackintoshem , przy pracach, które miały wpływ na Europę. Wystawiała wraz z Mackintoshem na Wiedeńskiej Secesji w 1900 roku , gdzie uważa się, że jej prace wywarły wpływ na secesjonistów, takich jak Gustav Klimt .

Annie Louisa Swynnerton (1844-1933) była artystką portretową, pejzażową i „symbolistką” , uważaną przez swoich rówieśników, takich jak John Singer Sargent i Edward Burne-Jones, za jednego z najwspanialszych i najbardziej kreatywnych artystów swojej epoki. nie pozwolono na dostęp do głównego nurtu kształcenia w szkołach artystycznych. Wyjechała za granicę, aby studiować w Académie Julian i spędziła większość swojego życia we Francji i Rzymie, gdzie bardziej liberalne postawy pozwoliły jej wyrazić szeroki zakres tematów kompozytorskich. Nadal nie została formalnie uznana w Wielkiej Brytanii aż do 1923 roku w wieku 76 lat, kiedy została pierwszą kobietą przyjętą do Royal Academy of Arts .

Wilhelmina Weber Furlong (1878–1962) była wczesną amerykańską modernistką w Nowym Jorku. Wniosła znaczący wkład we współczesną sztukę amerykańską poprzez swoją pracę w Art Students League i Whitney Studio Club . Aleksandra Ekster i Lyubov Popova byli artystami konstruktywistycznymi , kubofuturystycznymi i suprematystycznymi , dobrze znanymi i szanowanymi w Kijowie , Moskwie i Paryżu na początku XX wieku. Wśród innych artystek wybitnych w Rosyjską awangardą były Natalia Gonczarowa , Warwara Stiepanowa i Nadieżda Udalcowa . Sonia Delaunay i jej mąż byli założycielami orfizmu .

W erze Art Deco Hildreth Meière tworzyła wielkoformatowe mozaiki i była pierwszą kobietą uhonorowaną Medalem Sztuk Pięknych Amerykańskiego Instytutu Architektów. Tamara Łempicka , również z tej epoki, była polską malarką Art Deco . S. Maria Stanisia stała się wybitną portrecistką, głównie duchowieństwa. Georgia O'Keeffe urodziła się pod koniec XIX wieku. Stała się znana ze swoich obrazów przedstawiających kwiaty, kości i krajobrazy Nowego Meksyku . W 1927 obraz Doda Proctera Poranek został wybrany Obrazem Roku na Letniej Wystawie Królewskiej Akademii i kupiony przez Daily Mail dla galerii Tate . Jego popularność zaowocowała pokazem w Nowym Jorku i dwuletnim tournée po Wielkiej Brytanii. Surrealizm , ważny styl artystyczny w latach dwudziestych i trzydziestych XX wieku, miał wiele wybitnych artystek, w tym Leonorę Carrington , Kay Sage , Dorotheę Tanning i Remedios Varo . Byli też odstający, jak brytyjski samouk, często komiczny obserwator, Beryl Cooka (1926-2008).

Wśród artystek z Europy Środkowej i Wschodniej na uwagę zasługują: Milein Cosman (1921-2017), Marie-Louise von Motesiczky (1906-1996), Else Meidner (1901-1987), Sanja Iveković (ur. 1949), Orshi Drozdik (ur. urodzony 1946)

Fotografowie kobiet

Dorota Lange . Matka Migrantka ( Florence Owens Thompson i jej rodzina) ok. 1936

Lee Miller na nowo odkrył solaryzację i został fotografem mody. Dorothea Lange udokumentowała kryzys. Berenice Abbott stworzyła obrazy dobrze znanej architektury i celebrytów, Margaret Bourke-White stworzyła fotografie industrialne, które znalazły się na okładce iw głównym artykule pierwszego magazynu Life . Diane Arbus oparła swoje zdjęcia na osobach spoza głównego nurtu społeczeństwa. Prace Gracieli Iturbide dotyczyły meksykańskiego życia i feminizmu, a Tiny Modotti wyprodukował „rewolucyjne ikony” z Meksyku w latach dwudziestych XX wieku. Fotografia Annie Leibovitz dotyczyła rock and rolla i innych celebrytów. Inne kobiety, które przebiły się przez szklany sufit to: Eve Arnold , Marilyn Silverstone i Inge Morath z Magnum , Daphne Zileri , Anya Teixeira , Elsa Thiemann , Sabine Weiss i Xyza Cruz Bacani .

Projektanci teatralni

ilustratorki , takie jak rzadka rysowniczka Claire Bretécher , wniosły hojny wkład w swoją dziedzinę. Na szerszą skalę wśród projektantów teatralnych godne uwagi były: Elizabeth Polunin , Doris Zinkeisen , Adele Ęnggård , Kathleen Ankers , Madeleine Arbor , Marta Becket , Maria Björnson , Madeleine Boyd , Gladys Calthrop , Marie Anne Chiment , Millia Davenport , Kirsten Dehlholm , Victorina Durán , Lauren Elder , Heidi Ettinger , Soutra Gilmour , Rachel Hauck , Marjorie B. Kellogg , Adrianne Lobel , Anna Louizos , Elaine J. McCarthy , Elizabeth Montgomery , Armande Oswald , Natacha Rambova , Kia Steave- Dickerson , Karen TenEyck , Donyale Werle

Multimedialne

Magdalena Abakanowicz , Europos parkas , Litwa

Mary Carroll Nelson założyła Society of Layerists in Multi-Media (SLMM), którego członkowie-artyści kontynuują tradycję Emila Bisttrama i Transcendental Painting Group, a także Morrisa Gravesa z Pacific Northwest Visionary Art School. W latach 70. Judy Chicago stworzyła The Dinner Party , bardzo ważne dzieło sztuki feministycznej . Helen Frankenthaler była malarką abstrakcyjnego ekspresjonizmu i pozostawała pod wpływem Jacksona Pollocka . Lee Krasnera była także artystką abstrakcyjnego ekspresjonizmu , żoną Pollocka i uczennicą Hansa Hofmanna . Elaine de Kooning była studentką, a później żoną Willema de Kooninga , malarką abstrakcyjną figuratywną . Anne Ryan była kolagistką. Jane Frank , również uczennica Hansa Hofmanna , pracowała z mieszanymi mediami na płótnie. W Kanadzie propagatorem automatyzmu był Marcelle Ferron .

Od lat 60. feminizm doprowadził do ogromnego wzrostu zainteresowania artystkami i ich nauką. Znaczący wkład wnieśli historycy sztuki Germaine Greer , Linda Nochlin , Griselda Pollock , kuratorka Jasia Reichardt i inni. Niektórzy historycy sztuki, tacy jak Daphne Haldin, próbowali przywrócić równowagę historii skupiających się na mężczyznach, tworząc listy artystek, chociaż wiele z tych wysiłków pozostaje niepublikowanych. Postacie takie jak Artemisia Gentileschi i Frida Kahlo wyłoniła się ze względnego zapomnienia i stała się ikoną feminizmu . Guerilla Girls , anonimowa grupa kobiet utworzona w 1985 roku, była „sumieniem świata sztuki”. Mówili o obojętności i nierównościach związanych z płcią i rasą, zwłaszcza w świecie sztuki. Guerilla Girls stworzyły wiele plakatów, aby zwrócić uwagę społeczności, zazwyczaj w humorystyczny sposób, w celu podniesienia świadomości i wprowadzenia zmian. W 1996 roku Catherine de Zegher była kuratorką wystawy 37 wielkich artystek XX wieku. Wystawa Wewnątrz widzialnego the Arts w Waszyngtonie, Whitechapel w Londynie i Art Gallery of Western Australia w Perth, obejmowały prace artystów z lat 30 . , Bracha Ettinger , Agnes Martin , Carrie Mae Weems , Charlotte Salomon , Eva Hesse , Nancy Spero , Francesca Woodman , Lygia Clark , Mona Hatoum czy uznana Magdalena Abakanowicz , która w swoich instalacjach wykorzystała m.in. tekstylia.

Tekstylia

Tekstylia damskie były wcześniej relegowane do sfery prywatnej i kojarzone raczej z domem niż uznawane za sztukę. Wcześniej sztuka wymagała wykazania się „geniuszem artysty”, co wiązało się z męskością; tam, gdzie tekstylia były postrzegane jako funkcjonalne, nie były uważane za sztukę. Doprowadziło to do tego, że kobiety unikały technik kojarzonych z kobiecością, od tekstyliów po stosowanie delikatnych linii lub pewnych „kobiecych” kolorów, ponieważ nie chciały być nazywane kobiecymi artystkami. Jednak w ostatnich latach zostało to zakwestionowane i tekstylia zostały wykorzystane do stworzenia sztuki, która jest reprezentatywna dla kobiecych doświadczeń i zmagań. Parker „The Subversive Stitch” pokazuje feministki podważające hafty, aby wygłaszać feministyczne wypowiedzi i kwestionować pogląd, że tekstylia powinny być kojarzone tylko z domem i kobiecością. Michna uważa, że ​​kwestionowanie praktyk artystycznych, które wykluczają kobiety, obnaża polityczne i płciowe uprzedzenia sztuki tradycyjnej i pomaga przełamywać podziały klasowe i patriarchalne. Te tradycyjnie kobiece formy ekspresji są obecnie wykorzystywane do wzmacniania pozycji kobiet; rozwijać wiedzę i odzyskać tradycyjne umiejętności kobiet, które społeczeństwo wcześniej zdewaluowało.

Zobacz także Rzemiosło .

Ceramika

Ponowne pojawienie się pod koniec XIX wieku tworzenia ceramicznych przedmiotów artystycznych w Japonii i Europie stało się znane jako ceramika studyjna , chociaż obejmuje rzeźbę, a także tesserae , mozaikowe kostki, które wracają do Persji w trzecim tysiącleciu pne. Do powstania ceramiki studyjnej przyczyniło się kilka wpływów: ceramika artystyczna w twórczości braci Martin i Williama Moorcrofta , ruch Arts and Crafts , Bauhaus oraz ponowne odkrycie tradycyjnej ceramiki rzemieślniczej i wykopaliska dużych ilości ceramiki Song w Chinach.

Wiodące trendy w brytyjskiej ceramice studyjnej XX wieku reprezentują zarówno mężczyźni, jak i kobiety: Bernard Leach , William Staite Murray , Dora Billington , Lucie Rie i Hans Coper . Leach (1887–1979) ustanowił styl ceramiki, garnek etyczny , pod silnym wpływem form chińskich, koreańskich, japońskich i średniowiecznych form angielskich. Jego styl zdominował brytyjską ceramikę studyjną połowy XX wieku. Wpływ Leacha rozpowszechnił się w szczególności dzięki jego książce A Potter's Book oraz system praktykantów, który prowadził w swojej garncarni w St Ives w Kornwalii .

Inni artyści ceramiki wywarli wpływ poprzez swoje stanowiska w szkołach artystycznych. Dora Billington (1890–1968) studiowała w Hanley School of Art, pracowała w przemyśle garncarskim i została kierownikiem garncarstwa w Centralnej Szkole Sztuki i Rzemiosła . Pracowała w mediach, których Leach nie robiła, np. szkliwiona cyną , i wywarła wpływ na garncarzy, takich jak William Newland , Katherine Pleydell-Bouverie i Margaret Hine .

Od lat sześćdziesiątych XX wieku nowe pokolenie garncarzy, pod wpływem Camberwell School of Art i Central School of Art and Design, w tym Alison Britton , Ruth Duckworth i Elizabeth Fritsch , zaczęło eksperymentować z abstrakcyjnymi obiektami ceramicznymi, różnymi efektami powierzchni i szkliwa, aby uzyskać uznanie krytyków. Prace Elizabeth Fritsch znajdują się w największych kolekcjach i muzeach na całym świecie. Co więcej, reputacja brytyjskich ceramików przyciągnęła talenty z całego świata i uwolniła wybitnych artystów w tej dziedzinie. Należą do nich: indyjski Nirmala Patwardhan , Kenijczyk , Magdalene Odundo i Irańczyk, Homa Vafaie Farley .

Podobnie jak w Wielkiej Brytanii, ceramika była integralną częścią ruchu Arts and Crafts w Stanach Zjednoczonych pod koniec XIX i na początku XX wieku. Ważny wpływ wywarł Charles Fergus Binns , który był pierwszym dyrektorem nowojorskiej szkoły obróbki gliny i ceramiki na Uniwersytecie Alfreda . Niektórzy garncarze w Stanach Zjednoczonych przyjęli podejście z powstających ruchów ceramiki studyjnej w Wielkiej Brytanii i Japonii. Artyści z całego świata i Europy przybywający do Stanów Zjednoczonych przyczynili się do publicznego uznania ceramiki jako sztuki, w tym Marguerite Wildenhain , Maija Grotell , Susi Singer oraz Gertrude i Otto Natzler . Do znaczących garncarzy studyjnych w Stanach Zjednoczonych należą Otto i Vivika Heino , Beatrice Wood i Amber Aguirre .

Tymczasem w zmniejszających się pierwotnych lasach regionu Wielkich Jezior Afrykańskich w dolinie Rift żyją ludzie, którzy kurczowo trzymają się żerującego stylu życia przodków. Są to Batwa , jeden z najbardziej zmarginalizowanych ludów na świecie, którego kobiety (i czasami mężczyźni) kontynuują wielowiekowy zwyczaj wytwarzania ceramiki, który był używany jako handel wymienny z chłopami i pasterzami w regionie. Ich garnki wahają się od prostych do bardzo zdobionych.

Artyści współcześni

Samira Alikhanzadeh , nr 7 seria Persian Carpet – druk cyfrowy na pleksi, dywanie Borchalou i fragmentach luster na desce, 2011 (Galeria sztuki Assar) Teheran

W 1993 roku Rachel Whiteread była pierwszą kobietą, która zdobyła nagrodę Turnera przyznawaną przez Tate Gallery . Gillian Wearing zdobyła nagrodę w 1997 r., kiedy na krótkiej liście znalazły się wyłącznie kobiety, a pozostałe nominacje to Christine Borland , Angela Bulloch i Cornelia Parker . W 1999 roku Tracey Emin zyskała duże zainteresowanie mediów swoim wpisem My Bed , ale nie wygrała. W 2006 roku nagrodę otrzymał malarz abstrakcyjny Tomma Abts . W 2001 roku na Uniwersytecie Princeton zorganizowano konferencję zatytułowaną „Women Artists at the Millennium” . Książka pod tym tytułem została opublikowana w 2006 roku, w której najważniejsi historycy sztuki, tacy jak Linda Nochlin , analizowali wybitne artystki, takie jak Louise Bourgeois , Yvonne Rainer , Bracha Ettinger , Sally Mann , Eva Hesse , Rachel Whiteread i Rosemarie Trockel . Wśród znanych na całym świecie współczesnych artystów , którzy są kobietami, są również m.in Magdalena Abakanowicz , Marina Abramović , Jaroslava Brychtova , Lynda Benglis , Lee Bul , Sophie Calle , Janet Cardiff , Li Chevalier , Marlene Dumas , Orshi Drozdik , Marisol Escobar , Bettina Heinen-Ayech , Jenny Holzer , Runa Islam , Chantal Joffe , Yayoi Kusama , Karen Kilimnik , Sarah Lucas , Neith Nevelson , Yoko Ono , Tanja Ostojić , Jenny Saville , Carolee Schneeman , Cindy Sherman , Shazia Sikander , Lorna Simpson , Lisa Steele , Stella Vine , Kara Walker , Rebecca Warren , Bettina Werner i Susan Dorothea White .

japońskiej artystki Yayoi Kusamy łączy obsesja na punkcie powtórzeń, wzorów i akumulacji. Jej prace ukazują cechy feminizmu , minimalizmu , surrealizmu , Art Brut , pop-artu i abstrakcyjnego ekspresjonizmu i jest nasycony treściami autobiograficznymi, psychologicznymi i seksualnymi. Opisuje siebie jako „artystkę obsesyjną”. W listopadzie 2008 roku dom aukcyjny Christie's w Nowym Jorku sprzedał jej obraz nr 2 z 1959 roku za 5 100 000 dolarów, co było rekordową ceną w 2008 roku za dzieło żyjącej artystki.

W latach 2010–2011 Centrum Pompidou w Paryżu prezentowało wybrane przez kuratorów współczesne artystki na trzytomowej wystawie elles@Centrepompidou . Muzeum pokazało prace czołowych artystek z własnej kolekcji. W 2010 roku Eileen Cooper została wybrana pierwszą kobietą na „Keeper of the Royal Academy”. W 1995 roku Dame Elizabeth Blackadder w 300-letniej historii uczyniła „malarką i gibką Jej Królewskiej Mości w Szkocji, została odznaczona Orderem Imperium Brytyjskiego w 1982 roku.

Innym gatunkiem sztuki kobiecej jest kobieca sztuka środowiskowa. Według stanu na grudzień 2013 r. katalog artystów środowiskowych kobiet wymieniał 307 artystek zajmujących się ochroną środowiska, takich jak Marina DeBris , Vernita Nemec i Betty Beaumont . DeBris wykorzystuje śmieci plażowe do podnoszenia świadomości na temat zanieczyszczenia plaż i oceanów. i edukować dzieci na temat śmieci na plaży. Nemec niedawno użył niechcianej poczty, aby zademonstrować złożoność współczesnego życia. Beaumont został opisany jako pionier sztuki środowiskowej i wykorzystuje sztukę do kwestionowania naszych przekonań i działań.

Błędna interpretacja w historii sztuki

Artystki często były błędnie charakteryzowane w relacjach historycznych, zarówno celowo, jak i nieumyślnie; takie przekłamania były często podyktowane obyczajami społeczno-politycznymi danej epoki i dominacją mężczyzn w świecie sztuki. Kryje się za tym kilka kwestii, m.in.

Judith Leyster , Autoportret , 1630, National Gallery of Art , Waszyngton, DC
Marie-Denise Villers , rysunek młodej kobiety , 1801, Metropolitan Museum of Art
  • Niedobór informacji biograficznych
  • Anonimowość - artystki często były najbardziej aktywne w wypowiedziach artystycznych, które zwykle nie były podpisywane. W okresie wczesnego średniowiecza iluminacja rękopisów była zajęciem zarówno mnichów, jak i mniszek.
  • Cechy malarzy – W okresie średniowiecza i renesansu wiele kobiet pracowało w systemie warsztatowym. Kobiety te pracowały pod auspicjami męskiego kierownika warsztatu, bardzo często ojca artysty. Aż do XII wieku nie ma wzmianki o warsztacie kierowanym przez kobietę, kiedy to wdowa mogłaby objąć dawne stanowisko męża. Często gildii zabraniały kobietom osiągania różnych stopni prowadzących do mistrza, więc pozostawały one „nieoficjalne” w swoim statusie.
  • Konwencje nazewnictwa – konwencja, zgodnie z którą kobiety przyjmują nazwiska mężów , utrudnia badania artykułów kobiecych, zwłaszcza w przypadkach, gdy dzieło niewiadomego pochodzenia zostało podpisane jedynie inicjałem imienia i nazwiskiem. Nawet najprostsze stwierdzenia biograficzne mogą wprowadzać w błąd. Na przykład można powiedzieć, że Jane Frank urodziła się w 1918 roku, ale w rzeczywistości była Jane Schenthal od urodzenia – Jane „Frank” istniała dopiero ponad dwadzieścia lat później. Takie przykłady powodują brak ciągłości tożsamości artystek.
  • Błędna tożsamość i niewłaściwa atrybucja – W XVIII i XIX wieku praca wykonywana przez kobiety była często przenoszona. Niektórzy pozbawieni skrupułów handlarze posunęli się nawet do zmiany podpisów, jak w przypadku niektórych obrazów Judith Leyster (1630), które zostały przeniesione do Fransa Halsa . Marie-Denise Villers (1774-1821) była francuską malarką specjalizującą się w portretach . Villers był uczniem francuskiego malarza Girodeta . Najsłynniejszy obraz Villersa, Young Woman Drawing (1801) jest wystawiony w Metropolitan Museum of Art . Obraz został kiedyś przypisany Jacquesowi-Louisowi Davidowi , ale później okazało się, że jest dziełem Villersa.

Dodatkowym powodem niechęci do przyjmowania artystek jest to, że ich umiejętności mogą różnić się od mężczyzn, co wynika z ich doświadczenia i sytuacji, co stwarza poczucie wielkości sztuki kobiecej, czego się obawiano.

Jednakże, chociaż doszło do błędnego przedstawienia artystek, istnieje znacznie głębszy problem, który ograniczył liczbę artystek. Nie ma kobiecych porównań do dzieł Divinciego i Michała Anioła. Nie wynika to z braku umiejętności, ale z ucisku i zniechęcenia kobiet. Wina tkwi w edukacji i braku możliwości, które zostały dane. Wbrew pozorom kobietom udało się osiągnąć zdolności artystyczne w obliczu patriarchalnego i zdominowanego przez mężczyzn świata sztuki.

Kobiety w sztuce outsiderów

Główny artykuł: Sztuka outsiderów
Helen Martins, Dom Sowy
Anna Zemánková , Bez tytułu , lata 60

Koncepcja sztuki outsidera pojawiła się w XX wieku, kiedy praktycy głównego nurtu, kolekcjonerzy i krytycy zaczęli rozważać artystyczną ekspresję ludzi bez konwencjonalnego wykształcenia. Byliby wśród nich samoucy, dzieci, twórcy ludowi z całego świata i więźniowie zakładów psychiatrycznych. Wśród pierwszych, którzy badali tę ogromną i głównie niezbadaną przestrzeń sztuki, byli członkowie grupy Blaue Reiter w Niemczech, a następnie francuski artysta Jean Dubuffet . Niektóre ze znanych kobiet uważanych za propagatorki „ art brut ”, francuskiego określenia sztuki outsiderów, to:

  • Holly Farrell , kanadyjska artystka-samouk XXI wieku, której obrazy obejmują serię Barbie i Ken, jest uważana za artystkę outsidera.
  • Madge Gill (1882–1961) była angielską artystką mediumistyczną, która wykonała tysiące rysunków „kierowanych” przez ducha, którego nazwała „Myrninerest” (mój wewnętrzny odpoczynek).
  • Annie Hooper (1897–1986), rzeźbiarka wizjonerskiej sztuki religijnej z Buxton w Karolinie Północnej , która stworzyła blisko 5000 rzeźb przedstawiających sceny biblijne. Jej prace znajdują się obecnie w stałej kolekcji North Carolina State University .
  • Georgiana Houghton (1814–1884), brytyjskie medium spirytystyczne, znane z wizjonerskich „rysunków duchowych”, składających się z zawiłych abstrakcyjnych akwareli.
  • Mollie Jenson (1890–1973) stworzyła serię wielkoformatowych rzeźb betonowych ozdobionych mozaikami z płytek w River Falls w stanie Wisconsin .
  • Susan Te Kahurangi King (ur. 1951) jest nowozelandzką artystką, której zdolność mówienia spadła w wieku czterech lat i całkowicie przestała mówić w wieku ośmiu lat. King jest autystycznym uczonym , który metodycznie stworzył cały analogiczny świat poprzez niezwykłe rysunki przy użyciu pióra, grafitu, kolorowego ołówka, kredki i tuszu. Rysowała obficie do początku lat 90., a potem bez powodu nagle przestała. King odnowiła rysunek w 2008 roku podczas kręcenia filmu dokumentalnego o jej twórczości.
  • Halina Korn (1902-1978) była Polką pochodzenia żydowskiego, która w czasie II wojny światowej osiedliła się w Londynie . Pierwotnie była pisarką, wyszła za mąż za artystę Marka Żuławskiego iw wieku średnim zajęła się rzeźbą i malarstwem. Malowała codzienność i wystawiała w Anglii, Szkocji, USA i Polsce.
  • Maud Lewis (1903–1970) była kanadyjską artystką ludową. Lewis malował jasne sceny wiejskiego życia Nowej Szkocji na znalezionych przedmiotach, w tym na deskach, materiałach budowlanych itp.
  • Helen Martins (1897–1976) przekształciła dom, który odziedziczyła po rodzicach w Nieu-Bethesda w RPA, w fantastyczne otoczenie ozdobione tłuczonym szkłem i rzeźbami z cementu. Dom jest znany jako Dom Sowy .
  • Babcia Moses (1860–1961), powszechnie uważana za malarkę sztuki ludowej .
  • Judith Scott (1943-2005) urodziła się głucha iz zespołem Downa . Po 35 latach instytucjonalizacji uczęszczała do Creative Growth Art Center (centrum dla niepełnosprawnych artystów w Oakland w Kalifornii) i została znaną na całym świecie rzeźbiarką z włókna .
  • Anna Zemánková (1908–1986) była czeską malarką, rysowniczką i pastelistką samoukiem. Jej prace były prezentowane na wystawie zbiorowej w londyńskiej Hayward Gallery w 1979 roku, a osiemnaście jej prac pokazano na Biennale w Wenecji w 2013 roku.

Zobacz też

Notatki

Dalsza lektura

  •   Altmann, Zuzanna. i in. wyd. (2019) Radykalne artystki z powstania Medei za żelazną kurtyną . Cornerhouse Publications, Manchester, Anglia ISBN 978-3960985273
  •   Anscombe, Isabelle, Dotyk kobiety: kobiety w projektowaniu od 1860 do dnia dzisiejszego , Penguin, Nowy Jork, 1985. ISBN 978-0-670-77825-6 .
  •   Armstrong, Carol i Catherine de Zegher (red.), Women Artists at the Millennium , The MIT Press , Cambridge, 2006. ISBN 978-0-262-01226-3 .
  •   Bank, Mirra, Anonymous była kobietą , Saint Martin's Press, Nowy Jork, 1979. ISBN 978-0-312-13430-3 .
  •   Broude, Norma i Mary D. Garrard , The Power of Feminist Art , Harry N. Abrams, Inc. Nowy Jork, 1995. ISBN 978-0-8109-2659-2 .
  •   Brown, Betty Ann i Arlene Raven, Narażenia: kobiety i ich sztuka , NewSage Press, Pasadena, Kalifornia, 1989. ISBN 978-0-939165-11-7 .
  •   Callen, Anthea, Kobiety Artystki Ruchu Sztuki i Rzemiosła, 1870–1914 , Pantheon, NY, 1979. ISBN 978-0-394-73780-5 .
  •   Caws, Mary Anne, Rudolf E. Kuenzli i Gwen Raaberg, Surrealizm i kobiety , MIT Press, Cambridge, MA, 1990. ISBN 978-0-262-53098-9 .
  •   Chadwick, Whitney (2007). Kobiety, sztuka i społeczeństwo . Świat sztuki Thames & Hudson. Tamiza i Hudson. ISBN 978-0-500-20393-4 .
  •   Chadwick, Whitney, Artyści i ruch surrealistyczny , Thames and Hudson, Londyn, 1985. ISBN 978-0-500-27622-8 .
  •   Chanchreek, KL i MK Jain, wybitne artystki , New Delhi, Shree Pub., 2007, xii, 256 str., ISBN 978-81-8329-226-9 .
  •   Cherry, Deborah, Painting Women: Victorian Women Artists , Routledge, Londyn, 1993. ISBN 978-0-415-06053-0 .
  •   Chiarmonte, Paula, Kobiety Artyści w Stanach Zjednoczonych: selektywna bibliografia i przewodnik po zasobach dotyczących sztuk pięknych i dekoracyjnych , GK Hall, Boston, 1990. ISBN 978-0-8161-8917-5
  •   Deepwell, Katy (red.), Kobiety Artyści i modernizm , Manchester University Press, 1998. ISBN 978-0-7190-5082-4 .
  •   Deepwell, Katy (red.), New Feminist Art Criticism; Critical Strategies , Manchester University Press, 1995. ISBN 978-0-7190-4258-4 .
  • Deepwell, Katy,   artystki w okresie międzywojennym: „Uczciwe pole i brak przysługi” . Manchester University Press, 2010. 15 listopada 2010. ISBN 978-0719080807 .
  •   Dobra, Elsa Honig, Kobiety i sztuka , Allanheld & Schram / Prior, Londyn, 1978. ISBN 978-0-8390-0187-4 .
  •   Florence, Penny and Foster, Nicola, Estetyka różnicowa , Ashgate, Burlington, 2000. ISBN 978-0-7546-1493-7 .
  •   Greer, Germaine, Wyścig z przeszkodami: losy kobiet malarzy i ich praca , Farrar Straus Giroux, Nowy Jork, 1979. ISBN 978-0-374-22412-7 .
  •   Harris, Anne Sutherland i Linda Nochlin, Kobiety Artyści: 1550–1950 , Los Angeles County Museum of Art, Alfred Knopf , Nowy Jork, 1976. ISBN 978-0-394-41169-9 .
  •   Heller, Nancy G., Artyści: historia ilustrowana . wyd. 4 Nowy Jork: Abbeville Press, 2003. ISBN 978-0789207685 .
  • Henkes, Robert. Sztuka czarnych amerykańskich kobiet: dzieła dwudziestu czterech artystów XX wieku , McFarland & Company, 1993.
  • Hess, Thomas B. i Elizabeth C. Baker, Sztuka i polityka seksualna: dlaczego nie było wielkich artystek? , Collier Books, Nowy Jork, 1971
  •   Larue, Anne, Histoire de l'Art d'un nouveau gatunek , z udziałem Nachtergael, Magali, Éditions Max Milo, 2014. (w języku francuskim) ISBN 978-2315006076
  •   Kowalczykowa Alina. „Zniewolnienie i ŒŚlady Buntu – czyli Autoportrety Kobiet od Claricii do Olgi Boznańskiej”. (Zniewolenie i oznaki buntu, czyli autoportrety kobiet od Claricii do Olgi Boznańskiej) Pamiętnik Literacki XCVII, 2006, nr. 1 ISSN 0031-0514 . http://pamietnik-literacki.pl/wp-content/uploads/2017/02/7-Kowalczykowa.pdf (w języku polskim) (streszczenie w języku angielskim)
  •   Marsh, Jan, The Prerafaelite Sisterhood , St. Martin's Press , Nowy Jork, 1985. ISBN 978-0-7043-0169-6 .
  •   Marsh, Jan, Kobiety prerafaelitów: obrazy kobiecości w sztuce prerafaelitów , Phoenix Illustrated, Londyn, 1998. ISBN 978-0-7538-0210-6
  •   Marsh, Jan i Pamela Gerrish Nunn, prerafaelickie artystki , Thames and Hudson, Londyn, 1998. ISBN 978-0-500-28104-8
  •   Narodowe Muzeum Kobiet w sztuce , Harry N. Abrams, Inc. , Nowy Jork 1987. ISBN 978-0-8109-1373-8 .
  •   Nochlin, Linda, Kobiety, sztuka i władza oraz inne eseje , Harper & Row , Nowy Jork, 1988. ISBN 978-0-06-435852-1 .
  •   Parker, Rozsika i Griselda Pollock, Framing Feminism: Art and the Women's Movement, 1970–1985 , Pandora, Londyn i Nowy Jork, 1987. ISBN 978-0-86358-179-3 .
  •   Parker, Rozsika i Griselda Pollock, Old Mistresses: Women, Art & Ideology , Pantheon Books , Nowy Jork, 1981. ISBN 978-0-7100-0911-1 .
  •   Parker, Rozsika, wywrotowy ścieg: haft i tworzenie kobiecości , Routledge, Nowy Jork, 1984. ISBN 978-0-7043-4478-5 .
  • Petteys, Chris, Dictionary of Women Artists: międzynarodowy słownik artystek urodzonych przed 1900 rokiem , GK Hall, Boston, 1985
  •   Pollock, Griselda, Wizja i różnica: kobiecość, feminizm i historie sztuki , Routledge, Londyn, 1988. ISBN 978-0-415-00722-1
  •   Pollock, Griselda, Pokolenia i geografie w sztukach wizualnych , Routledge, Londyn, 1996. ISBN 978-0-415-14128-4
  •   Pollock, Griselda (zredagowane i wprowadzone przez Florence, Penny), Patrząc wstecz na przyszłość , G&B Arts, Amsterdam, 2001. ISBN 978-90-5701-132-0
  •   Pollock, Griselda, Spotkania w wirtualnym muzeum feministycznym: czas, przestrzeń i archiwum , 2007. Routledge. ISBN 978-0-415-41374-9 .
  •   Rosenthal, Angela, Angelica Kauffman: Art and Sensibility , Londyn i New Haven: Yale University Press, 2006. ISBN 978-0-300-10333-5 .
  • Rubinstein, Charlotte Streifer, Amerykańskie rzeźbiarki: historia kobiet pracujących w trzech wymiarach , GK Hall, Boston. 1990
  • Parapety, Leslie. Wizje: historie o kobietach artystach , Albert Whitman & Company, 1993.
  •   Slatkin, Wendy, Voices of Women Artists , Prentice Hall , NJ, 1993. ISBN 978-0-13-951427-2 .
  •   Slatkin, Wendy, Kobiety Artyści w historii: od starożytności do XX wieku , Prentice Hall, NJ, 1985. ISBN 978-0-13-027319-2 .
  •   Kępki, Eleanor, Amerykańskie artystki, 1830–1930 , Narodowe Muzeum Kobiet w sztuce, 1987. ISBN 978-0-940979-02-4 .
  •   Waller, Susan, Kobiety Artyści w epoce nowożytnej: historia dokumentalna , Scarecrow Press Inc., Londyn, 1991. ISBN 978-0-8108-4345-5 .
  •   Watson-Jones, Virginia, Współczesne amerykańskie rzeźbiarki , Oryx Press, Phoenix , 1986. ISBN 978-0-89774-139-2
  • de Zegher, Catherine, Inside the Visible , MIT Press, Massachusetts, 1996.
  •   de Zegher, Catherine and Teicher, Hendel (red.), 3 X Abstrakcja , Yale University Press, New Haven, Drawing Center, Nowy Jork, 2005. ISBN 978-0-300-10826-2 .

Linki zewnętrzne

Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Women_artists&oldid=1146384468 ”