Jessica Akcjonariusz
Jessica Akcjonariusz | |
|---|---|
| Urodzić się | 1959
Seattle , Waszyngton, Stany Zjednoczone
|
| Narodowość | kanadyjsko-amerykański |
| Edukacja | Uniwersytet Yale , Uniwersytet Wiktorii |
| Znany z | Artysta instalacji , rzeźbiarz, malarz, grafik, grafik |
| Nagrody | Guggenheim Fellowship , Smithsonian Museum (Lucelia Artist), Anonymous Was A Woman Award , National Endowment for the Arts , Canada Council |
| Strona internetowa | https://jessicastockholder.info/ |
Jessica Stockholder (ur. 1959) to kanadyjsko-amerykańska artystka znana z instalacji i rzeźb site-specific, często określanych jako „obrazy w przestrzeni”. Doszła do rozgłosu na początku lat 90. dzięki monumentalnym pracom, które kwestionowały granice między dziełem sztuki a środowiskiem wystawowym, a także między doświadczeniem obrazowym a fizycznym. Jej sztuka często przedstawia „zaporę” odważnych kolorów, tekstur i przedmiotów codziennego użytku, obejmującą podłogi, ściany i sufity, a czasem wylewającą się z miejsc wystawowych. Krytycy sugerują, że jej twórczość czerpie z różnych tradycji artystycznych, m.in ekspresjonizm abstrakcyjny , malarstwo pola kolorowego , minimalizm i pop-art . Od początku jej kariery zauważyli w jej pracach otwartość na spontaniczność, przypadek i marginalność oraz odrzucenie stałości, monetyzacji i konwencji dyscyplinarnych, które Stephen Westfall określił jako „niemal szokujące poczucie wolności”.
Stockholder wystawiał w Dia Art Foundation , Centre Pompidou , Whitney Museum of American Art , MoMA PS1 i Biennale w Wenecji . Jej prace należą do wielu muzeów, w tym Museum of Modern Art (MoMA), Museum of Contemporary Art, Los Angeles (MOCA), Art Institute of Chicago , British Museum i Stedelijk Museum Amsterdam . Otrzymała nagrody od Fundacji Guggenheima , Smithsonian American Art Museum , Anonymous Was A Woman i National Endowment for the Arts , między innymi. Mieszka w Chicago z mężem, malarzem Patrickiem Chamberlainem, jest profesorem i kierownikiem studiów podyplomowych na Wydziale Sztuk Wizualnych Uniwersytetu w Chicago .
Wczesne życie i kariera
Stockholder urodził się w Seattle w 1959 roku i wychował w Vancouver w Kanadzie. Jej rodzice, Fred i Kay Stockholder, byli profesorami języka angielskiego na Uniwersytecie Kolumbii Brytyjskiej . Jako nastolatka brała prywatne lekcje rysunku u rzeźbiarza Mowry'ego Badena , przyjaciela jej ojca, z którym formalnie studiowała później na University of Victoria (BFA, 1982). Jej praca licencjacka koncentrowała się na malarstwie, ale badała nietradycyjne podejścia wykraczające poza ramy obrazu, obejmujące obiekty, granice i architekturę, które pozostają centralne dla jej sztuki. Często cytowana wczesna praca, instalacja na podwórku mojego ojca (1983) obejmowała malowane przedmioty przymocowane do garażu jej ojca lub sąsiadujące z nim, w tym podwójny materac, drzwi szafki, rolkę drutu z kurczaka i prostokątny skrawek pomalowanej trawy.
W 1983 roku Stockholder zapisała się na Uniwersytet Yale , gdzie studiowała między innymi u Judy Pfaff , Jake'a Berthota , Mela Bochnera i Ursuli von Rydingsvard , i uzyskała tytuł magistra w 1985 roku. Jej praca na Yale była często efemeryczna i niejednoznaczna, jeśli chodzi o granice między grafiką a architekturą . Jej późniejsze Całowanie ściany rzeźby (1987–90) kontynuowały to podejście z samodzielnymi obiektami, angażując przestrzenie między ścianami a dziełami sztuki za pomocą luster i dołączonych lamp, które rzucają kolorowe światło na ściany i konstrukcje. Po ukończeniu studiów Stockholder przeniósł się na Brooklyn. Zyskała uznanie pod koniec lat 80. wystawami organizowanymi przez PS1, Mercer Union (Toronto), The Mattress Factory (Pittsburgh), a wkrótce potem American Fine Arts (Nowy Jork), Le Consortium (Francja), Whitney Museum (m.in. 1991 Biennale) i Renaissance Society (Chicago), między innymi.
Praca i odbiór
Instalacje i wystawy Akcjonariusza łączą znalezione i zakupione przedmioty, obszary pomalowane, pokryte wykładziną lub kolorem wewnętrznym oraz różne urządzenia do kadrowania w ujednolicone „obrazy”, które łączą dzieła sztuki i architekturę, powierzchnię i wsparcie oraz figurę i podłoże. Krytycy identyfikują jej główne obawy jako subiektywność, składnia wizualna i tworzenie znaczeń, doświadczenie fizyczne i czasowe oraz zmiana nawyków oglądania i konwencji artystycznych. Davida Pagela opisała swoje instalacje jako „niepozorne inwentarze łatwo dostępnych przedmiotów [i] hałaśliwie otwartych, ale rygorystycznie ustrukturyzowanych konstelacji”, w których „bezpretensjonalna pomysłowość, którą każdy mógłby zrobić, wypełnia lukę między marzycielskim idealizmem a przyziemnym pragmatyzmem ”.
Twórczość Stockholder została omówiona w odniesieniu do rozwoju sztuki instalacji oraz tradycji i postaci historii sztuki , w tym Cézanne'a i wczesnego modernizmu ( np . Caro , Gordon Matta-Clark i Robert Rauschenberg . Krytyk Barry Schwabsky zasugerował, że te precedensy podzielają z Stockholderem odrzucenie iluzjonizmu, nacisk na fizyczność malowanych powierzchni lub przedmiotów oraz bezpośrednie, agresywne użycie materiałów. Helen Molesworth i Jack Bankowsky zidentyfikowali „katalogowanie awangardowych strategii” w sztuce Stockholder, które ich zdaniem doprowadziło do błędnego odczytania jej prac w kategoriach czysto formalistycznych lub socjologicznych, obejmujących krytykę kultury konsumpcyjnej, instytucji lub klasa. Bankowsky i Schwabsky twierdzą, że Stockholder wybiera rozpoznawalne przedmioty ze względu na ich formalne, materialne lub typologiczne atrybuty, a nie dosłowne lub funkcjonalne (np. kontra Rauschenberg), ale wykorzystuje je bez całkowitego pozbawiania ich pozaartystycznych konotacji.
Michael Kimmelman , kontrastując z ironią i komentarzami społecznymi współczesnych instalacji ( Cady Noland , Jason Rhoades i Nancy Rubin ), wyróżnił „funkowe szaleństwo” i dowcip pracy Stockholdera jako bardziej zmysłowy, poetycki, romantyczny i uroczysty. Pisarze często zauważają, że odzwyczajenie Stockholder od codzienności przyczynia się do takich cech, a także stanów dezorientacji i fantazji w jej twórczości. Osiąga to poprzez zestawienie niekompatybilnych przedmiotów, użycie koloru (wewnętrznego lub zastosowanego) w celu potwierdzenia nieprawdopodobnych połączeń oraz podejście przestrzenne, które odrzuca uprzywilejowany punkt widzenia. Germano Celant opisał to podejście jako kwestionowanie „fragmentacji świadomości i perspektyw na rzecz wszechogarniającej wizji, pozbawionej hierarchii i granic”. W rezultacie wielu krytyków interpretuje intencje Stockholdera w kategoriach eksploracji lub eksperymentowania - Miwona Kwona , „postawy typu zarówno / i, a nie jednej z opcji albo / albo” - która utrzymuje sprzeczności.
Wczesne instalacje i rzeźby
W całej swojej karierze Stockholder była w dużej mierze podzielona na tymczasowe instalacje site-specific tworzone dla przestrzeni quasi-publicznych, takich jak muzea, oraz autonomiczne asamblaże lub rzeźby o bardziej ludzkiej skali, często budowane w jej pracowni i wystawiane w galeriach. Jej instalacje i wystawy galeryjne w latach 90. słynęły z dziwacznych zestawień, surowej konstrukcji i niezwykłej mieszanki niesforności z wyrafinowanym, matisse'owskim kolorem i wzornictwem. W recenzjach pokazów w American Fine Arts (1990) i Jay Gorney (1995) krytyk New York Times Roberta Smith scharakteryzował tę pracę jako prowokacyjną, „natarczywie abstrakcyjną” i niepokojącą w swojej determinacji „przestania mieć wizualny sens, łączenia nieprawdopodobnych stylów asamblażu i malarstwa Color Field [w] hybrydach tak dyskursywnych i dziwnych, że umysł nie może całkiem chwyć ich”. Recenzja programu w Los Angeles Times z 1996 roku opisała „chwalebnie niezdarne rzeźby” Stockholdera jako nieporęczne i swobodnie bezceremonialne, ale trzymane razem przez „przenikliwą, formalną inteligencję”.
między innymi duże instalacje w latach 90. w Dia Foundation, Middelheim Open Air Sculpture Museum ( Linoleum krajobrazowe , 1998, Antwerpia) i Power Plant (Toronto). Praca Dia, Your Skin in This Weather Bourne Eye-Threads & Swollen Perfume (1995), zajmowała pokój o powierzchni 3600 stóp kwadratowych, rozlewając się do holu centrum i przez okna na alejkę. Michael Kimmelman opisał to jako hałaśliwe i operowe, z blokami podskakujących kolorów o wysokiej tonacji i wieloma punktami obserwacyjnymi, tworząc wrażenie „wchodzenia w wycinankę Matisse'a, David Hockney scenografia” lub struktura Franka Gehry'ego . Kuratorka Lynne Cooke napisała, że Stockholder „namacalnie, konkretnie łączy przestrzeń sztuki i przestrzeń rzeczywistą, tak że [one] stają się wymienne”, pozwalając jej malarskiej przestrzeni osiągnąć jakość przeżywanego doświadczenia porównywalną z architekturą. Deborah Solomon z Sculpture nazwała instalację Power Plant ( First Cousin Once Removed lub Cinema of Brushing Skin , 1999) fowistyczną tour-de-force „głęboko kulturowego szaleństwa”. Napisała, że praca „udomowiła” historię sztuki, z przepełnioną zawartością - lampami, linoleum, podwieszanym sufitem, przewróconą taczką i ciężarówką z przyczepą z oponami pomalowanymi na niebiesko - która pozbawiła modernistyczne punkty odniesienia, takie jak Mondrian, i minimalizm ich typowej moralności grawitacja i dążenia utopijne.
Późniejsze instalacje i rzeźby, 2001–
Krytycy sugerują, że późniejsze instalacje i wystawy Stockholder zachęcają do większego stopnia łączności i udziału widzów poprzez włączenie ramp i platform „widokowych”, lokalnie ocalonych materiałów i przedmiotów oraz prac innych artystów. Identyfikują również zmianę materiałów w kierunku jasnych, domowych artykułów z dyskontów, takich jak wiadra, kosze na pranie, ociekacze do naczyń i plastikowe kubki.
Rzeźby Stockholder z 2000 roku zostały scharakteryzowane jako bardziej intymne, zwięzłe i mniej oparte na instalacjach niż wcześniejsze prace, z równowagą otwartej przestrzeni i formalnego rygoru z swobodą, swobodą improwizacji i malarstwem. W dwóch recenzjach wystawy „The New York Times” opisał jej „zespoły pola koloru” jako pokrojone i połączone przedmioty gospodarstwa domowego, ściany i podłogę, przywodzące na myśl „podmiejski dom złapany w następstwie eksplozji”, połączone wyrazistością uwodzicielskich jasnych kolorów i farba. W kolejnym pokazie (Mitchell-Innes & Nash, 2006) prace takie jak JS#433 i JS#436 słynęły z opanowania koloru i faktury, niekonwencjonalnych metod mocowania i zawieszania (np. ramy plecaków i namiotów, stojaki na rowery) oraz wyrazistych form, takich jak przewód elektryczny przywołujący na myśl kapryśny rysunek linii. Brooklyn Rail opisał je jako „skromne przedmioty”, które otwierają się na prywatną introspekcję i skojarzenia, element zaskoczenia i chwile „nieoczekiwanego piękna”. Spektakl „Seks w biurze” (1301PE, 2007) został opisany jako prowokacja eksplorująca tabu i „erotyka przyziemnych powierzchni materialnych”.
W tym okresie Stockholder stworzył tymczasowe instalacje na biennale SITE Santa Fe ( Obserwacja ptaków , 2001; zmontowane z materiałów odzyskanych z pojemników w Los Alamos ), Rice University ( Sam Ran Over Sand , 2005) i PS1 ( Of Standing Float Roots w rozrzedzonym powietrzu , 2006). W 2005 roku wystawiła dwie instalacje w Kunsthallen Brandts w Danii, White Light Laid Frozen i Bright Longing oraz Soggy Up the Hill . Artforum opisał poprzednią pracę jako „staranną kalibrację dziwnych współtowarzyszy” - fluorescencyjnie żółtą szafkę, niebieskie blaty, sznurki foliowych patelni, stare futra, ułożone w stos szklarnie, zróżnicowane oświetlenie i podwyższoną drewnianą rampę - która się wahała ” między zwariowaną komedią a wzniosłością”. Peer Out to See (2010, Reina Sofía Museum, Madryt) został opisany jako „przemieszczalny obraz”, który zawierał rzeźbiarską formę przypominającą zamarzniętą fontannę - wykonaną ze spiętrzonych krzeseł ogrodowych, wanien dla dzieci i plastikowych koszy - która sięgała szklanego sufitu i powtórzyła fontanna na zewnątrz muzeum.
Akcjonariuszowi zlecono również wykonanie zewnętrznych, tymczasowych instalacji. Flooded Chambers Maid (2009, Madison Square Park ) połączył materiały przemysłowe, niebieską gumową ściółkę, trybuny, wiadra, kosze i ogród o dowolnym kształcie w tętniący życiem, trójwymiarowy obraz przypominający konstruktywizm , na którym odwiedzający siedzieli, jedli obiad i bawili się. W Color Jam (2012) pokryła cztery rogi i budynki otaczające ruchliwe skrzyżowanie w centrum Chicago pasami spalonej pomarańczy, limonkowej zieleni i turkusu, tworząc efekt, który New York Times uznał za „ Christo spotyka Hansa Hofmanna ”.
„Asysty” i późne serie, 2015–
Dzięki serii „Assists” Stockholder rozszerzyła swoje badania nad płynnością i elementami śródmiąższowymi, takimi jak platformy i cokoły. Jej „asystentami” są modułowe rzeźby, które mogą stać pionowo tylko wtedy, gdy są przymocowane do dużego, pospolitego przedmiotu pomocniczego (nie uważanego za część pracy), takiego jak krzesło lub fortepian. Były wystawiane na kilku wystawach rozpoczynających się w 2015 roku, w tym na Art Basel 2018.
Spektakl „Door Hinges” ( Kavi Gupta , 2015) zawierał trzy asysty przypięte winylowymi paskami odpowiednio do pianina, zabytkowego biurka i inteligentnego samochodu elektrycznego, a także efemeryczną instalację z wijącym się wybiegiem, zatytułowaną A Log lub zamrażarkę . Zawierała również oddzielną wystawę, której kuratorem była Stockholder („Assisted”), zestawiając jej prace z pracami szesnastu artystów, którzy wywarli na nią wpływ. Artforum' s Caroline Picard nazwała to „głęboką rozmową między przedmiotami i eksperymentami estetycznymi, podkreślającą [a] dynamiczną, wielogłosową sieć”. „Goście wszyscy zatłoczeni w jadalni” (Mitchell-Innes & Nash, 2016) była wciągającą wystawą zawierającą dwie asysty, autonomiczne rzeźby i efemeryczną „sytuację” złożoną z krętej, skalowalnej platformy-sceny, która umożliwiała oglądanie rysunków, które wisiały na połaciach pomarańczy i różu namalowanych na ścianach galerii. W 2019 roku Centraal Museum zorganizowało „Stuff Matters”, dużą wystawę, której Stockholder była współkuratorką z Laurie Cluitmans, do której włączyła sześćdziesiąt przedmiotów z kolekcji muzeum w sposób analogiczny do wykorzystania przedmiotów w jej rzeźbie. Pokaz obejmował dwie asysty przypięte do przedmiotów muzealnych, rzeźby z dwudziestu lat jej pracy oraz efemeryczną instalację.
Późniejsze prace Akcjonariusza obejmują serie „EWaste” i „Specific Shape/Fixed Object”. David Pagel opisał prace „EWaste” – przeróbki znalezionych urządzeń elektronicznych i sprzętu komputerowego w abstrakcyjne rzeźby – jako „chytrze wywrotowe”, napięte amalgamaty łączące swobodne skojarzenia spekulacji z formalną mocą kolaży Matisse'a z papieru. W pokazie z 2021 roku Stockholder połączyła swoje „specyficzne kształty” – formy ręcznie malowane na ścianach, których skala zmienia się z jednej instalacji na drugą – z „stałymi przedmiotami”, małymi rzeźbami złożonymi z materiałów codziennego użytku, które pozostają niezmienione w różnych instalacjach.
Inna działalność zawodowa
Stockholder była kuratorką kilku pokazów własnych prac i innych. Pokazy te odbywały się w Gorney Bravin & Lee (2003), Tang Museum („Złodziej klejnotów”, którego kuratorem był Ian Berry, 2010), Kavi Gupta („Assisted”, 2015), The Contemporary Austin (2018, praca: Robert Davidson ), Centraal Museum (z Laurie Cluitmans, 2019) i OGR Turino (2021).
W latach 1999-2011 Stockholder był dyrektorem i profesorem studiów podyplomowych z rzeźby na Uniwersytecie Yale. W latach 2011-2018 była przewodniczącą Wydziału Sztuk Wizualnych na Uniwersytecie w Chicago, a obecnie jest kierownikiem studiów podyplomowych.
Uznanie
Akcjonariusz otrzymał stypendium Guggenheima (1996); nagrody Lehmbruck Museum w Niemczech (2001), Smithsonian American Art Museum (Lucelia Artist Award, 2007), Anonymous Was A Woman (2012) oraz American Academy of Arts and Letters ; oraz granty z National Endowment for the Arts, New York Foundation for the Arts i Canada Council . Została wybrana do National Academy of Design w 2011 roku i otrzymała tytuł doktora honoris causa od Emily Carr College of Art i Columbia College Chicago odpowiednio w 2010 i 2013 roku.
Prace Akcjonariusza należą do publicznych kolekcji amerykańskich muzeów, w tym MoMA, Albright-Knox Art Gallery , Art Institute of Chicago, Los Angeles County Museum of Art , MOCA LA, Museum of Fine Arts, Boston , National Gallery of Art , Orange County Museum of Art , Muzeum Sztuki Nowoczesnej w San Francisco i Whitney Museum. Należy do międzynarodowych kolekcji British Museum, Carré d'Art , Centraal Museum, GAM Torino , Le Consortium, Lehmbruck Museum , Mumok , Musée National d'Art Moderne (Centre Pompidou), National Gallery of Australia , Städel , Stedelijk Museum Amsterdam i Vancouver Art Gallery .
Linki zewnętrzne
- Strona Jessiki Stockholder
- Profil Jessiki Stockholder Art21
- Wywiad z Jessicą Stockholder | Co jest normalne , Dziennik ATP
- Projekt dla Artforum autorstwa Jessiki Stockholder
- Jessica Akcjonariusz | Sprawy ważne , 2019
- „Color Jam”: rozmowa z Jessicą Stockholder , 2012
| Ogólny | |
|---|---|
| Biblioteki Narodowe | |
| Galerie sztuki i muzea | |
| Instytuty badawcze sztuki | |
| Naukowe bazy danych | |
| Inny | |
