Sztuka jedzenia

Sztuka kulinarna to rodzaj sztuki , który przedstawia jedzenie, napoje lub przedmioty jadalne jako medium lub przedmiot dzieła artystycznego w celu stworzenia atrakcyjnej prezentacji wizualnej lub zapewnienia krytyki społecznej. Może być przedstawiony w formacie dwuwymiarowym lub trójwymiarowym, jak obraz lub rzeźba . Sztuka kulinarna może również zawierać jedzenie jako medium.

Współcześni artyści zajmujący się jedzeniem eksperymentowali z różnymi metodami i technikami, takimi jak fotografia , aby zmienić jej cel i wykorzystać ją jako źródło opowiadania historii, humoru i podkreślania aktualnych problemów światowych, takich jak rasizm i aktywizm polityczny . Niektóre dzieła sztuki kulinarnej wykorzystują materiały, takie jak kamień, do odtworzenia jedzenia.

Charakterystyka

Dzieła sztuki kulinarnej mają swoje własne cechy, które odróżniają je od tradycyjnego sposobu postrzegania jedzenia. Mają swoje własne cechy, jeśli chodzi o to, jak wyglądają dla obserwatora, doświadczenie, które oferują publiczności i ich znaczenie.

Wizualny

Dojrzały owoc wolności . Dzwon Wolności wykonany z owoców. Wnętrze budynku rolniczego. Z Columbian Gallery: Portfolio fotografii z Wystawy Światowej autorstwa The Werner Company. 1893.
Pocztówka przedstawiająca maślaną rzeźbę Johna K. Danielsa przedstawiającą chłopca, krowę i cielę, Iowa State Fair, 1904. Sponsorowana przez Beatrice Creamery Co.

Artykuły spożywcze można przekształcić w obiekty wizualne, które można uznać za dzieła sztuki, ponieważ niekoniecznie są one przeznaczone do spożycia. Rzeźby z masła, cukru, kukurydzy i innych produktów rolnych były częstym elementem jarmarków w drugiej połowie XIX i na początku XX wieku

Podczas gdy w drugiej połowie XX i XXI wieku wykorzystanie fotografii cyfrowej wzrosło i była wykorzystywana jako nowy sposób dotarcia do odbiorców poprzez sztukę współczesną. Fotografia kulinarna , zwykle używana w środowisku komercyjnym, rejestruje martwą naturę żywności używaną w reklamach, opakowaniach, czasopismach i menu. Platformy mediów społecznościowych, takie jak Instagram i TikTok, umożliwiły artystom i użytkownikom-amatorom łatwe dzielenie się swoimi dziełami online i w rezultacie zapoczątkowały trendy takie jak #foodporn i #instafood.

Wydajność

Tradycyjne dzieła sztuki kulinarnej są przedstawiane w dwuwymiarowych martwych naturach, ale niektórzy współcześni artyści kulinarni eksperymentowali z wykorzystaniem performansu jako formy ekspresji, aby zmienić nasze rozumienie niepokojących problemów.

Red Hong Yi (znany również jako „Red”), malezyjski artysta i architekt, odtworzył portret wielkości talerza całkowicie z jedzenia. Do tej pory Red stworzył prace przedstawiające twarz Ai Weiwei z nasion słonecznika, Jay Chou z plam po kawie i inne współczesne chińskie ikony z różnych przedmiotów. Oprócz humoru jej prace artystyczne stanowią wyzwanie dla aktualnych problemów globalnych i politycznych. Jej najnowszy projekt obejmuje serię portretów azjatyckich osób z artykułów spożywczych, takich jak posypka do ciasta i liście matcha, zatytułowana „Nie jestem wirusem”. W tej serii próbowano odnieść się do antyazjatyckiego rasizmu i przemocy na całym świecie, zwłaszcza po pandemii koronawirusa.

Udział widzów

Sztuka kulinarna może kwestionować, zaskakiwać i angażować odwiedzającego, stawiając na pierwszym miejscu interakcje społeczne i udział w wydarzeniu, aby stworzyć dyskusję na dany temat. W 1962 roku Alison Knowles , założycielka Fluxus , artystka wizualna i performerka, zadebiutowała swoją pracą Make a Salad (nazywaną także Propozycją nr 1: Make a Salad ) w Instytucie Sztuki Współczesnej w Londynie. Od tego czasu był odtwarzany w różnych miejscach, takich jak Tate Modern w 2008 r., High Line w 2012 r., Walker Art Center , a ostatnio w Art Basel w 2016 r . Make a Salad zaangażował Knowles i uczestników przygotowujących i rzucających ogromne ilości warzywa w dressingu, a następnie podawanie go widzom. W czasie jego pierwotnego pokazu, impresario, John Cage, ukuł to dzieło jako „New Music”.

Ponadto w 1992 roku tajski artysta Rirkrit Tiravanija zorganizował wydarzenie w nowojorskiej Galerii 303 z zamiarem „zbliżenia ludzi”. Tam praca Tiravaniji zatytułowana Untitled (darmowa) polegała na tym, że podawał odwiedzającym galerię darmowe miski pad thai curry i ryżu, aby zachęcić do społeczności, w której uczestnicy gromadzili się, aby wziąć udział w zajęciach.

Oznaczający

Znaczenie żywności w tradycyjnym sensie polega na funkcjonalnym użytkowaniu i dostarczaniu pożywienia poprzez spożywanie. Prace artystyczne wykorzystujące jedzenie jako medium mogą być reprezentacyjne i metaforycznie wyrażać emocje, ponieważ według krytyka sztuki Carolyn Korsmeyer mogą zapewnić perspektywę tego, co symbolizują. Jednak może być również ogólnie niejasny ze względu na swoją przejściową formę. Ich interpretacja byłaby uzależniona od czasu, w którym zwiedzający eksploruje dzieło sztuki.

Artyści, którzy przedstawiają lub wykorzystują jedzenie

Leonardo da Vinci, Ostatnia Wieczerza (1495-1498)

Obraz przedstawia scenę Ostatniej Wieczerzy Jezusa z uczniami z Ewangelii Jana 13:21, gdzie zapowiedział, że jeden z nich Go zdradzi. Uważa się, że został namalowany między 1495 a 1498 rokiem. Pomimo tego, że obraz koncentruje się na Judasza , przedstawienia posiłku zawierają gęstą symbolikę opowieści z chlebem i winem, które mają przedstawiać Ciało i Krew Chrystusa, które złożył w ofierze w imieniu ludzkości. Ponadto na obrusie wyeksponowane są talerze z owocami i rybami, prawdopodobnie węgorzami lub śledziami. Naukowcy zasugerowali, że chociaż węgorze nie byłyby podawane w oryginalnym posiłku, jest on symboliczny i popularny w okresie renesansu , kiedy był produkowany przez Leonarda da Vinci .

Giuseppe Arcimboldo, Lato , 1563.

Giuseppe Arcimboldo, Cztery pory roku (1563-1573)

W okresie renesansu włoski malarz Giuseppe Arcimboldo namalował kilka ludzkich portretów, na których rysy twarzy osób składały się z owoców, warzyw i kwiatów z zamiarem stworzenia humorystycznej rozrywki i symbolicznej ciekawości. Cztery pory roku , zestaw czterech portretów wykonanych w latach 1563-1573 dla Maksymiliana II, Świętego Cesarza Rzymskiego, przedstawiał różne pory roku poprzez układy owoców, warzyw, roślin i kwiatów. Każdy obraz przedstawiał owoce i warzywa odpowiednie do pory roku i pory roku. Zaprojektowany, aby zniekształcać i bawić się umysłem widza za pomocą iluzji, jego prace kwestionują ludzkie postrzeganie i istniejące koncepcje, ponieważ muszą sami zbudować obraz podobny do puzzli.

Pieter Aertsen, Sceny targowe (1569)

Pieter Aertsen, Scena targowa, 1569

Podczas gdy praca Leonarda da Vinci „Ostatnia wieczerza” skupiała się na religii, a Anne Vallayer-Coster na bogactwie i dostatku, inni artyści, jak Pieter Aertsen , zajęli bardziej rozwiązłe stanowisko w przedstawianiu jedzenia w jego pracach artystycznych. Jedzenie było używane na wiele sposobów, aby odwrócić uwagę od przedmiotu, aby jawnie symbolizować erotyzm. Na przykład w 1569 roku Aertsen stworzył fragment sceny targowej przedstawiający taką tematykę zatytułowany Market Woman in Berlin. Przedstawiał kobietę pochyloną do przodu, trzymającą kapustę w jednej ręce i nóż w drugiej, przykuwając wzrok (mężczyzny) obserwatora.

Anne Vallayer-Coster, Martwa natura z homarem (1817).

Anne Vallayer-Coster, Martwa natura z homarem (1817)

Jedzenie odgrywało również silną rolę figuratywną w martwych naturach, kreacjach artystycznych. W szczególności to, jakie produkty spożywcze były prezentowane, opowiadało historię poprzez refleksję nad kulturą społeczną i oznaczało bogactwo i status jednostki, takie jak homar, owoce cytrusowe i wędliny. Jak holenderscy malarze Pieter Claesz i Jan Davidsz. de Heem , Anne Vallayer-Coster zainspirowała się wykorzystaniem tekstury do pokazania takiego bogactwa w swoim ostatnim obrazie Martwa natura z homarem (1817). Wystawiona w Salonie i podarowana królowi Ludwikowi XVIII , jej praca zawierała wyszukaną aranżację homara na pierwszym planie otoczoną kopcami owoców, warzyw, mięsa i srebrnego naczynia. Ukuta jako „podsumowanie jej pracy”, jej specyficzna technika pociągnięcia pędzlem i użycie żywych kolorów do stworzenia świetlistej cechy na skorupie homara ma na celu odwołanie się do luksusowej konsumpcji żywności i stylu życia francuskiej i holenderskiej elity.

Dietera Rotha

Szwajcarsko-niemiecki artysta Dieter Roth jest znany z używania jedzenia jako medium, zwłaszcza czekolady. W połączeniu z tradycyjną szwajcarską kulturą użycie czekolady identyfikuje narodową obsesję i przyjemność ze słodyczy. W połowie lat 60. stworzył serię prac, w których różne przedmioty zanurzano w czekoladowych cylindrach, w tym Untitled (Lalka) z 1969 roku. Inne prace wykorzystywały motocykle, samoloty-zabawki i pamiątki.

W 1970 roku szwajcarsko-niemiecki artysta Dieter Roth zaczął wykorzystywać żywność jako materiał. Stworzył utwór o nazwie Staple Cheese (wyścig) , gra słów oznaczająca wyścig z przeszkodami , który przedstawiał 37 walizek wypełnionych serem wystawionych na podłodze w Muzeum Eugenia Butler w Los Angeles . Z czasem ser zaczął gnić i przyciągał chmary much i robaków ku niesmakowi widza. William Wilson, krytyk sztuki, rozbawił wystawę i przytłaczający smród:

„Każda skrzynia ma być otwarta w innym dniu, aż do zamknięcia wystawy 33 maja. Rot pożyczył dwa dni z czerwca i nazwał ten gest „przemieszczeniem miesiąca”. ... podstawowym serem jest wyścig, aby zobaczyć, który smak staje się najwyższy, najszybszy... W każdym razie mamy szansę przetestować ideę, że sztuka staje się lepsza wraz z wiekiem. Czysta burleska.

— Williama Wilsona

Zobacz też

Dalsza lektura

Linki zewnętrzne

Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Food_art&oldid=1138752431 ”