Mequitta Ahuja

Mequitta Ahuja
Urodzić się 3 lutego 1976
Grand Rapids, Michigan
Alma Mater
Hampshire College ( BA ) University of Illinois w Chicago ( MSZ )
Ruch Sztuka współczesna
Strona internetowa MequittaAhuja.com

Mequitta Ahuja (ur. 1976) to współczesna amerykańska malarka feministyczna pochodzenia afroamerykańskiego i południowoazjatyckiego , która mieszka w Baltimore w stanie Maryland . Ahuja tworzy autoportrety , które łączą motywy mitów i legend z osobistą tożsamością.

Wczesne życie

Mequitta Ahuja urodziła się w Grand Rapids w stanie Michigan w rodzinie Indian i Afroamerykanów, pochodzących odpowiednio z New Delhi i Cincinnati. Ahuja dorastał w przeważnie białej społeczności w Connecticut i miał niewielki kontakt ze społecznościami i kulturą Afroamerykanów. Jej wychowanie w tym środowisku jest częstym tematem w jej twórczości.

Ahuja uzyskała tytuł licencjata w Hampshire College w Amherst w stanie Massachusetts w 1998 r., a tytuł magistra na University of Illinois w Chicago w 2003 r., gdzie jej mentorem był współczesny artysta Kerry James Marshall .

Kariera i prace

wystawie Ahuja w Nowym Jorku, krytyk sztuki New York Times Holland Cotter powiedział o pracach Ahuji: „Nawiązując do afroamerykańskiego i wschodnioindyjskiego pochodzenia artysty, obrazy zamieniają marginalność w stan królewski”. Sztuka Ahuja bada społeczną konstrukcję kwestii takich jak rasa , płeć i tożsamość poprzez technikę autoportretu . Aby tworzyć swoje obrazy, Ahuja opiera się na trzyetapowym procesie obejmującym performans , fotografię i rysunek /malarstwo. Ahuja zaczyna od opracowania serii przedstawień obejmujących kostiumy, rekwizyty i pozy. Za pomocą zdalnej migawki fotografuje swoje występy i dokumentuje je jako „ niefikcyjny materiał źródłowy ”. W końcu włącza te fotografie do swojego wymyślonego materiału, czego efektem są jej ukończone autoportrety.

Ahuja określiła swoje obrazy jako feministyczne , odnosząc się do dominującej w jej pracach asertywnej, samowystarczalnej obecności kobiet i często zwraca się do swoich afroamerykańskich i południowoazjatyckich korzeni w rozważaniach dotyczących kwestii tożsamości. Stwierdza, że ​​​​dzięki swojej sztuce „Czuję, że mogę mieć relacje z tymi grupami na własnych warunkach”. W 2007 roku Ahuja została uwzględniona na wystawie Global Feminisms w Brooklyn Museum of Art , aw 2009 jej obraz „Dream Region”, odzwierciedlający jej różne tożsamości, znalazł się na okładce książki Wojenne dziecko / kochane dziecko: mieszana rasa Sztuka azjatycko-amerykańska .

Ahuja przywłaszcza sobie starożytne mity i legendy , takie jak XV-wieczny rękopis perski i miniaturowe obrazy Mogołów , do własnego zaangażowania w pewne rodzaje fabrykowania tożsamości. Wyartykułowała swój własny styl artystyczny jako „ Najważniejsze dla mnie jest to, czy mamy możliwość samodzielnego wymyślania i samoreprezentowania… procesów twórczych, które z konieczności są bricolage . Opieramy się na historii osobistej i kulturowej, a także na naszej twórczej wyobraźni” . W jej projektach „Autokartografia I” i „Rhyme Sequence: Wiggle Waggle” obrazy malarskie mają charakter międzykulturowy i autobiograficzny . Ahuja został zmuszony do studiowania mitów, folkloru i starożytnych dzieł, aby omówić, w jaki sposób są one reprezentowane w sztuce. Łączy w sobie własne dziedzictwo kulturowe z zachodnim kanonem sztuki, aby odkrywać historie i obrazy związane z jej doświadczeniem. Odniesienia do historii sztuki zachodniej są również widoczne w pracach Ahuja, od malarstwa wczesnego włoskiego renesansu po impresjonizm i postimpresjonizm. Łącząc te zachodnie armaty artystyczne z południowoazjatyckimi tradycjami artystycznymi, mówi się, że Ahuja „odzyskała twórcze autorstwo” lub sprawczość w swoim autoportrecie.

Ahuja nazywa swoją pracę „automitografią”, rozwinięciem „biomitografii” feministki Audre Lorde . Ahuja opisuje „automitografię” jako „połączenie osobistej narracji z kulturową i osobistą mitologią”.

Ahuja często maluje własne prace, traktując nieudane obrazy jako okazję, która „pozwala na rzeczy, których nie można zaplanować”. Ahuja interesuje się również procesem, budowaniem powierzchni poprzez malowanie, stemplowanie w celu stworzenia złożonej powierzchni. „Myślę o gruncie jako o przestrzeni kulturowej. Zamiast zaczynać od zwykłej strony, zaczynam od tej warstwy kultury, więc kiedy buduję swoje obrazy, jest to naprawdę walka między postacią a grunt. W końcu jest ten zintegrowany, zszyty element między nimi... Interesuje mnie mieszanie tych tradycji: płaskość przestrzeni, ale także trochę przestrzeni perspektywicznej i głębi w powierzchni. Myślę, że w tym właśnie jesteśmy w malarstwie Myślę, że my, jako artyści, mamy teraz swobodę czerpania z historii tego, co chcemy ”.

Mequitta Ahuja, The Italy Drawings - Duomo, colored pencil on paper
Kolorowy ołówek na papierze.

W 2008 roku Ahuja stworzył Tress IV , mając na celu przekształcenie wizerunku Afroamerykanów w „przestrzeń nieskończonych możliwości twórczych lub możliwości generatywnych”. Ahuja uważa, że ​​włosy Afroamerykanów są często obciążone „historią osobistą i kulturową”. Wyolbrzymiając obraz włosów Afroamerykanów, pokazuje wartość, jaką mają włosy w życiu czarnych ludzi i jak stale ewoluują standardy piękna, odchodząc od bardziej eurocentrycznego do afrocentrycznego ideał piękna. Jej dwoma głównymi zmartwieniami w tym okresie były „wynalezienie siebie i autoprezentacja”.

Prace Ahuja były wystawiane w całych Stanach Zjednoczonych , a także w Paryżu , Brukseli , Berlinie , Indiach , Dubaju i Mediolanie . W 2010 roku Ahuja została opisana jako „Artist to Watch” w lutowym wydaniu ARTnews i przez lata była laureatką wielu nagród za swoją sztukę, w tym nagrody Fundacji Tiffany w 2011 roku i stypendium Joan Mitchell w 2009 roku. . W 2018 roku otrzymała stypendium Guggenheima od Fundacji Pamięci Johna Simona Guggenheima , która od prawie wieku pomaga wybranym artystom rozwijać ich twórczość.

Wystawy

Na początku jej kariery wystawa Ahuja, Myth and Memory: Dancing on the Hide of Shere Khan , była prezentowana w MCA Chicago UBS 12X12: New Artists/New Work w listopadzie 2005. Podobnie jak w przypadku większości jej prac, wystawa dotyczyła ludzi tożsamości, opartej na jej własnym doświadczeniu wielorasowej kobiety.

W 2008 roku Ahuja otworzyła swoją indywidualną wystawę Flowback w Lawndale Art Center w Houston w Teksasie. Flowback zajmował się różnymi relacjami między czarnymi kobietami a ich włosami, poprzez teksturowane i wzorzyste rysunki kredkami przedstawiające włosy czarnych kobiet wypływające z ich pochylonych do tyłu głów. Pokaz obejmował również pracę zatytułowaną Loop , w której włosy dwóch kobiet są splecione w sieć prostych i kręconych loków, z pasemkami i wybuchami światła.

Ahuja nie była nowością w wystawach indywidualnych w 2008 roku. Wiosną 2007 roku miała indywidualną wystawę w BravinLee Programs w Nowym Jorku, zatytułowaną Encounters. W 2009 roku przyniosła do BravinLee Programs nowe prace, zatytułowane Automythography I. W tym czasie Ahuja została finalistką konkursu portretowego Outwin Boochever 2009 w Smithsonian National Portrait Gallery w Waszyngtonie. Przedstawiony przez nią portret zatytułowany Repunzel , przedstawia odwróconą głowę czarnej kobiety z kręconymi włosami spływającymi w dół i podzielonymi na sekcje dwiema cienkimi białymi liniami. Utwór został narysowany woskową kredą na papierze przez Ahuję w 2008 roku, w tym samym roku, w którym odbyła się jej indywidualna wystawa Flowback .

Po wystawie Automythography I Ahuja przywiozła pokaz, który nazwała Automythography II, do Arthouse w The Jones Center w Austin w Teksasie. Pokaz trwał od 24 października 2009 do 2 stycznia 2010. Niedługo potem Ajuha zyskał reprezentację w Europie w Galerie Nathalie Obadia w Paryżu we Francji, pokazem, który rozpoczął się w kwietniu 2010. Później w 2010 Ahuja był artystą w rezydencji w The Studio Museum w Harlemie w Nowym Jorku. Zwieńczeniem rezydencji była wystawa Przeszłości użytkowe, który trwał od lipca do października. Przedstawiono mityczny autoportret Ahuja, Generator . W nim Ahuja pojawia się jako bogini w różowych szatach.

Prace Ahuja były nadal pokazywane na wystawach zbiorowych w latach 2011 i 2012, dwukrotnie występując z Galerie Nathalie Obadiah w Brukseli, począwszy od Armory Show 2011. Od listopada 2012 do następnego roku Portraiture Now: Drawing on the Edge był wystawiany w Smithsonian National Portrait Gallery w Waszyngtonie, a Ahuja był jednym z prezentowanych artystów. W 2013 roku Ahuja wystawiał w Thierry Goldbery w Nowym Jorku.

W 2014 roku Ahuja została wybrana przez Crystal Bridges Museum of American Art jako jeden z wschodzących artystów z całych Stanów Zjednoczonych prezentowanych na ich wystawie State of the Art: Discovering American Art Now. Wystawa jest wynikiem podróży, którą zespół kuratorski muzeum odbył w 2013 roku, aby zbadać sztukę amerykańską tamtych czasów, odwiedzając ponad 1000 artystów w ich pracowniach, przeprowadzając wywiady i wybierając około 100 różnych artystów, aby zaprezentowali swoje unikalne amerykańskie perspektywy na wystawie końcowej. Wystawa została później udostępniona innym instytucjom artystycznym, takim jak Minneapolis Institute of Art , Minneapolis, Minnesota w 2016 r. oraz Telfair Museums Jepson Center. W tym samym roku Minneapolis Institute of Art umieścił prace Ahuja w innej wystawie, Marks of Genius: One Hundred Extraordinary Drawings.

Czując się odizolowany i szukając sposobu na uczestnictwo i łączenie się ze światem sztuki, Ahuja złożył wniosek o nagrodę Sondheim Artscape Prize 2015 i został finalistą, rywalizując o stypendium w wysokości 25 000 USD i wystawiając prace w Baltimore Museum of Art w Maryland . Chociaż nie otrzymała nagrody, jej udział w wystawie zaowocował nowymi przyjaźniami i działał jako katalizator do kontynuowania stypendiów artystycznych. W 2017 roku ponownie została finalistką nagrody Sondheima, aw 2018 roku otrzymała stypendium Guggenheima.

Ahuja brał udział w kilku kolejnych wystawach w latach 2015 i 2016, w tym w pokazach w Tiwani Contemporary w Londynie w Anglii, Baltimore Museum of Art w Maryland, Grand Rapids Art Museum w Michigan i Silber Gallery w Goucher College w Towson, MD. Wystawa Tiwani Contemporary, zatytułowana Mythopoeia, zgromadziła czterech artystów z całego świata, aby zgłębić temat tworzenia mitów w sztuce jako środka do zrozumienia naszego świata i wzniesienia kultury. Na potrzeby tej wystawy Ahuja zaprezentowała nową serię autoportretów jako „The Journeyman”, która wykorzystała jej charakterystyczną „automitografię”, aby zbadać artystkę zarówno jako archetyp, jak i jednostkę.

Ahuja brał udział w wystawie Champagne Life w 2016 roku w Saatchi Gallery w Londynie w Anglii. Spektakl był krytykowany przez niektórych za powierzchowny feminizm i brak spójności poza posiadaniem wszystkich artystek, chociaż sama grafika była chwalona za wysoką jakość.

W 2017 roku prace Ahuja były częścią wielu wystaw, w tym Lucid Dreams i Distant Visions w Asia Society w Nowym Jorku, na których eksplorowano prace artystów z południowoazjatyckiej diaspory. State of the Art: Discovering American Art Now w Dixon Gallery and Gardens w Memphis w stanie Tennessee zawierało również prace Ahuja z 2017 roku, wraz z Shifting: African-American Women Artists and the Power of ich Gaze na University of Maryland 's David C. Centrum Driskell , The Reflection in the Sword of Holofernes w Galveston Artist Residency w Galveston w Teksasie , która koncentrowała się na „wyrażaniu swojej prawdy w najbardziej bezpośredni sposób, jaki znasz” oraz State of the Art: Discovering American Art Now w Frist Center for the sztuk wizualnych w Nashville, Tennessee.

W 2021 roku Ahuja był jednym z czterech artystów biorących udział w wystawie „All Due Respect” w Baltimore Museum of Art , wraz z LaToyą M. Hobbs , Lauren Frances Adams i Cindy Cheng. Prace Ahuji na tej wystawie poruszają tematy żalu i troski.

Wybrane kolekcje

Linki zewnętrzne

Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Mequitta_Ahuja&oldid=1108450987 ”