Łam!
| Łam! | |
|---|---|
 | |
| Artysta | Roya Lichtensteina |
| Rok | 1963 |
| Średni | Magna akryl i olej na płótnie |
| Ruch | Pop Art |
| Wymiary | 172,7 cm × 406,4 cm (68,0 cala × 160,0 cala) |
| Lokalizacja | Tate Modern w Londynie |
Łam! to dyptyk z 1963 roku autorstwa amerykańskiego artysty Roya Lichtensteina . Jest to jedno z najbardziej znanych dzieł pop-artu i jedno z najważniejszych dzieł Lichtensteina. Łam! został po raz pierwszy wystawiony w Leo Castelli Gallery w Nowym Jorku w 1963 roku i zakupiony przez Tate Gallery w Londynie w 1966 roku. Od 2006 roku jest na stałej wystawie w Tate Modern .
Panel po lewej stronie przedstawia samolot myśliwski wystrzeliwujący rakietę, która na panelu po prawej stronie uderza w drugi samolot, który eksploduje w płomieniach. Lichtenstein zaadaptował obraz z kilku komiksowych . Przekształcił swoje główne źródło, panel z komiksu wojennego z 1962 roku, przedstawiając go jako dyptyk, zmieniając jednocześnie relacje elementów graficznych i narracyjnych. Łam! jest uważany za czasową, przestrzenną i psychologiczną integrację swoich dwóch paneli. Tytuł obrazu jest integralną częścią akcji i wpływu obrazu i jest wyświetlany w dużej onomatopei w prawym panelu.
Lichtenstein studiował jako artysta przed i po służbie w armii Stanów Zjednoczonych podczas II wojny światowej . Podczas szkolenia podstawowego ćwiczył ćwiczenia przeciwlotnicze i został wysłany na szkolenie pilotów, ale program został odwołany przed rozpoczęciem. Wśród tematów, które podejmował po wojnie, były romans i wojna . W kilku pracach przedstawił walkę powietrzną. Łam! jest częścią serii o wojnie, nad którą pracował w latach 1962-1964, i wraz z As I Opened Fire (1964) jest jednym z jego dwóch dużych obrazów o tematyce wojennej.
Tło
W 1943 roku Lichtenstein porzucił studia malarstwa i rysunku na Ohio State University , aby służyć w armii amerykańskiej, gdzie pozostał do stycznia 1946 roku. sanitariusz, rysownik i artysta w rolach niezwiązanych z walką. Jednym z jego obowiązków w Camp Shelby było powiększanie kreskówek Stars and Stripes Billa Mauldina . Został wysłany do Europy z batalionem inżynieryjnym, ale nie widział aktywnej walki. Jako malarz ostatecznie zdecydował się na abstrakcyjny ekspresjonizm styl z elementami parodystycznymi. Około 1958 roku zaczął włączać do swoich abstrakcyjnych prac ukryte obrazy postaci z kreskówek, takich jak Myszka Miki i Królik Bugs .
W późnych latach pięćdziesiątych i wczesnych sześćdziesiątych pojawiła się nowa generacja artystów z bardziej obiektywnym, „fajnym” podejściem, charakteryzującym się ruchami artystycznymi znanymi dziś jako minimalizm , malarstwo ostre krawędzie , malowanie pola kolorowego , ruch neo-dada , Fluxus i pop-artu , z których wszystkie na nowo zdefiniowały awangardową sztukę współczesną tamtych czasów. Pop-art i neo-dada ponownie wprowadzili i zmienili użycie obrazów poprzez zawłaszczenie tematyka ze sztuki komercyjnej, dóbr konsumpcyjnych, historii sztuki i kultury głównego nurtu. Lichtenstein zyskał międzynarodowe uznanie w latach 60. jako jeden z inicjatorów ruchu pop-art w Ameryce. Jeśli chodzi o wykorzystanie przez niego obrazów, MoMA, Bernice Rose, zauważyła, że Lichtenstein był zainteresowany „kwestionowaniem pojęcia oryginalności, jakie panowało w tamtym czasie”.
Wczesne prace Lichtensteina oparte na komiksach, takie jak Look Mickey, skupiały się na popularnych animowanych postaciach. W 1963 roku przeszedł do bardziej poważnych, dramatycznych tematów, zazwyczaj skupiając się na romantycznych sytuacjach lub scenach wojennych. Komiksy jako gatunek cieszyły się wówczas niskim szacunkiem. Publiczna niechęć doprowadziła w 1954 r. do zbadania rzekomych związków między komiksami a przestępczością wśród młodzieży podczas dochodzeń Senatu w sprawie przestępczości nieletnich ; pod koniec tej dekady komiksy były uważane za materiał „najniższego komercyjnego i intelektualnego rodzaju”, według Marka Thistlethwaite'a z Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Fort Worth . Lichtenstein w młodości nie był entuzjastą komiksów, ale jako artystę pociągało go wyzwanie tworzenia sztuki opartej na temacie odległym od typowego „obrazu artystycznego”. Lichtenstein przyznał, że był „bardzo podekscytowany i bardzo zainteresowany wysoce emocjonalną treścią, a jednocześnie bezosobowym podejściem do miłości, nienawiści, wojny itp. W tych rysunkach”.
Dzieła Lichtensteina oparte na romansach i komiksach wojennych czerpały bohaterskie tematy z małych paneli źródłowych i monumentalizowały je. Łam! jest porównywalny wielkością do ogólnie dużych płócien malowanych w tym czasie przez abstrakcyjnych ekspresjonistów. Jest to jedno z wielu dzieł Lichtensteina o tematyce lotniczej. Powiedział, że „bohaterowie przedstawiani w komiksach to faszyści, ale na tych obrazach nie traktuję ich poważnie - może jest sens nie traktować ich poważnie, kwestia polityczna. Używam ich z powodów czysto formalnych”.
Historia
Łam! adaptuje panel autorstwa Irva Novicka z opowiadania „Star Jockey” z numeru 89 All-American Men of War DC Comics ( luty 1962). Oryginał stanowi część sekwencji snów, w której fikcyjny pilot P-51 Mustanga z II wojny światowej, Johnny Flying Cloud, „ as Navajo ”, widzi siebie latającego myśliwcem odrzutowym podczas zestrzeliwania innych samolotów odrzutowych. Na obrazie Lichtensteina zarówno samoloty atakujące, jak i docelowe zostały zastąpione różnymi typami samolotów. Paula Gravetta sugeruje, że Lichtenstein zastąpił samolot atakujący samolotem z „Wingmate of Doom” zilustrowanym przez Jerry'ego Grandenettiego w kolejnym numerze (nr 90, kwiecień 1962), a samolot docelowy został zapożyczony z rysunku Russa Heatha w trzecim panelu strony 3 opowiadania „Aces Wild” w tym samym numerze 89. Obraz pomija również dymek ze źródła, w którym pilot wykrzykuje „Wróg stał się płonącą gwiazdą!”
Mniejszy, jednopanelowy obraz olejny autorstwa Lichtensteina mniej więcej w tym samym czasie, Tex! , ma podobny skład, z samolotem w lewym dolnym rogu wystrzeliwującym pocisk powietrze-powietrze w drugi samolot, który eksploduje w prawym górnym rogu, z dymkiem. Ten sam numer All-American Men of War był inspiracją dla co najmniej trzech innych obrazów Lichtensteina, Okay Hot-Shot, Okay! , Brattata i Blam , oprócz Whaam! i Teksa! Grafitowy szkic ołówkiem, Jet Pilot pochodził również z tego numeru. Kilka innych prac Lichtensteina opartych na komiksach jest inspirowanych opowieściami o Johnnym Flying Cloud napisanymi przez Roberta Kanighera i zilustrowanymi przez Novick, w tym Okay Hot-Shot, Okay! , Pilot odrzutowca i Von Karp .
Lichtenstein wielokrotnie przedstawiał walki powietrzne między Stanami Zjednoczonymi a Związkiem Radzieckim . Na początku i w połowie lat 60. tworzył rzeźby „eksplozji”, podejmując tematy takie jak „katastrofalne uwolnienie energii” z obrazów takich jak Whaam! i przedstawiając je w formach wolnostojących i reliefowych. W 1963 roku parodiował różnorodne dzieła sztuki, od reklamy i komiksów, po współczesne arcydzieła „ sztuki wysokiej ” Cézanne'a , Mondriana , Picassa i inni. W tamtym czasie Lichtenstein zauważył, że „rzeczy, które najwyraźniej sparodiowałem, naprawdę podziwiam”.
Pierwsza indywidualna wystawa Lichtensteina odbyła się w Leo Castelli Gallery w Nowym Jorku od 10 lutego do 3 marca 1962 r. Wyprzedała się przed otwarciem. Na wystawie znalazły się Look Mickey , Pierścionek zaręczynowy , Blam i Lodówka . Według strony internetowej Fundacji Lichtenstein, Whaam! był częścią drugiej indywidualnej wystawy Lichtensteina w Galerii Leo Castelli od 28 września do 24 października 1963 r., która obejmowała także Drowning Girl , Baseball Manager , In the Car , Rozmowa i Torpedo...Los! Materiały marketingowe do pokazu obejmowały litografię Crak !
Witryna internetowa Fundacji Lichtenstein mówi, że Lichtenstein zaczął używać swojej techniki nieprzezroczystego projektora w 1962 r. W 1967 r. Opisał swój proces tworzenia grafiki opartej na komiksach w następujący sposób:
Robię je tak bezpośrednio, jak to możliwe. Jeśli pracuję na podstawie kreskówki, fotografii lub czegokolwiek innego, rysuję mały obrazek - rozmiar, który zmieści się w moim nieprzezroczystym projektorze ... Nie rysuję obrazu, aby go odtworzyć - robię to, aby ponownie skomponować to ... Przechodzę całą drogę od tego, aby mój rysunek był prawie jak oryginał, do całkowitego zmyślenia.
Łam! został zakupiony przez Tate Gallery w 1966 roku. W 1969 roku Lichtenstein podarował swój pierwszy rysunek grafitowy na papierze Rysunek dla „ Whaam! ' , opisując to jako „bazgroły ołówkiem”. Według Tate Lichtenstein twierdził, że ten rysunek przedstawiał jego „pierwszą wizualizację Whaam! i że zostało wykonane tuż przed rozpoczęciem malowania. ”Chociaż wymyślił ujednolicone dzieło sztuki na jednym płótnie, wykonał szkic na dwóch arkuszach papieru o równych rozmiarach - o wymiarach 14,9 cm × 30,5 cm (5,9 cala × 12,0 cala). Obraz jest wystawiany w Tate Modern od 2006 r. W latach 2012–2013 obie prace znalazły się na największej dotychczas wystawionej retrospektywie Lichtensteinu, odwiedzając Art Institute of Chicago , National Gallery of Art w Waszyngtonie, DC, Tate Modern w Londynie i Centre Pompidou .
Opis
Łam! przedstawia samolot myśliwski na lewym panelu wystrzeliwujący rakietę w samolot wroga na prawym panelu, który rozpada się w żywej czerwono-żółtej eksplozji. Kreskówkowy styl podkreśla onomatopeiczny napis „ WHAAM!” w prawym panelu i podpis w żółtej ramce z czarnymi literami u góry lewego panelu. Tekstowy wykrzyknik „WHAAM!” można uznać za graficzny odpowiednik efektu dźwiękowego . Miało to stać się cechą charakterystyczną jego twórczości - podobnie jak inne jego onomatopeiczne obrazy zawierające okrzyki, takie jak Bratatat! i Varoom!
Łam! to jeden z serii obrazów wojennych Lichtensteina, zazwyczaj łączący żywe kolory z ekspresyjną narracją. Łam! jest bardzo duży, mierzy 1,7 mx 4,0 m (5 stóp 7 cali × 13 stóp 4 cale). Jest mniej abstrakcyjny niż As I Open Fire , kolejna z jego scen wojennych. Lichtenstein stosuje swój zwykły styl komiksowy: stereotypowe obrazy w jasnych kolorach podstawowych z czarnymi konturami, w połączeniu z imitacją kropek Ben-Day z mechanicznej drukarki . Użycie tych kropek, które zostały wynalezione przez Benjamina Daya do symulacji wariacji kolorów i cieniowania, jest uważane za „metodę podpisu” Lichtensteina. Łam! odbiega od wcześniejszych dyptyków Lichtensteina, takich jak Step-on-Can with Leg i Like New , ponieważ panele nie są dwiema odmianami tego samego obrazu.
Chociaż Lichtenstein starał się pozostać wierny obrazom źródłowym, swoje obrazy konstruował w tradycyjny sposób, zaczynając od szkicu, który poprawiał w celu ulepszenia kompozycji, a następnie rzutował na płótno, aby uzyskać gotowy obraz. W przypadku Whaama! , szkic jest na dwóch kartkach, a gotowa praca jest pomalowana farbami akrylowymi i olejnymi Magna na płótnie. Chociaż przemiana koncepcji jednopanelowej w dyptyk nastąpiła podczas wstępnego szkicu, ostateczna praca różni się od szkicu na kilka sposobów. Szkic sugeruje, że „WHAAM!” motyw byłby biały, chociaż w gotowej pracy jest żółty. Lichtenstein powiększył główny temat graficzny każdego panelu (samolot po lewej i płomienie po prawej), w efekcie zbliżając je do siebie.
Lichtenstein zbudował obraz wieloma warstwami farby. Farbę nałożono za pomocą pędzla do szorowania i ręcznie wykonanego metalowego sita, aby uzyskać kropki Ben-Daya w procesie, który pozostawił fizyczne ślady. Technika kropek Ben-Daya umożliwiła Lichtensteinowi nadanie jego pracom mechanicznie odtworzonego charakteru. Lichtenstein powiedział, że praca „ma wyglądać jak podróbka i myślę, że to osiąga”.
Lichtenstein podzielił kompozycję na dwa panele, aby oddzielić akcję od jej konsekwencji. Lewy panel przedstawia płaszczyznę atakującą – umieszczoną po przekątnej, aby stworzyć poczucie głębi – poniżej balonu z tekstem, który Lichtenstein przesunął na margines nad płaszczyzną. Na prawym panelu eksplodujący samolot - przedstawiony czołowo - jest zarysowany przez płomienie, którym towarzyszy śmiały okrzyk „WHAAM!”. Chociaż oddzielne, z jednym panelem zawierającym wystrzelenie pocisku, a drugim jego eksplozją, reprezentującymi dwa różne zdarzenia, te dwa panele są wyraźnie połączone przestrzennie i czasowo, między innymi przez poziomą smugę dymu pocisku. Lichtenstein skomentował ten utwór w liście z 10 lipca 1967 r.: „Pamiętam, że zastanawiałem się nad pomysłem namalowania dwóch prawie oddzielnych obrazów, które miałyby niewiele powiązań kompozycyjnych, a każdy z nich miał nieco odrębny charakter stylistyczny. Oczywiście istnieje zabawne połączenie jeden panel strzela do drugiego”.
Lichtenstein zmienił kompozycję, aby uczynić obraz bardziej przekonującym, sprawiając, że eksplodujący samolot jest bardziej widoczny w porównaniu z samolotem atakującym niż w oryginale. Ślad dymu pocisku staje się linią poziomą. Płomienie eksplozji dominują na prawym panelu, ale pilot i samolot na lewym panelu skupiają się na narracji. Są przykładem skrupulatnego opisywania przez Lichtensteina cech fizycznych, takich jak kokpit samolotu. Drugim elementem treści narracyjnej jest dymek tekstowy który zawiera następujący tekst: „Nacisnąłem kontrolę ognia… a przede mną rakiety przeleciały przez niebo…” Jest to jeden z tekstów, który prawdopodobnie został napisany przez redaktora All-American Men of War , Roberta Kanighera . Żółte słowo „WHAAM!”, Zmienione z czerwonego na oryginalnym panelu komiksu i białego na szkicu ołówkiem, łączy żółtą eksplozję poniżej z polem tekstowym po lewej i płomieniami pocisku poniżej atakującego samolotu .
Zapożyczenia Lichtensteina z komiksów naśladowały ich styl, jednocześnie dostosowując ich tematykę. Wyjaśnił, że „Znaki i komiksy są interesujące jako tematyka. Są pewne rzeczy, które są użyteczne, mocne i żywotne w sztuce komercyjnej”. Rebecca Bengal z PBS napisała, że Whaam! Przejrzystość grafiki jest przykładem stylu ligne claire kojarzonego z Hergé , rysownik, którego wpływ Lichtenstein uznał. Lichtensteina pociągało użycie chłodnego, formalnego stylu do przedstawiania emocjonalnych tematów, pozostawiając widzowi interpretację intencji artysty. Przyjął uproszczoną kolorystykę i komercyjne techniki drukarskie. Zapożyczona technika „przedstawiała wariacje tonalne za pomocą wzorów kolorowych kół imitujących półtonowe rastra kropek Bena Daya używanych w druku gazet i otaczała je czarnymi konturami podobnymi do tych używanych do ukrywania niedoskonałości w tanim papierze gazetowym”. Lichtenstein powiedział kiedyś o swojej technice: „Biorę frazes i próbuję uporządkować jego formy, aby uczynić go monumentalnym”.
Przyjęcie
Obraz został w większości dobrze przyjęty przez krytyków sztuki, kiedy został wystawiony po raz pierwszy. Recenzja magazynu Art Magazine z listopada 1963 r. Autorstwa Donalda Judda opisał Whaam! jako jeden z „szerokich i potężnych obrazów” wystawy z 1963 roku w Galerii Castelli. W swojej recenzji wystawy krytyk sztuki The New York Times Brian O'Doherty opisał technikę Lichtensteina jako „puentylizm maszyny do pisania… który mozolnie wykuwa takie momenty, jak odrzutowiec zestrzeliwujący inny odrzutowiec dużym BLAM”. Według O'Doherty'ego rezultatem była „z pewnością nie sztuka, [ale] czas może to uczynić”, w zależności od tego, czy można ją „zracjonalizować… i ustawić w kolejce, aby przyszłość mogła zasymilować się jako historia, co pokazuje każdy znak działania”. Tate Gallery w Londynie nabyła dzieło w 1966 roku, co doprowadziło do gorących sporów między ich powiernikami i niektórymi głośnymi członkami publiczności. Zakupu dokonano od handlarza dziełami sztuki Ileany Sonnabend , którego cena wywoławcza 4665 GBP (92 449 GBP w walucie z 2023 r.) została obniżona w drodze negocjacji do 3940 GBP (78 081 GBP w walucie z 2023 r.). Niektórzy powiernicy Tate sprzeciwiali się przejęciu, wśród nich rzeźbiarka Barbara Hepworth , malarz Andrew Forge oraz poeta i krytyk Herbert Read . Broniąc przejęcia, historyk sztuki Richard Morphet, wówczas asystent opiekuna w Tate, zasugerował, że obraz porusza jednocześnie kilka zagadnień i stylów malarskich: „malarstwo historyczne, barokowa ekstrawagancja i codzienny fenomen masowego obiegu komiksów. " Czasy w 1967 roku opisał nabycie jako „bardzo duży i spektakularny obraz”. Dyrektor Tate, Norman Reid , powiedział później, że praca wzbudziła większe zainteresowanie opinii publicznej niż którykolwiek z jej przejęć od czasów II wojny światowej.
W 1968 r. Whaam! znalazł się na pierwszej indywidualnej wystawie prac Lichtensteina w Tate. Wystawa przyciągnęła 52 000 zwiedzających i została zorganizowana we współpracy z Stedelijk Museum w Amsterdamie, które później gościło wystawę od 4 listopada do 17 grudnia 1967 r., Zanim trafiła do trzech innych muzeów.
Analizy i interpretacji
Dla José Pierre'a, Whaam! reprezentuje ekspansję Lichtensteina z 1963 r. „do żyły„ epickiej ”. Keith Roberts w Burlington Magazine z 1968 roku opisał eksplozję jako połączenie „ art nouveau elegancja z nerwową energią przypominającą ekspresjonizm abstrakcyjny”. Wendy Steiner uważa, że dzieło to jest najbardziej udaną i harmonijną kompozycją Lichtensteina opartą na komiksie. Postrzega elementy narracyjne i graficzne jako komplementarne: akcja i wyrównanie przestrzenne prowadzą wzrok widza od lewej do prawej aby podkreślić związek między akcją a jej wybuchową konsekwencją. Elipsy balonu tekstowego przedstawiają progresję, której kulminacją jest „WHAAM!”. „Zbieżność porządku obrazowego i werbalnego” jest jasna dla zachodniego widza wraz z wyjaśnieniem tekst zaczynający się w lewym górnym rogu i wektor akcji przesuwający się od lewego pierwszego planu do prawego tła, zakończony graficzną eksplozją połączoną z narracyjnym wykrzyknikiem. Steiner mówi o uderzającej niespójności dwóch paneli - lewy panel wydaje się być „obcięty” , podczas gdy prawa przedstawia scentralizowaną eksplozję - wzmacnia siłę narracyjną dzieła.
Ernst A. Busche scharakteryzował technikę Lichtensteina jako „rozszerzenie i ujednolicenie jego materiału źródłowego… na podstawie ścisłych zasad artystycznych”. Powstały stylizowany obraz, wydobyty z większej narracji, stał się w niektórych przypadkach „wirtualną abstrakcją”. Odtwarzając ich minimalistyczne techniki graficzne, Lichtenstein wzmocnił sztuczny charakter komiksów i reklam. Powiększenie materiału źródłowego przez Lichtensteina sprawiło, że jego bezosobowo narysowane motywy wydawały się jeszcze bardziej puste. Busche mówi również, że chociaż w tych obrazach można odczytać krytykę współczesnej Ameryki przemysłowej, Lichtenstein „wydawałby się akceptować środowisko ujawnione w jego materiałach referencyjnych jako część amerykańskiej kapitalistycznej kultury przemysłowej”.
David McCarthy przeciwstawił „beznamiętną, oderwaną i dziwnie bezcielesną” prezentację walki powietrznej Lichtensteina z pracą HC Westermanna , u którego doświadczenie służby wojskowej podczas II wojny światowej zaszczepiło potrzebę przerażenia i szoku. W przeciwieństwie do tego Lichtenstein rejestruje swój „komentarz na temat cywilizacji amerykańskiej”, skalując wysokie na cale obrazy komiksowe do ponadwymiarowych wymiarów malarstwa historycznego . Laura Brandon dostrzegła próbę oddania „trywializacji kultury endemicznej we współczesnym życiu Ameryki” poprzez przedstawienie szokującej sceny walki jako banalnego aktu z czasów zimnej wojny.
Carol Strickland i John Boswell mówią, że powiększając panele komiksu do ogromnych rozmiarów za pomocą kropek, „Lichtenstein uderzył widza w twarz swoją banalnością”. HH Arnason zauważył, że Whaam! przedstawia „ograniczone, płaskie kolory i twardy, precyzyjny rysunek”, które tworzą „ostry obraz tematyczny, który dokumentuje, a jednocześnie delikatnie parodiuje znane obrazy bohaterów współczesnej Ameryki”. Płaski i bardzo wykończony styl zaplanowanych pociągnięć pędzla można postrzegać jako reakcję pop-artu na luz abstrakcyjnego ekspresjonizmu. Alastair Sooke mówi, że dzieło można interpretować jako symboliczny autoportret, w którym pilot na lewym panelu przedstawia Lichtensteina „pokonującego swoich konkurentów w dramatycznej walce powietrznej w świecie sztuki”, wystrzeliwując pocisk w kolorową „parodię malarstwa abstrakcyjnego” w prawym panelu.
Według Ernesto Priego, chociaż praca adaptuje źródło komiksowe, obraz nie jest ani komiksem, ani panelem komiksowym, a „jego znaczenie jest wyłącznie referencyjne i post hoc ”. Kieruje uwagę odbiorców na takie cechy, jak gatunek i metody druku. Wizualnie i narracyjnie oryginalny panel był kulminacyjnym elementem dynamicznej kompozycji strony. Lichtenstein kładzie nacisk na onomatopeję, jednocześnie osłabiając mowę artykułowaną, usuwając dymek. Według Priego, „usuwając panel komiksów z kontekstu narracyjnego, Whaam! jest reprezentatywny w dziedzinie sztuk pięknych preferencji obrazu-ikony nad narracją obrazu”.
Łam! czasami mówi się, że należy do tego samego gatunku antywojennego, co Guernica Picassa , sugestia odrzucona przez Bradforda R. Collinsa. Zamiast tego Collins postrzega obraz jako fantazję zemsty na pierwszej żonie Lichtensteina, Isabel, poczętą tak, jak to było podczas ich zaciekłej bitwy rozwodowej (para rozstała się w 1961 i rozwiodła w 1965).
Dziedzictwo
Marla F. Prather zauważyła, że Whaam! rozmach i dramatyczny obraz przyczyniły się do jego pozycji jako historycznego dzieła pop-artu. Z As I Open Fire , innym monumentalnym obrazem wojennym Lichtensteina, Whaam! jest uważany za kulminację dramatycznych dzieł komiksów wojennych Lichtensteina, według Diane Waldman. Jest szeroko opisywany jako najsłynniejsze dzieło Lichtensteina lub, wraz z Tonącą dziewczyną , jako jedno z jego dwóch najsłynniejszych dzieł. Opisują to Andrew Edgar i Peter Sedgwick, a także Marilyn Monroe Warhola grafiki, jako jedno z najsłynniejszych dzieł pop-artu. Gianni Versace połączył kiedyś dwa kultowe obrazy pop-artu poprzez swoje projekty sukni . Według Douglasa Couplanda , World Book Encyclopedia wykorzystywała obrazy Warhola Monroes i Whaam! aby zilustrować swój wpis Pop-art.
Z kolei na komiksy wpłynął kulturowy wpływ pop-artu. W połowie lat sześćdziesiątych niektóre komiksy kładły nowy nacisk na jaskrawe kolory, dobitne efekty dźwiękowe i szczupłe dialogi - elementy stylu komiksowego, które zaczęto uważać za kampowe - próbując odwołać się do starszych , studenckich- wiekowych czytelników, którzy docenili pop-art. Gravett zauważył, że „prostota i przestarzałość [komiksów] nadawały się do wyśmiewania”.
Łam! była jedną z kluczowych prac wystawionych na dużej retrospektywie Lichtensteinu w latach 2012–2013, która według Li-mei Hoang miała na celu wykazanie „znaczenia wpływu Lichtensteina, jego zaangażowania w historię sztuki i jego trwałego dziedzictwa jako artysty”. W swojej recenzji Retrospektywy Lichtensteina w Tate Modern Adrian Searle z The Guardian - który generalnie nie był entuzjastycznie nastawiony do pracy Lichtensteina - przypisał tytułowi pracy dokładne opisanie jej zawartości graficznej: „Whaam! Idzie obraz, gdy rakieta uderza, a wrogi myśliwiec eksploduje sinym, komiksowym rykiem”. Krytyk Daily Telegraph , Alastair Smart, napisał pogardliwą recenzję, w której uznał reputację Lichtensteina jako czołowej postaci w „bezczelnym ataku Pop Artu na dumnych, zarozumiałych abstrakcyjnych ekspresjonistów”, którego prace Smart powiedział Whaam ! naśladowany przez swoją ogromną skalę. Smart powiedział, że praca nie była ani pozytywnym komentarzem do walczącego ducha Ameryki, ani krytyką, ale była godna uwagi ze względu na „zapalający wpływ Lichtensteinu na amerykańską scenę artystyczną”.
zawłaszczenia Lichtensteina , ponieważ bezpośrednio odwołuje się on do obrazów z innych źródeł w Whaam! i inne dzieła z epoki. Niektórzy oczerniali to jako zwykłe kopiowanie, na co inni odpowiadali, że Lichtenstein zmienił swoje źródła w znaczący, twórczy sposób. W odpowiedzi na oskarżenia o plagiat Fundacja Roya Lichtensteina zauważyła, że wydawcy nigdy nie pozwali o naruszenie praw autorskich i że nigdy nie poruszyli tej kwestii, kiedy praca Lichtensteina oparta na komiksach po raz pierwszy zwróciła na siebie uwagę w latach sześćdziesiątych. Inna krytyka koncentruje się na braku uznania przez Lichtensteina oryginalnych artystów z jego źródeł; Ernesto Priego wplątuje National Periodicals w sprawę Whaam! , ponieważ artyści nigdy nie zostali wymienieni w oryginalnych komiksach.
W filmie dokumentalnym BBC Four Alastaira Sooke z 2013 roku , który miał miejsce przed Whaam! w Tate Modern brytyjski artysta komiksowy Dave Gibbons zakwestionował twierdzenie Sooke, że obraz Lichtensteina poprawił się w porównaniu z panelem Novicka, mówiąc: „Dla mnie to wygląda płasko i abstrakcyjnie, z mojego punktu widzenia jest to zagmatwane. Podczas gdy oryginał ma ma w sobie trójwymiarowość, jest w tym spontaniczność, ekscytacja i sposób zaangażowania widza, którego brakuje w tym”. Gibbons sparodiował wyprowadzenie dzieła Novick przez Lichtensteina.
Zobacz też
Notatki
- Zezwolić, Lawrence (1983). Roya Lichtensteina . Abbeville Press. ISBN 978-0-89659-331-2 .
- Bader, Graham, wyd. (2009). Roy Lichtenstein: Akta października . MIT Press. ISBN 978-0-262-01258-4 .
- Coplans, John, wyd. (1972). Roya Lichtensteina . Wydawcy Praeger. ISBN 978-0-7139-0761-2 .
- Waldman, Diane (1993). „Komiksy wojenne, 1962–64”. Roya Lichtensteina . Muzeum Solomona R. Guggenheima, Muzeum Sztuki Współczesnej (Los Angeles, Kalifornia), Muzeum Sztuk Pięknych w Montrealu. Muzeum Solomona R. Guggenheima. ISBN 978-0-89207-108-1 .
