Art déco w Paryżu

Art déco w Paryżu
	U góry: Parawan w stylu Art Deco Oasis , wykonany z miedzi i stali, autorstwa Edgara Brandta (1925); Centrum: budynek mieszkalny w stylu „Ocean liner” autorstwa Pierre'a Patouta (1935); Dół: Palais de Chaillot (1937)
lata aktywności	1910–1939

Ruch architektury i wzornictwa Art Deco pojawił się w Paryżu około 1910–12 i trwał do początku II wojny światowej w 1939 r. Swoją nazwę wziął od Międzynarodowej Wystawy Nowoczesnej Sztuki Dekoracyjnej i Przemysłowej, która odbyła się w Paryżu w 1925 r. To charakteryzował się odważnymi formami geometrycznymi, jaskrawą kolorystyką i mocno stylizowaną dekoracją, symbolizując nowoczesność i luksus. Architektura, rzeźba i dekoracje w stylu Art Deco osiągnęły swój szczyt w 1939 Exposition Internationale des Arts et Techniques dans la Vie Moderne oraz w kinach, domach towarowych i innych budynkach użyteczności publicznej. Występował również w pracach paryskich jubilerów, grafików, rzemieślników meblarskich i jubilerów oraz w projektowaniu szkła i metalu. Wiele zabytków Art Deco, w tym Théâtre des Champs-Élysées i Palais de Chaillot , można dziś zobaczyć w Paryżu.

Pochodzenie

Art Deco było wynikiem długiej kampanii francuskich artystów dekoratorów, aby uzyskać równy status z twórcami malarstwa i rzeźby. Termin „sztuka dekoracyjna” został wymyślony w 1875 r., Aby nadać projektantom mebli, tekstyliów i innych dekoracji oficjalny status. Société des artistes Decorateurs (Stowarzyszenie artystów dekoratorów) lub SAD zostało założone w 1901 r., a artyści dekoratorzy otrzymali takie same prawa autorskie jak malarze i rzeźbiarze. W Paryżu powstało kilka nowych magazynów poświęconych sztuce dekoracyjnej, w tym Arts et decoration i L'Art Decoratif moderne . Sekcje sztuki dekoracyjnej zostały wprowadzone do corocznych salonów Sociéte des artistes français, a później w Salonie d'automne , który odegrał główną rolę w popularyzacji stylu.

Paryskie domy towarowe i projektanci mody również odegrali ważną rolę w powstaniu Art Deco. Firmy o ugruntowanej pozycji, w tym producent bagażu Louis Vuitton , firma zajmująca się zastawą stołową Christofle , projektant szkła René Lalique oraz jubilerzy Louis Cartier i Boucheron , wszyscy zaczęli projektować produkty w bardziej nowoczesnych stylach. Od 1900 roku domy towarowe rekrutowały artystów dekoratorów do pracy w swoich pracowniach projektowych. Dekorację Salonu d'Automne z 1912 roku powierzono domowi towarowemu Printemps . W tym samym roku Printemps stworzył własną pracownię o nazwie „Primavera”. Do 1920 roku Primavera zatrudniała ponad trzystu artystów. Style wahały się od zaktualizowanych wersji mebli Ludwika XIV, Ludwika XVI, a zwłaszcza Ludwika Filipa wykonanych przez Louisa Süe i warsztat Primavera, po bardziej nowoczesne formy z warsztatu domu towarowego Au Louvre. Inni projektanci, w tym Émile-Jacques Ruhlmann i Paul Follot , odmówili masowej produkcji i nalegali, aby każdy element był wykonany ręcznie.

Wczesny styl Art Deco obejmował luksusowe i egzotyczne materiały, takie jak heban, kość słoniowa i jedwab, bardzo jasne kolory i stylizowane motywy , zwłaszcza kosze i bukiety kwiatów we wszystkich kolorach, nadające modernistyczny wygląd.

W 1911 r. SAD zaproponował zorganizowanie w 1912 r. nowej, dużej międzynarodowej wystawy sztuki dekoracyjnej. Nie wolno było kopiować starych stylów; tylko współczesne dzieła. Eksponat został przesunięty do 1914 r., następnie z powodu wojny przesunięty do 1925 r., kiedy to dał nazwę całej rodzinie stylów znanych jako Déco.

Art Deco w architekturze było w szczególności wynikiem nowej technologii, zastosowania żelbetu, która pozwoliła budynkom być wyższymi, mocniejszymi, z mniejszą liczbą belek nośnych i kolumn oraz przybierać prawie każdy możliwy kształt. Pierwszy żelbetowy dom zbudował François Coignet w 1853 r. W 1877 r. inny Francuz, Joseph Monier , otrzymał patent na system zbrojenia betonu siatką z żelaznych prętów w układzie siatki. Dwóch francuskich architektów, Auguste Perret , w bardzo nowatorski sposób wykorzystało nowy system. Perret wykorzystał go do budowy Théâtre des Champs-Élysées (1911–1913), z jego ogromną przestrzenią bez kolumn podtrzymujących; a później Henri Sauvage wykorzystał go do zbudowania pierwszego budynku mieszkalnego zbudowanego na wzór klatki schodowej, z każdym mieszkaniem z własnym tarasem, oraz innego dużego projektu, nowego budynku domu towarowego La Samaritaine .

Théâtre des Champs-Élysées (1910–1913)

Pierwszym dużym budynkiem zbudowanym w stylu Art Deco był Théâtre des Champs-Élysées (1910–1913). Pierwszy projekt budynku wykonał Belg Henry van de Velde , który był czołową postacią niemieckiego Werkbundu , stowarzyszenia propagującego nowoczesną sztukę zdobniczą. Prace nad projektem rozpoczął w 1910 roku. Jego główną cechą była trzeźwa i geometryczna konstrukcja żelbetu. Auguste Perret , francuski architekt, któremu zlecono budowę konstrukcji, argumentował, że projekt Van de Velde był „materialnie niemożliwy” i wykonał własny projekt. Po sporze z właścicielami teatru Van de Velde zrezygnował i odszedł, a Perret ukończył budowę według własnego planu w kwietniu 1913 roku.

Skromna geometryczna forma budynku, ozdobiona długim fryzem autorstwa rzeźbiarza Antoine'a Bourdelle'a i betonowa fasada pokryta marmurowymi tablicami, była zupełnym przeciwieństwem ozdobnej opery Palais Garnier i wywołała skandal. Lobby i wnętrze teatru były równie rewolucyjne, otwarte i surowe, bez kolumn zasłaniających widok w wielu teatrach. Dekoracja autorstwa Bourdelle'a i innych artystów była stylizowana i nowoczesna. W teatrze odbywały się premiery najnowszych form muzycznych i tanecznych muzyki epoki, Święta wiosny Igora Strawińskiego oraz rewolucyjnych baletów Baletów Rosyjskich .

Antoine Bourdelle , La Danse , fasada Théâtre des Champs-Élysées , Paryż (1912)
Théâtre des Champs-Élysées , Auguste Perret , 15 avenue Montaigne, Paryż, (1910–13). Żelbet dał architektom możliwość tworzenia nowych form i większych przestrzeni.
Dekoracja wnętrza z fototapetą na suficie i betonowymi rzędami do siedzenia, bez słupków.

Międzynarodowa Wystawa Nowoczesnej Sztuki Dekoracyjnej i Przemysłowej (1925)

Międzynarodowa Wystawa Nowoczesnej Sztuki Dekoracyjnej i Przemysłowej, która odbyła się w Paryżu w 1925 roku, była największą i najważniejszą wystawą art déco, która później dała nazwę stylowi. Po raz pierwszy zaproponowano go w 1906 r., A następnie zaplanowano na 1912 r. Ministerstwo Handlu i Przemysłu, zwłaszcza jako odpowiedź na popularność projektów niemieckiego Werkbundu, ale został przełożony z powodu wojny.

Ekspozycja była ogromna, położona między Les Invalides a Grand Palais , po obu stronach Sekwany. Nawet Pont Alexandre III nad Sekwaną pokryty był rzędem sal wystawowych. Głównym architektem był Charles Plumet . Cztery Wieże Rzemiosła autorstwa Plumeta wyznaczały centrum Wystawy, otoczone pawilonami narodowymi, a zwłaszcza pawilonami głównych paryskich projektantów i domów towarowych, które miały własne działy projektowe i produkowały własne meble i dekoracje. Pawilony domów towarowych skupiły się wokół esplanady Les Invalides .

Plakat do Wystawy 1925, przedstawiający fuzję sztuki i przemysłu
Wielka Esplanada Wystawy z 1925 roku
Pawilon domu towarowego Galeries Lafayette na Wystawie 1925
Pawilon domu towarowego Magasins du Louvre
Pawilon domu towarowego Printemps (1925) autorstwa Henri Sauvage i Georgesa Wybo
Hotel du Collectionneur, pawilon producenta mebli Émile-Jacques Ruhlmann , zaprojektowany przez Pierre'a Patouta .
Salon Hôtel du Collectionneur z Międzynarodowej Wystawy Sztuk Dekoracyjnych z 1925 r., umeblowany przez Émile-Jacques Ruhlmann , obraz Jean Dupas , projekt Pierre Patout

Henri Sauvage i La Samaritaine (1926–1928)

Dom towarowy pojawił się w Paryżu pod koniec XIX wieku i stał się głównym elementem początku XX wieku. Oryginalny La Samaritaine został zbudowany w 1905 roku przez architekta Frantza Jourdaina w stylu Art Nouveau . W 1925 roku sklep został powiększony o budynek w stylu Art Deco z widokiem na Sekwanę, zaprojektowany przez Henri Sauvage . Sauvage był jedną z głównych postaci paryskiego Art Deco; inne jego ważne prace to Studio Building i Majorelle Building, zbudowane dla projektanta mebli Louisa Majorelle'a , a także nowatorski apartamentowiec przy 26 rue Vavin (6. dzielnica) (1912–1914), w którym mieszkania rozmieszczono etapami, każdy z własnym tarasem. (1906). Ten projekt był używany przez Sauvage i innych architektów tamtego okresu.

Budynek w stylu Art Deco domu towarowego La Samaritaine (1926–28)
La Samaritaine, budynek 2 (1928)
Budynek 3 La Samaritaine (1930)

Kościoły

W okresie międzywojennym w Paryżu zbudowano kilka nowych kościołów w stylach, które łączyły cechy Art Deco, takie jak stylizowane wieże, użycie żelbetu do tworzenia dużych otwartych przestrzeni oraz dekoracyjne malowidła ścienne w stylu Deco, często łączone z elementami architektury bizantyjskiej , podobnie jak Bazylika Sacré-Cœur , która była wówczas popularna. Église du Saint-Esprit (1928–32), zlokalizowane przy 186 Avenue Daumesnil w 12. dzielnicy, zostało zaprojektowane przez Paula Tournona. Ma nowoczesną fasadę wykonaną ze zbrojonego betonu pokrytego czerwoną cegłą i nowoczesną dzwonnicę o wysokości 75 metrów, ale centralnym elementem jest ogromna kopuła o średnicy 22 metrów. Projekt, podobnie jak Bazyliki Sacré-Cœur, został zainspirowany kościołami bizantyjskimi. Wnętrze zostało ozdobione malowidłami ściennymi kilku wybitnych artystów, w tym Maurice'a Denisa . . Kościół Sainte-Odile przy 2 Avenue Stephane-Mallarmé (17. dzielnica), autorstwa Jacquesa Bargesa (1935–39) ma jedną nawę, trzy neobizantyjskie kopuły i najwyższą dzwonnicę w Paryżu.

Kościół Saint-Esprit , 186 avenue Daumesnil (12. dzielnica) autorstwa Paula Tournona (1928–32), ma zewnętrzną część Deco i masywną żelbetową bizantyjską kopułę.
Malowidła ścienne w stylu Art Deco we wnętrzu kościoła Saint-Esprit (1928–32)
Eglise Sainte-Odile przy 2 Avenue Stephane-Mallarmé (17.) (1935–39) ma najwyższą dzwonnicę w Paryżu
Dekoracja rzeźbiarska i kowalstwo kościoła Saint-Odile
Deco witraże kościoła Sainte-Odile w Paryżu

Teatry i pałace filmowe

Pałacowe kina w stylu Art Deco pojawiły się w Paryżu w latach 20. XX wieku. Teatr MK3 przy rue Belgrande 4 (20 dzielnica) autorstwa Henri Sauvage (1920) zachował dekoracyjne malowidła ścienne na fasadzie. Le Louxor, z 1921 roku, w stylu neo-starożytnego Egiptu, autorstwa architekta Henri Zipcy. Wnętrze zdobią kolorowe neoegipskie mozaiki autorstwa Amédée Tiberi. Został odrestaurowany w 2013 roku i jest obecnie zabytkiem. Największym i najbardziej zachowanym teatrem Deco z tego okresu jest Grand Rex1 (boulevard Poissonière nr 1, 2 dzielnica)) zbudowane w 1932 roku przez francuskiego architekta Auguste'a Bluysena wraz z amerykańskim inżynierem Johnem Ebersonem. Jest to jeden z największych teatrów w Europie, mogący pomieścić 3100 osób. Wnętrze teatru zostało urządzone przez wybitnego projektanta Deco, Maurice'a Dufrêne'a . Mieści 2100 osób. Przeszedł gruntowną renowację, a teraz służy do koncertów i innych wydarzeń, a także filmów.

Folies Bergère (1926) po renowacji do pierwotnego wyglądu
Kino MK2 przy 4 rue Belgrande autorstwa Henri Sauvage (1920)
Kino Le Louxor przy 150 Boulevard de Magenta autorstwa Henri Zipcy (1921)
Mozaiki z motywami egipskimi w kinie Le Louxor (1921)

Budynki mieszkalne i rezydencje

Henri Sauvage był jednym z najbardziej pomysłowych projektantów budynków mieszkalnych. Był szczególnie biegły w pokrywaniu żelbetowych elewacji dachówką ceramiczną. W 1911 roku zbudował budynek Majorelle dla projektanta mebli Louisa Majorelle'a , z żelbetową fasadą pokrytą ceramiką, nadającą mu elegancki, nowoczesny wygląd. Do Paryża wprowadził budynek schodkowy, apartamentowiec, w którym każdy apartament był odsunięty od tego poniżej, tak aby każdy miał własny taras.

Budynek Studio (65 rue La Fontaine, 16. dzielnica) (1926–28) został zbudowany jako zespół bliźniaków jako rezydencja dla artystów. Fasada była w całości pokryta błyszczącymi płytkami ceramicznymi.

Budynek Majorelle autorstwa Henri Sauvage przy 126 rue de Provence (8. dzielnica), zbudowany dla Louisa Majorelle (1911)
Budynek mieszkalny w krokach autorstwa Henri Sauvage , 26 rue Vavin (8. dzielnica) (1912–1914)
Budynek studia przy 65 rue La Fontaine autorstwa Henri Sauvage (1926–28)
Rezydencja i pracownia architekta Auguste'a Perreta w Boulogne-Billancourt (1929)

Styl Pacquebota _

Pacquebot , czyli styl Ocean Liner, został zainspirowany formą francuskich liniowców transatlantyckich, takich jak SS Normandie . Najbardziej znanym przykładem jest apartamentowiec przy 3 boulevard Victor (15. dzielnica), zbudowany w latach (1934–1935) przez Pierre'a Patouta , w tym samym okresie, w którym stworzył wystrój wnętrz dla Normandie . Budynek powstał na działce o nietypowym kształcie, która zwęziła się z dwunastu metrów szerokości do zaledwie trzech metrów w „dziobie” budynku. W tej części budynku Patout miał swoje mieszkanie na trzech piętrach.

Własny dom i studio Pierre'a Patouta, zbudowane wcześniej w latach 1927–28 przy 2 Rue Gambetta na przedmieściach Paryża, Boulogne-Billancourt , również pokazywały elementy Pacqueboat , w tym poręcz wokół górnego „pokładu” lub tarasu. Przyczynił się także do odbudowy domu Galeries Lafayette w latach 1932–1936.

Rezydencja i pracownia Pierre'a Patouta w Boulogne-Billancourt (1927–28)
Jadalnia SS Normandie zaprojektowana przez Pierre'a Patouta (1934–35)
Budynek mieszkalny autorstwa Pierre'a Patouta w stylu Pacquebota lub liniowca oceanicznego, 3 boulevard Victor (15. dzielnica), (1934–35)

Baseny

Najsłynniejszym basenem w stylu Art Deco w Paryżu jest Piscine Molitor , obok parku Bois de Boulogne i pomiędzy Stade Roland Garros a Parc des Princes . Kompleks zaprojektowany przez architekta Luciena Polleta na wzór pokładu liniowca oceanicznego, z trzema poziomami „kabin” wokół odkrytego basenu. Został ukończony w 1929 roku i zainaugurowany przez pływaków olimpijskich, w tym Aileen Riggin i Johnny'ego Weissmullera . Było to również miejsce pierwszego odsłonięcia francuskiego kostiumu kąpielowego przez projektanta Louisa Réarda w lipcu 1946 roku. Zimą zostało przekształcone w lodowisko. Oprócz architektury żeglarskiej, można tu podziwiać witraże w stylu Art Deco autorstwa Louisa Barilleta . Kompleks popadł w ruinę i został zamknięty w 1989 roku z zamiarem wybudowania na tym miejscu osiedla mieszkaniowego. Po latach nieużywania, sporów i aktów wandalizmu uznano go za miejsce historyczne i poddano gruntownej renowacji. Został ponownie otwarty w 2013 roku, zgodnie z oryginalnym stylem, jako część większego kompleksu handlowo-hotelowego.

Piscine Molitor (1929) po zamknięciu w 1989 roku i przed renowacją w 2015 roku
Witraż Deco w Piscine Molitor autorstwa Louisa Barilleta (1929)
Odnowiony odkryty basen Piscine Molitor

Późny art deco (1930–1939)

Światowy kryzys gospodarczy, który rozpoczął się w 1929 roku, wkrótce wywarł wpływ na architekturę i dekoracje Paryża. Budynki stały się mniej ozdobne, mniej ekstrawaganckie, bardziej opływowe, z powrotem do niektórych elementów klasycyzmu i tradycji, takich jak neoklasyczne kolumnady. Był to okres strajków, zamieszek i konfrontacji.

Deco kontra modernizm

W 1929 roku ruch Art Deco we Francji został podzielony na dwa nurty przez oderwanie się Union des Artistes Moderne (UAM) od bardziej tradycyjnego Société des Artistes Decorateurs. Ta nowa grupa zaproponowała bardziej funkcjonalną architekturę, meble i dekoracje, masową produkcję, prostsze materiały i brak dekoracji. Wśród członków znaleźli się René Herbst, Jacques Le Chevalier i Robert Mallet-Stevens , jej pierwszy prezes. Wkrótce do ruchu dołączyli inni architekci i projektanci, w tym Le Corbusier , złotnik Jean Puiforcat , Pierre Chareau i Eileen Gray . Paryskie domy zbudowane przez Mallet-Stevensa na obecnej Rue Mallet-Stevens (XIV dzielnica) (1927–29) i jego bardzo oszczędne stalowe meble ilustrują estetykę ruchu. Rezydencja ta, obok „Szklanego Domu” Pierre'a Chareau (1928–31), była początkiem ruchu architektury nowoczesnej w Paryżu

Villa Martel autorstwa Roberta Mallet-Stevensa przy Rue Mallet-Stevens (1929)
Szklany dom autorstwa Pierre'a Chareau 31, rue Saint-Guillaume VIIe arrondissement (1928–31)
Krzesło autorstwa Roberta Malleta-Stevensa (1929–31)
Stół E-1027 autorstwa Eileen Gray

Wystawa kolonialna w Paryżu w 1931 r

Paryska Wystawa Kolonialna , która odbywała się przez sześć miesięcy w 1931 roku w Bois de Vincennes , została zaprojektowana jako wizytówka francuskich kolonii zamorskich, ich produktów i kultury, a także była wizytówką Art Deco. Holandia, Belgia, Włochy, Japonia, Portugalia, Wielka Brytania i Stany Zjednoczone miały pawilony. Był szczególnie ceniony za szerokie wykorzystanie reflektorów i kolorowego oświetlenia, co było wówczas nowością, wykorzystaną z wielkim skutkiem w fontannie „Cactus”, będącej centralnym elementem Ekspozycji. Głównym dziedzictwem wystawy w stylu Art Deco jest Palais de la Porte Dorée , obecnie Cité nationale de l'histoire de l'immigration , zbudowany w latach 1928-1931 przez architektów Alberta Laprade'a , Léona Bazina i Léona Jaussely'ego . Fasada ma duże płaskorzeźby (autorstwa rzeźbiarza Alfreda Janniota przedstawiające statki, oceany i dziką przyrodę Afryki. Oryginalne eksponaty etnograficzne zostały przeniesione do Musée du quai Branly w 2003 r., gdzie obecnie mieści się Cité nationale de l'histoire de l'immigration , muzeum imigracji i duże akwarium.

W Palais de la Porte Dorée mieści się szereg muzeów etnologicznych , począwszy od wystawy kolonialnej z 1931 r., której nazwę zmieniono w 1935 r. na Musée de la France d'Outre-mer, a następnie w 1960 r. na Musée des Arts africains et océaniens i wreszcie w 1990 Musée National des Arts d'Afrique et d'Océanie . W 2003 roku zbiory te zostały połączone w Musée du quai Branly , aw jego miejscu obecnie mieści się Cité nationale de l'histoire de l'immigration .

Oświetlona fontanna kaktusów
Wystawa kolonialna nocą
Salon z malowidłami ściennymi w Cité nationale de l'histoire de l'immigration ,

Międzynarodowa Wystawa w Paryżu w 1937 r

Głównym wydarzeniem projektowym tego okresu w Paryżu była Międzynarodowa Wystawa Sztuki i Techniki dans la Vie Moderne z widokiem na Wieżę Eiffla. Była to siódma i ostatnia tego typu międzynarodowa wystawa, która odbyła się w Paryżu. Uczestniczyło w nich pięćdziesiąt krajów, w tym nazistowskie Niemcy i Związek Radziecki, których pawilony były naprzeciw siebie. Wystawiono część modernistycznej architektury, w tym hiszpański pawilon autorstwa Josepa Lluísa Serta , gdzie prezentowano obraz Picassa Guernica ; Pawilon Światła i Elektryczności autorstwa Roberta Mallet-Stevensa oraz pawilon Finlandii ze ścianami pokrytymi drewnem autorstwa Alvara Aalto . Le Corbusier miał własny mały pawilon z płótna na skraju Wystawy.

Palais de Chaillot , autorstwa Jacquesa Carlu , Louisa Hippolyte'a Boileau i Léona Azémy , łączył w sobie elementy klasycyzmu i modernizmu, podobnie jak pobliski Palais de Tokio (obecnie paryskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej}, autorstwa André Auberta, Paula Viarda i Marcela Dastugue'a .Duża galeria i sale recepcyjne paryskiej rady miejskiej w Palais de Chaillot zostały udekorowane monumentalną lakową dekoracją złożoną z ponad 120 paneli wyprodukowanych przez Gastona Suisse'a.Zestaw ten prezentował "sztukę i technikę" we Francji w 1937 roku .

Trzecim budynkiem o dużym znaczeniu było Muzeum Robót Publicznych (obecnie Rada Ekonomiczna, autorstwa Auguste'a Perreta ). Wszystkie miały główne cechy charakterystyczne dla tego okresu architektury Art Deco: gładkie betonowe ściany pokryte kamiennymi tablicami, rzeźby na fasadzie i malowidła ścienne na ścianach wewnętrznych.

Pałac Chaillot (1937)
Palais de Tokyo autorstwa André Auberta, Paula Viarda i Marcela Dastugue'a (1937)
Schody Rady Gospodarczej, Społecznej i Środowiskowej, Auguste Perret (z jego portretem nad schodami) (1937)
Gaston Suisse Normandie i detal lotniczy monumentalnej dekoracji lakierowanej w Palais de Chaillot

Meble i dekoracje

Kolor i egzotyka (lata 20. XX wieku)

Meble i dekoracje w stylu Art Deco w Paryżu przed 1914 rokiem charakteryzowały się odważnymi kolorami i geometrycznymi wzorami kwiatowymi, zapożyczonymi z różnych źródeł, od Baletów Rosyjskich po kubizm i fowizm . Pierwsza wojna światowa położyła kres bardziej wystawnemu stylowi i zatrzymała prawie całą budowę i dekorację. Zaraz po zakończeniu wojny dwóch wybitnych artystów, Louis Süe i André Mare , założyło Compagnie des Arts français, wspólne przedsięwzięcie artystów dekoracyjnych, z Süe jako dyrektorem artystycznym i Mare jako dyrektorem technicznym. Ich celem była odnowa francuskiej sztuki dekoracyjnej. Inni członkowie to André Vera i jego brat Paul Vera oraz Charles Dufresne . W 1920 roku otworzyli galerię przy rue de Faubourg-Saint-Honoré, w której wystawiali meble, lampy, szkło, tekstylia i inne nowe produkty, w tym wiele przeznaczonych do produkcji seryjnej. Później do grupy dołączyli artyści reprezentujący bardziej modernistyczne style, m.in. Francis Jourdain i Charlotte Perriand . Compagnie była głównym promotorem postępu paryskiego Art Deco.

Projektanci w tym okresie używali najbardziej egzotycznych i drogich materiałów, jakie mogli znaleźć. Malarz i dekorator Paul Iribe wykonał delikatną komodę w 1912 roku z mahoniowego czarnego marmuru i skóry rekina. Około 1925 roku André Groult wykonał małą szafkę o organicznym kształcie, w całości pokrytą białą skórą rekina. Udekorował kabiny pierwszej klasy na liniowcu Normandie .

Meble zaprojektowane przez Louisa Süe i Andre Mare z Compagnie des Arts Francais były doskonale wykonane i bogate. Bufet przedstawiony w galerii poniżej (1920–1921), obecnie znajdujący się w Musée des Arts Decoratifs w Paryżu, jest wykonany z mahoniu, złoconego brązu i marmuru.

Inną ważną postacią w dekoracji wnętrz Paryża w latach dwudziestych XX wieku był Émile-Jacques Ruhlmann . Miał swój własny pawilon na Wystawie 1925. Jego meble słynęły z wykorzystania rzadkiego i drogiego drewna oraz innych materiałów, takich jak kość słoniowa. Prosto wyglądająca szafka „Duval”, przedstawiona poniżej, zaprojektowana w 1924 i prawdopodobnie wykonana w 1926, jest wykonana z brazylijskiego palisandru, kości słoniowej, czeczotu amboyna, mahoniu, dębu i małej sklejki. Przedstawione poniżej biurko „Tibittant” autorstwa Ruhlmanna, wykonane w 1923 r., To biurko z opadającymi liśćmi z rdzeniem ze sklejki pokrytej fornirami z dębu, topoli, mahoniu i hebanu Macassar wewnątrz i na zewnątrz. Ma intarsje, nóżki i gałki z kości słoniowej, jedwabne frędzle, skórzaną powierzchnię do pisania oraz aluminiowe listki i srebrne złocenia. Obecnie znajduje się w Metropolitan Museum of Art .

Wystawa na Salon d'Autumne (1913)
Komoda z mahoniu, czarnego marmuru i skóry rekina autorstwa Paula Iribe (około 1919)
Paravent Les Faunes (ok. 1920), przez Compagnie des Arts Francais, Musée des Arts Décoratifs , Paryż
The Glass Salon, projekt Paula Ruauda, meble Eileen Gray (1922)
Mała szafka pokryta skórą rekina, André Groult (około 1925)
Bufet przez Compagnie des Arts Francais (1920–21)
Szafka narożna autorstwa Émile-Jacques Ruhlmann (około 1923), Brooklyn Museum
Biurko Tibbitant autorstwa Émile-Jacques Ruhlmann (1923) (Muzeum Metropolitalne)
Szafka „Duval” autorstwa Émile-Jacquesa Ruhlmanna (projekt 1924, prawdopodobnie wykonany 1926), Metropolitan Museum
Buduar mieszkania Jeanne Lanvin autorstwa Armanda-Alberta Rateau (ok. 1925), Musée des Arts Décoratifs, Paryż
Biuro zaprojektowane przez Pierre'a Chareau (ok. 1925), Musée des Arts Décoratifs, Paryż

Funkcjonalne meble - lata 30. XX wieku

Lata 30. XX wieku, pod wpływem konstruktywizmu i innych bardziej modernistycznych stylów, sprawiły, że meble i przetarcia stały się bardziej geometryczne i funkcjonalne. Przykładami były prace Pierre'a Chareau i Julesa Leleu . Styl podzielił się na dwie części, jedną poświęconą bardziej tradycyjnym formom, doskonałemu kunsztowi i luksusowym materiałom, drugą bardziej surowym formom i eksperymentom z nowymi materiałami, takimi jak aluminium i stal.

Meble autorstwa Julesa Leleu (Musée des Années 30 w Boulogne-Billancourt)
Salon autorstwa Emile-Jacquesa Ruhlmanna dla rzeźbiarza Josepha Bernarda (ok. 1930)
Toaletka autorstwa René Herbsta dla księżniczki Agi Khan (1932), (Musée des Arts Décoratifs)

Ekrany

Ekrany były ważną częścią projektu Art Deco, umożliwiając łatwe dzielenie pomieszczeń, otwieranie lub nadawanie im innego wyglądu. Łączono je zazwyczaj z dywanami w podobnym stylu. Większość ekranów malowano na tkaninie lub drewnie. Bardzo niezwykłym ekranem w stylu Art Deco jest Oasis , wykonany z żelaza i miedzi przez inżyniera i metalowca Edgara Brandta na wystawę na Wystawie Sztuki Dekoracyjnej w Paryżu w 1925 roku.

Innym wpływowym twórcą ekranów był Jean Dunand , który opanował starożytną sztukę japońskiego malowania laką , a także pracował z miedzią i innymi niezwykłymi materiałami. Jego ekran Fortissimo , znajdujący się obecnie w Metropolitan Museum of Art, wykonany jest z lakierowanego drewna, skorupki jajka, masy perłowej i płatków złota.

Ekran autorstwa Armanda-Alberta Rateau (1921–22), (Musée des Arts Décoratifs Paris)
Parawan Art Deco Oasis , wykonany z miedzi i stali, autorstwa Edgara Brandta (1925)
Fortissimo , parawan Jeana Dunanda (1924–26), z lakierowanego drewna, skorupki jajka, masy gruszkowej i płatków złota. (Muzeum Sztuki Metropolitan)
Ekran Gaston Suisse, czarny chiński lakier i grafitowe wstawki. Abstrakcyjny wystrój geometryczny ze srebrnego lakieru. około 1925 r., Ekspozycja: 1925, Quand L'art Déco séduit le monde. Cité de l'architecture, Palais de Chaillot, Paryż

Srebro stołowe

Jean Puiforcat (1897-1945) był główną postacią w paryskich sztućcach Art Deco. Syn złotnika, był także rzeźbiarzem. Pierwszy sukces odniósł w 1923 roku w Salon des Decorateurs w Paryżu, gdzie połączył srebro z lapis lazuli . Wykonywał tylko pojedyncze przedmioty, a nie serie, często łączył je z kamieniami półszlachetnymi. Duża kolekcja jego prac i zebranych przez niego sztućców została podarowana Luwrowi przez Stavrosa Niarchosa .

Czajnik ze srebra i lapis lazuli autorstwa Jeana Puiforcata (1922) ( Metropolitan Museum )
Serwis do herbaty ze srebra, lapis lazuli i kości słoniowej autorstwa Jeana Puiforcata (1922) Metropolitan Museum
Waza do zupy, srebro i złoto, Jean Puiforcat (1937), Metropolitan Museum

Szklana sztuka

Dziedzina sztuki szkła Art Deco w Paryżu była zdominowana przez René Lalique , który po raz pierwszy zyskał reputację na Wystawie Paryskiej w 1900 roku, kiedy jako pierwszy jubiler użył szkła w biżuterii. Oprócz szkła stołowego zaprojektował szeroką gamę szklanych przedmiotów artystycznych, zarówno praktycznych, jak i dekoracyjnych, w tym szklane ozdoby na maskę luksusowych samochodów. Jego główne projekty obejmowały dekorację jadalni liniowca oceanicznego Paryż (1920), zastawę stołową dla prezydenta Francji (1922) oraz podświetlaną szklaną fontannę w centralnym miejscu na Wystawie Sztuki Dekoracyjnej w Paryżu w 1925 roku. Od 1925 roku modyfikował swój styl z fantazji kwiatowych na bardziej geometryczne i prostsze projekty. W latach 30. udekorował jadalnię transatlantyku SS Normandie .

Firebird autorstwa René Lalique (1922) ( Dayton Art Institute )
Wazon Lalique z postaciami kobiecymi (1930) ( Musée des Arts Décoratifs, Paryż )
Klamra do paska Lalique (1932) ( Metropolitan Museum of Art )
Ozdoba kaptura Greyound autorstwa René Lalique (1935) ( Baltimore Museum of Art )
Kubek i wazon autorstwa Maurice'a Marinota (1932)

Przedmioty dekoracyjne

Papierośnica z wężowej skóry i złota, Pierre Legrain (1925) (Metropolitan Museum)
Papierośnica ze skóry i złota, autorstwa Pierre Legrain (1922) (Muzeum Metropolitalne)
Zegarek Art Deco, papierośnice i pudełko na pigułki wykonane przez paryską firmę Chaumet (1926–30) (Muzeum Sztuk Dekoracyjnych, Paryż)
Boucheron (1925), złota klamra z diamentami i rzeźbionym onyksem, lapis lazuli, jadeitem i koralem (Muzeum Sztuk Dekoracyjnych, Paryż)
Gaston Suisse, kwadratowe pudełko z chińskiej laki, ok. 1929 r

Rzeźba

Rzeźba Art Deco była z definicji i funkcji dekoracyjna, zwykle umieszczana na elewacjach lub w bliskim sąsiedztwie budynków w stylu ich dopełnienia. Niektórzy paryscy rzeźbiarze, tacy jak Antoine Bourdelle , stworzyli zarówno rzeźby Deco, jak i bardziej tradycyjne galerie lub monumentalne dzieła. Bourdelle był pierwszym dużym rzeźbiarzem w stylu Art Deco, za fryzy i inne prace, które stworzył w celu dekoracji Théâtre des Champs-Élysées , chociaż wiele innych jego prac w tamtym czasie było bardziej tradycyjną rzeźbą.

Demétre Chiparus , urodzony w Rumunii, stał się jednym z odnoszących największe sukcesy rzeźbiarzy Deco w Paryżu i regularnie pokazywał swoje prace w Salon des Artistes Français w latach 1914-1928. Specjalizował się w małych statuetkach zwanych chryselephantines, przedstawiających kobiety z twarzą i rękami wykonanymi z kości słoniowej odziani w kostiumy z brązu. Przedstawiał tancerzy, akrobatów i inne egzotyczne postacie.

Monumentalna rzeźba uzupełniała fasadę i parvis Palais de Chaillot z Wystawy Paryskiej z 1937 r., W tym posąg „Owocu” autorstwa Félix-Alexandre Desruelles w Palais de Chaillot (1937)

Apollo i muzy , płaskorzeźba na fasadę Théâtre des Champs-Élysées (1910–1912)
La France autorstwa Antoine'a Bourdelle'a (1922)
Owoc autorstwa Félix -Alexandre Desruelles w Palais de Chaillot (1937)
Tanara autorstwa Demétre Chiparus
Les Girls autorstwa Demétre Chiparus , z brązu i kości słoniowej, na podstawie z kwarcu i marmuru (lata 20. XX wieku) Muzeum Art Deco w Moskwie

Murale

Model autorstwa Maurice'a Denisa do muralu wewnątrz kopuły Théâtre des Champs-Élysées (1911–1912)
Malowidła ścienne przy wejściu do Théâtre national de Chaillot (1937)

Plakaty i grafiki

Grafika, zwłaszcza okładki magazynów modowych i ilustracje, odegrały ważną rolę w popularyzacji stylu, podobnie jak wcześniej plakaty dla secesji . Główni ilustratorzy to Paul Iribe i Georges Lepape, których ilustracje modowe dla magazynu Vogue pomogły spopularyzować projekty Paula Poireta . Ilustracje Lepape były również głównym elementem magazynu o modzie Gazette de Bon Ton . Powielane w Stanach Zjednoczonych francuskie ilustracje modowe stworzyły duże zapotrzebowanie na nowe francuskie style. Lepape projektował także kostiumy i scenografię dla teatru i baletu. Jest również inspiracją dla oficjalnego emblematu Letnich Igrzysk Olimpijskich 2024 i Letnich Igrzysk Paraolimpijskich 2024 w Paryżu.

Ilustracja mody projektów Paula Poireta autorstwa Paula Iribe (1908)
Ilustracja mody Poireta autorstwa Paula Iribe (1912)
Okładka Vanity Fair autorstwa Georgesa Lepape'a (1919)
Moulin Rouge autorstwa Charlesa Gesmara (1925)
Paczka pocztówek z wystawy paryskiej z 1937 r

Art Deco w paryskich muzeach

Następujące muzea w Paryżu mają godne uwagi kolekcje mebli i przedmiotów dekoracyjnych w stylu Art Deco.

Musée des Arts Décoratifs w Paryżu
Musée d'Orsay
Musée d'Art Moderne de Paris (Palais de Tokyo) - sala Art Deco
Musée des Années Trente na zachodnich przedmieściach Paryża, Boulogne-Billancourt , stacja Marcel Sembat (Paris Métro) linia dziewiąta

Notatki i cytaty

Bibliografia

Media związane z architekturą Art Deco w Paryżu w Wikimedia Commons

Kościsty, Anna (2012). L'Architecture Moderne .
Cabanne, Pierre (1986). Encyklopedia Art Deco (w języku francuskim). Somogy. ISBN 2-85056-178-9 .
Laurent, Stephane (2002). „Artysta dekorator” . Art deco, 1910–1939 . Przez Charlotte Benton; Tima Bentona; Drewno Ghislaina. Renesansowa książka. s. 165–171.
Stos, John F. (2005). Historia wystroju wnętrz . Wydawnictwo Laurence'a Kinga. ISBN 978-1-85669-418-6 . Źródło 2015-05-15 .
Poisson, Michel (2009). 1000 Immeubles et monuments de Paris (w języku francuskim). paragram. ISBN 978-2-84096-539-8 .
Texier, Szymon (2012). Paryż: Panorama de l'architecture (w języku francuskim). paragram. ISBN 978-2-84096-667-8 .
Texier, Szymon (2019). Art Deco . Wydania Ouest-France. ISBN 978-27373-8172-0 .
Alastair Duncan (1992). Meble w stylu art deco : francuscy projektanci Thames and Hudson
Alastair Duncan (1988). Encyklopedia Art Deco. Książka nagłówkowa ISBN 978-0-52524-613-8
Rodney i Diana Capstick-Dale (2016). Art Deco Collectibles, modne przedmioty z epoki jazzu, Thames & Hudson, ISBN 0500518319

U góry: Parawan w stylu Art Deco Oasis , wykonany z miedzi i stali, autorstwa Edgara Brandta (1925); Centrum: budynek mieszkalny w stylu „Ocean liner” autorstwa Pierre'a Patouta (1935); Dół: Palais de Chaillot (1937)
lata aktywności	1910–1939