Człowiek, którego nie było (film 2001)

The Man Who Wasnt There.jpg
Plakat z premierą kinową
Człowieka, którego nie było
W reżyserii Joela Coena
Scenariusz
Wyprodukowane przez Ethana Coena
W roli głównej
Kinematografia Rogera Deakinsa
Edytowany przez
Muzyka stworzona przez Cartera Burwella
Firma produkcyjna
Dystrybuowane przez Filmy z USA
Daty wydania
  • 13 maja 2001 ( 13.05.2001 ) ( Cannes )
  • 2 listopada 2001 ( 02.11.2001 ) (Stany Zjednoczone)
Czas działania
 116 minut
Kraj Stany Zjednoczone
Język język angielski
Budżet 20 milionów dolarów
kasa 18,9 miliona dolarów

The Man Who Wasn't There to amerykański kryminał neo-noir z 2001 roku , napisany, wyreżyserowany i wyprodukowany przez Joela i Ethana Coenów . W rolach Billy Bob Thornton , Frances McDormand , Michael Badalucco , Richard Jenkins , Scarlett Johansson , Jon Polito , Tony Shalhoub i James Gandolfini . Akcja filmu rozgrywa się w 1949 roku i opowiada historię Eda Crane'a, zamkniętego w sobie fryzjera, który prowadzi zwyczajne życie w małym kalifornijskim miasteczku z żoną, którą podejrzewa o romans z szefem. Sytuacja Crane'a zmienia się, gdy nieznajomy przychodzi do zakładu fryzjerskiego i oferuje mu możliwość dołączenia do niego jako partner w obiecującym nowym biznesie w zamian za inwestycję w wysokości dziesięciu tysięcy dolarów. Zwabiony tym pomysłem Crane planuje szantażować kochanka swojej żony w celu uzyskania pieniędzy.

Film jest czarno-biały i wykorzystuje narrację lektora, honorując klasyczny film noir . Różni się muzyką klasyczną , osadzeniem akcji w małym miasteczku i bohaterem spoza przestępczego półświatka. Coenowie zaczęli rozwijać ten pomysł od plakatu z fryzurą z lat 40., który widzieli podczas kręcenia The Hudsucker Proxy . Na fabułę miały wpływ powieści kryminalne Jamesa M. Caina , przede wszystkim Podwójne ubezpieczenie , Listonosz zawsze dzwoni dwa razy i Mildred Pierce . Pod względem estetycznym Człowiek, którego nie było, był inspirowany filmami z lat czterdziestych i pięćdziesiątych XX wieku - w tym Shadow of a Doubt - oraz filmami science fiction i dokumentalnymi z tamtego okresu.

Filmowanie odbyło się na miejscu w Kalifornii. Został nakręcony w kolorze, później przekształcony w czarno-biały. Film miał swoją premierę i brał udział w oficjalnej selekcji na Festiwalu Filmowym w Cannes w 2001 roku , gdzie Joel Coen zdobył nagrodę dla najlepszego reżysera . Jego teatralna reakcja była letnia. Został jednak dobrze przyjęty przez krytyków filmowych, którzy chwalili zdjęcia i kreacje Rogera Deakinsa, zwłaszcza postać Thorntona. Krytycy medialni w The Guardian , BBC i The Austin Chronicle nazwali go jednym z najlepszych filmów roku. The National Board of Review umieścił go wśród dziesięciu najlepszych filmów roku i przyznał Thorntonowi nagrodę dla najlepszego aktora . Deakins otrzymał nominację do Oscara za najlepsze zdjęcia , a film zdobył wiele nominacji i nagród od innych organizacji.

Streszczenie

Akcja filmu rozgrywa się w 1949 roku w mieście Santa Rosa w Kalifornii . Ed Crane jest żonaty z Doris, księgową z problemem alkoholowym i pracuje w zakładzie fryzjerskim, którego właścicielem jest jego szwagier Frank. Klient o imieniu Creighton Tolliver mówi Edowi, że jest biznesmenem szukającym inwestorów do zainwestowania 10 000 dolarów w nową technologię zwaną pralnią chemiczną . Ed postanawia zebrać pieniądze, anonimowo szantażując szefa Doris, „Big Dave'a” Brewstera, którego podejrzewa o romans z nią. Brewster defrauduje pieniądze ze swojego domu towarowego na opłacenie szantażu. Jednak Brewster wkrótce układa plan i bije Tollivera na śmierć po tym, jak wplątał Eda. Brewster konfrontuje się z Edem w sklepie i próbuje go zabić, ale Ed śmiertelnie dźga Brewstera nożem do cygar w samoobronie .

Po wykryciu nieprawidłowości w księgach sklepowych policja aresztuje Doris, zakładając, że zdefraudowała pieniądze i zamordowała Brewstera. Ed zostaje przekonany do wynajęcia Freddy'ego Riedenschneidera, obrońcy z Sacramento , który przyjeżdża i zamieszkuje w najdroższym hotelu w mieście. Kontynuuje hojne życie z funduszu obronnego Doris, który Frank uzyskał, zastawiając zakład fryzjerski. To wszystko na nic, bo rankiem w dniu procesu Doris wiesza się w swojej celi. Później okazuje się, że była w ciąży, kiedy się powiesiła, ale od lat nie uprawiała seksu z Edem. Riedenschneider opuszcza miasto, podczas gdy głęboko zadłużony Frank dużo pije. Ed regularnie odwiedza Rachel „Birdy” Abundas, nastoletnią córkę przyjaciela, aby posłuchać, jak gra na pianinie. Dręczony samotnością wyobraża sobie, że pomoże jej rozpocząć karierę muzyczną i zostanie jej menadżerem. Fantazja zostaje zmiażdżona, gdy nauczyciel muzyki mówi mu, że Abundas nie ma talentu. W drodze powrotnej z wizyty u nauczyciela Abundas mija Eda i próbuje wystąpić seks oralny , przez co Ed traci kontrolę nad samochodem i rozbija się.

Ed budzi się w szpitalnym łóżku, gdzie policja aresztuje go za morderstwo. Pobite ciało Tollivera zostało znalezione wraz z kontraktem inwestycyjnym Eda. Policja spekuluje, że Ed zmusił Doris do sprzeniewierzenia pieniędzy z inwestycji i zabił Tollivera, kiedy się dowiedział. Ed zastawia swój dom i zatrudnia Riedenschneidera do obrony. Podczas przemówienia otwierającego Riedenschneidera Frank atakuje Eda i zostaje ogłoszony błąd . Nie mając środków do obrony, Ed rzuca się na łaskę sądu. Taktyka zawodzi, a sędzia skazuje go na śmierć . Czekając w celi śmierci, Ed pisze swoją historię, aby ją sprzedać magazyn pulpy . Na krótko przed egzekucją Ed widzi UFO na zewnątrz więzienia. Gdy Ed zostaje porażony prądem, zastanawia się nad swoim losem, nie żałując żadnej ze swoich decyzji i mając nadzieję, że zobaczy Doris w zaświatach, oboje wolni od niedoskonałości świata śmiertelników.

Rzucać

Billy Bob Thornton i Frances McDormand wcielają się w małżeństwo Eda i Doris Crane.

Tło

Pomysł napisania filmu z udziałem fryzjera został zainspirowany plakatem, który bracia Coen widzieli podczas kręcenia The Hudsucker Proxy (1994). „Nakręciliśmy scenę w zakładzie fryzjerskim, a na ścianie wisiał plakat przedstawiający różne fryzury w stylu lat czterdziestych” — wspomina Joel Coen. „To był stały element planu i zawsze na niego patrzyliśmy. Zaczęliśmy więc myśleć o facecie, który faktycznie robił fryzury, i historia zaczęła nabierać kształtu. Naprawdę wyewoluowała z tego plakatu ze strzyżeniem”. Reżyserzy zaczerpnęli tytuł filmu z wiersza Williama Hughesa Mearnsa z 1899 roku zatytułowany „ Antygonisz ” i wybrali go w odniesieniu do charakteru fryzjera, aby oddać jego emocjonalną pustkę.








Wczoraj na schodach spotkałem człowieka, którego tam nie było! Nie było go dzisiaj znowu, chciałbym, chciałbym, żeby sobie poszedł! Wczoraj idąc po schodach zobaczyłam człowieka, którego tam nie było! Dziś też go nie widziałem, chcę zobaczyć, jak znika!

- Pierwsze wersety wiersza „Antigonish” (1899) Williama Hughesa Mearnsa

Ustawiona w 1949 roku fabuła - według Joela Coena - „jest pod silnym wpływem” twórczości pisarza Jamesa M. Caina , w szczególności powieści Double Indemnity , The Postman Always Rings Twice i Mildred Pierce . historia, Coenowie zastąpili scenerię podziemia typowym amerykańskim miastem ze zwykłymi ludźmi. „Element przestępczy jest tutaj trochę nieumyślny. Bohater jakby się na to natknie” – wyjaśnił Ethan Coen. To narzędzie do opowiadania historii było hołdem dla literatury Kaina, którego historie zwykle przedstawiały postacie wykonujące konwencjonalne zawody, które motywowane potrzebą lub chciwością ostatecznie wplątały się w przestępstwo. Człowieku, którego nie było , obecne były inne konwencje , takie jak plan szybkiego zdobycia pieniędzy, nieszczęścia seksualne i zbiegi okoliczności. Niepowodzenie „doskonałego planu” zebrania pieniędzy pojawia się w Double Indemnity i Listonosz zawsze dzwoni dwa razy , obie powieści opowiadane przez przygnębionych ludzi z klasy robotniczej podczas Wielkiego Kryzysu .

Jednym z wpływów filmu był Shadow of a Doubt (1943), którego akcja toczy się również w Santa Rosa w Kalifornii.

Coenowie nazwali Shadow of a Doubt jako nawiązanie do filmu i mieli na myśli gatunek science fiction z lat pięćdziesiątych. Na estetykę filmu wpływ miało kino science fiction i „tanie filmy dokumentalne lat 50.”. Operator Roger Deakins czerpał inspirację do swoich prac z filmów z lat 40. i 50. XX wieku, takich jak Ta broń do wynajęcia , Niebieska dalia , Śmiertelny pocałunek i Dotyk zła . Podobnie Christopher Orr z The Atlantic porównał lektora i powściągliwą postać Crane'a z postacią Roberta Mitchuma w filmie Out of the Past (1947). Coenowie odwoływali się do innych dzieł za pomocą nazw znaków, jak w domu towarowym Nirdlinger lub Dietrichson - nazwiska użyte w Double Indemnity - Riedenschneider - nazwisko postaci z Asfaltowej dżungli - lub nazwa hotelu Tollivera, „The Hobart Arms”, hołd dla powieści The Big Sleep Raymonda Chandlera .

Oprócz powieści Caina i filmu noir, historia zapożyczyła pomysły z literatury egzystencjalnej, takiej jak Obcy Alberta Camusa . Oprócz dostrzeżenia podobieństw w obu utworach, autorzy i krytycy porównali oderwanie od rzeczywistości i postawę Eda z postawą bohatera powieści Camusa. Poprzez swojego głównego bohatera Człowiek, którego nie było, eksploruje egzystencjalistyczny pogląd na rozpacz, temat przypominający filozofa Sørena Kierkegaarda . Autorzy Jean-Pierre Boulé i Enda McCaffrey porównali próbę ucieczki Crane'a od rutynowego życia z ideą „poszukiwania transcendencji” Jeana-Paula Sartre'a . Film przedstawiał relacje bohatera z pralnią chemiczną, Abundasem i UFO . Chociaż Człowiek, którego nie było , skatalogowany jako postmodernistyczny, odziedziczył elementy tematyczne i narracyjne filmu noir, jednocześnie badał koncepcje okresu po II wojnie światowej , przedstawiając wczesne lata powojenne Ameryki. Historia była kontekstualizowana przez wydarzenia takie jak UFO , odniesienia do bombardowań Hiroszimy i Nagasaki , refleksje Wernera Heisenberga na temat ludzkości i idea sukcesu w epoce możliwości. Fabuła nawiązuje do zasady nieoznaczoności Heisenberga poprzez postać obrońcy Riedenschneidera, który wielokrotnie odwołuje się do zasady.

Produkcja

Rozwój

Bracia Coen zaczęli pisać scenariusz w połowie lat 90., po nakręceniu filmu The Big Lebowski . Bracia przenieśli się do Irlandii — gdzie pracowała Frances McDormand — aby dalej pisać. Coenowie wysłali scenariusz do producentów Erica Fellnera i Tima Bevana z Working Title ; zamierzali rozpocząć produkcję w 1999 roku, ale korzystając z dostępności George'a Clooneya , poświęcili się O Brother, Where Art Thou? Następnie kontynuowali z Człowiekiem, którego nie było . Projekt został sfinansowany niezależnie przez Working Title, który zebrał przybliżony budżet w wysokości 20 milionów dolarów.

Coenowie napisali postacie Doris i Frank odpowiednio dla McDormanda i Michaela Badalucco . Reżyserzy schwytali Thorntona, aktora, z którym wcześniej nie pracowali, do roli tytułowej. Przyjął tę rolę przed przeczytaniem scenariusza: „Wiedziałem, że to będzie dobre. Są pewni ludzie, z którymi wiesz, że nie możesz się pomylić”. Coenowie przekonali Gandolfiniego, by został szefem. Jon Polito i Tony Shalhoub , dwaj inni aktorzy znani już Coenom, dołączyli do obsady, a następnie Adam Alexi-Malle , Katherine Borowitz, Richarda Jenkinsa i Johanssona. Jenkins początkowo odrzucił możliwość zagrania roli, ponieważ został odrzucony z trzech poprzednich produkcji Coenów. Jednak reżyserzy ostatecznie wybrali go do tej roli. Bill Murray był brany pod uwagę do roli, która ostatecznie przypadła Thorntonowi.

Filmowanie

Zdjęcia rozpoczęły się 26 czerwca 2000 roku w Kalifornii i zakończyły 1 września, po dziesięciu tygodniach. Zdjęcia Deakinsa były proste i tradycyjne. Większość ujęć wykonano aparatem na wysokości oczu, normalnymi obiektywami i dużą głębią ostrości. W porównaniu ze starszym amerykańskim filmem noir, Deakins użył szerokiej gamy szarości i próbował stworzyć niski kontrast bez wielu mocnych cieni, używając mniejszej liczby i większych świateł. Wykorzystał współczesne technologie i chciał, aby film odzwierciedlał epokę, w której powstał: „nie próbujemy zrobić starego filmu” - powiedział Deakins. Został nakręcony w kolorze w formacie 35 mm i przekonwertowany na czarno-biały podczas postprodukcji. Ta procedura była częściowo spowodowana względami technicznymi, ponieważ w ostatnich dziesięcioleciach dostępność rolek filmu czarno-białego stała się ograniczona. Jednak ze względu na wymagania umowne i marketingowe w niektórych krajach został wydany w kolorze. „Film nie został nakręcony do oglądania w kolorze” - stwierdził Joel Coen, wspominając, że w kolorze wyglądałby „okropnie nie na miejscu” ze względu na kolory neutralizujące skalę szarości poza ramami czasowymi fabuły.

Z wielu nieuchwytnych i niełatwych do wyjaśnienia powodów czarno-biały wydawał się odpowiedni dla fabuły. To film z okresu historycznego, a czarno-biały obraz pomaga poczuć atmosferę tamtych czasów. Jest sugestywny dla takiej historii w sposób, w jaki fotografia kolorowa nie jest.

— Joela Coena

Scenografia i kostiumy odpowiednio Dennisa Gassnera i Mary Zophres musiały dostosować się do braku koloru, unikając rozpraszających dużych kontrastów. Czerń i biel wpłynęły również na aktorów, intensyfikując niektóre elementy: „Zwykłe zbliżenie jest bardzo uderzające ze względu na cienie i poczucie głębi” — powiedział McDormand. Zespół nie stracił jednak z oczu wersji kolorystycznej i zaprojektował lokacje unikając jaskrawych kolorów i preferując brązy i szarości. Odzież Eda Crane'a składała się ze sportowych kurtek, gabardyny i sztucznego jedwabiu koszule. Jej pończochy, jak na tamte lata, nie miały gumki u góry i — podobnie jak statystki — podtrzymywały je za pomocą podwiązek. Odzież damska obejmowała pończochy ze szwem, pasy i spiczaste staniki. , dwurzędowy garnitur z klapami w szpic, obrońcy Freddy'ego Riedenschneidera , został zainspirowany Salvadorem Dalí : „To trochę niezwykłe jak na tamte czasy i sugeruje bogactwo”.

Aby skomponować wygląd swojej postaci, Thornton przyjrzał się wizerunkom postaci z tamtej dekady i zapożyczył pewne elementy od Raymonda Burra i Franka Sinatry . Aktor skomentował: „Kiedy uzyskasz odpowiedni wygląd, wszystko w twoim nastawieniu się zmienia”. Kiedy Ed pojawia się na ekranie, prawie zawsze można go zobaczyć palącego Chesterfielda . Profesjonalni fryzjerzy szkolili Thorntona i Badalucco.

Lokalizacje

Okolice Bungalow Heaven znajdujące się w mieście Pasadena (Kalifornia) zostały wykorzystane do kręcenia zewnętrznych scen domu Eda Crane'a.

Filmowanie rozpoczęło się w opuszczonym więzieniu Lincoln Heights w Los Angeles, aby ustawić celę więzienia miasta Santa Rosa. Później zespół przeniósł się do wschodniego Los Angeles, a następnie do restauracji Musso & Frank Grill na Hollywood Boulevard, gdzie Ed Crane po raz pierwszy spotkał się ze swoim prawnikiem. Filmowanie trwało w Thousand Oaks przez dwa dni, aby nakręcić wiejskie sceny weselne. Przed swoimi scenami Michael Badalucco musiał ćwiczyć na świniach do sceny, w której jeździ na jednej z nich. Następnie produkcja wróciła do Los Angeles, aby kręcić w prezbiteriańskim kościele na Wilshire Boulevard oraz w centrum Los Angeles, gdzie kręcono ją w kompleksie apartamentów, który był używany do kręcenia scen w hotelowym lobby. W scenach, w których Ed idzie do banku, wykorzystano opuszczony Bank of America znajdujący się również w centrum. Budynek Nirdlingers, w którym Doris pracuje jako księgowa, powstał z opuszczonego sklepu meblowego znajdującego się w Glendale, wspomina scenograf Dennis Gassner:

Musieliśmy ją w pewien sposób zmodernizować, zachowując to, co już było w architekturze i dopasowując ją do nowoczesnego stylu z 1949 roku. Ta przestrzeń była jak kamieniołom, z którego mogłem wydobywać to, czego potrzebowałem. W rzeczywistości użyłem kilku chromowanych projektów nadburcia w stylu art deco, które były trzymane na ścianach i różnych listwach ściennych.

Znaczna część zdjęć miała miejsce w ciągu jednego dnia w mieście Orange, które zostało wykorzystane do przedstawienia zewnętrznej części miasta Santa Rosa, gdzie rozgrywa się większość filmu. Choć w Orange kręcono tylko jeden dzień, ekipa pracowała ponad dwa tygodnie ustawiając ulice na rok 1949: wymieniano znaki drogowe, modyfikowano elewacje, dokonywano drobnych napraw ulic. Sceny zewnętrzne domu Eda Crane'a kręcono w Pasadenie, dzielnicy Bungalow Heaven, popularnej i niedrogiej lokalizacji w połowie XX wieku. Coenowie wybrali dom z niższym stropem, aby uzyskać wrażenie mniejszej przestrzeni i tym samym oddać sytuację ekonomiczną fryzjera. Sceny w pokoju nauczycielskim kręcono także w Pasadenie, a dokładnie w kompleksie budynków Green Hotel. Lokalizacje zostały wykorzystane do sfilmowania prawie całego filmu, z wyjątkiem kilku scen, takich jak sceny z salonu fryzjerskiego - ostatnie przed końcem zdjęć - na planie zbudowanym przez Gassnera w Paramount Studios.

Muzyka

Ścieżka dźwiękowa filmu składa się z muzyki klasycznej, głównie sonat fortepianowych Ludwiga van Beethovena, przeplatanych siedmioma nowymi kompozycjami Cartera Burwella. Oprócz Beethovena ścieżka dźwiękowa zawierała kompozycję Mozarta „ Sull'aria… che soave zeffiretto Włączenie muzyki klasycznej jest zasobem, który odróżnia ten film od innych z gatunku noir. Redaktor muzyczny Todd Kasow otrzymał zadanie wybrania odpowiednich sonat do ścieżki dźwiękowej, podczas gdy Burwell rozpoczął pracę nad „pianocentryczną” kompozycją. Niektóre kompozycje zawierają „cykliczne” struktury symbolizujące sytuację, w której znajduje się bohater i jego trudność w uwolnieniu się od niej, ale jednocześnie Coenowie uważali, że dla postaci istotne jest, aby muzyka sugerowała „niejasną tęsknotę”. Dziennikarz Dan Goldwasser opisał twórczość Burwella jako „mroczną i uroczystą” i napisał, że główna kompozycja „The Trial of Ed Crane” ma „rodzaj romantyzmu z odrobiną nadziei”. The Man Who Wasn't There był dziewiątym filmem, przy którym Burwell współpracował z braćmi Coen. Wytwórnia Decca Records wydała album ze ścieżką dźwiękową 30 października 2001 roku.

Uwolnienie

Premiera

Bracia Coen na premierze filmu na Festiwalu Filmowym w Cannes w 2001 roku. Joel Coen podzielił się festiwalową nagrodą dla najlepszego reżysera z Davidem Lynchem.

Film miał swoją premierę na Festiwalu Filmowym w Cannes 13 maja 2001 roku. Po Cannes film trafił w tym roku na inne europejskie festiwale filmowe, takie jak Edynburg, Flandria, Warszawa i Wiedeń. Dystrybutor USA Films był odpowiedzialny za jego wydanie w Stanach Zjednoczonych, chociaż jego projekcja była ograniczona do wybranych kin. 31 października 2001 roku miał premierę w Los Angeles i Nowym Jorku. Był to pierwszy film Coen, który został wydany w czerni i bieli, coś, czego reżyserzy bezskutecznie próbowali z Blood Simple (1984) i The Hudsucker Proxy (1994) w obliczu zalet dystrybucji kolorów.

Media domowe

Pierwsza edycja domowa była dostępna na DVD wydanym przez USA Home Entertainment w 2002 roku. Dodatki DVD obejmowały komentarz braci Coen i Thorntona, szesnastominutowy materiał filmowy, wywiad z Deakinsem, pięć usuniętych scen, galerię zdjęć i materiały promocyjne wideo. Coenowie i Thornton opowiadają anegdoty zza kulis, w tym historię o plakacie z fryzurą, który zainspirował pomysł na film. W obszernym wywiadzie z Deakinsem autor zdjęć omawia zalety i wady kręcenia w czerni i bieli, swoje wpływy estetyczne i doświadczenie w pracy z Coenami. Recenzując DVD, witryna DVD Talk napisała, że ​​czarno-białe zdjęcia „są znakomicie uchwycone, przywołując historię filmu noir, a jednocześnie pozostają nieskazitelnie czyste. Czernie są głębokie i solidne, nadając obrazowi zaczarowany wygląd”. We wrześniu 2002 roku we Francji ukazało się trzypłytowe wydanie DVD: pierwsze z czarno-białym filmem, drugie z wersją kolorową, a ostatnie z dodatkami, które jako nowość zawierało prawie pięćdziesięciominutowy film dokumentalny zatytułowany „Wszechświat filmu noir”. W 2015 roku Universal Home Video wydało regularną wersję na Blu-ray.

Przyjęcie

kasa

Człowiek, którego tam nie było , zarobił 7,5 miliona dolarów w Stanach Zjednoczonych i Kanadzie oraz 11,4 miliona dolarów na innych terytoriach, co daje łącznie 18,9 miliona dolarów na całym świecie przy budżecie 20 milionów dolarów. Film był najgorszym filmem braci Coen w kasie od czasu The Hudsucker Proxy (1994). Niektórzy autorzy spekulowali, że wynik tego niepowodzenia wynikał po części z braku entuzjazmu masowej publiczności wobec filmu czarno-białego. W weekend otwarcia w Stanach Zjednoczonych zarobił 664 404 dolarów w trzydziestu dziewięciu kinach.

krytyczna odpowiedź

Na stronie agregatora recenzji Rotten Tomatoes 81% ze 160 recenzji krytyków jest pozytywnych, ze średnią oceną 7,1/10. Konsensus strony brzmi: „Stylowy, ale emocjonalnie odległy, Człowiek, którego nie było, to sprytny hołd dla gatunku filmu noir”. Metacritic , który używa średniej ważonej , przyznał filmowi ocenę 73 na 100, na podstawie 33 krytyków, wskazując na „ogólnie pozytywne recenzje”. Wielu krytyków chwaliło film zarówno za technikę, jak i kreacje. Richard Schickel z Time napisał: „Umiejętność okazywania emocji nie jest wysoko cenioną cechą głównych bohaterów filmowych, ale Thornton, ten wspaniały aktor, robi to doskonale jako Ed Crane, małomówny fryzjer z małego miasteczka, około 1949 roku”. Inni krytycy również chwalili wiodącą rolę Thorntona, na przykład Emanuel Levy , który wyraził opinię, że Thornton „pięknie rozgrzesza się w trudnej roli, która wymaga więcej reakcji niż akcji” i dodał: „wydaje się być udręczonym Montgomery Clift”. Variety napisało, że bohater filmu „wyznacza nowe standardy nieprzejrzystości i bierności”.

Jonathan Rosenbaum z Chicago Reader zauważył: „Joel i Ethan Coen pozostają wierni swojemu zamiłowaniu do nieudolnych bohaterów neo-noir i głębokiemu przekonaniu, że życie zwykle okazuje się hojnie przerażające”. Roger Ebert z Chicago Sun-Times skomentował: „Film jest efektowny i pewny siebie w swoim stylu, tak kochający i tak intensywny, że jeśli będziesz go często oglądać, będzie jak impreza”. W ten sam sposób Peter Travers z Rolling Stone nazwał go jednym z najlepszych filmów roku i stwierdził, że jest „diabelsko zabawny” oraz podkreślił zdjęcia i występy. Travers umieścił Człowieka, którego nie było na ósmym miejscu na swojej liście dziesięciu najlepszych filmów niezależnych 2001 roku. Peter Bradshaw z The Guardian stwierdził: „To najlepszy amerykański film roku”, a Philip French w innej recenzji dla The Guardian , twierdził również, że był to najlepszy film roku do tego momentu. Podobnie Marc Savlov z Austin Chronicle ogłosił, że jest to „najpiękniejszy film roku” i dodał, że „występ Billy'ego Boba Thorntona to olśniewający nieoszlifowany diament”. Krytyk BBC, Nev Pierce, opisał go również jako „jeden z najlepszych filmów roku” i dodał o jego obejrzeniu, że było to „wyjątkowe, osobliwe, urzekające przeżycie”.

Czarno-białe fotografie Deakinsa zostały wyróżnione przez kilku krytyków. Chicago Reader porównał to zdjęcie do 8½ Federico Felliniego, a recenzent Matthew Turner z View London skomentował, że czerń i biel „nie wyglądała tak wspaniale od lat czterdziestych”. Pomimo napisania letniej recenzji, Todd McCarthy w Variety pochwalił pracę Deakinsa, scenografię Dennisa Gassnera i kostiumy Mary Zophres za stworzenie „lepszego przedstawienia okresu powojennego w małym miasteczku”. Odnosząc się do wiejskiego otoczenia, historyk José María Caparrós zwrócił uwagę: „Kilka razy kino amerykańskie pojawiło się w tak subtelny i mocny sposób, aby zaświadczyć o głębokiej pustce egzystencjalnej i przeciętności głębokiej Ameryki”. Film nie przekonał Michaela Sragowa z The Baltimore Sun , który powiedział: „ Człowiek, którego nie było jest zintelektualizowaną, stylizowaną, całkowicie pustą produkcją z epoki. Pomimo bogatego, klaustrofobicznie kontrolowanego czarno-białego wyglądu, ma siłę uderzenia zabawkowego pistoletu. Podobnie David Denby z The New Yorker nazwał to „nieudanym ćwiczeniem akademickim”.

Nagrody i nominacje

Po premierze na Festiwalu Filmowym w Cannes, Joel Coen odebrał nagrodę dla najlepszego reżysera nr 3 i podzielił się tą nagrodą z Davidem Lynchem za Mulholland Drive . Film był także nominowany do Złotej Palmy, najwyższego wyróżnienia festiwalu, ale nagrodę zdobył Pokój syna Nanniego Morettiego. Film znalazł się w wyborze dziesięciu najlepszych filmów roku przez National Board of Review.

Film był nominowany do statuetki na 74. ceremonii rozdania Oscarów w kategorii najlepsze zdjęcia (Deakins), choć ostatecznie nagrodę otrzymał Andrew Lesnie za Władcę Pierścieni: Drużynę Pierścienia . Ponadto film otrzymał trzy nominacje do Złotych Globów w kategoriach najlepszy film dramatyczny, najlepszy scenariusz i najlepszy aktor dramatyczny (Thornton), ale żadnej nie zdobył.

Deakins zdobył nagrodę za najlepsze zdjęcia podczas rozdania nagród BAFTA. Ponadto Deakins otrzymał wiele wyróżnień od innych organizacji, w tym American Society of Cinematographers, Boston Society of Film Critics, Los Angeles Film Critics Association, New York Film Critics Online, Society Film Critics Online i Satellite Awards, między innymi .

Notatki

Linki zewnętrzne

Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=The_Man_Who_Wasn%27t_There_(2001_film)&oldid=1133909438 ”