Thomas Lawson (artysta)
Thomasa Lawsona | |
|---|---|
| Urodzić się | 1951
Glasgow , Szkocja
|
| Edukacja | CUNY Graduate Center , University of Edinburgh , University of St Andrews |
| Znany z | Malarstwo , sztuka publiczna |
| Ruch | Postmodernizm , pokolenie obrazów |
| Współmałżonek | Zuzanna Morgana |
| Nagrody | John Simon Guggenheim Fellowship, National Endowment for the Arts, Rockefeller Foundation |
Thomas Lawson (ur. 1951 w Glasgow, Szkocja ) jest artystą, pisarzem, redaktorem magazynu i dziekanem School of Art w California Institute for the Arts . Pojawił się jako centralna postać w ideologicznych debatach przełomu lat 80. na temat żywotności malarstwa poprzez krytyczne eseje, takie jak „Last Exit: Painting” (1981), oraz jako jeden z artystów luźno zdefiniowanego „ Pictures Generation Został opisany jako „osadzony korespondent [i] polemiczny redaktor”, który wyartykułował opozycyjne, postępowe stanowisko wobec malarstwa reprezentacyjnego w coraz bardziej reakcyjnym środowisku artystycznym i medialnym. Artforum nazwał jego podejście do medium „jednym z najbardziej przekonujący i kontrowersyjny” w latach 80.
Lawson otrzymał między innymi nagrody od John S. Guggenheim Foundation , National Endowment for the Arts i Rockefeller Foundation , a także wystawiał na całym świecie w galeriach i muzeach, w tym Metro Pictures (Nowy Jork), Anthony Reynolds (Londyn), Hammer Museum (Los Angeles) i Le Magasin (Grenoble). Był prezentowany na Metropolitan Museum of Art „The Pictures Generation” (2009) i „A Forest of Signs: Art in the Crisis of Representation” (1989) w Muzeum Sztuki Współczesnej w Los Angeles (MoCA). Stworzył również tymczasowe roboty publiczne w Nowym Jorku, Glasgow i Newcastle upon Tyne . Eseje Lawsona ukazywały się w licznych antologiach i czasopismach, takich jak Artforum , Art in America , Flash Art i October ; antologia jego pisarstwa, Mining for Gold , została opublikowana w 2004 roku. Redagował lub współredagował także czasopisma o sztuce współczesnej REALLIFE Magazine , Afterall i East of Borneo . Lawson mieszka i pracuje w Los Angeles.
Wczesne życie i kariera
Lawson dorastał w Glasgow i wcześnie zainteresował się językiem malarstwa. Jako nastolatek brał udział w zajęciach w Glasgow School of Art , ale uznał to za zbyt konserwatywne i zapisał się na University of St Andrews , gdzie studiował język i literaturę angielską (dyplom w 1973). Aktywnie działał na tamtejszej scenie artystycznej, tworząc klub artystyczny i organizując wystawę szkockiego malarza Pata Douthwaite'a . Po zapisaniu się na studia podyplomowe z historii sztuki na Uniwersytecie w Edynburgu , udał się do Nowego Jorku, aby przeprowadzić wywiad z Jasperem Johnsem. za pracę magisterską, przed ukończeniem studiów w 1975 roku.
Następnie Lawson przeniósł się do Nowego Jorku i zapisał się na studia doktoranckie z historii sztuki i krytyki w CUNY Graduate Center , gdzie studiował u Rosalind Krauss , Lindy Nochlin i Roberta Pincus-Wittena , a także obok postmodernistycznych pisarzy Douglasa Crimpa i Craiga Owensa . Wyprzedził konwergencję kwitnącej śródmiejskiej sceny art/punk, nowych praktyk krytyczno-artystycznych, takich jak zawłaszczanie , warzenie debat ideologicznych i eksplozję rynku sztuki. Będąc w CUNY, Lawson zaczął wystawiać sztukę w Artists Space (1977, 1979) i Centrum Rysunku (1978). Był także współzałożycielem magazynu REALLIFE w 1978 roku wraz z żoną, pisarką Susan Morgan, i pisał eseje do Artforum , Art in America i Flash Art . W 1981 roku zaczął pokazywać w nowo otwartym, wpływowym Metro Pictures z artystami takimi jak Robert Longo i Cindy Sherman , a pod koniec dekady wystawiał w Richard Kuhlenschmidt Gallery w Los Angeles. Od tego czasu przeglądy prac Lawsona odbywały się w The Museum of Contemporary Art San Diego , Centre for Contemporary Arts (Glasgow), Battersea Arts Centre (Londyn) i Goss-Michael Foundation (Dallas). Obecnie jest reprezentowany przez David Kordansky Gallery w Los Angeles. W 1991 Lawson został mianowany dziekanem School of Art w California Institute for the Arts (CalArts). Oprócz nauczania Lawson był kuratorem lub współkuratorem pokazów i serii wykładów w MoCA, PS1 , Artists Space , White Columns , the Renaissance Society , LACE , REDCAT Galerii i Galerii Miejskiej Los Angeles.
Praca i odbiór
Lawson jest prawdopodobnie równie dobrze znany ze swojego krytycznego pisania i kadencji jako dziekan CalArts, jak i ze swojej sztuki. Jednak krytycy w 2000 roku, tacy jak Andrew Berardini , zaczęli sugerować, że jego malarstwo wymagało ponownej oceny pod kątem jego roli w poszerzaniu parametrów zawłaszczonych obrazów i oferowaniu zniuansowanej, krytycznej alternatywy dla sztuki konceptualnej i malarstwa neoekspresjonistycznego w latach 80. . Jego karierę najlepiej zrozumieć w całości, z jego uzupełniającymi się praktykami tworzenia sztuki, pisania krytycznego, redagowania czasopism, kuratorstwa i edukacji, które wspólnie zajmują się kluczowymi debatami ideologicznymi tamtych czasów.
„Wojny malarskie” (1977–1987)
Lawson pojawił się pod koniec lat 70. jako członek grupy artystów „The Pictures Generation”, do której należeli między innymi Sherrie Levine , Robert Longo i David Salle . Ich twórczość była zasadniczo zjednoczona przez krytykę awangardowych mitów modernizmu i przyjęcie postmodernistycznych strategii tworzenia sztuki, obrazów medialnych, odniesień do popkultury oraz prostej, czasem prymitywnej techniki i prezentacji. Podejście to zostało wzmocnione przez krytyczne artykuły Douglasa Crimpa, Craiga Owensa, Hala Fostera i Lawsona, którzy w Artforum Flash Art i RZECZYWISTOŚĆ wzywał do sztuki, która zdekonstruowałaby dominujące media i reprezentacje kulturowe w obliczu tego, co nazwał „rosnącym brakiem wiary w zdolność artystów do bycia kimś więcej niż plagiatami stylistów”. W „Last Exit: Painting” (1981) Lawson bronił malarstwa zawłaszczającego jako „doskonałego kamuflażu” (ze względu na jego bardzo mało prawdopodobne) do infiltracji świata sztuki i obnażania stereotypów i konwencji, utrzymując, że ręcznie wykonana subiektywność i ekspresja dzieła tools złagodził jego ironiczny i zdystansowany ton. Crimp (i inni) potępili „reakcyjny ekspresjonizm” współczesnego malarstwa jako śmiertelnie skompromitowany; preferowali prace fotograficzne, jak np Richarda Prince'a czy Cindy Sherman. Lawson argumentował, że taka praca była zbyt deklaratywna, oczywista i prawdopodobnie popadłaby w „biurokratyczną kontynuację” konceptualizmu , która zostałaby zmarginalizowana w ezoterycznych, awangardowych gettach poza głównym nurtem.
Wczesne prace Lawsona znajdowały się na styku fotografii i malarstwa i łączyły śmiertelnie poważne, prymitywnie wymodelowane medialne archetypy (reprezentujące rodzinę, pasję, przemoc i ikonografię narodową), które izolował na nowoczesnych, malarskich polach znaków gestów lub monochromatycznych podłożach. Dekontekstualizując nadużywane techniki malarskie i migawki zaczerpnięte z tabloidowych historii, starał się odtworzyć i zakwestionować ich utracone znaczenie oraz odsłonić pustkę i niewrażliwość uwarunkowanych reakcji na spektakl i tragedię. Krytycy różnie opisywali jego twórczość (np. Don't Hit Her Again lub Shot for a Bike , oba 1981) jako nawiedzony i trudny do polubienia, ale godny, oraz „twardy i rozważny [...] z punkrockową i malarską świadomością”. Holland Cotter uznał to za „malowanie podczas strajku” z „upartym, kamiennym charakterem, który brzmiał jak prowokacja”; inni, tacy jak Carrie Rickey , uznali niejasność intencji dzieła za niepokojącą.
W 1983 roku Lawson zaczął używać fotograficznych obrazów klasycznej architektury i górskich krajobrazów, które kojarzyły się z zinstytucjonalizowaną kulturą, władzą i mistycyzmem, które przesłonił zasłonami malarskich, chaotycznych pociągnięć pędzla (a później kropek, pigułek i paisleyów). Recenzenci umieszczali na ogół takie prace jak Metropolis: The Museum (1983) czy The Temple of the Kultur Critic (1984), wśród najbardziej pociągających Lawsona, ale różniły się skutecznością polityczną. Ronald Jones napisał, że Lawson z powodzeniem obalił kulturowe przejawy władzy, „udowadniając, że są one zbyt słabe, aby mogły się rozwijać poza ich inkubowaną logiką”. Eleanor Heartney uważała jednak obrazy architektoniczne za mniej odporne na pokusy powierzchni malarskiej niż wcześniejsze obrazy romantyczne, podobnie jak Donald Kuspit , który uważał, że krytyka jest podatna na wchłonięcie przez dominującą kulturę. W jego programie z 1987 roku „The Party's Over” jego obrazy i prezentacja, jeśli nie jego intencja, stały się bardziej polimorficzne. W obrazach i instalacjach połączył ekspresję wolności, marnotrawstwa i nadmiaru – widoki autostrad z lotu ptaka, plamy przypominające reklamy alkoholi, korporacyjną urbanistykę i celebrytów – z brutalnymi nakładami jaskrawych, przesadnych ekspresjonistycznych pociągnięć pędzla i plam farby, aby w sposób samokrytyczny ujawnić jako puste gesty władzy i niezapośredniczony artystyczny niepokój, zastygłe w formule.
Sztuka publiczna (1987–1996)
W swoim eseju Artforum z 1986 roku „Toward another Laocoön” Lawson zasygnalizował praktyczną i teoretyczną zmianę w swojej pracy i szerszym świecie sztuki w kierunku prostych, konfrontacyjnych praktyk publicznych i politycznych w następstwie reaganizmu i kryzysu związanego z AIDS: „ Są to trudne czasy dla artystów z ambicjami przeformułowania tożsamości kulturowej społeczeństwa. Idea jakiejkolwiek awangardy najwyraźniej nie jest już przydatna… Istnieje potrzeba ponownego przemyślenia celu sztuki, jej wartości w kategoriach bezgotówkowych. W ciągu następnej dekady zwrócił się ku metakrytycznej analizie publicznych pomników i architektury oraz wpisanych w nie wartości i procesów władzy. Jego esej „Going Public” (1990) opisuje przejście od uprzywilejowanych, prywatnych przestrzeni galerii sztuki do bardziej inkluzywnej, interaktywnej przestrzeni miasta w politycznej, bojowej pracy Jenny Holzer , Barbara Kruger i Group Material w ramach „szeroko zakrojonych wysiłków na rzecz przekształcenia produkcji artystycznej w działalność o znaczeniu społecznym”. Lawson uznał to posunięcie za niezbędne do uniknięcia kooptacji, która uczyniła sztukę polityczną w galeriach „niczym więcej niż nieskutecznym beczeniem elity, której zadaniem jest pokazanie ludzkiej twarzy okopanej władzy”.
Własna sztuka Lawsona wykraczała poza płótno, najpierw do instalacji, a następnie do przestrzeni publicznej z Civic Virtue / Civic Rights (1988), tymczasową pracą w City Hall Park w Nowym Jorku. Była to pierwsza z kilku prac publicznych, które badały tradycyjną rzeźbę publiczną i jej związek z dominującymi strukturami władzy, tłumacząc takie przedstawienia na inne konteksty. W ramach pięcioletniego zlecenia A Portrait of New York (1989) pokrył parapet rusztowania o długości jednej trzeciej mili podczas renowacji Miejskiego Budynku Miejskiego z jasnoniebieskimi i pomarańczowymi, niedbale renderowanymi obrazami zaczerpniętymi z lokalnych rzeźb obywatelskich, rekompensując krótką pośpiech kobiet i mniejszości w rzeźbie publicznej, mieszając ich wizerunki z wizerunkami monumentalnych postaci historycznych, takich jak Alexander Hamilton, Nathan Hale i Al Smith . W 1990 roku stworzył Memory Lingers Here na pierwszą międzynarodową wystawę Tyne w Newcastle upon Tyne w Anglii, instalację składającą się z 30 billboardów, która otaczała opuszczoną fabrykę mydła. W pracy wykorzystano obrazy św. Jerzego i smoka zaczerpnięte z zaniedbanego, lokalnego pomnika wojennego na Old Eldon Square , aby skomentować tożsamość regionalną, pamięć oraz utratę miejsca i spójności społecznej. Niektóre z innych projektów związanych ze sztuką publiczną Lawsona obejmują billboardy w New Haven, Connecticut (1988) i Bellgrove Station , Glasgow (1990) oraz Fallen Angels (1991), instalację opartą na lokalnych rzeźbach i stworzoną dla społecznie zaangażowanego Circulo de Pokaz Bellas Artes „El Sueño Imperative” w Madrycie.
Powrót do malarstwa (1995–)
Lawson powrócił do malarstwa w drugiej połowie lat 90. i nadal zajmował się kwestią żywotności tego medium jako artysty, pedagoga i pisarza. W swojej własnej pracy Lawson rozszerzył swoją strategię wykorzystywania kontrastu między oczekiwaniami medium (malarstwo) a przekazem, aby zbadać problemy od geopolityki po autoprezentację w mediach społecznościowych. Te późniejsze prace charakteryzują się większym wykorzystaniem zestawień, fragmentacji i humoru oraz zawierają odmienne techniki malarskie, konwencje obrazkowe i obrazy w czasami zawrotnej mieszance, którą krytycy różnie opisywali jako „spokojną, opanowaną i złowrogą” do „wyłączenia wizualnego”.
W swoim pokazie „Malarstwo wiedeńskie” z 1995 roku Lawson eksplorował szaleństwo, zestawiając ze sobą surowe, klaustrofobiczne pomieszczenia instytucjonalne, niepokojące obrazy zaczerpnięte z fasad budynków, fontann i azylu w Wiedniu oraz odniesienia do Freuda i wczesnego modernizmu na dyptykach renderowanych pod kątem do góry nogami w genialne kolory. Jego program LAXART „History/Painting” (2007) badał niestabilność geopolityczną, środowiskową i ekonomiczną poprzez obrazy niezachodnich map świata i widoki globu, przywódców politycznych (np. Dogs of War , 2006) i ofiarom ścięć z wiadomości i historii sztuki, malowanych nieharmonijnymi kolorami i ekspresyjnymi technikami przywodzącymi na myśl Maxa Beckmanna , Emila Nolde czy George'a Grosza . W pokazach z lat 2009-2015 prace takie jak Confrontation: Three Graces (2010) zbliżyły się do dekoracyjnego potencjału malarstwa i zbadały alegoryczne możliwości postaci ludzkiej, kwestie pożądania i atrakcyjności oraz obrazową retorykę autoprezentacji. Travis Diehl z Artforum opisał podobne prace, takie jak Theoretical Picture czy Voluptuous Panic (oba 2012), jako krzyżowanie i zszywanie „ogromnych fragmentów kultury” poprzez uderzające zestawienia technik malarskich i „dziwacznie dziki klasycyzm” obciętych i sylwetkowych fragmentów mitów, rzeźb i współczesnych mediów. Recenzenci opisali pokaz Lawsona z 2015 roku w Klaus von Nichtssagend Gallery jako niesamowitą pracę, która wymyka się kategoryzacji i zachęca widzów do „porzucenia uprzedzeń i ponownego zaangażowania się w dzikie piękno”.
Pismo
Lawson zyskał uznanie za swoje wczesne pisarstwo jako „mistrz zwięzłej fraszki” i nieustępliwy, zjadliwy krytyk dominujących autorytetów epoki; w 2001 roku redaktor Artforum , Jack Bankowsky, opisał to jako „niezwykle żywe” reportaże z pierwszej linii. W późniejszych wywiadach zauważył odejście od wojowniczego polemizmu i światowo-historycznych ram lat 80. w kierunku propagowania pracy zakorzenionej w określonej kulturze lub społeczności, bez przywiązywania wagi do żadnego medium. Artykuły Lawsona ukazywały się w czasopismach, w tym Artforum , Art in America , Flash Art , fryz i Październik , a także w katalogach wystaw takich artystów jak między innymi Sarah Charlesworth , Liz Glynn , Gary Hume , Laura Owens i Steven Prina . Kilka jego esejów, w tym „Last Exit: Painting”, „Spies and Watchmen” oraz „The Future is Pewna”, doczekało się obszernej antologii, a on współredagował antologię Modern Dreams: The Rise and Fall oraz Rise of Pop (1988). Wydobywanie złota (JRP/Ringier, 2004), zbiór jego pism, został wymieniony wśród „Najlepszych książek 2005” Frieze , a pisarstwo zostało docenione ze względu na swoją rolę w krytycznych dyskursach, które „informowały kolejne pokolenia młodszych artystów”. Lawson napisał także dwuaktową sztukę opartą na procesie wywrotowym szkockiego radykała Thomasa Muira , zatytułowaną The Pest of Scotland, or A Tocsin Sounds in Embro (2001). W 2015 roku współtworzył Akademie X: Lessons in Art + Life , antologia oferująca lekcje, praktyczne porady, perspektywy ideologiczne i zadania dotyczące sztuki współczesnej dla studentów z artystów z całego świata.
Redagowanie magazynu
Lawson redaguje publikacje o sztuce współczesnej od ponad trzech dekad. W 1978 roku on i Susan Morgan byli współzałożycielami magazynu REALLIFE , który publikowali i redagowali w dwudziestu trzech numerach do 1992 roku. media i sztuka, jednocześnie kronikując rozwijającą się postmodernistyczną scenę sztuki alternatywnej w Nowym Jorku; krytyk Carrie Rickey określiła to jako „organy domowe” pokolenia Pictures. Oprócz Lawsona i Morgana byli też współtwórcy REALLIFE Eric Bogosian , Jennifer Bolande , Barbara Kruger, Félix Gonzáles-Torres , Kim Gordon , Craig Owens, Richard Prince, David Robbins , Laurie Simmons i Lawrence Weiner . W 2007 roku ukazała się antologia historii magazynu REALLIFE Magazine : Selected Writings and Projects, 1979–1994 . W latach 2002-2009 Lawson był współredaktorem czasopisma poświęconego sztuce współczesnej Afterall , wydawanego jako wspólne przedsięwzięcie Central St Martins School of Art , Londynie i CalArts. W 2010 roku założył internetową publikację artystyczną East of Borneo i od tego czasu pełni funkcję redaktora naczelnego. East of Borneo koncentruje się na sztuce współczesnej i jej historii z punktu widzenia Los Angeles i publikuje eseje i wywiady wraz z multimedialnym archiwum obrazów, filmów, tekstów i dźwięków.
Kariera akademicka
Odkąd został mianowany w 1991 roku, Lawson pełnił funkcję dziekana School of Art w California Institute for the Arts (CalArts) w Walencji , która znana jest z konceptualnego, opartego na teorii podejścia do edukacji artystycznej, którego początki sięgają czasów świetności ruch post-studyjny na przełomie lat 60. i 70. W swoich pismach i wywiadach Lawson podkreślał, jak ważne jest, aby szkoła artystyczna miała „jasne zrozumienie własnego, opartego na historii ujęcia tego, co jest ważne”. Podkreślił założycielską intelektualną tradycję CalArts polegającą na kwestionowaniu konwencjonalnych idei, kwestionowaniu środków i ideologii reprezentacji oraz nauczaniu żadnego medium przed ideami, przy jednoczesnym zakorzenieniu praktyki w wizualności. Tak więc, pomimo reputacji CalArts jako miejsca, w którym malarstwo musi się usprawiedliwiać, pisarze zajmujący się sztuką zauważają, że Lawson był mentorem pokolenia uznanych tam malarzy, w tym Ingrid Calame , Laura Owens i Monique Prieto ; niektórzy z jego innych uczniów to Andrea Bowers , Mark Bradford , Fiona Connor , Liz Glynn i Kaari Upson . Lawson starał się również utrzymać zdolność szkoły do wspierania nowych mediów poprzez nowe obiekty (Edyth and Eli Broad Studios oraz John Baldessari Stud Building), laboratoria cyfrowe i ceramiczne oraz zatrudnianie wykładowców, takich jak Natalie Bookchin , Harry Dodge , Sam Durant , Harry Gamboa Jr , Sharon Lockhart , Cauleen Smith i Shirley Tse , między innymi. Zanim został dziekanem, Lawson był członkiem Wydziału Wizytującego w CalArts w latach 1990 i 1987, instruktorem w School of Visual Arts w Nowym Jorku (1981–90) i New York Studio Program (1987–89) oraz wizytującym artystą w Rhode Island School of Art and Design (1988–89 i 1983–84).
Nagrody i uznanie
Lawson otrzymał stypendia od John Simon Guggenheim Memorial Foundation (2009), Lewis Walpole Library (2002), Visual Art Projects, Glasgow (1999) oraz National Endowment for the Arts (1989, 1985 1982); stypendium Fundacji Art Matters (1986); nagrody rezydencji od Fundacji Ucross , Wyoming (2003) i Fundacji Rockefellera, Bellagio Center (1997); oraz finansowanie REAL LIFE Magazine z NEA, Visual Artists Forums i NYSCA Visual Arts (1979–91).
| Międzynarodowy | |
|---|---|
| Krajowy | |
| Artyści | |
| Inny | |
