Koncert wiolonczelowy (Walton)

Koncert wiolonczelowy Williama Waltona (1957) jest trzecim i ostatnim z koncertów kompozytora na instrumenty smyczkowe, po koncercie na altówkę (1929) i koncercie skrzypcowym (1939). Powstał on między lutym a październikiem 1956 roku na zamówienie i dedykowany wiolonczeliście Gregorowi Piatigorskiemu , soliście prawykonania w Bostonie 25 stycznia 1957 roku.

Początkowe reakcje na pracę były mieszane. Niektórzy recenzenci uważali tę pracę za staroświecką, inni nazywali ją arcydziełem. Piatigorsky przewidział, że wejdzie ona do międzynarodowego repertuaru koncertowego, a po jego nagraniu pojawiło się wiele innych solistów z czterech kontynentów.

Tło i pierwsze występy

Walton był uważany za awangardę w młodości, ale w 1957 roku, kiedy był po pięćdziesiątce, był postrzegany jako kompozytor w tradycji romantycznej, a niektórzy uważali go za staroświeckiego w porównaniu z jego młodszym angielskim współczesnym Benjaminem Brittena _ Po swojej jedynej pełnometrażowej operze Troilus and Cressida (1954) Covent Garden ogłosił, że jego kolejnym ważnym dziełem będzie partytura baletowa na sezon 1955–1956. Balet, wersja Makbeta , upadł, ponieważ Margot Fonteyn , dla której był przeznaczony, nie spodobała się pomysł grania Lady Makbet. Zanim uzgodniono alternatywny temat, Walton był zaangażowany w napisanie koncertu wiolonczelowego, a jego partytura baletowa nigdy się nie zmaterializowała. Prowizja za koncert wynosiła 3000 $ - pokaźna suma w tamtym czasie. Walton skomentował, że jako zawodowy kompozytor napisałby wszystko dla każdego, ale „Piszę znacznie lepiej, jeśli płacą mi w dolarach”.

Koncert zamówiony przez wiolonczelistę Gregora Piatigorsky'ego był zgodny z konwencjonalną formą koncertu do tego stopnia, że ​​miał trzy kontrastujące ze sobą części. Podobnie jak w przypadku swojego wcześniejszego Koncertu skrzypcowego, napisanego dla Jaschy Heifetza , Walton ściśle współpracował z solistą podczas komponowania utworu, głównie poprzez korespondencję między kompozytorem z jego domu na Ischii a wiolonczelistą podróżującym po całym świecie. Piatigorsky zauważył, że świat w XX wieku otrzymał swoje koncerty wiolonczelowe z Anglii – Elgara i Deliusa , a potem Waltona.

Premiera została przesunięta z grudnia 1956 roku z powodu choroby Piatigorskiego. Odbyło się to w Symphony Hall w Bostonie z udziałem Boston Symphony Orchestra pod dyrekcją Charlesa Muncha . Pierwsze brytyjskie wykonanie otrzymało w ciągu kilku tygodni, 13 lutego 1957 r., Ponownie z Piatigorsky, tym razem z BBC Symphony Orchestra pod dyrekcją Sir Malcolma Sargenta w Royal Festival Hall . Utwór został po raz pierwszy nagrany krótko po premierze, z oryginalnymi siłami.

Analiza

Koncert składa się z trzech części, ale nie jest zgodny z konwencjonalną formą koncertu, z energiczną częścią otwierającą, po której następuje wolna część: podobnie jak wcześniejsze koncerty Waltona na altówkę i skrzypce, Koncert wiolonczelowy ma część otwierającą w umiarkowanym tempie, po której następuje znacznie szybszy centralny scherzo.

Koncert przeznaczony jest na 2 flety (drugi podwojony piccolo ), 2 oboje (drugi podwojony rożek angielski ), 2 klarnety (drugi podwojony klarnet basowy ), 2 fagoty (drugi podwojony kontrafagot ), 4 rogi , 2 trąbki , 3 puzony , tuba , kotły , 3 instrumenty perkusyjne ( wibrafon , ksylofon , talerz podwieszany , bęben basowy , kastaniety , werbel ), czelesta , harfa , smyczki .

Te trzy ruchy to:

• Moderato
• Pozdrowienia dla Allegro
• Tema ed improvvisazioni (Temat i improwizacje)

1. Umiarkowane

Ruch jest w C-dur. Krytyk muzyczny Frank Howes napisał, że koncert „rozpoczyna się pluskiem, jak kamień wrzucony do basenu, akord na wibrafonie i twardym, tryle na altówce i oscylująca figura na instrumentach dętych i górnych strunach”. Początek jest kontynuowany ekspresyjną melodią wiolonczeli nad pizzicato „tik-tak” , który dominuje w części. Biograf Waltona, Michael Kennedy, nazywa długi temat otwierający „wszechstronnym i chromatycznym, z niejednoznacznie niestabilną tonacją… uwodzicielsko miłosnym wynalazkiem”. Temat drugorzędny, oznaczony allegro uspokoić, przedstawia zstępujący układ szesnastek w tandemie z motywem „tik-tak”, prowadzący ostatecznie do powrotu pierwszego tematu z akompaniamentem instrumentów dętych drewnianych. Część kończy się czymś, co Howes nazywa „wydłużoną kadencją diatoniczną”, w której ostatnie takty opadają przez pięć oktaw.

2. Allegro appassionato

Tonacja części drugiej jest niejednoznaczna; w partyturze nie ma sygnatury tonacji, a analitycy opisali to zasadniczo jako cis-moll lub a-moll. Ruch ten jest opisywany przez Kennedy'ego jako „typowo waltoński pokaz sztucznych ogni”. Howes komentuje, że chociaż ma wygląd scherza , oznaczenie allegro appassionato wskazuje na to, że jest ono emocjonalnym rdzeniem utworu, a także najbardziej treściwą i najlepiej zorganizowaną z trzech części. Różni się od konwencjonalnych scherz nie tylko siłą emocjonalną, ale także brakiem sekcji tria. Energiczny temat główny dwukrotnie na krótko ustępuje miejsca wiolonczeli prowadzącej do lirycznej frazy w nieco wolniejszym tempie, ale to tempo zmienia się, a następnie ustępuje oryginalnej szybkości. Kennedy opisuje partyturę orkiestrową jako lekką i przejrzystą, z barwną, ale dyskretną perkusją, w tym celestą i wibrafonem. Aby zakończyć wirtuozowski popis, solista gra wznoszącą się cis-moll, z harmoniczną na wysokim cis, oznaczoną col legno .

3. Tema ed improvvisazioni

Finał C-dur, najdłuższy z trzech części, składa się z tematu i czterech „improwizacji” - poszczególnych odcinków luźno opartych na elementach tematu - po których następuje rozbudowana koda. Powraca do nastroju pierwszej części, z rozbudowanym tematem wiolonczeli w jej wysokim rejestrze nad pizzicato w orkiestrze smyczkowej. Temat przedstawia wznoszące się i opadające wzory w taktach otwierających, po których następuje seria opadających triad i para wznoszących się gam.

Pasaż na wiolonczelę solo łączy temat z pierwszą improwizacją, w której zarys tematu podany jest w partii orkiestry, w stałym tempie przez cały czas – „migotanie smyczków tremolanda i egzotyczne interwencje ksylofonu, wibrafonu, czelesty, i harfa". Przeciwko temu kontra-melodia wiolonczelowa w rytmach triolowych. Druga improwizacja to wirtuozowski popis solisty bez akompaniamentu, oznaczony brioso (żywo). Zarówno Howes, jak i Burton komentują, że ta brawurowa sekcja służy zamiast zwykłej kadencji koncertowej . Trzecia improwizacja to genialna orkiestrowa toccata ; Howes nazywa to „hałaśliwym romansem z dużą ilością perkusji, glissandami na rogi i harfy, użyciem piccolo i tym podobnymi emocjami”. Czwarta, na wiolonczelę bez akompaniamentu, jest oznaczona jako „rapsodycznie” ( rapsodicamente ) i ma duże wahania tempa; kończy się wysokimi trylami, które przechodzą w kodę .

Koda nawiązuje do tematów z części pierwszej, najpierw pędzącej w górę figury z jej części środkowej, a następnie melodii otwierającej, zanim temat finału powraca w skompresowanej postaci, prowadząc część ku cichemu, świetlistemu zakończeniu i dolne C z wiolonczeli. Kennedy komentuje: „To kamienne serce, które nie może odpowiedzieć na wezwania kody tego utworu”, ale podczas kompozycji Piatigorsky tęsknił za bardziej brawurowym zakończeniem. Walton skomponował dwa alternatywne, ale oryginalne ciche zakończenie zostało odtworzone na premierze i pozostało wersją standardową.

W 1974 roku kompozytor ponownie przemyślał zakończenie i zastanawiał się, czy Piatigorsky (i Heifetz, który podzielał pogląd wiolonczelisty) mogli mieć rację. Walton skomponował trzecie zakończenie i wysłał je do Piatigorsky'ego, ale wiolonczelista był już wtedy śmiertelnie chory i nigdy go nie wykonał. Oryginalne zakończenie pozostało standardowe, chociaż wydano nagrania alternatywnej kody (patrz „Nagrania” poniżej).

Przyjęcie

Krytyka była podzielona co do meritum koncertu po prawykonaniu. Recenzent z Bostonu napisał, że utwór był „dobry, ciepły i melodyjny”, chociaż bardziej rapsodii niż koncertu. Krytyk uważał, że dzieło jest znakomicie skonstruowane, ale staromodne: „jaki dysonans nie zaniepokoiłby starszej ciotki”. Ten sam pogląd miał Peter Heyworth w The Observer po brytyjskiej premierze; napisał, że w pracy niewiele było rzeczy, które zaskoczyłyby publiczność w roku, w którym Titanic spotkał swoją górę lodową. Chociaż Heyworth uważał, że koncert wykazywał wyraźną „stagnację” w najnowszej muzyce Waltona, pochwalił „wyjątkowo piękny epilog, którego wyciszona, spokojna atmosfera wydaje się uchwycić widok spokojnego morza rozciągającego się w noc”. Recenzent w The Manchester Guardian nazwał to dzieło „nowoczesnym arcydziełem”, ukazując kompozytora w jego najświeższym i najbardziej natchnionym wydaniu, zastępując melancholię „wielkich koncertów Waltona z lat trzydziestych” „czymś bardziej pogodnym”. The Times , rozważając Koncert wiolonczelowy wraz z koncertami wcześniejszymi, zauważył, że Walton nie był kompozytorem progresywnym, ale każdy z jego utworów był naznaczony jego muzyczną osobowością – „dowcip, skrząca się i wybuchowa energia, na wpół tęskny, na wpół zadowolony”. romantyczne rozmyślania… produkt arystokratycznego umysłu”. Kennedy pisze, że chociaż utwór jest „pięknie napisany, wdzięczny do grania i przedstawia słuchaczowi niewiele problemów”, jest „zbyt zrelaksowany dla własnego dobra”, czasami epizodyczny i skłonny do ponownego wykorzystania znanych manier Waltona.

Walton uznał wkład Piatigorsky'ego w kompozycję za cenny i pocieszający. Kiedy później zaczął pisać swoją II Symfonię , napisał do wiolonczelisty: „Tęsknię za twoim życzliwym przewodnictwem [i] pomóż mi pobudzić mnie. Bo rzeczywiście zachęciłeś mnie moim koncertem, który uważam za jedno z moich najlepszych dzieł” . Wiolonczelista Daniel Müller-Schott napisał, że muzycy i słuchacze mogą wyczuć w muzyce „świat natury… całą atmosferę Włoch. Złote promienie słońca, różne kolory światła [Ischii], niebieskie odcienie morze i zapach słonej wody można wyczuć z rzadką bezpośredniością.… O Waltonie można mówić na wiele sposobów jako o „angielskim impresjoniście” z wyjątkową zdolnością wyrażania swojej magii w głosach orkiestry i instrumentu solowego ”.

Nagrania

Piatigorsky przewidział, że koncert podejmą wiolonczeliści z całego świata, a wśród tych, którzy nagrali koncert po nim, są soliści z Francji ( Pierre Fournier , Paul Tortelier ), Chin/Australii ( Li-Wei Qin ), Niemiec ( Daniel Müller-Schott ), Węgier ( János Starker ), Holandii ( Pieter Wispelwey ), Szwajcarii (Christian Poltéra) i USA ( Lynn Harrell , Mark Kosower , Yo-Yo Ma ), a także brytyjscy wiolonczeliści, w tym Robert Cohen , Stevena Isserlisa , Ralpha Kirshbauma , Juliana Lloyda Webbera , Raphaela Wallfischa i Paula Watkinsa .

Nagranie z 2009 roku wiolonczelisty Jamiego Waltona i Philharmonia Orchestra pod dyrekcją Alexandra Brigera było pierwszym, w którym wykorzystano poprawioną wersję finału z 1974 roku (dodając oryginał jako oddzielny utwór bonusowy). Nagranie Li-Wei Qin z 2014 roku zostało użyte w wersji z 1974 roku.

W 2015 roku w regularnym przeglądzie porównawczym „Building a Library” BBC Radio 3 uwzględniono wszystkie dostępne nagrania utworu. Recenzent stwierdził, że nagrania Piatigorsky'ego i Fourniera były „istotnym odniesieniem”; uważany za Wispelweya miał najbardziej pomysłową i satysfakcjonującą grę solową, zawiedzioną akompaniamentem orkiestry; i chwalił liryzm Yo-Yo Ma. Najwyższą wszechstronną rekomendacją był Chandos autorstwa Paula Watkinsa i BBC Symphony Orchestra pod dyrekcją Edwarda Gardnera .

Notatki, odniesienia i źródła

Źródła

•   Howes, Frank (1965). Muzyka Williama Waltona . Oksford: Oxford University Press. ISBN 978-0-19-315412-4 .
•   Kennedy, Michael (1989). Portret Waltona . Oksford: Oxford University Press. ISBN 978-0-19-816705-1 .
•   Lloyd, Stephen (2001). William Walton: Muza ognia . Woodbridge: Boydell Press. ISBN 978-0-85115-803-7 .
•   Newton, Ivor (1966). Przy fortepianie . Londyn: Hamish Hamilton. OCLC 941036910 .