sztuka granicy
Border Art to współczesna praktyka artystyczna zakorzeniona w doświadczeniach społeczno-politycznych, takich jak te na pograniczu amerykańsko-meksykańskim lub frontera . Od momentu powstania w połowie lat 80-tych, ta praktyka artystyczna pomagała rozwijać kwestie związane z ojczyzną , granicami , inwigilacją , tożsamością, rasą , pochodzeniem etnicznym i pochodzeniem narodowym .
.jpg)
Sztuka pogranicza jako konceptualna praktyka artystyczna otwiera jednak artystom możliwość eksploracji podobnych problemów związanych z tożsamością i pochodzeniem narodowym, ale których lokalizacja nie jest specyficzna dla granicy meksykańsko-amerykańskiej. Granica może być podziałem, dzielącym grupy ludzi i rodziny . Granice mogą obejmować między innymi język, kulturę, klasę społeczną i ekonomiczną, religię i tożsamość narodową. Oprócz podziału granica może również oznaczać obszar pogranicza, który może stworzyć spójną społeczność oddzieloną od głównych kultur i tożsamości przedstawianych w społecznościach oddalonych od granic, takich jak granica Tijuana-San Diego między Meksykiem a Stanami Zjednoczonymi .
Border art można zdefiniować jako sztukę tworzoną w odniesieniu do dowolnej liczby fizycznych lub wyobrażonych granic. Ta sztuka może, ale nie ogranicza się do kwestii społecznych , politycznych , fizycznych, emocjonalnych i/lub nacjonalistycznych . Border art nie ogranicza się do jednego konkretnego medium . Artyści/artyści z pogranicza często odnoszą się do wymuszonego upolitycznienia ludzkich ciał i fizycznej ziemi oraz do arbitralnych, ale niewiarygodnie szkodliwych podziałów, które są tworzone przez te granice. Artyści ci często sami „przekraczają granice”. Mogą przekraczać granice tradycyjnego tworzenia sztuki (poprzez performance, wideo lub kombinację mediów). Mogą być jednocześnie artystami i aktywistami , pełniącymi jednocześnie wiele ról społecznych. Wielu artystów z pogranicza wymyka się łatwym klasyfikacjom w swojej praktyce artystycznej i pracy.
Historia sztuki granicznej specyficzna dla granicy Meksyku ze Stanami Zjednoczonymi
Ila Nicole Sheren stwierdza: „Sztuka pogranicza stała się kategorią dopiero w Border Art Workshop/Taller de Arte Fronterizo (BAW/TAF). Począwszy od 1984 roku i kontynuując w kilku iteracjach na początku XXI wieku, dwunarodowy kolektyw przekształcił San Diego-Tijuana w bardzo naładowane miejsce dla konceptualnej sztuki performansu ... Artyści BAW / TAF mieli połączyć performans, specyfikę miejsca i granicę między Stanami Zjednoczonymi a Meksykiem, a także jako pierwsi wyeksportować „sztukę pogranicza ” do inne lokalizacje geograficzne i sytuacje”. Zwolennikiem Border Art jest Guillermo Gómez-Peña, założyciel The Border Arts Workshop/Taller de Arte Fronterizo. Border Arts Workshop/Taller de Arte Fronterizo był pionierem w rozwiązywaniu napięć politycznych na pograniczu w czasie, gdy region ten zyskiwał coraz większe zainteresowanie mediów w związku z debatami NAFTA . [ potrzebne źródło ] Sprzeczność otwierania się granic na swobodny przepływ kapitału i jednoczesnego zamykania napływu imigrantów stworzyła okazję do zajęcia się innymi istniejącymi od dawna konfliktami w regionie.
Antonio Prieto argumentuje, że „W przeciwieństwie do artystów ludowych, nowe pokolenie należy do klasy średniej, ma formalne wykształcenie i samoświadomie uważa się za producenta„ sztuki pogranicza ”. Co więcej, ich sztuka jest naładowana politycznie i zakłada konfrontacyjną postawę wobec polityki rządu zarówno meksykańskiego, jak i amerykańskiego”.
We wstępie do wystawy La Frontera/The Border: Art About the Mexico/United States Border Experience Patricio Chávez i Madeleine Grynstejn stwierdzają: „Dla reprezentowanych tu artystów granica nie jest fizyczną linią oddzielającą dwa suwerenne narody, ale ale raczej miejsce własne, zdefiniowane przez zbieg kultur, które nie jest geograficznie ograniczone ani na północy, ani na południu. Granica jest specyficznym splotem autentycznej strefy zhybrydyzowanego doświadczenia kulturowego, odzwierciedlającym migrację i zapylenie krzyżowe idei i obrazów między różnymi kulturami, które powstają w wyniku rzeczywistych i stałych ruchów ludzkich, kulturowych i społeczno-politycznych. W tej dekadzie granice i granice międzynarodowe stały się nadrzędne w naszej świadomości narodowej i podczas wydarzeń międzynarodowych. Tak jak granice definiują gospodarkę, ideologię polityczną i tożsamość narodową krajów na całym świecie, tak i my powinniśmy badać nasze własne pogranicza, aby zrozumieć siebie i innych”. Prieto zauważa, że „Podczas gdy pierwsze przykłady Chicano pod koniec lat sześćdziesiątych dotyczyły kwestii ziemi, społeczności i ucisku , dopiero później graficy, tacy jak Rupert García, zaczęli wyraźnie przedstawiać granicę w swoich pracach. Na przykład sitodruk „¡Cesen Deportación!” Garcíi z 1973 r. wzywa do położenia kresu wyzyskowi pracowników migrujących , którym zezwala się na przekraczanie granicy, a następnie są deportowani według kaprysu amerykańskich interesów gospodarczych i politycznych”.
Prieto zauważa, że dla artystów z Meksyku i Chicano estetyka rascuache stworzyła hybrydę meksykańskiej i amerykańskiej kultury wizualnej. Chociaż nie ma dokładnego tłumaczenia na język angielski, termin rascuache można porównać do terminu artystycznego kicz . Najbliżej tłumaczy się z hiszpańskiego jako „pozostałość” z wrażliwością najbliższą angielskiemu terminowi kicz. [ potrzebne źródło ]
Fotograf David Taylor skupił się na granicy amerykańsko-meksykańskiej, śledząc pomniki wyznaczające oficjalne granice Stanów Zjednoczonych i Meksyku wyznaczone w wyniku traktatu z Guadalupe Hidalgo z 1848 r . Na swojej stronie internetowej cytuje: „Moje podróże wzdłuż granicy odbywały się zarówno w pojedynkę, jak iw towarzystwie agentów. W sumie powstałe zdjęcia mają oferować wgląd w miejsca i sytuacje, do których na ogół nie mamy dostępu, i przedstawiają bardzo złożoną topografię fizyczną, społeczną i polityczną w okresie dramatycznych zmian”. W swoim projekcie Taylor zajmował się fizycznymi granicami, dokumentując środowisko i krajobraz wzdłuż granicy, ale także poruszał kwestie społeczne, angażując mieszkańców, patrolujących, przemytników i wiele innych osób mieszkających na granicy amerykańsko-meksykańskiej i na nią narażonych. Postanawia również zająć się kwestiami politycznymi, skupiając się na dużym problemie handlu narkotykami .
Powiązane dzieła sztuki
Border Tuner to projekt meksykańsko-kanadyjskiego artysty Rafaela Lozano-Hemmera , który bada powiązania istniejące między miastami i ludźmi po obu stronach granicy meksykańsko-amerykańskiej. Ta interaktywna praca, położona na pograniczu El Paso i Juarez, wykorzystuje duże reflektory jako środek komunikacji między uczestnikami po obu stronach granicy. Kiedy jedna wiązka światła wchodzi w interakcję z drugą, mikrofon i głośnik włączają się automatycznie, umożliwiając uczestnikom po obu stronach komunikację w utwardzonej infrastrukturze, która dzieli ich dwa kraje. Reflektor, najczęściej używany w aplikacjach inwigilacji i zatrzymywania migrantów przez Straż Graniczną Stanów Zjednoczonych, jest jednym z symboli, które Lozano-Hemmer podważa w swojej pracy. O tym naładowanym symbolu mówi: „Uważam reflektory za absolutnie odrażające, dlatego muszę z nimi pracować”.
Borrando La Frontera (Erasing the Border) Any Teresy Fernandez kwestionuje materialność granicy amerykańsko-meksykańskiej poprzez wymazanie jej struktury. W filmie Ana Teresa Fernandez ma nadzieję „[zamienić] ścianę dzielącą ocean i niebo, które się rozszerza” w symbol potencjalnej przyszłej mobilności. Poprzez nadanie granicy koloru nieba, czyniąc ją niewidoczną, artysta zwraca uwagę na znaturalizowane poczucie narodowości w opozycji do naturalnego krajobrazu. Artystka nadaje nowe znaczenie naturalnemu niebieskiemu kolorowi nieba, używając go jako symbolu geografii z otwartymi granicami i swobodą przemieszczania się. Malując ten pomysł na granicznym płocie, Fernandez i jej współpracownicy Film podkreśla również naturalne elementy sceny Ruch ptaków i wody, niewzruszony przez płot, świadczą o zbędności ogrodzenia i polityce USA/ granica Meksyku. Artesania & Cuidado (Craft & Care) autorstwa Tanyi Aguiñigi służy jako zbiór prac artystów zajmujących się aktywizmem, projektowaniem i dokumentacją. W szczególności wejście Aguiñigi do galerii nadaje ton wystawie. [ potrzebne źródło ] Aguiñiga jest również odpowiedzialna za AMBOS — Art Made Between Opposite Sides. Projekt składający się z wykonanych dzieł sztuki, które sprzyjają poczuciu wzajemnych powiązań w regionach przygranicznych. Projekt jest wieloaspektowy i prezentuje się w formie dokumentu, aktywizmu, zaangażowania społeczności i współpracy w celu aktywizacji granicy amerykańsko-meksykańskiej, eksploracji tożsamości dotkniętych strefą luminalną granicy i promowania zdrowych relacji z jednej strony granicy do inny.
„Spacer po World Trade Center” (Philippe Petit) Nazywany „artystyczną zbrodnią stulecia”, śmiały wyczyn Petita stał się przedmiotem medialnej sensacji. Rankiem 7 sierpnia Petit wszedł na linę zawieszoną między dwiema wieżami. Wkrótce tysiące ludzi zebrało się, by obserwować mężczyznę na drucie ponad 1300 stóp nad nimi. Przez 45 minut Petit praktycznie tańczył na cienkiej metalowej linie. Został aresztowany za swoje wysiłki i nakazano mu dać występ w Central Parku jako wyrok. [ potrzebne źródło ]
Kolejną artystką zajmującą się konfliktami na granicy amerykańsko-meksykańskiej jest Judi Werthein, która w 2005 roku stworzyła linię butów zatytułowaną Brinco, po hiszpańsku od słowa Jump. Buty te byłyby bezpłatnie rozdawane mieszkańcom Tijuany, którzy chcą przekroczyć granicę. Werthein wyjaśnia: „But zawiera kompas, latarkę, ponieważ ludzie przechodzą nocą, aw środku znajduje się również kilka środków przeciwbólowych Tylenol, ponieważ wiele osób doznaje obrażeń podczas przechodzenia”. Dodatkowo buty miały wyjmowane podeszwy z mapą granicy San Diego/Tijuana, wskazującą szczególnie korzystne trasy do pokonania. Z tyłu kostki buta znajduje się wizerunek Toribio Romo Gonzáleza , świętego poświęconego meksykańskim migrantom. Same buty zostały wykonane tanio i masowo z Chin, naśladując środki produkcji nadużywane przez wiele amerykańskich firm. Te buty byłyby również sprzedawane w małych butikach w San Diego po 215 dolarów za parę, reklamowane wśród wyższej klasy odbiorców jako „jedyne w swoim rodzaju dzieła sztuki”. Zyski z tego przedsięwzięcia zostałyby następnie przekazane schronisku w Tijuanie, które pomaga potrzebującym migrantom.
Sztuka performansu Jorge Rojasa jest złożona, ponieważ odzwierciedla jego międzykulturowe doświadczenia zarówno w Meksyku, jak iw Ameryce. Rojas urodził się w Morelos w Meksyku, a obecnie mieszka w Salt Lake City w stanie Utah. Ta zmiana miejsca zamieszkania wpłynęła na zmiany w jego pracy dotyczące poczucia domu i ojczyzny. Jego prace badają tę zmianę w ojczyźnie w sposób, który podkreśla jego obcość i świadomość obu kultur. Jego spektakle często łączą meksykańskie motywy kulturowe ze stylem wykonania, który tworzy nową przestrzeń do identyfikacji ciągłych zmian tożsamości kulturowej. [ potrzebne źródło ]
Utwór Shinjiego Ohmakiego „Liminal Air Space-Time” mówi o fizycznym sensie przestrzeni liminalnej io tym, jak przedstawia ona granicę. ta liminalna przestrzeń jest reprezentowana przez cienki biały kawałek ubrania, który powiewa w powietrzu. Zastosowanie otworów wentylacyjnych pod spodem utrzymuje go stale w powietrzu. Ohmaki mówi: „Płótno porusza się w górę iw dół, powodując fluktuację granic dzielących różne terytoria… niektórzy ludzie poczują, że czas szybko płynie, podczas gdy inni mogą poczuć, że czas jest spowolniony. Przechylając wrażenia, wymiar czasu i przestrzeni, które różnią się od życia codziennego”. Tak jak i prawdziwy pensjonariusz masz poczucie, że nie wiesz, kim jesteś i jak długo utkniesz w powietrzu.
Historia sztuki pogranicza specyficzna dla Palestyny-Izraela
W czerwcu 2005 roku performer Francis Alÿs przeszedł z jednego końca Jerozolimy na drugi, wykonując The Green Line . W tym performansie Alÿs niesie puszkę wypełnioną zieloną farbą. Dno puszki było perforowane małym otworem, więc farba kapała na ziemię ciągłą falistą linią, gdy szedł. Trasa, którą podążał, została narysowana na zielono na mapie w ramach zawieszenia broni po wojnie arabsko-izraelskiej w 1948 roku , wskazując tereny pod kontrolą nowego państwa Izrael. Alÿs ograniczył swoje spacery do 15-milowego odcinka przez podzieloną Jerozolimę, wędrówki, która prowadziła go ulicami, przez podwórka i parki oraz przez skalisty, opuszczony teren. Julien Deveaux udokumentował spacer u boku Alÿs.
Artystka zainwestowała w sztukę palestyńską/izraelską: Sama Alshaibi: Znana artystka, która wykorzystuje swoje ciało jako narzędzie w swoich dziełach. Koncentruje się na kontekście podwójnego przemieszczenia pokoleniowego, a także pojęcia „nielegalności” w Stanach Zjednoczonych, określanego jako przemieszczenie psychologiczne. Jej ciało służy jako „alegoryczny widok” i „przechwytuje kobiecą perspektywę”. Skupia się na portretowaniu życia wysiedlonej Palestynki, która wyemigrowała do Stanów Zjednoczonych w młodym wieku wraz z rodziną. Opisuje również informacje oparte na haftach z kobietami palestyńskimi i arabskimi. Niektóre z jej prac to: Milk Maid , Carry Over , Together Apart i Between Two Rivers. [ potrzebne źródło ]
Międzynarodowi artyści i ich wpływ
Było kilku artystów z innych krajów, którzy przybyli na izraelską barierę na Zachodnim Brzegu i wykorzystali sam mur jako płótno, aby wyrazić swoje potępienie dla jego ustanowienia. Współpracowali również z lokalnymi palestyńskimi artystami ulicznymi, aby wyrazić swoje uczucia i ostatecznie przekazać swoje przesłanie. Ci znacznie bardziej znani międzynarodowi artyści pomogli również zwrócić uwagę opinii publicznej na konflikt, który ma miejsce między Palestyną a Izraelem. Wielu artystów, którzy pracują nad barierą separacji, wzięło coś, co jest postrzegane jako narzędzie podziału, i uczyniło z tego płótno, na którym kreują swój przekaz. [ potrzebne źródło ]
Banksy'ego
Anonimowy artysta mieszkający w Wielkiej Brytanii, Banksy , jest wybitną postacią w sposobie, w jaki ludzie wykorzystali ścianę oddzielającą jako powierzchnię do wyrażenia sprzeciwu wobec jej ustanowienia. Wykorzystał wymiar ściany, podział, który reprezentuje, oraz kontekst, który się za nią kryje, aby stworzyć prace, które odnoszą sukces w ich środowisku. Jedno z jego bardziej popularnych dzieł przedstawia gołębia, symbol pokoju, zestawionego z nim w kamizelce kuloodpornej. Tutaj można wywnioskować, że Banksy stara się wyrazić pragnienie pokoju między dwoma narodami, ale biorąc pod uwagę historię przemocy, muszą być przygotowane na konflikt. Zasadniczo demonstruje fałszywe poczucie pokoju, które jest generowane jako produkt uboczny tego muru.
Inne prace, które Banksy wykonał przez lata, obejmowały również tworzenie iluzji optycznych w celu rozbicia solidarności muru. Stara się podkreślić elementy bariery, sposób, w jaki dzieli ona przestrzeń i tworzy odcięcie od otaczającego widza świata. Ma takie prace, jak dzieci przed „dziurą” przed ścianą, która odsłania raj, świat niewidoczny dla widza z powodu przeszkody w ścianie.
Banksy wyrażał swoje różne opinie na temat konfliktu izraelsko-palestyńskiego i doświadczeń, które napotkał podczas pracy nad sztuką pogranicza. Często cytowana rozmowa Banksy'ego z Palestyńczykiem pomaga zilustrować nastroje wobec muru z palestyńskiej perspektywy:
„Stary człowiek: malujesz ścianę, sprawiasz, że wygląda pięknie.
Ja [Banksy]: Dzięki.
Starzec: Nie chcemy, żeby było pięknie, nienawidzimy tej ściany. Idź do domu."
Powaga tej rozmowy pokazuje, jak sztuka pogranicza może mieć przesłanie polityczne lub pomagać grupie ludzi w wyrażaniu opinii, ale nie może zburzyć muru. W tej interakcji mur jest antagonistą narodu palestyńskiego i każda próba upiększenia muru jest bezużyteczna, ponieważ nie usuwa powstałej przepaści.
Banksy poczynił inne uwagi dotyczące rozmiaru i skali bariery separacyjnej w odniesieniu do tego, jak zasadniczo izoluje ona ludność palestyńską, otaczając ją niemal z każdej strony. Mówi: „To zasadniczo zmienia Palestynę w największe na świecie więzienie na świeżym powietrzu”.
Omdlenie (artysta)
Innym artystą jest urodzona w Ameryce artystka uliczna, omdlenie , która pracowała nad barierą separacji jako jedna z nielicznych wybitnych artystek, które wpłynęły na zdominowany przez mężczyzn świat sztuki ulicznej. Swoon odgrywa kluczową rolę w tworzeniu kobiecej narracji w tej coraz bardziej badanej dziedzinie sztuki. Wiele jej prac przedstawia kobiety jako kluczowe postacie i bohaterki swoich kompozycji, co ostatecznie daje inną perspektywę fenomenowi sztuki pogranicza. Jej sztuka graniczna na barierze oddzielającej koncentruje się na charakterystyce skali i lokalizacji, powodując, że widz rozumie sam rozmiar ściany w stosunku do ciała. Swoon wyjaśnia, dlaczego skala jest dla niej ważna, mówiąc: „… Myślę, że ważne jest, aby ludzie rozumieli jej skalę, ponieważ pomaga to w zrozumieniu groteskowej nierównowagi sił, z jaką boryka się naród palestyński”. „Tworząc ten kontrast wielkości widza z jej dziełem sztuki, powoduje, że jednostka kwestionuje mur, zwraca na niego uwagę i zastanawia się, jak bardzo Izrael podjął się ochrony przed siłami zewnętrznymi.
Jedną z jej prac, która demonstruje tę koncepcję, jest jej Kobieta tkająca koronki, tutaj temat unosi się mniej więcej do połowy ściany i wygląda, jakby tkała spódnicę. Akcja tkania implikuje tu poczucie jedności, aw jej kontekście jest zestawiona, ponieważ ściana jest symbolizowana jako podział. Inne prace Swoon skupiały się na miejscach, takich jak tworzenie sztuki, w której palestyńska młodzież umieściła palestyńską flagę na szczycie bariery, a następnie została aresztowana przez izraelskich urzędników. Swoon nie nadała definitywnego znaczenia swojej pracy i pozwoliła widzom zinterpretować te przestrzenie, w których pracowała i jak jej sztuka je zmieniła, jeśli w ogóle.
Granice koncepcyjne
Granice mogą być również koncepcyjne . Na przykład granice między klasami społecznymi lub rasami. Konceptualizacja granic Glorii Anzaldúa wykracza poza granice narodowe. Anzaldúa stwierdza: „Granica amerykańsko-meksykańska es una herida abierta, gdzie Trzeci Świat ściera się z pierwszym i krwawi. I zanim powstanie strup, ponownie wykrwawia się, siła życia dwóch światów łączących się, tworząc trzeci kraj - kulturę pogranicza. " Anzaldúa odnosi się również do granicy jako miejsca zerwania i oporu; fragmentowane. Kresy . Artyści z pogranicza to Ana Mendieta , Guillermo Gómez-Peña , Coco Fusco i Mona Hatoum .
Mówiąc pojęciowo, granice, jak omówiła Claire Fox, można znaleźć wszędzie; jest przenośny. Szczególnie tam, gdzie biedne, etniczne, imigranckie i/lub mniejszościowe społeczności zderzają się ze społeczeństwem hegemonicznym.
Prieto zauważa, że „To podwójne zadanie – bycie krytycznym i jednoczesne proponowanie utopijnej przyszłości bez granic – zostało podjęte za pomocą narzędzi sztuki konceptualnej”. Sztuka konceptualna była europejską awangardową praktyką artystyczną, która skupiała się na intelektualnym rozwoju dzieła sztuki, a nie na sztuce jako przedmiocie.
Granica jest dalej omawiana w czasopiśmie akademickim Adalbarto Aguirre Jr. i Jennifer K. Simmers i omawia płynność granic, mówiąc, że „granica łączy ziemię i ludzi we wspólny organizm reprezentacji społecznej i kulturowej”. Artykuł kontynuuje również stwierdzenie, że znaczenie granic zmienia się wraz z ludźmi, którzy ich doświadczają.
Sheren dodatkowo powtarza, że „Granica” zaczęła odnosić się do różnych niefizycznych granic: tych między systemami kulturowymi lub wierzeniami, oddzielających to, co kolonialne od tego, co postkolonialne, a nawet tych, które wyznaczają różne rodzaje podmiotów. W ten sposób granice przekraczają fizyczność i stają się „przenośne”.
W konceptualnym sposobie myślenia ludzkie ciało może być postrzegane jako granica. Zostało to omówione w artykule Glorii Anzaldua La Frontera = The Border: Art about the Mexico/United States Border Experience. Omawia obszernie warstwy naszej tożsamości i sposób, w jaki stajemy się tymi granicami w naszym środowisku. Wspomina o dynamice, która wpływa na naszą tożsamość, takiej jak płeć, płeć, wykształcenie, pochodzenie etniczne, rasa, klasa itp. Autorka pyta, czy są to równe części, czy też części naszego ja są bardziej rozpowszechnione ze względu na nasze otoczenie? Mówi o koncepcji zjednoczonej świadomości, mieszanki tożsamości z uniwersalnego kolektywu w ludzkiej egzystencji. Kontynuuje, mówiąc, że musimy wyartykułować osobę nie sklasyfikowaną według jednej rzeczy, ale jako historię tożsamości, takich jak uczeń, matka, siostra, brat, nauczyciel, rzemieślnik, współpracownik itp. [ Potrzebne źródło ]
Inną osobą, która również bada idee ludzkiego ciała jako granicy pojęciowej, jest Sama Alshaibi. Wyraża to jej osobisty esej i sztuka zatytułowana Pamięć w diasporze palestyńskiej. Kontekstualizując swoją pracę plastyczną, o której mowa w dalszej części utworu, omawia historię swoją i swojej rodziny. „Moje ciało, przedstawione w moim amerykańskim paszporcie, miało możliwość podróżowania i swobodnego poruszania się po tym świecie i mogło wrócić do USA i przemawiać w imieniu tych, których spotkałem w okupowanej Palestynie, zamkniętych w jednym mieście i odciętych od świata przez masywne mury”. Po odwołaniu się do własnych narracji osobistych i rodzinnych, Sama przenosi dyskusję na ponowne wykorzystanie swojego ciała w swojej sztuce; jej ciało działa jako „pojazd do ucieleśnienia i zilustrowania wizualnych narracji palestyńskiej przeszłości i teraźniejszości”. Ogólnie rzecz biorąc, jej zdjęcia i filmy przedstawiające jej ciało w centrum uwagi są próbą skonstruowania „pamięci zbiorowej”, „… [pamięci], której kulminacją jest inna mediacja historii, taka, która opiera się „oficjalnej " i zapośredniczył historię Palestyny i Izraela.
Stuart Hall rozwija również koncepcję tożsamości w swoim artykule: Etniczność, tożsamość i różnica . Zastępuje ideę intersekcyjnego modelu tożsamości warstwowym modelem tożsamości. Model warstwowy wymienia tytuły tożsamości w obrębie jednej osoby, w kolejności, która jest bardziej rozpowszechniona w zależności od okoliczności. Intersekcjonalność jest przestarzała ze względu na ideę posiadania jednej centralnej tożsamości, z której odgałęzia się wiele opisów, takich jak rasa, klasa i płeć.
Trinh T. Minh-ha dodatkowo zauważa, że „granice nie tylko wyrażają pragnienie uwolnienia/podporządkowania jednej praktyki, jednej kultury, jednej wspólnoty narodowej innej/innej, ale także ukazują, w jakim stopniu kultury są wytworem nieustającej walki między oficjalnymi i nieoficjalne narracje – te w dużej mierze rozpowszechniane na korzyść państwa i jego polityki włączania, inkorporacji i uprawomocniania, a także wykluczania, zawłaszczania i wywłaszczania”.
Patssi Valdez porusza temat granicy w swoim sitodruku „LA/TJ”. Valdez to amerykański artysta Chicana, obecnie mieszkający i pracujący w Los Angeles. W przeciwieństwie do większości osób, które słysząc słowo granica, od razu zakładają separację, jej pojęciem granicy jest rama. Widziany w LA/TJ, Valdez kadruje dwa miasta, wyolbrzymiając w ten sposób ideę mieszania rzeczywistości, a nie rozdzielania tych dwóch. To mieszanie rzeczywistości jest symbolem jej przynależności i interakcji zarówno z Meksykiem, jak i Stanami Zjednoczonymi. [ potrzebne źródło ]
Poszerzenie pojęć „sztuki pogranicza”
Istnieją nieodłączne trudności w wyrażaniu traum Holokaustu. Sztuka tworzona pomiędzy uczestnikami bezpośrednimi i postpokoleniowymi redefiniuje pojęcie „pamięci jako granicy”. Innymi słowy, zrozumienie pojęcia „granicy” staje się złożone w odniesieniu do traumy z pierwszej i drugiej ręki. Jednym z przykładów takiej myśli jest to, jak doświadczenia osób bezpośrednio zaangażowanych w Holokaust wpływają na ich potomstwo? Marianne Hirsch opisuje to zjawisko jako „ postpamięć ”. [ potrzebne źródło ]
Postpamięć najdokładniej opisuje stosunek dzieci osób, które przeżyły traumę kulturową lub zbiorową, do doświadczeń ich rodziców, doświadczeń, które „pamiętają” jedynie jako narracje i obrazy, z którymi dorastały, ale które są tak potężne, tak monumentalne, że tworzyć wspomnienia same w sobie. Termin „postpamięć” ma oddawać czasową i jakościową różnicę w stosunku do pamięci ocalałych, jej wtórną lub drugiej generacji jakość pamięci, jej podstawę w przemieszczeniu, jej zastępstwo i spóźnienie. Praca z postpamięcią definiuje rodzinne dziedziczenie i przekazywanie traumy kulturowej. Dzieci ofiar, ocalałych, świadków czy sprawców mają różne doświadczenia postpamięci, mimo że łączą je rodzinne więzi, które ułatwiają międzypokoleniową identyfikację. [ potrzebne źródło ]
Artystka Sama Alshaibi uważa koncepcję postpamięci Hirscha za „klucz do mojego życia i mojej praktyki artystycznej, która jest przecież przedłużeniem tego, kim jestem”. Urodzona z palestyńskiej matki i ojca Irakijczyka, Alshaibi opisuje swoje wychowanie jako „… zdominowane przez traumatyczne narracje o utracie Palestyny i przez cały czas opłakiwałam nieznane mi miejsce”. W rezultacie jej praca jest „oparta na narracjach o przymusowej migracji rodziny mojej matki z Palestyny do Iraku, a następnie do Ameryki”.
W Headdress of the Disinherited , praca fotograficzna Alshaibi przedstawia artystkę noszącą swoje odtworzenie tradycyjnego palestyńskiego nakrycia głowy z monetami, które były używane jako posag weselny panny młodej. Alshaibi opisuje nakrycie głowy jako część przekazu międzypokoleniowego: „Wzorując się na słabej pamięci mojej matki o babci, nasz wspólny wysiłek tworzy pomnik upamiętniający ciągłe migracje naszej rodziny”. Alshaibi odtworzył nakrycie głowy, używając rodzinnych efemeryd i dokumentów podróży, a nie monet. „Zastąpienie niebitej już palestyńskiej waluty monetami z wytłoczonymi naszymi wizami, pieczątkami paszportowymi i zdjęciami sugeruje raczej posag intelektualny niż pieniężny”. Kapelusz z posagiem przypomina migrację i przesiedlenie. Umieszczenie nadal ma wpływ na głowy, wraz z dematerializacją kobiecych ciał i kultur z regionu.
Sztuka pogranicza w praktyce i przykłady prac
- Doris Salcedo , Shibboleth , 2007 , instalacja artystyczna, Tate Modern
- Sama Alshaibi
- Ahlam Shibli
- Franciszka Alÿsa
- Jiszaj Garbasz
- Mona Hatum
- Zuzanna Meiselas
- Christo i Jeanne-Claude , Running Fence , 1972-76, hrabstwa Sonoma i Marin, Kalifornia
- Ana Mendieta , Seria Silueta , 1973-1980
- Anila Quayyum Agha
Hall, S. (1996). Pochodzenie etniczne, tożsamość i różnica . Stawanie się narodowym, 337–349.
Linki zewnętrzne
- La Frontera: Artyści wzdłuż granicy amerykańsko-meksykańskiej ze Stefanem Falke