Diana i jej towarzysze

Diana i jej towarzysze
Vermeer - Diana and Her Companions.jpg
Artysta Johannesa Vermeera
Rok 1655-1656 lub ok. 1653–1654
Średni Olej na płótnie
Ruch Holenderskie malarstwo Złotego Wieku
Wymiary 98,5 cm × 105 cm (38,8 cala × 41 cali)
Lokalizacja Mauritshuis w Hadze

Diana i jej towarzysze ( holenderski : Diana en haar Nimfen lub Diana en haar gezellinnen ) to obraz holenderskiego artysty Johannesa Vermeera ukończony na początku do połowy lat pięćdziesiątych XVII wieku, obecnie w muzeum Mauritshuis w Hadze . Chociaż dokładny rok nie jest znany, dzieło może być najwcześniejszym zachowanym obrazem artysty, a niektórzy historycy sztuki umieszczają go przed Chrystusem w Domu Marty i Marii, a niektórzy później.

Podniosły nastrój obrazu jest niezwykły jak na scenę przedstawiającą boginię Dianę , a nimfa myjąca stopy centralnej postaci przykuła uwagę krytyków i historyków, zarówno swoją działalnością, jak i współczesnym ubiorem. Zamiast bezpośrednio ilustrować jeden z dramatycznych momentów w dobrze znanych epizodach z mitów o Dianie, scena przedstawia kobietę i jej pomocników siedzących spokojnie w toalecie. Temat kobiety w prywatnej, refleksyjnej chwili stawał się coraz silniejszy na obrazach Vermeera w miarę rozwoju jego kariery.

Nic nie wiadomo o historii dzieła przed połową XIX wieku, a obraz nie był powszechnie akceptowany jako dzieło Vermeera aż do początku XX wieku, kiedy zauważono jego podobieństwa do Marii i Marty . Około jednej dziewiątej szerokości obrazu usunięto z prawej strony i dopiero w 1999 lub 2000 roku odkryto, że niebo w prawym górnym rogu zostało dodane w XIX wieku.

Opis

Scena

Obraz przedstawia grecką i rzymską boginię Dianę ("Artemis" w starożytnej Grecji) z czterema jej towarzyszami. Ubrana jest w luźną, żółtą suknię z szarfą ze skóry zwierzęcej, a na głowie diadem z symbolem półksiężyca. Kiedy siedzi na skale, nimfa myje jej lewą stopę. Inna, za Dianą, siedzi z częściowo odsłoniętymi plecami do widza (najbardziej skórna postać, jaką Vermeer pokazuje na jakimkolwiek z jego zachowanych obrazów), trzecia nimfa, siedząca po lewej stronie Diany, prawą ręką trzyma lewą stopę. Czwarta stoi z tyłu, nieco z dala od reszty grupy, twarzą do nich i widza pod kątem, ze spuszczonymi oczami i wyciągniętymi pięściami. Pies siedzi w lewym dolnym rogu obok Diany, tyłem do widza, zwrócony twarzą do bogini, jej sług i bezpośrednio przed nim ostu.

Obraz z dodatkiem błękitnego nieba

Z wyjątkiem kobiety, której twarz jest całkowicie odwrócona od widza, wszystkie pozostałe twarze na obrazie są w mniejszym lub większym stopniu w cieniu, w tym twarz psa. Żadna z kobiet nie patrzy na siebie, każda jakby pogrążona we własnych myślach, co buduje podniosły nastrój utworu.

W latach 1999-2000 podczas prac konserwatorskich i oczyszczeniu obrazu odkryto, że w XIX wieku dodano fragment błękitnego nieba w prawym górnym rogu. Liczne reprodukcje do tego czasu zawierały błękitne niebo. Konserwatorzy pokryli łatę liśćmi, aby przybliżyć oryginalny obraz. Płótno zostało również przycięte, zwłaszcza po prawej stronie, gdzie usunięto około 15 cm. Opisy sceny znajdującej się na „leśnej polanie” lub „w pobliżu skraju lasu” mogą w dużej mierze opierać się na skrawku nieba, który błędnie uważano za oryginalny obraz, chociaż światło bez cieni pada na scenę z góry i do po lewej, z krótkimi cieniami tworzącymi się po prawej stronie widza. Na obserwację, że scena zdawała się rozgrywać w „zapadającym zmierzchu”, mógł mieć wpływ jaśniejszy, ale ciemniejący skrawek nieba ostro kontrastował z ciemną masą listowia w tle obrazu, wraz z cieniami na wszystkich widoczne twarze.

Obraz jest sygnowany w lewym dolnym rogu, na skale między ostem a psem.

Opis techniczny

Płótno to len o splocie płóciennym o liczbie nitek 14,3 na 10 na centymetr kwadratowy. Vermeer najpierw zarysował kompozycję ciemnobrązowym pędzlem (z których niektóre prześwitują jako pentimenti w spódnicy kobiety myjącej stopę Diany. Włosy na uchu psa zostały zadrapane rączką pędzla artysty. Farba zaginęła w pionowych liniach) na lewo od środka obrazu.

Uznanie autorstwa i związek z innymi pracami

Jacob van Loo , Diana i jej nimfy 1648.

Według Arthura K. Wheelocka Jr. obraz „nie ma wizualnego precedensu”. Jako przedstawienie Diany, obraz wyróżnia się częściowo tym, czego nie przedstawia - ani Actaeon , który dostrzega kąpiącą się Dianę i jej nimfy, ani faktyczny moment ujawnienia ciąży Kallisto, oba popularne tematy w manierystycznym malarstwie na początku XVII wieku . Artystka nie pokazuje też gorącego temperamentu Diany ani jej ostrych reakcji na te epizody. Umiejętności bogini jako łowczyni nie są sygnalizowane przez martwą zwierzynę ani łuki i strzały. Nawet pies jest przedstawiany jako łagodne zwierzę, w przeciwieństwie do szybkich psów gończych zwykle widzianych na obrazach Diany.

Obraz nie przedstawia też Diany jako alegorycznego portretu, dla którego tradycja rozwinęła się w połowie XVII wieku, z możliwymi do zidentyfikowania kobietami przedstawionymi jako bogini, która była również symbolem czystości. Przykładem tej tradycji jest Diana i jej nimfy , namalowany przez Jacoba van Loo w Amsterdamie około 1648 roku, około siedem lub osiem lat przed dziełem Vermeera. ( Diana Vermeera była często porównywana do postaci van Loo. Na obrazie van Loo Diana również siedzi na leśnej polanie z małą grupą towarzyszy, ale nastrój jest zupełnie inny.

Rembrandta w kąpieli

Podobieństwa między obrazem Vermeera a stylem Rembrandta są na tyle bliskie, że dzieło zostało przypisane uczniowi Rembrandta, Nicolaesowi Maesowi , podczas aukcji w 1876 roku. Podpis Vermeera na obrazie został zmieniony, dzięki czemu wygląda jak Maes. Podczas renowacji oryginalny podpis J. v. Meer był słabo widoczny, chociaż przypisywano go artyście z Utrechtu, Johannesowi van der Meet.

Wiadomo, że Vermeer włączył pomysły, techniki i pozy innych artystów, w których przedstawiają tematy. Niektóre cechy Diany mają podobne efekty i techniki jak Rembrandt . Tęga postać Diany jest bardzo podobna do tej z prac Rembrandta, a Vermeer użył grubego impastowego , podążając za liniami fałd jej ubrania, tak jak zrobił to Rembrandt. Podobnie jak Rembrandt, Vermeer rzucił twarze grupy w cienie, co nadaje scenie bardziej wyrazisty, bardziej nastrojowy wygląd. Według Wheelock obraz Vermeera jest bardzo podobny do Batszeby Rembrandta , namalowanej w 1654 roku, dzieła, które Vermeer prawdopodobnie widział z pierwszej ręki. Pozy kobiety, której stopy są myte, i kobiety myjącej są podobne. Możliwe, że były uczeń Rembrandta, Carel Fabritius (w Delft od 1650 do śmierci pod koniec 1654), mógł zapoznać Vermeera z twórczością Rembrandta.

Wątpliwości co do przypisania obrazu utrzymywały się do około 1901 roku, kiedy Abraham Bredius i Willem Martin, zastępca dyrektora Mauritshuis, odkryli jego podobieństwa w kolorystyce i technice z Martą i Marią , które zostały sygnowane przez Vermeera, oraz w kolorystyce z The Procuress , kolejne bardzo wczesne dzieło Vermeera.

Krytyczny komentarz

Spinario _

Według Wheelocka obraz ma „przytłaczające poczucie powagi, bardziej związane z tradycjami chrześcijańskimi niż mitologicznymi”. Praca może łączyć chrześcijańską symbolikę umywania nóg jako oczyszczenia z aluzjami do czystości i czystości, na które przywołuje skromna suknia Diany oraz biała tkanina i mosiężna miska u jej stóp. Towarzyszka trzymająca własną stopę bardzo przypomina starożytny Spinario , postać w niemal identycznej pozie, który usuwa cierń z podeszwy stopy. Cierń jest chrześcijańskim symbolem smutku i prób Jezusa lub cierpienia na tym świecie.

Mycie nóg jest także chrześcijańskim symbolem pokory i bliskości śmierci, a „godność, z jaką towarzyszka Diany wykonuje swoją służbę, przypomina Marię Magdalenę obmywającą stopy Chrystusa łzami”, według Wheelocka (Chrystus także ukląkł przed swoimi uczniami i umył ich nogi podczas Ostatniej Wieczerzy ). Selena Cant uważa, że ​​współcześni Vermeerowi od razu skojarzyliby mycie stóp z ideą umycia stóp przez Jezusa. „[T] jego służąca kradnie scenę”, według Canta, który zwraca uwagę na „niezwykły brązowo-brązowy stanik” noszony przez sługę.

Według Wheelocka obraz „nie ma […] żadnego oczywistego źródła literackiego”. Jako przedstawienie Diany, obraz wyróżnia się częściowo tym, czego nie przedstawia - ani Actaeon , który dostrzega kąpiącą się Dianę i jej nimfy, ani faktyczny moment ujawnienia ciąży Kallisto, oba popularne tematy w manierystycznym malarstwie na początku XVII wieku . Artystka nie pokazuje też gorącego temperamentu Diany ani jej ostrych reakcji na te epizody. Umiejętności bogini jako łowczyni nie są sygnalizowane przez martwą zwierzynę ani łuki i strzały. Nawet pies jest przedstawiany jako łagodne zwierzę, w przeciwieństwie do szybkich psów gończych zwykle widzianych na obrazach Diany.

Metamorfozy Owidiusza wspominają, że tuż przed odkryciem ciąży Kallisto Diana umyła stopy, a następnie ona i jej pomocnicy rozebrali się . Walter Liedtke zwraca uwagę, że nimfa stojąca nieco z dala od grupy, z rękami zaciśniętymi przed brzuchem, być może w przeciwieństwie do nimfy okazującej oddanie i wierność myciu nóg, może być Callisto . Liedtke twierdzi, że ta scena ilustrowałaby część tej mitycznej narracji, chociaż Wheelock twierdzi, że epizod wydaje się niezwiązany z nastrojem obrazu.

Obraz, według Liedtke, „pokazuje artystę już poruszającego swój zwykły temat, kobiety w chwilach prywatnych i komplikacje pożądania”, a także „umiejętność opisywania ze współczuciem prywatnego życia kobiet” i choć nie tak „ głębokie” jak Batszeba Rembrandta , dzieło Vermeera jest „niezwykłe ze względu na swoją delikatność i szczerość”, uważa Liedtke. Zauważa, że ​​obraz pokazuje zdolność artysty do uczenia się na przykładzie innych artystów oraz do obserwacji światła i koloru.

Randki i pozycja w życiu i twórczości Vermeera

Obraz powstał mniej więcej w czasie (lub kilka lat później) Vermeer wstąpił do gildii malarzy w Delft 29 grudnia 1653 roku, w wieku 21 lat, w tym samym roku, w którym przeszedł na katolicyzm i poślubił Catharinę Bolnes. Leidtke spekuluje, że idee czystości i wierności symbolizowane na obrazie były związane z małżeństwem Vermeera i być może dzieło powstało w hołdzie dla jego nowej żony.

Według Liedtke, dzięki mniej pewnemu malowaniu pędzla i ostrożnemu rozmieszczeniu elementów, Diana jest mniej dojrzała w swojej technice i ustawieniu postaci niż Marta i Maria , co może wskazywać, że druga praca została namalowana później, w miarę wzrostu doświadczenia Vermeera.

Pochodzenie i wystawy

Neville Davison Goldsmid z Hagi był właścicielem obrazu w latach 1866-1875, zanim przeszedł w ręce wdowy po nim, Elizy Garey z Hagi i Paryża. Sprzedała go wraz z innymi dziełami na aukcji Goldsmid 4 maja 1876 r., Kiedy Victor de Stuers kupił go do kolekcji Koninklijk Kabinet van Schilderijen Mauritshuis w Hadze.

Wystawy:

  • Londyn, 1929
  • Amsterdam, 1945
  • Mediolan, 1951
  • Zurych, 1953
  • Rzym, Mediolan, 1954
  • Nowy Jork, Toledo, Toronto, 1954-1955
  • Haga, Paryż, 1966
  • Tokio, Kioto, 1968-1969
  • Waszyngton, Detroit, Amsterdam 1980-1981
  • Waszyngton i inne miasta (pokazane tylko w Tokio), 1982-1984
  • Waszyngton, Haga, 1995-1996
  • Rotterdam, Frankfurt, 1999-2000

Stan

Obraz jest w stosunkowo złym stanie. Był wielokrotnie czyszczony i odnawiany, w wyniku czego stracił na wartości. Kilka obszarów płótna znacznie różni się od oryginalnego dzieła.

Zobacz też

Źródła

  •   Cant, Serena (2009). Vermeer i jego świat 1632-1675 . Quercus. s. 16–19. ISBN 978-1-84916-005-6 .
  •   Liedtke, Walter A. (2001). Vermeer i Szkoła Delft . Metropolitalne Muzeum Sztuki . ISBN 978-0-87099-973-4 .
  • Swillens, PTA (1950). Johannes Vermeer, malarz z Delft, 1632-1675 . Utrecht: Widmo.
  •   Wheelock, Arthur K., Jr., wyd. (1995). Johannesa Vermeera . New Haven: Yale University Press. s. 96–101. ISBN 978-0-300-06558-9 .

Dalsza lektura

Linki zewnętrzne

Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Diana_and_Her_Companions&oldid=1042142103 ”