Muzeum Sztuki Kimbella

Muzeum Sztuki Kimbella
Kimbell Art Museum Highsmith.jpg
Południowe skrzydło muzeum z portykiem i pięcioma sklepionymi galeriami. Wysadzany drzewami dziedziniec wejściowy znajduje się po lewej stronie.
Interaktywna mapa pełnoekranowa
Przyjęty 1972
Lokalizacja Fort Worth , Teksas , USA
Współrzędne Współrzędne :
Typ Muzeum Sztuki
Kolekcje europejscy dawni mistrzowie
Rozmiar kolekcji 350
Dyrektor Erica M. Lee
Najbliższy parking Na miejscu (bez opłat)
Strona internetowa www.kimbellart.org _ _ Edit this at Wikidata

W Kimbell Art Museum w Fort Worth w Teksasie znajduje się kolekcja dzieł sztuki, jak również objazdowe wystawy sztuki, programy edukacyjne i obszerna biblioteka naukowa . Początkowe dzieła sztuki pochodziły z prywatnej kolekcji Kay i Velmy Kimbell, którzy również zapewnili fundusze na nowy budynek, w którym się mieści.

Budynek został zaprojektowany przez architekta Louisa I. Kahna i jest powszechnie uznawany za jedno z najważniejszych dzieł architektury ostatnich czasów. Jest szczególnie zauważalny ze względu na rozmycie srebrzystego naturalnego światła na sklepionych sufitach galerii.

Historia

Kay Kimbell był bogatym biznesmenem z Fort Worth, który zbudował imperium ponad 70 firm z różnych branż. Ożenił się z Velmą Fuller, która rozpaliła jego zainteresowanie kolekcjonowaniem dzieł sztuki, zabierając go na wystawę sztuki w Fort Worth w 1931 roku, gdzie kupił brytyjski obraz. Założyli Kimbell Art Foundation w 1935 roku, aby założyć instytut sztuki, a do czasu jego śmierci w 1964 roku para zgromadziła to, co uważano za najlepszą selekcję starych mistrzów na południowym zachodzie . Kay pozostawił znaczną część swojego majątku Fundacji Kimbell Art Foundation, a Velma również przekazała fundacji swój udział w majątku, z kluczową dyrektywą „zbudowania muzeum pierwszej klasy”.

Michał Anioł , Męki św. Antoniego , 1487-88

Rada powiernicza fundacji zatrudniła Richarda Fargo Browna, ówczesnego dyrektora Los Angeles County Museum of Art , jako dyrektora-założyciela muzeum z zadaniem budowy budynku, w którym mieści się kolekcja sztuki Kimbella. Przyjmując stanowisko, Brown oświadczył, że nowy budynek sam w sobie powinien być dziełem sztuki, „równie klejnotem, jak jeden z mieszczących się w nim Rembrandtów lub Van Dycków ”. Proponowane muzeum otrzymało miejsce na terenie o powierzchni 9,5 akra (3,8 hektara) w dzielnicy kulturalnej Fort Worth , w którym znajdowały się już trzy inne muzea, w tym Fort Worth Art Museum-Center (obecnie Modern Art Museum of Fort Worth ) oraz Muzeum Amona Cartera , specjalizujące się w sztuce amerykańskiego Zachodu .

Brown omówił cele instytucji i jej nowego budynku z powiernikami i podsumował je w czterostronicowym „Oświadczeniu politycznym” i dziewiętnastostronicowym „Programie przedarchitektonicznym” w czerwcu 1966 r. Po przeprowadzeniu wywiadów z wieloma wybitnymi architektami, muzeum zatrudniło Louisa I. Kahna w październiku 1966 roku. Wcześniejsze prace Kahna obejmowały tak uznane budowle, jak Salk Institute w Kalifornii, a niedawno został uhonorowany wyborem do zaprojektowania budynku Zgromadzenia Narodowego , który miał stać się stolicą nowego narodu Bangladesz . Budowa Muzeum Sztuki Kimbell rozpoczęła się latem 1969 roku. Nowy budynek został otwarty w październiku 1972 roku i szybko zyskał międzynarodową renomę dzięki doskonałości architektonicznej.

Brown rozszerzył również kolekcję Kimbell, nabywając kilka dzieł o znacznej jakości, takich artystów jak Duccio , El Greco , Rubens i Rembrandt .

Po śmierci Richarda Fargo Browna w 1979 roku dyrektorem muzeum został Edmund „Ted” Pillsbury. Wcześniej był dyrektorem nowo otwartego Yale Centre for British Art , które przypadkowo również zaprojektował Louis Kahn . Był także kuratorem w Yale Art Gallery, pierwszym muzeum sztuki Kahna. Pillsbury kontynuował program pozyskiwania dzieł sztuki w agresywny, ale zdyscyplinowany sposób. Richarda Bretella , dyrektor Dallas Museum of Art, powiedział: „Był w pewnym sensie samodzielnie odpowiedzialny za przekształcenie Kimbell z instytucji ze wspaniałym budynkiem w taką, której kolekcja dorównuje jakością architekturze”.

W 1989 roku Pillsbury ogłosił plany rozbudowy budynku muzeum, aby pomieścić jego powiększoną kolekcję, ale plan ten został odrzucony z powodu silnego sprzeciwu wobec jakichkolwiek poważnych zmian w oryginalnej strukturze Louisa Kahna . W 2007 roku Kimbell rozwiązał ten problem, ogłaszając plany budowy dodatkowego, oddzielnego budynku po drugiej stronie ulicy od pierwotnego budynku. Zaprojektowany przez Renzo Piano i przeniesiony na zachodni trawnik, nowy budynek został otwarty dla publiczności w listopadzie 2013 roku.

Muzeum jest częścią sieci muzeów Monuments Men and Women, uruchomionej w 2021 roku przez Fundację Ochrony Sztuki Monuments Men .

Kolekcja

Joseph Mallord William Turner , 1841, Glaukus i Scylla , olej na desce, 77 × 78 cm
Georges Braque , 1911–12, Dziewczyna z krzyżem , olej na płótnie, 55 x 43 cm
Joan Miró , 1918, Portret Heriberto Casany'ego , olej na płótnie, 70,2 x 62 cm

W 1966 roku, zanim muzeum miało nawet budynek, dyrektor założyciel Brown zawarł tę dyrektywę w swoim Deklaracji Politycznej: „Celem powinna być ostateczna doskonałość, a nie wielkość kolekcji”. W związku z tym dzisiejsza kolekcja muzeum składa się tylko z około 350 dzieł sztuki, ale są one szczególnie wysokiej jakości.

Kolekcja europejska jest najobszerniejsza w muzeum i obejmuje pierwszy znany obraz Michała Anioła , Udrękę św. Antoniego , jedyny obraz Michała Anioła wystawiony w obu Amerykach. Obejmuje również dzieła Duccia , Fra Angelico , Mantegny , El Greco , Carracciego , Caravaggia , Rubensa , Guercino , La Tour , Poussina , Velázqueza , Rembrandt , Boucher , Gainsborough , Vigée-Lebrun , Friedrich (pierwszy obraz artysty nabyty przez publiczną kolekcję poza Europą), Cézanne , Monet , Caillebotte , Matisse , Bonnard , Mondrian , Braque , Miró i Picasso . Dzieła z okresu klasycznego obejmują antyki ze starożytnego Egiptu , Asyrii , Grecja i Rzym . Kolekcja azjatycka obrazy , brązy, ceramikę i dzieła sztuki zdobniczej z Chin , Korei , Japonii , Indii , Nepalu , Tybetu , Kambodży i Tajlandii . Sztuka prekolumbijska jest reprezentowana przez dzieła Majów z ceramiki, kamienia, muszli i jadeitu , Olmeków , Zapoteków i Azteków rzeźby, a także dzieła z kultur Conte i Huari . Kolekcja afrykańska składa się głównie z rzeźb z brązu, drewna i terakoty z Afryki Zachodniej i Środkowej, w tym przykładów z Nigerii , Angoli i Demokratycznej Republiki Konga , a sztukę oceaniczną reprezentuje postać Maorysów .

Muzeum posiada tylko kilka dzieł powstałych po połowie XX wieku (wierząc, że epoka ta jest prowincją jego sąsiada, Modern Art Museum of Fort Worth ) i żadnej sztuki amerykańskiej (wierząc, że jest to prowincja jego drugiego sąsiada, Muzeum Amona Cartera ).

W muzeum znajduje się również pokaźna biblioteka z ponad 59 000 książek, czasopism i katalogów aukcyjnych, które są dostępne jako źródło informacji dla historyków sztuki oraz wykładowców i doktorantów z okolicznych uniwersytetów.

Budynek

Przygotowanie

„Deklaracja polityczna” Browna wyznaczyła jasny kierunek architektoniczny, wzywając nowy budynek do bycia „dziełem sztuki”. projekt i że „forma budynku powinna być tak kompletna w swoim pięknie, że dodatki zepsułyby tę formę”. Brown wezwał do budynku o skromnej skali, który nie przytłoczyłby ani dzieła sztuki, ani widza.

Po szeroko zakrojonych poszukiwaniach, które obejmowały wywiady z tak znanymi architektami, jak Marcel Breuer , Mies van der Rohe , Pier Luigi Nervi , Gordon Bunshaft i Edward Larrabee Barnes , w październiku 1966 roku zlecenie przyznano Louisowi Kahnowi . Z punktu widzenia Kahna, Brown był idealny klient. Brown był wielbicielem prac Kahna od jakiegoś czasu, a podejście, które określił dla budynku, było bardzo zgodne z podejściem Kahna, zwłaszcza naciskiem na naturalne światło.

Ponieważ Kahn miał reputację znacznego przekraczania czasu i kosztów, lokalna firma inżynieryjno-architektoniczna należąca do Prestona M. Gerena został współpracownikiem architekta, praktyką stosowaną w Fort Worth dla architektów spoza stanu. Koordynatorem projektu był Frank Sherwood. Organizacja Geren miała dobrą reputację dzięki dostarczaniu projektów na czas iw ramach budżetu, ale sami przyznali, że nie były one szczególnie innowacyjne. Kontrakt wymagał przekazania kontroli nad budową Gerenowi, gdy Kahn ukończył projekt, co ostatecznie doprowadziło do konfliktu, ponieważ Kahn uważał, że projekt nigdy nie został ukończony, dopóki budynek nie został zbudowany. Kahn powiedział kiedyś: „budynek daje ci odpowiedzi, gdy rośnie i staje się sobą”. Powiernicy muzeum rozstrzygnęli tę kwestię, decydując, że Geren będzie podlegał bezpośrednio im zamiast Kahnowi, ale Kahn będzie miał ostatnie słowo w sprawie projektu, z wyjątkiem tego, że wszelkie zmiany będą musiały zostać zatwierdzone przez Browna.

Nowe muzeum miało powstać na łagodnym zboczu poniżej Muzeum Amona Cartera , którego wejście i taras wychodziły na panoramę Fort Worth. Kahn został poproszony o zbudowanie muzeum Kimbell o wysokości nie większej niż 40 stóp (12 m), aby nie zakłócało widoku z Muzeum Cartera. Kahn początkowo zaproponował niski, ale bardzo przestronny budynek o powierzchni 450 stóp (137 m) kwadratowych, ale Brown odrzucił tę propozycję i nalegał, aby Kahn zaprojektował znacznie mniejszą konstrukcję, co miałoby reperkusje kilka lat później, kiedy propozycja rozbudowy budynku stworzyła burza kontrowersji.

Architektura

Muzeum Sztuki Kimbell o zmierzchu

Muzeum składa się z 16 równoległych sklepień, z których każde ma 100 stóp (30,6 m) długości, 20 stóp (6 m) wysokości i 20 stóp (6 m) szerokości (pomiary wewnętrzne). Niskie kanały pośrednie oddzielają sklepienia. Sklepienia są zgrupowane w trzech skrzydłach. Skrzydła północne i południowe mają po sześć sklepień, przy czym zachodnie otwarte jest jako portyk . Przestrzeń środkowa ma cztery sklepienia, z których zachodnie jest otwarte jako kruchta wejściowa zwrócona w stronę dziedzińca częściowo zamkniętego dwoma zewnętrznymi skrzydłami.

Z jednym wyjątkiem, galerie sztuki znajdują się na piętrze muzeum, aby umożliwić dostęp do naturalnego światła. Parter zajmują pomieszczenia usługowe i kuratorskie oraz dodatkowa galeria. Każde sklepienie wewnętrzne ma szczelinę wzdłuż wierzchołka, aby wpuścić naturalne światło do galerii. Kanały powietrzne i inne urządzenia mechaniczne znajdują się w płaskich kanałach między sklepieniami.

Kahn zastosował kilka technik, aby nadać galeriom zachęcającą atmosferę. Końce sklepień, wykonane z bloczków betonowych, licowane są wewnątrz i na zewnątrz trawertynem . Stalowe poręcze zostały „wypiaskowane” zmielonymi łupinami pekanów, aby uzyskać matową teksturę powierzchni. Muzeum posiada trzy przeszklone dziedzińce, które wprowadzają naturalne światło do przestrzeni galerii. Jeden z nich przenika przez posadzkę galerii, wpuszczając naturalne światło do pracowni konserwatorskiej na parterze.

Krajobraz został opisany przez architekta krajobrazu z Filadelfii, George'a Pattona, jako „najbardziej elegancki przykład architektury krajobrazu Kahna”. Zbliżając się do głównego wejścia obok trawnika otoczonego basenami z bieżącą wodą, odwiedzający wchodzi na dziedziniec przez gaj drzew Yaupon Holly. Odgłos kroków na żwirowym chodniku odbija się echem od ścian po obu stronach dziedzińca i jest wzmacniany pod zakrzywionym sufitem ganku wejściowego. Po tym subtelnym przygotowaniu zwiedzający wchodzi do wyciszonego muzeum ze srebrzystym światłem rozsianym po suficie. Harriet Pattison odegrała główną rolę w projektowaniu krajobrazu, a także była osobą, która zasugerowała, że ​​otwarte ganki otaczające wejście stworzyłyby dobre przejście z trawnika i dziedzińca do galerii wewnątrz. Pattison, który również pracował z Kahnem przy innych projektach, był pracownikiem Pattona. Jest matką reżysera filmowego Nathaniel Kahn , syn Louisa Kahna, który nakręcił film „Mój architekt” o swoim ojcu.

Krypty

Pierwszy projekt Kahna dla galerii wymagał narożnych sklepień złożonych z płyt betonowych z lekkimi szczelinami u góry. Brownowi podobały się szczeliny świetlne, ale odrzucił ten konkretny projekt, ponieważ miał sufity o wysokości 30 stóp (9 m), za wysokie dla muzeum, które sobie wyobrażał. Dalsze badania przeprowadzone przez Marshalla Meyersa, architekta projektu Kahna dla muzeum Kimbell, ujawniły, że zastosowanie krzywej cykloidalnej dla sklepień galerii zmniejszyłoby wysokość sufitu i zapewniłoby również inne korzyści. Stosunkowo płaska cykloida krzywa dawałaby eleganckie galerie, które byłyby szerokie w stosunku do ich wysokości, co pozwoliłoby obniżyć sufit do 20 stóp (6 m). Co ważniejsze, krzywą tę można również wykorzystać do uzyskania pięknego rozkładu naturalnego światła ze szczeliny w górnej części galerii na całym suficie galerii.

Kahn był zadowolony z tego rozwoju, ponieważ pozwolił mu zaprojektować muzeum z galeriami przypominającymi starożytne rzymskie sklepienia, które zawsze podziwiał. Cienkie, zakrzywione skorupy potrzebne do budowy dachu były jednak trudne do zbudowania, więc Kahn wezwał wiodącego autorytetu w dziedzinie konstrukcji betonowych, Augusta Komendanta , z którym pracował wcześniej (i który, podobnie jak Kahn, urodził się w Estonii ). Kahn ogólnie określał formę dachu muzeum jako sklepienie , ale Komendant wyjaśnił, że w rzeczywistości była to skorupa pełniąca rolę belki . Dokładniej, jak wskazuje profesor Steven Fleming, skorupy tworzące dachy galerii to „ napięte zakrzywione belki betonowe, rozciągające się na niewiarygodne 100 stóp” (30,5 m), co „tak się złożyło, że była to maksymalna odległość, na jaką betonowe ściany lub sklepienia można było produkować bez konieczności kompensacji dylatacji ”. Oba terminy, sklepienie i skorupa, są używane w fachowej literaturze opisującej muzeum.

Jeden z portyków z przodu muzeum. Ta skorupa, podobnie jak wszystkie inne, jest podparta tylko w czterech rogach, minimalizując przeszkody na poziomie podłogi.

Prawdziwe sklepienia , takie jak sklepienia rzymskie, które podziwiał Kahn, zawalą się, jeśli nie będą podparte na całej długości z każdej strony. Nie do końca rozumiejąc możliwości nowoczesnych betonowych skorup , Kahn początkowo planował dołączyć znacznie więcej kolumn wsporczych, niż było to konieczne dla dachów galerii. Komendant był w stanie użyć betonu sprężonego o grubości zaledwie pięciu cali, aby stworzyć „sklepienie” galerii, które potrzebują kolumn wsporczych tylko w czterech rogach.

Firma Geren, której poproszono o znalezienie sposobów na utrzymanie niskich kosztów, sprzeciwiła się, że sklepienia cykloidalne byłyby zbyt drogie i zamiast tego nalegała na płaski dach. Kahn jednak nalegał na sklepiony dach, który umożliwiłby mu tworzenie galerii z komfortową, przypominającą pokój atmosferą, przy minimalnej potrzebie stosowania kolumn lub innych konstrukcji wewnętrznych, które zmniejszyłyby elastyczność muzeum. Ostatecznie zawarto umowę, zgodnie z którą Geren miał być odpowiedzialny za fundamenty i piwnice, a Komendant za górne piętra i cykloidę . muszle. Kahn umieścił jedną z tych muszli z przodu każdego z trzech skrzydeł jako ganek lub portyk , aby zilustrować sposób budowy budynku. Efekt był, według jego słów, „jak kawałek rzeźby na zewnątrz budynku”.

To. Wykonawcą projektu była firma S. Byrne, Ltd. , a kierownikiem projektu była firma AT Seymour. Virgil Earp i LG Shaw, kierownicy projektu Byrne'a, zaprojektowali formy o cykloidalnym kształcie, które zostały wykonane ze sklejki na zawiasach i pokryte oleistą powłoką, aby można było ich ponownie użyć do wylania betonu na wiele sekcji sklepień, pomagając zapewnić spójność. Długie, proste kanały na dnie skorup zostały odlane jako pierwsze, aby mogły służyć jako platformy wspierające robotników wylewających beton na krzywe cykloidy . Po wszystkim beton został wylany i wzmocniony wewnętrznie napinające zakrzywione części skorup przenosiły ciężar ich dolnych prostych krawędzi zamiast na odwrót.

Aby zapobiec zapadaniu się skorup w długich szczelinach świetlnych na ich wierzchołkach, w odstępach co 10 stóp (3 m) wstawiano betonowe rozpórki. Do każdego końca skorup dodano stosunkowo gruby betonowy łuk, aby jeszcze bardziej je usztywnić. Aby było jasne, że zakrzywione muszle opierają się tylko na czterech rogach, a nie na ścianach na końcach sklepień, pomiędzy zakrzywieniem muszli a ścianami końcowymi wstawiono cienkie łuki z przezroczystego materiału. Ponieważ łuki usztywniające skorup są grubsze u góry, paski przeźroczyste są zwężane, cieńsze u góry niż u dołu. Ponadto między prostymi spodami skorup a długimi ścianami zewnętrznymi umieszczono liniowy przezroczysty pasek, aby pokazać, że skorupy również nie są podparte przez te ściany. Oprócz odsłonięcia struktury budynku, elementy te wprowadzają do galerii dodatkowe naturalne światło w sposób bezpieczny dla obrazów.

Dachy sklepień, które są widoczne dla zbliżających się zwiedzających, zostały pokryte ołowianym poszyciem inspirowanym ołowianym pokryciem skomplikowanych łuków dachów Pałacu Dożów i Bazyliki św. Marka w Wenecji we Włoszech.

świetliki

Reflektory rozpraszają światło słoneczne na sufitach galerii. Kahn wykazał, że zakrzywione powłoki sufitowe są podparte tylko w ich rogach, pozwalając cienkiemu paskowi światła zewnętrznego na wejście wzdłuż szczytów długich ścian galerii i grubszemu łukowi światła na wejście na końcu każdej galerii.

David Brownlee i David DeLong, autorzy Louis I. Kahn: In The Realm of Architecture , deklarują, że „w Fort Worth Kahn stworzył system świetlików, który nie ma sobie równych w historii architektury”. Robert McCarter, autor Louis I. Kahn , mówi, że galeria wejściowa jest „jedną z najpiękniejszych przestrzeni, jakie kiedykolwiek zbudowano”, ze swoim „zdumiewającym, eterycznym, srebrnym światłem”. Carter Wiseman, autor książki Louis I. Kahn: Beyond Time and Style , powiedział, że „światło w galerii Kimbell nabrało niemal eterycznej jakości i od tamtej pory jest wyróżnikiem jej sławy”.

Stworzenie naturalnego systemu oświetleniowego, który wzbudził takie uznanie, było wyzwaniem, a biuro Kahna i projektant oświetlenia Richard Kelly przeanalizowali ponad 100 podejść w poszukiwaniu odpowiedniego systemu świetlików. Celem było oświetlenie galerii pośrednim światłem naturalnym, przy jednoczesnym wykluczeniu bezpośredniego światła słonecznego, które mogłoby uszkodzić dzieło sztuki. Richard Kelly, konsultant ds. oświetlenia, ustalił, że odblaskowy ekran wykonany z perforowanego anodyzowanego aluminium o określonej krzywiźnie może być użyty do równomiernego rozprowadzenia naturalnego światła w cykloidzie krzywa sufitu. Zatrudnił eksperta komputerowego do określenia dokładnego kształtu krzywej odbłyśnika, czyniąc go jednym z pierwszych elementów architektonicznych zaprojektowanych przy użyciu technologii komputerowej.

W obszarach pozbawionych dzieł sztuki, takich jak hol, kawiarnia i biblioteka, cały reflektor jest perforowany, dzięki czemu osoby stojące poniżej mogą dostrzec przepływające chmury. W przestrzeniach galerii środkowa część reflektora, która znajduje się bezpośrednio pod słońcem, jest pełna, pozostała część jest perforowana. Betonowe powierzchnie sufitu zostały wykończone na wysoki połysk, aby jeszcze bardziej wspomóc odbicie światła. W rezultacie silne teksańskie słońce wpada przez wąską szczelinę u góry każdego sklepienia i jest równomiernie odbijane od zakrzywionego ekranu na całym łuku polerowanego betonowego sufitu, zapewniając piękny rozkład naturalnego światła, jakiego nigdy wcześniej nie osiągnięto. [ potrzebne źródło ]

Ekspansja

W 1989 roku dyrektor Ted Pillsbury, następca Browna, ogłosił plany dodania dwóch skrzydeł do północnego i południowego krańca budynku i wybrał architekta Romaldo Giurgolę do ich zaprojektowania. Wybuchła burza protestów. Krytycy zwracali uwagę, że „Program przedarchitektoniczny” dyrektora założyciela Browna określał, że „forma budynku powinna być tak kompletna w swoim pięknie, że dodatki zepsułyby tę formę” i że Kahn osiągnął ten cel wyjątkowo dobrze.

Grupa wybitnych architektów podpisała list uznający potrzebę dodatkowej przestrzeni, ale argumentujący, że proponowane dodanie naruszyłoby proporcje oryginału. Zauważyli, że kiedy sam Kahn był pytany o możliwość przyszłej rozbudowy, powiedział, że powinien on „występować jako nowy budynek i znajdować się z dala od obecnej konstrukcji po drugiej stronie trawnika”. Esther Kahn, wdowa po Louisie Kahnie, opublikowała list wyrażający podobne odczucia, zauważając, że „na miejscu jest miejsce na oddzielny budynek, który mógłby być połączony z obecnym muzeum”. Projekt został odwołany kilka miesięcy później.

Kahn chciał, aby odwiedzający wchodzili przez przemyślane ukształtowanie terenu przy wejściu od frontu...
...ale większość gości wchodziła tylnymi drzwiami z parkingu. Nowy garaż podziemny powinien rozwiązać ten problem.

Pawilon fortepianowy Renzo

W 2006 roku pomysł rozbudowy pojawił się ponownie podczas kolacji w Fort Worth, w której uczestniczył ówczesny dyrektor muzeum Timothy Potts (Eric M. Lee jest dyrektorem od marca 2009); Kay Fortson, prezes Kimbell Art Foundation i kluczowa postać w tworzeniu oryginalnego budynku; Ben Fortson, powiernik; oraz Sue Ann Kahn, córka Louisa Kahna i głośna przeciwniczka pierwotnego planu ekspansji. Nowa propozycja była dokładnie zgodna z własnymi myślami Louisa Kahna dotyczącymi rozbudowy: oddzielny budynek. W tym czasie nowa konstrukcja miała być zlokalizowana na lądzie z tyłu budynku Kahna.

W kwietniu 2007 roku muzeum ogłosiło, że do zaprojektowania nowego budynku wybrano Renzo Piano . Fortepian był oczywistym wyborem, ponieważ jako młody człowiek pracował w biurze Louisa Kahna, a później zyskał reputację jednego z czołowych architektów muzeów na świecie. Piano był szczególnie aktywny w Teksasie, projektując Menil Collection w Houston, zamówienie w pracowni Louisa Kahna w chwili śmierci Kahna oraz Nasher Sculpture Center w Dallas. Zaprojektował także rozszerzenie dla Art Institute of Chicago i był współtwórcą projektu Centrum Pompidou w Paryżu.

Schematyczne projekty nowego budynku Kimbell zostały upublicznione w listopadzie 2008 r., a plany opublikowano w maju 2010 r. Struktura o powierzchni 85 000 stóp kwadratowych (7900 m 2 ) uzupełniałaby oryginalny budynek, ale nie naśladowała go. W przeciwieństwie do oryginału, jego linie byłyby prostoliniowe, a nie krzywoliniowe. Jednak podobnie jak oryginał miałby trzy przęsła, z przęsłem środkowym cofniętym od pozostałych dwóch. Nowa rozbudowa budynku, nazwana Renzo Piano Pavilion, została oficjalnie zainaugurowana dla publiczności 27 listopada 2013 r.

Nowy budynek powinien również rozwiązać problem parkowania przy muzeum. Kahn był głęboko zaniepokojony negatywnym wpływem samochodów na życie w mieście; mówił kiedyś o „zniszczeniu miasta przez samochód”. Zasadniczo sprzeciwiając się pomysłowi zorientowania budynków na samochód, Kahn umieścił główny parking na tyłach budynku, aby odwiedzający mogli spacerować po budynku i wchodzić przez starannie zaplanowane zagospodarowanie terenu. Jednak większość odwiedzających wchodziła tylnymi drzwiami na parterze, omijając wejście zaprojektowane przez Kahna. Nowy budynek rozwiąże problem z garażem podziemnym. Po tym, jak odwiedzający wejdą na poziom galerii nowego budynku, mogą z niego wyjść i przejść przez trawnik i dziedziniec, aby wejść do pierwotnego budynku, zgodnie z zamierzeniami Kahna.

Uznanie

  • W 1998 roku Amerykański Instytut Architektów przyznał muzeum prestiżową nagrodę Twenty-five Year Award , która przyznawana jest nie więcej niż jednemu budynkowi rocznie.
  • Robert Campbell , krytyk architektury z Boston Globe i zdobywca nagrody Pulitzera za krytykę , określił go jako „najwspanialszy amerykański budynek drugiej połowy XX wieku”.
  • Robert McCarter, autor Louis I. Kahn , powiedział, że Muzeum Sztuki Kimbell „jest słusznie uważane za największe dzieło Kahna” i „było przedmiotem większej liczby badań naukowych niż wszystkie inne jego prace razem wzięte”.
  • Carter Wiseman, autor książki Louis I. Kahn: Beyond Time and Style , powiedział: „Dzięki Kimbell Kahn osiągnął coś wyjątkowego w historii nowoczesnej architektury, budynek, który wykorzystuje element natury — światło słoneczne — z niespotykaną dotąd umiejętnością i połączonym to ze współczesnym programem w strukturze, która odwoływała się również do najbardziej zaawansowanej inżynierii, jednocześnie odwołując się do pomników przeszłości”.
  • To. S. Byrne, Ltd. , wykonawca robót budowlanych, zdobył pierwszą nagrodę Build America od Associated General Contractors of America w 1972 r. Za „innowacyjne techniki budowlane” zastosowane w muzeum.

Najważniejsze europejskie kolekcje

Najciekawsze kolekcje azjatyckie

  • Wang Zhao, The Three Stars of Happiness, Wealth, and Longevity, c. 1500, Chinese, Ming dynasty, ink and light colors on silk

    Wang Zhao, Trzy gwiazdy szczęścia, bogactwa i długowieczności , ok. 1500, Chińczycy, dynastia Ming, tusz i jasne kolory na jedwabiu

  • Wen Jia (Wen Chia), Landscape in the Style of Dong Yuan, 1577, Chinese, Ming dynasty (1368–1644)

    Wen Jia (Wen Chia), Krajobraz w stylu Dong Yuan, 1577, chiński, dynastia Ming (1368–1644)

  • Gong Xian, Landscape, c. 1650, ink on silk painting, Chinese, Qing dynasty (1644–1911)

    Gong Xian , Krajobraz, ok. 1650, tusz na jedwabiu, chiński, dynastia Qing (1644–1911)

  • Chen Jiayen, Bamboo, Rock, and Narcissus, 1652, Chinese, Qing dynasty (1644–1911), Hanging scroll; ink on paper

    Chen Jiayen, Bamboo, Rock, and Narcissus, 1652, chiński, dynastia Qing (1644–1911), wiszący zwój; tusz na papierze

Kierownictwo

Muzeum Sztuki Kimbell czerpie około 65% swojego 12-milionowego budżetu z nieograniczonego dofinansowania w wysokości ponad 400 milionów dolarów. Fundusz spadł z 466 mln USD do 398 mln USD w pierwszych latach światowego kryzysu finansowego w latach 2007–2012 . Muzeum nie posiada specjalnych środków na zakupy. Członkostwo w muzeum wynosi 15 000. W 2019 roku muzeum wyznaczyło Guillaume'a Kientza na kuratora sztuki europejskiej; wcześniej pracował w Luwrze .

Zobacz też

Linki zewnętrzne

Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Kimbell_Art_Museum&oldid=1139520416 ”