Archaiczna rzeźba grecka

Fragment Jeźdźca Rampin , ok. 550 pne, Ateny

Archaiczna rzeźba grecka reprezentuje pierwsze etapy kształtowania się tradycji rzeźbiarskiej , która stała się jedną z najważniejszych w całej historii sztuki zachodniej . Archaiczny okres starożytnej Grecji jest słabo wyznaczony i wśród uczonych panuje na ten temat wiele kontrowersji. Powszechnie uważa się, że zaczyna się między 700 a 650 pne, a kończy między 500 a 480 pne, ale niektórzy wskazują na znacznie wcześniejszą datę jej początku, 776 pne, datę pierwszej olimpiady . W tym okresie położono podwaliny pod powstanie wielkoformatowej rzeźby autonomicznej i monumentalnej rzeźby do dekoracji budynków. Ewolucja ta zależała w swoich początkach od wpływów orientalnych i egipskich , ale wkrótce nabrała szczególnego i oryginalnego charakteru.

Przez długi czas uważany za zaledwie preludium do klasycznej Grecji , dziś okres archaiczny jest postrzegany jako moment intensywnej działalności intelektualnej, politycznej i artystycznej, podczas którego dokonano decydujących osiągnięć dla konsolidacji kultury greckiej jako całości, a rzeźba, która reprezentuje, że ma same w sobie wielkie zasługi, będąc nośnikiem specyficznych i fundamentalnych znaczeń dla społeczeństwa, z którego się narodził, poprzez rozwój unikalnych form.

Począwszy od niepomyślnych podstaw, rzeźba okresu archaicznego osiągnęła w końcowych etapach wysoki poziom jakości estetycznej i złożoności formalnej, sygnalizując przejście od kultury praktycznie anikonicznej do innej, w której dominowała wizualność i figuracja, pozostawiając szeroki i przełomowy repertuar reprezentatywnych typów i trybów, z postacią ludzką w uprzywilejowanej sytuacji.

Tło

Główne artykuły: sztuka Cyklad , Grecja mykeńska i sztuka minojska

Istnieją dowody na obecność człowieka w regionie znanym obecnie jako Grecja - w tym w części kontynentalnej i na wyspach - od paleolitu , a w tych wczesnych czasach ich artefakty obejmowały proste narzędzia i broń z kamienia i kości oraz ceramikę . W epoce brązu istniały już kultury o znacznym rozkwicie artystycznym i kulturowym, tak zwane cywilizacje egejskie , obejmujące kulturę minojską , cykladzką i mykeńską . Statuetki z marmuru i alabastru przetrwały ze sztuki cykladzkiej , niektóre osiągają duże rozmiary, głównie przedstawiające bóstwa żeńskie z rękami skrzyżowanymi na piersiach, ale są też okazy męskie i inne w różnych pozycjach, dzieła, które stały się sławne i chętnie kolekcjonowane ze względu na ich wysoce stylizowane formy, które przypominają nam trochę rzeźbę współczesną. Ale właśnie to wielkie zainteresowanie spowodowało poważne problemy dla archeologicznych . Tylko około 10% znanych dziś cykladzkich rzeźb ma udowodnione pochodzenie, a podejrzewa się, że reszta może być niedawnymi fałszerstwami, co komplikuje opis i badanie funkcji i znaczeń tej produkcji. Na niektórych egzemplarzach widoczne są ślady pigmentu, co świadczy o tym, że w zamierzchłych czasach istniała już praktyka malowania powierzchni rzeźb, która będzie kontynuowana przez całą historię rzeźby w starożytnej Grecji.

Cyklad idol, ok. 2 800-2 300 pne

Mniej więcej współczesna kulturze cykladzkiej była kwitnąca na Krecie cywilizacja minojska . To, co do nas dotarło z jego rzeźby, to małe posągi, z których słynne są figurki minojskiej bogini węża , głównie z fajansu , znalezione w pałacu królewskim w Knossos oraz Palaikastro Kouros , z kości słoniowej, złota, kamienia i kryształu górskiego , ale niewykluczone, że powstawały też większe dzieła w drewnie. Ich formy są znacznie bardziej wyszukane i naturalistyczne niż formy cykladzkie, ale mają tę samą tendencję do frontalności. W z brązu Minojczycy wykazali się wielkimi umiejętnościami , opracowując technikę traconego wosku , a okres ten jest szczególnie ważny, ponieważ skonsolidował cały mityczny proces wokół procesu twórczego, uosobionego w postaciach boga Hefajstosa , mistrzowskiego rzemieślnika i Dedala , legendarnej postaci, której przypisuje się wynalezienie sztuki rzeźbiarskiej i magicznych mocy ożywiania posągów, a której pochodzenie wydaje się być orientalne. Jednak lokalizacja Dedala w tym czasie wydaje się być znacznie późniejszym rozwinięciem tradycji i bardziej prawdopodobne jest, że był on rzeźbiarzem z VII wieku pne, jeśli w ogóle istniał. Niedawne badania wskazały również na możliwość, że mogło istnieć dwóch Dedalów: jeden minojski architekt-budowniczy, a drugi rzeźbiarz z wczesnego okresu archaicznego lub orientalizującego, czasami nazywany także Dedalic na jego cześć.

Później kultura mykeńska zdominowała kontynentalną Grecję, która pozostawiła po sobie imponujące kamienne budowle i wyrafinowane złote nagrobki , znalezione zwłaszcza w Tiryns , Argos , Troi i Mykenach . Architektura pałacowa zachowana na tych stanowiskach archeologicznych świadczy o zaawansowanym stopniu umiejętności obchodzenia się z kamieniem, a jej konstruktywny schemat doprowadził później do greckiego projektu świątyni. W Mykenach znajdują się jedne z najwcześniejszych przykładów greckiej rzeźby architektonicznej, szczególnie dobrze wykonane w Bramie Lwa , gdzie dwa stylizowane lwy o czystych, energicznych liniach stoją symetrycznie nad nadprożem wejścia do pałacu. Jednak Brama Lwa, ze względu na swoje duże wymiary, jest wyjątkiem, podobnie jak polichromowana głowa kobiety z terakoty, która może być częścią jednego z najwcześniejszych przykładów kultowych posągów naturalnej wielkości znalezionych w Grecji. Inne znaleziska mykeńskie to na ogół małe kawałki terakoty. Biorąc pod uwagę brak pełniejszych dowodów, trudno jest dokonywać wśród nich uogólnień na temat praktyki rzeźbiarskiej, a pomimo ich umiejętności w posługiwaniu się metalami, zwłaszcza metalami szlachetnymi, chwalonymi przez Homera w barwnych opisach , nie zachowały się żadne relikty rzeźbiarskie z brązu z tego okresu.

• 

  Bogini z wężami, ok. 1600 pne, Kreta

• 

  Brama Lwów, ok. 1300 pne, Mykeny

• 

  Koń z okresu geometrycznego, ok. 775-600 pne, Olimpia

• 

  Idol z późnego okresu geometrycznego, Teby

Jednak pod koniec drugiego tysiąclecia pne wszystkie te kultury upadły, rozpoczynając tak zwane średniowiecze . Z nie do końca wyjaśnionych przyczyn miejscowa ludność drastycznie zmalała, gospodarka załamała się, pismo przestało być praktykowane, nastąpił regres sztuki, a repertuar przedstawień figuratywnych zanikł niemal całkowicie. Dopiero po połowie VIII wieku pne nastąpiła stopniowa przebudowa społeczna, obejmująca najeźdźców z Bałkanów i resztki ludów tubylczych, co umożliwiło odrodzenie kulturowe, które miało trwać nieprzerwanie aż do podboju Grecji przez Rzymian w II wieku pne.

Właściwy okres archaiczny, geometryczny , wciąż poprzedza okres, w którym reprezentacja figuratywna jest stopniowo przywracana, na prawie całkowicie nowym fundamencie języka wizualnego. Na ich rzeźbę prawdopodobnie wpłynęła sztuka ludów najeźdźczych, które przyniosły ze sobą analityczną tendencję do projektowania dzieł w odrębnych przekrojach i zasadniczych formach, składających się prawie wyłącznie z sylwetek – trójkąta dla tułowia, koła dla głowy i Wkrótce. Starsze brązy geometryczne są bardzo płaskie i wydają się być wykonane jako wycinanki z metalowych płyt i wykazują cechy rustykalne. Kawałki terakoty wykazują pełniejszą wolumetrię. Nowsze brązy są pod tym względem podobne, wraz z rozwojem techniki odlewniczej, a przestrzeń zaczyna być bardziej eksplorowana poprzez dzieła przedstawiające rydwany i kompozycje grupowe. W przypadku postaci ludzkich różnice między płciami są pobieżne: mężczyźni są nadzy, a kobiety ubrane; kiedy w rzadkich przypadkach, gdy są nagie, pokazują piersi, ale nie genitalia.

Okres archaiczny

Główny artykuł: Archaiczna Grecja

Sfinks, ok. 530 pne, Attyka

Grecja okresu archaicznego przeżywała szybkie ożywienie po przerwie w średniowieczu i pierwszym renesansie kulturowym w VIII wieku pne. Opracowano nową formę rządów, opartą na państwie-mieście, polis , wzmocniono gospodarkę i rozpoczął się ruch szerokiej ekspansji kolonialnej, zwiększając handel z ludami rozległego regionu graniczącego z Morzem Śródziemnym i Morzem Czarnym , tworząc poczucie jedności i siły kulturowej, która rozpowszechniła kulturę helleńską na tym terytorium, kulturę, która zbratała się i została uświęcona podczas Igrzysk Panhelleńskich , odbywających się w metropolii. Literatura odrodziła się i znalazła swoich pierwszych wielkich przedstawicieli w Hezjodzie i Homerze , a filozofia badała nowe sposoby rozumienia świata i człowieka z racjonalistycznego punktu widzenia, w którym porzucono nadprzyrodzone wyjaśnienia zjawisk natury w poszukiwaniu bardziej naukowych przyczyn.

Kleobis i Biton , Muzeum Archeologiczne w Delfach , Polimedes z Argos , ok. 585 pne.

Proces formowania się miasta-państwa wymagał bardziej spójnej organizacji społecznej niż ta utrzymywana w starożytnych wioskach, osadach i rozproszonych demach , które funkcjonowały pod kierownictwem wodza, króla lub naczelnego magistratu, basileusa , i aby skonsolidować tę nową unii politycznej konieczne było, aby scentralizowana władza została podzielona między grupę arystokratów , wspomaganych przez biurokratów , w podziale odpowiedzialności, który położył pierwsze podwaliny pod przyszłą demokrację . Model polis nie został przyjęty jednolicie w całej Grecji: występują różnice, a niektóre regiony były rządzone w starożytności aż do późnych lat, ale ostatecznie polis reprezentuje najbardziej zaawansowany i wydajny system tamtych czasów, lepiej zarządzający szybkim wzrostem liczby ludności, komercyjnym oraz ekspansja kolonialna, zasoby produkcyjne oraz stosunki polityczne i wojskowe między różnymi państwami. Tam też dokonał się najważniejszy postęp artystyczny. Przekazanie władzy zgromadzeniu dziedzicznych arystokratów, którzy posiadali większość bogactw i posiadali większość ziemi, w naturalny sposób sprawiło, że zasady tej klasy dominowały, podczas gdy oni byli zainteresowani utrzymaniem status quo poprzez despotyczne metody wyzysku klas niższych . W VI w. p.n.e. władza tej oligarchii zaczęła się rozpadać wraz z powstaniem tyranów , asymilacją do rządu rodzin małorolnych obcych kręgowi ziemiańskiej arystokracji i pojawieniem się samowystarczalnego środka klasa , która przetrwała i zaczęła bogacić się dzięki handlowi, warstwy społeczne, które były moralnie usprawiedliwione obroną wartości pracy, uważane za ważny sposób na zdobycie nagród, które Homer uważał za zarezerwowane dla bohaterów: bogactwa, chwały i łaski bogów.

Kontekst społeczny został w ten sposób zrestrukturyzowany i sprzyjał pełnej odbudowie działalności kulturalnej, czemu sprzyjała bogata i kulturalna klasa rządząca, która na sympozjum dyskutowała o filozofii i literaturze, interesowała się sztuką, uprawiała mecenat i pozostawiała artystom swobodę badań formalnych , dostosowując wpływy sztuki Wschodu do odmiennego kontekstu polis, wolność, która była niezbędna do społecznie znaczącego wypełnienia artystycznej próżni średniowiecza. Następnie, od końca VIII w. p.n.e., kiedy rozpoczyna się okres archaiczny, następuje prawdziwy symboliczny wybuch, po jego faktycznym wyginięciu w poprzedniej fazie. Przyjmuje się, że odrodzenie pisma było spowodowane chęcią utrwalenia w pamięci zbiorowej bohaterskich czynów z przeszłości i tradycji religijnych, w fazie, w której relacje między przeszłością a teraźniejszością stały się centralnym elementem kultury, czytanie mitów jako źródła wskazówek do rozwiązywania nowych problemów życia codziennego. Wokół tego krążyła tematyka poetów archaicznych, podobnie jak był to motyw inspirujący dla malarstwa wazowego i rzeźby. Należy również pamiętać, że jeśli w kulturze archaicznej widocznych jest kilka cech rodzajowych – a to podsumowanie działa w tym kierunku – żaden z różnych regionów Grecji w tym okresie nie może być uznany za typowy i w pełni reprezentatywny, i należy zaznaczyć, że ewolucja artystyczna i kulturalna ówczesnej tzw. „Grecji” miała miejsce głównie na środkowo-południowym, gdzie kwitł model polis, podczas gdy północ pozostawała stosunkowo słabo rozwinięta i żyła w reżimie starożytnych plemion i klanów , etnos . _

Scena sympozjum, ok. 575-500 pne, Assos

Kouros i Korea

Główne artykuły: Kouros i Kore (rzeźba)

Stylistycznie okres archaiczny rozpoczyna się fazą zwaną dedalią lub orientalizacją, która, jak sama nazwa wskazuje, zdradza napływ elementów ze Wschodu . Stamtąd greccy rzemieślnicy nauczyli się wykonywać serie płaskorzeźb z terakoty z form, co było praktyką definiującą stereotypowe rozwiązania formalne dotyczące przedstawiania postaci ludzkiej, które stały się również podstawą do organizacji rzeźb pełnopostaciowych. Schemat tych prac został ściśle zestandaryzowany, ujednolicający całą produkcję rzeźby figuratywnej i eliminujący wszelkie ślady swobody twórczej i naturalizmu, jakie można znaleźć w posągach z czasów kultur egipskich. Ciała przyjmują postawę hieratyczną, w pozycji frontalnej, z rękami opuszczonymi po bokach lub jedną złożoną na piersi, jedną nogą do przodu sugerującą ruch, z długimi kręconymi włosami i wyrazem twarzy utrwalonym w zarys uśmiechu. Wzorując się na geometrycznych brązach, mężczyźni są nadzy, a kobiety ubrane w wyszukane kostiumy. Ta typologia, znana jako kouros w przypadku mężczyzn i kore w przypadku kobiet, była najważniejsza w okresie archaicznym. Wydaje się, że wywodzi się z posągów cykladzkich i zostałby zdecydowanie skonsolidowany od ok. 650 pne, nabierając monumentalnego wymiaru, być może inspirowanego przykładem posągów egipskich, znanych Grekom, którzy założyli tam kolonie, oraz podróżnikom.

Egipski posąg Menkaure i Chamerernebty II , IV dynastia

Wpływy egipskie są czasami kwestionowane lub minimalizowane, ale pozorne podobieństwo jest oczywiste, a współczesne badania wykazały spójną identyczność proporcji większości kouroi z drugim kanonem 26 dynastii egipskiej , kanonem, który z niewielkimi zmianami był praktycznie taki sam jak ten, który był używany od czasów wielkich piramid tysiące lat temu. Ta tożsamość formalna potwierdza odniesienie dokonane przez Diodora , mimo że zagraniczny model został zaadaptowany w kilku punktach, głównie w zakresie kostiumów i strukturalnych podstaw wsparcia.

Pani z Auxerre , kora z okresu dedalskiego, ok. 640-630 pne, Kreta. Współczesna kopia ze zrekonstruowaną polichromią

Kouroi i korai znajdują się w brązie, terakocie i kości słoniowej , ale zdecydowanie najczęściej jest to kamień. Ich wymiary wahają się od małych posągów do gigantów, takich jak kouroi z Delos i Samos , a także niedokończone kolosy z Naksos , z których największe osiągają prawie 10 m. Ich zwykły rozmiar jest jednak wielkości człowieka lub nieco mniejszy. Pełniły różne funkcje, takie jak kultowe posągi, ex-voto , pomniki ku czci sportowców czy tablice nagrobne. Chronologia prac jest niepewna, a daty są na ogół przybliżone, ponieważ ewolucja formy jest dość jednorodna w całej Grecji, bez powstania znacznie zróżnicowanych szkół regionalnych, a wszelkie innowacje są szybko przyjmowane przez wszystkie ośrodki produkcyjne.

Kouros jest szczególnie ważny ze względu na swoją nagość, oferując swobodny grunt do badań nad anatomią człowieka . Ale chociaż ta anatomia zaczynała się od raczej prymitywnych i elementarnych cech na początku tego okresu, a osiągnęła znaczny stopień naturalizmu w okresie przejściowym do okresu ciężkiego , jej przedstawienie jest pełne konwencjonalizmu i myślenia w kategoriach abstrakcyjnych płaszczyzn i linii. Wydaje się, że w żadnym momencie nie było troski o ustalenie prawdziwego podobieństwa do natury w sensie portretu. Kouroi nie są portretami, lecz rodzajowymi i symbolicznymi przedstawieniami, a ich niezróżnicowanie pozwoliło im wypełnić różne funkcjonalne nisze w kulturze archaicznej . Zdaniem Jeffreya Hurwita tę bezosobowość tłumaczy się tym, że w archaicznym świecie głównym celem rzeźbiarza było zaoferowanie przekonującego, a nie realistycznego dzieła, ponieważ najbardziej stałym i naglącym impulsem tej sztuki „było sformalizowanie, zdefiniowanie ogólne wzorce, aby odtworzyć naturę w zrozumiałej formie”, zgodne z formalistycznymi i hierarchicznymi zasadami kulturalnej arystokracji, która zleciła te prace. W tym sensie kouroi są symbolami konserwatyzmu, ponieważ jeśli szczegółowo wykazywały wyraźne zmiany w ciągu prawie dwóch stuleci występowania tego typu, ogólny wzorzec nie zmienił się znacząco.

Kroisos Kouros , ok. 525 pne, Anavissos

Jednocześnie nagie kouros stały się znaczącą typologią, ponieważ publiczna nagość wojownika i atlety została w pewnych sytuacjach społecznie zaakceptowana i rozpoczęło się utożsamianie piękna fizycznego ze zbiorem wartości moralnych określanych mianem arete , w szerokim pojęciu zwanym kalos kagathos . Kiedy atleta wygrywał zawody na Igrzyskach, największym zgromadzeniu helleńskim, jego konsekracja nabierała transcendentnego znaczenia i podnosiła człowieka do poziomu boskości, przywołując, jak czytamy u Pindara , wyczyny bogowie i bohaterowie. Cechy fizyczne sportowca - siła, zwinność, umiejętności, wdzięk i uroda - były wyraźnie widoczne w jego nagości, ale przypisywano jej wybitne wartości religijne, obywatelskie i etyczne. W ten sposób nagość stała się motywem artystycznym samym w sobie, uwidaczniając cnoty duchowe i moralne oraz tworząc typologię artystyczną o długim pochodzeniu, nagość heroiczną . Tak jak okropna twarz Gorgony, umieszczona na fasadzie wielu świątyń, wzbudzała w wyznawcy świętą obawę, tak siła i piękno ciała oraz uśmiech kouros odnosiły się do charis , boskiej łaski. Te same cechy przypominały widzowi, gdy kouros pełnił funkcję pamiątki lub wota.

Bogato ubrany kore

Najwcześniejsze kouroi zostały zinterpretowane przez archeologów jako wizerunki Apolla , boga silnie kojarzonego z pięknem i młodością. Teorię tę wzmocniło odkrycie ogromnej grupy około 120 posągów w sanktuarium Apolla Ptöosa w Beocji . Ale chociaż w wielu przypadkach to skojarzenie może być ważne, wiele kouroi zostało znalezionych w innych kontekstach i poświęconych innym bogom. W każdym razie ich typ jest wyraźnie apolliński, ilustrujący ideał młodości i piękna, iz tego powodu można również przypuszczać, że przynajmniej częściowo były to przedstawienia erotyczne, ponieważ oprócz Apollo utrzymywał w micie kilku homoseksualnych Posągi noszą cechy pożądane u ówczesnego mężczyzny – szerokie ramiona, mocne pośladki i uda, szczupłą talię i małego penisa – w zdominowanym przez mężczyzn społeczeństwie, które zinstytucjonalizowało pederastię jako praktykę honorową, nasyconą wartościami edukacyjnymi .

W przypadku korai pierwowzór jest bardziej zróżnicowany. Są zawsze ubrani, ale ich pozy wahają się od rytualnego bezruchu po obrazy przypominające tancerzy w akcji. Wielu z nich niesie ofiary. Przedstawienie sukienek i wyrafinowanych fryzur dawało rzeźbiarzowi kolejne pole do poszukiwania zróżnicowanych rozwiązań dekoracyjnych i wielu zabiegów powierzchniowych, eksplorujących grafikę, fakturę i efekty przezroczystości. Podczas gdy kouroi ilustrują koncepcje i ideały męskiego świata, korai przedstawiają wrażliwy portret wartości cenionych przez kobiety archaicznego społeczeństwa – dobrego smaku przejawiającego się w noszeniu odzieży, biżuterii i wyrafinowanych fryzurach oraz młodości, piękna, i zdrowie jako symbole zdolności do rodzenia dzieci – a także pośrednio wskazywały na zamożność mężczyzny, z którym były związane, dając miarę tego, kim była i jak była postrzegana w swoim gronie. Istnieje współczesny nurt myślowy, który skłania się ku odczytywaniu korai jako obiektów pożądania seksualnego, ale dla Hurwita ich prawdopodobne podstawowe funkcje jako ofiary i kultowe obrazy nie potwierdzają tej hipotezy.

Z drugiej strony wydaje się, że korai odgrywały wyjątkową rolę jako instrumenty więzi społecznych, gdy były ofiarowane jako prezenty. Często opatrzone są inskrypcjami opisującymi je jako agalmata , słowo, które w klasycyzmie oznaczało po prostu posąg boga, ale które w okresie archaicznym miało znacznie szersze konotacje i wiązało się z pojęciami dostatku, bogactwa i statusu, umieszczając posągi w sieć symbolicznej i materialnej wymiany między ludźmi, która zmobilizowała święte i świeckie moce i ustanowiła silne więzi międzyludzkiej zależności. Kora na kobietę jako przedmiot lub narzędzie w kulturze męskiej, to jednocześnie stawiała ją w wysokiej randze, uznając ją za źródłem prestiżu i posiadającym wiele przywilejów. Znaleziono tylko jeden kouros jako dedykację, która opisuje go jako agalma . Korai są również interpretowane inaczej niż kouroi , gdy są używane jako znaczniki pogrzebowe. Niosąc ofiarę w dłoni, wymuszają wizualne zaangażowanie widza w sensie wymiany, dialogu, co nie ma miejsca w przypadku kouroi , a według Robina Osborne'a ta cecha kore wskazuje, że kobieta była w rzeczywistości oś, substancja i główny rozmówca w całym wszechświecie wymiany w archaicznym męskim świecie.

• 

  koreańska tancerka. Muzeum Archeologiczne w Delfach

• 

  Kore Phrasikleia , ok. 540 pne, Ateny

• 

  Kourosa , ok. 620 pne, Kreta

• 

  Słynny Apollo z Tenei, kouros z ok. 560-550 pne

Dekoracja architektoniczna

Fronton świątyni Ateny w Corcyra

Fragment fryzu Skarbca Siphno w Delfach, ok. 525 pne.

Wojownik z zachodniego frontonu świątyni Ateny Afii na Eginie , ok. 505-490 pne.

W czasach przedarchaicznych rzeźba była rzadko wykorzystywana do dekoracji budynków. W okresie archaicznym porządki architektoniczne , które na nowo zdefiniowały koncepcję świątyni i nadały jej monumentalny wymiar, niespotykany w historii architektury starożytnej Grecji , a rzeźba dekoracyjna stała się znacznie częstsza i niezwykle ważna, zarówno ze względu na wielkość tworzonych kompozycji i ponieważ reprezentowały one znacznie swobodniejsze pole badań formalnych niż ustalone typologie kouros i kore . Nowa grecka świątynia dała początek niespotykanym w swoim czasie narracyjnym scenom grupowym, sprzyjała badaniom anatomicznym i kinezjologicznym , stwarzała nowe wyzwania dla koncepcji scenografii, stymulowała eksplorację efektów światła i cienia, a jej rzeźbiarzy uczyniła założycielami oryginalnego sposób rozumienia plastyczności i reprezentacji. Społecznie znaczenie dekoracji figuralnej w obiektach sakralnych wiązało się z numinotycznym charakterem otoczenia. Fryzy przedstawiające procesje i święta religijne, sceny mitologiczne, wizerunki bogów i fantastycznych stworzeń tworzyły razem szczególną atmosferę rytualną, odmienną od świata świeckiego, która głęboko uwrażliwiała zwiedzającego i przygotowywała go psychicznie do kultu boskiego.

Materiały użyte do tego były różnorodne, od brązu po terakotę, kamień i sztukaterię , zawsze w jaskrawych kolorach. Wydaje się, że w okresie orientalizacji dekoratorzy preferowali umieszczanie grup figuratywnych w miejscach najbardziej dostępnych dla oka, blisko ziemi i na ścianach. Trend ten nagle zmienia się około 630-600 pne, kiedy preferowanymi lokalizacjami stają się górne partie budynków, takie jak frontony , metopy i akroteria . Pierwszym znanym przykładem tej nowej praktyki jest sanktuarium Apolla w Etolii , które inauguruje ten zwyczaj z wielkim bogactwem i różnorodnością, w tym scenami mitologicznymi i mnóstwem postaci zwierząt i fantastycznych istot, takich jak syreny , sfinksy i gorgony . Jednak nie wszystkie świątynie otrzymały dekorację figuralną.

Za przykładem tego sanktuarium wkrótce poszły inne regiony, które również zaczęły badać inne zastosowania rzeźby. W kolonii Corcyra rozwinęły się przedrostki z ludzkimi głowami i ściekami wodnymi w kształcie głów zwierzęcych, które wkrótce osiągnęły poziom doskonałości w dekoracji miejscowej świątyni poświęconej Herze, imponującej ciągłym fryzem złożonym z szerokookich twarze na przemian z lwami z otwartymi ustami. W połowie VI wieku pne dekoracja figuralna na budynkach sakralnych była powszechną praktyką w całej Grecji, z ważnymi przykładami w kilku miejscach, takich jak sanktuaria Apolla na Eginie , Hery w Olimpii , Artemidy w Efezie i na Akropolu w Atenach , gdzie wzniesiono gigantomachię kolosalnych rozmiarów. W tym samym czasie podobne rozwiązania zaczęto stosować w budownictwie cywilnym.

W późnej fazie archaicznej szczególnie interesujące są fryzy Skarbu Syfnosa, w sanktuarium Apolla w Delfach , które wykazują bardzo zaawansowany stopień płynności kompozytorskiej i umiejętności technicznych, które pod wieloma względami zapowiadają sztukę klasyczną. Ostatecznym i najwspanialszym rozkwitem archaicznej rzeźby architektonicznej są frontony świątyni Aphaea w Aginie, ukończone około 500-480 pne. Ich postacie odznaczają się ogromną finezją i elegancją w wykończeniu i liniach, a różnorodność pozycji i rozwiązań ruchowych, szczegółowość anatomii i sugestia zróżnicowanej ekspresji emocjonalnej, pomimo niezmiennego archaicznego uśmiechu, wprowadzają nuty dramatu poprzedzające rozwój wydarzeń sztuki psychologicznej stylu Severe i hellenizmu . Jego zespoły rzeźbiarskie są uważane za jedno z najwspanialszych osiągnięć sztuki greckiej wszechczasów.

Kultowe posągi i ex-votos

Persefona Pinax otwiera Likon Mystikon w Kalabrii

Ściśle związane z sanktuariami i świątyniami kultowe posągi były istotną częścią religii greckiej jako środki komunikacji między bóstwami a ludźmi. Otaczało ich mnóstwo tabu , a ich skuteczność zależała nie tyle od ich cech fizycznych - niektóre były niemal kawałkami surowca - ale od złożonej rytualności, której wymagali. Niektórych nie można było nawet zobaczyć, inne polegały na specjalnych obrzędach ich objawienia, aw każdym razie zawsze były naładowane głębokim znaczeniem. Ich znaczenie było takie, że wywierali wpływ, bezpośrednio lub poprzez swoje wyrocznie , nawet w sprawach cywilnych i wojskowych o ogromnych reperkusjach, takich jak wojny i sojusze. Kilka relacji historycznych odnosi się do nadprzyrodzonych interwencji kultowych posągów w nieuchronności decyzji o jakimś kluczowym akcie zbiorowym, a zdobycie kultowych posągów danego miasta często wiązało się z negatywnymi konsekwencjami dla jego suwerenności.

Podobnie prywatne posiadanie jakiegoś prestiżowego wizerunku przyniosło jego posiadaczowi wielki wpływ społeczny, cechę kulturową, która była konsekwentnie wykorzystywana przez arystokrację do przywłaszczania sobie charyzmatu boskiej mocy i tworzenia większego dystansu od mas. Wiele z kultowych posągów zostało wyrzeźbionych w postaci kouroi i korai , a ich charakterystyczny uśmiech w tym kontekście jest interpretowany przez Jeremy'ego Tannera jako zwierciadło stylizacji całego życia elit i ich autoprezentacji w postaci agalmata , przedmioty, w których bogowie mogli czerpać przyjemność, jak arystokracja określała siebie jako geleontes , uśmiechnięci, wyróżnieni przez bogów bogactwem i dobrobytem, ​​którym się cieszyli . Jako ex-voto monumentalne posągi jeszcze bardziej bezpośrednio kojarzyły arystokrację ze światem boskim, ponieważ tylko bogaci mogli zamówić ważny wizerunek, a poświęcenie posągu oznaczało poświęcenie oferenta. W tym samym czasie arystokracja zmonopolizowała kapłaństwo, a dostęp do boskości przez zwykłych ludzi był uzależniony od koncesji i konwencji ustalanych przez elity.

Ale nie wszystkie ex-voto miały większe wymiary niż kouroi i korai . Istnieją małe relikwie rzeźbiarskie dokumentujące kult ludowy, z różnorodnymi motywami, często imitującymi przedmioty ofiarne, takie jak ciasta, bochenki chleba i zwierzęta, takie jak koguty, woły i gołębie. Bardzo powszechną ex-voto była forma drewnianego talerza pomalowanego jakąś pobożną lub mitologiczną sceną, zwaną pinax , ale wszystkie zniknęły z powodu kruchości materiału, z wyjątkiem kilku znalezionych w Koryncie , ale ich wersje z terakoty, kość słoniowa i kamień z wyrytymi płaskorzeźbami nadal istnieją w znacznych ilościach, a ich zdecydowana większość jest poświęcona Asklepiosowi . Obrazy takie są ważnym źródłem wiedzy o archaicznych praktykach religijnych.

Inne formy

Dość częstym zjawiskiem w sztuce archaicznej jest postać intronizowana. Zazwyczaj ta postawa była zarezerwowana dla bóstw i osobistości cieszących się dużym szacunkiem. Strabon podaje, że w czasach archaicznych najchętniej przedstawiano w tej pozycji obrazy przedstawiające kult Ateny , ale znane nam relikwie, około osiemdziesięciu przykładów, z reguły nie wykazują na tyle charakterystycznych cech, aby zidentyfikować bóstwo. W pochodzeniu typu jego zdecydowana większość była wizerunkami kobiet, nieliczne męskie mogły przedstawiać Dionizosa , sędziów lub bohaterów. W VI w. p.n.e. rozpowszechnił się model przedstawiający postacie obu płci, spotykany w różnych kontekstach – pogrzebowym, wotywno-religijnym i pamiątkowym.

Interesująca była również typologia dużych postaci jeźdźców, choć ograniczona do regionów Attyki i jej zależnego Delos. Ich pochodzenie jest niejasne; przykłady statuetek z brązu i terakoty z wcześniejszych czasów nie sugerują bezpośredniego pochodzenia formalnego, wydaje się raczej, że ich projekt wywodzi się z malarstwa wazowego z początku VI wieku pne. Typ ten rozkwitł w Attyce jako odzwierciedlenie arystokratycznego życia w Atenach, gdzie kilka elitarnych rodzin miało w swoich nazwach elementy wywodzące się od hipopotamów, „koń”, ponadto koń był zwierzęciem kojarzonym z Ateną i Posejdonem, bogami, którzy w założeniu mit miasta kwestionował jego suwerenność, dlatego przedstawienie rycerzy nabrało szczególnego znaczenia politycznego i religijnego w regionie. Dobrym przykładem jest Rampin Rider , szczegółowo zilustrowany na początku tego artykułu. Wreszcie innymi formami drugorzędnymi w rzeźbie archaicznej są postacie fantastycznych zwierząt, takich jak gryfy i sfinksy , lub prawdziwych, takich jak lwy i konie, stele nagrobne, kolumny pamiątkowe i niektóre wazony z elementami rzeźbiarskimi.

Artyści

W starożytnej literaturze rzeźbiarzy z okresu archaicznego odnotowano kilka nazwisk, ale większość z nich znamy tylko nazwisko i krótką aluzję do ich dzieł, z których prawie wszystkie zaginęły, z bardzo rzadkimi wyjątkami. Od VI wieku wspomina się o Butadesie , o którym mówi się, że jako pierwszy wykonał model w terakocie, sztuce, o której mówi się, że została przywieziona do Etrurii przez Euquira, Diopiusa i Eugrama. Reco i jego syn Teodor z Samos zostali uznani przez Pauzaniasza za wynalazców odlewów z brązu, co zaprzecza współczesnym badaniom; Glaukos był uważany za wynalazcę lutowania , a Archermus jako pierwszy przedstawił Nyke'a i Erosa ze skrzydłami. Inni to Batykles , który wykonał tron ​​ozdobiony wytłoczeniami i posąg Artemidy; Canachus , autor dwóch dużych posągów Apolla; Endoeus , Dipoenus i Scyllis , o których mówi się, że byli uczniami mitycznego Dedala. W okresie od VI do V wieku ważna stała się Szkoła Argos, której jednym z przedstawicieli był Ageladas , znany jako autor posągów atletów oraz jako mistrz Fidiasza , Polikleta i Myrona . W tym okresie pojawiają się także Antenor , któremu przypisywana jest grupa Tyranobójców i kora zachowana w Atenach oraz Hegiasz , którego Pliniusz wskazuje jako jednego z rywali Fidiasza.

• 

  Kouros moscophoros , ok. 560 pne, Ateny. Prawdopodobnie byłe głosowanie

• 

  Persefona na tronie, ok. 460 pne, Tarent. Późny przykład stylu archaicznego

• 

  Koń, ok. 515 pne, Ateny

• 

  Głowa Gryfa, Delfy

Dziedzictwo

Lew ze Świętych Drzwi Kerameikos, ok. 590-580, Ateny

Podstawa posągu, ok. 510, Ateny

Wpływ stylu archaicznego rozprzestrzenił się na inne regiony Morza Śródziemnego. Jego wchłanianie przez kolonie greckie było procesem naturalnym, ale zainspirowało również sformułowanie narodowego etruskiego stylu rzeźbiarskiego na Półwyspie Apenińskim , gdzie został on dostosowany do lokalnego kontekstu, porzucając kamień jako materiał z wyboru na rzecz głównie terakoty , nawet do dekoracji architektonicznych. Cypr , Fenicja i część Azji Mniejszej również akceptowały w swoich produkcjach elementy rzeźby archaicznej, z wyraźnymi efektami, nie zawsze wysokiej jakości. Podobnie Persja w VI wieku włączyła do swojego stylu artystycznego pewne cechy greckie.

Styl archaiczny zanikł wraz z upadkiem arystokracji i powstaniem demokracji i burżuazji, a także wraz ze zmianą niektórych podstawowych koncepcji dotyczących funkcji i właściwości sztuki, głównie dotyczących mimesis, co doprowadziło do szybkiego wprowadzenia coraz bardziej anatomicznie poprawnego naturalizmu od pierwszych dziesięcioleciach IV wieku p.n.e., ale jego atrakcyjność nie zniknęła całkowicie dla rzeźbiarzy. Artyści klasyczni, tacy jak Myron , nadal mogli tworzyć archaiczne dzieła około 450 rpne, a w całej sztuce klasycznej można znaleźć posągi z tą cechą, zwłaszcza w dziedzinie kultowych posągów i herm , gdzie często uważano, że ten styl najlepiej nadaje się do nadania obrazowi boskiej aury surowymi i abstrakcyjnymi rysami, dystansującymi go od naturalizmu twórczości świeckiej i dekoracyjnej. Pauzaniasz, piszący w II wieku pne, w połowie okresu hellenistycznego , twierdził, że znalazł wiele archaicznych dzieł wciąż używanych w świątyniach. Hellenizm, ze swoim historyzmem i eklektyzmem, sprzyjał odrodzeniu starożytnych tradycji rzeźbiarskich, a małe szkoły rzeźby archaicznej powstały dla wybranej publiczności, w skład której wchodzili rzymscy kolekcjonerzy, w tym cesarz August .

W czasach nowożytnych pierwsze rozpoznanie stylu archaicznego nastąpiło wraz z odkryciem w 1811 r. grup rzeźbiarskich ze świątyni Afii w Aginie, które wywieziono do Monachium i wystawiono w 1830 r. Ich entuzjastyczni odkrywcy określali je jako jedynie gorsze od relikwii Partenonu w Atenach i wywarł pewien wpływ na ukształtowanie się miejscowego neoklasycyzmu , jednak znalezisko nie wywołało szerszych reperkusji . W latach czterdziestych XIX wieku pojawiały się już ciekawsze analizy, a pod koniec XIX wieku inne znaleziska archaiczne przyczyniły się do lepszego poznania tej sztuki, choć postrzegano ją jako wciąż niedoskonałe przygotowanie do produkcji klasycznej. Dopiero po latach dwudziestych zaczęto doceniać typowe cechy rzeźby archaicznej, choć z pewnymi ograniczeniami. Wraz z rozmnożeniem się badań archeologicznych i studiów akademickich pod koniec XX wieku zaczęto badać historię archaicznej Grecji w jej specyfice, a produkcja rzeźbiarska tego okresu została należycie zrehabilitowana zarówno ze względu na swoje zasługi, jak i ze względu na to, że była fundamentem długiej i niezwykle udanej tradycji, która wywarła głęboki i decydujący wpływ na całą sztukę Zachodu i niektórych regionów Azji, a także jako wiarygodne świadectwo kultury, z której się wywodzi, a więc nieodzowna informacja dla globalnego zrozumienia tego okresu.

Bibliografia

• ARCHIBALD, Zosia. „Północna Grecja”. W RAAFLAUB, Kurt & WEES, Hans van (red.). Towarzysz archaicznej Grecji . John Wiley i synowie, 2009
• CASSON, Stanley. Kilku współczesnych rzeźbiarzy . Wydawnictwo Ayer, 1928-1967
• CUNNINGHAM, Lawrence & REICH, John. Kultura i wartości: przegląd nauk humanistycznych . Nauka Cengage, 2005
• ZAWSZE, Mary Ann. Archaiczna grecka rzeźba konna . University of Michigan Press, 1995
• GOLDHILL, Simon & OSBORNE, Robin. Ponowne przemyślenie rewolucji w starożytnej Grecji . Cambridge University Press, 2006
• GURALNIK, E. Proporcje Kouroi . AJA, 1978
• HEMINGWAY, Colette & HEMINGWAY, Seán. „Sztuka etruska”. W Heilbrunn Kalendarium historii sztuki . Nowy Jork: Metropolitan Museum of Art, 2000
• HURWIT, Jeffrey M. (2007). „Postać ludzka we wczesnej rzeźbie greckiej i malarstwie wazowym”. W SHAPIRO, Henry. Towarzysz Cambridge archaicznej Grecji . Cambridge University Press, 2007
• HURWIT, Jeffrey M. (1985). Sztuka i kultura wczesnej Grecji, 1100-480 pne . Cornell University Press, 1985
• JANSON, Horst W. Historia sztuki: tradycja zachodnia . Prentice Hall PTR, 2003.
• KLEINER, Fred. Sztuka Gardnera przez wieki: historia globalna . Cengage Learning EMEA, 2008
• LEPSJUSZ, Ryszard. Listy z Egiptu, Etiopii i Półwyspu Synaj . HG Bohn, 1853
• MARCONI, Klemens. Dekoracja świątynna i tożsamość kulturowa w archaicznym świecie greckim . Cambridge University Press, 2007
• MATTUSCH, Carol C. Grecka rzeźba z brązu . Cornell University Press, 1988
• MORRIS, Ian. „Rewolucja VIII wieku”. W RAAFLAUB, Kurt & WEES, Hans van (red.). Towarzysz archaicznej Grecji . John Wiley i synowie, 2009
• MORRIS, Sara. Daidalos i początki sztuki greckiej . Princeton University Press, 1995
• MURRAY, Alexander S. Historia rzeźby greckiej . Wydawnictwo Kessinger, 1880-2004.
• NAGY, Helena. „Boskość, wywyższenie i heroizacja: myśli o pozycji siedzącej we wczesnej archaicznej rzeźbie greckiej”. W HARSTWICK, Kim J. & STURGEON, Mary Carol. Stephanos: studia na cześć Brunilde Sismondo Ridgway . UPenn Muzeum Archeologiczne, 1998
• OSBORNE, Robin (1998). Archaiczna i klasyczna sztuka grecka . Oxford University Press, 1998
• OSBORNE, Robin (1994). „Patrząc - styl grecki: czy wyrzeźbiona dziewczyna przemawia też do kobiet?” W MORRIS, Ian (red.). Grecja klasyczna: historie starożytne i współczesne archeologie . Cambridge University Press, 1994
• OJCIEC, Walter. Studia greckie . BiblioBazaar, LLC, 2008
• PAUSANIAS. Opis Grecji .
• POLLITT, Hieronim . Sztuka i doświadczenie w klasycznej Grecji . Cambridge University Press, 1972
• POMEROY, Sarah i inni. Starożytna Grecja: historia polityczna, społeczna i kulturowa . Oxford University Press USA, 1999.
• RICHTER, Gizela. Kouroi, archaiczna młodzież grecka: studium rozwoju typu Kouros w rzeźbie greckiej . Nova Iorque: Hacker Books, 1988
• ROBERTSON, Marcin. Krótsza historia sztuki greckiej . Cambridge University Press, 1981
• SANSONE, Dawid. Cywilizacja starożytnej Grecji . Wiley-Blackwell, 2004.
• SNODGRASS, Antoni. Archaiczna Grecja . University of California Press, 1981
• Towarzystwo Rozpowszechniania Użytecznej Wiedzy. Penny Cyclopædia , tom. XXI. Charles Knight & Co. 1841
• SPIVEY, Nigel. „Bioniczne posągi”. W POWELL, Anton. Grecki świat . Routledge'a, 1995
• STIEBER, Mary Clorinda. Poetyka pojawiania się na strychu korai . University of Texas Press, 2004
• STRATEN, Folkert T. van. Hierà kala . BRILL, 1995.
• TANNER, Jeremy. Wynalazek historii sztuki w starożytnej Grecji . Cambridge University Press, 2006
• VERNANT, Jean-Pierre. Śmiertelni i nieśmiertelni . Princeton University Press, 1991
• WATKIN, Dawid. Życie i twórczość CR Cockerella . Londyn: A. Zwemmer, 1974
• WHITLEY, James (2009). „Kreta”. W RAAFLAUB, Kurt & WEES, Hans van (red.). Towarzysz archaicznej Grecji . John Wiley i synowie, 2009
• WHITLEY, James (2001). Archeologia starożytnej Grecji . Cambridge University Press, 2001.
• WILSON, Nigel Guy. Encyklopedia starożytnej Grecji . Routledge, 2006

Linki zewnętrzne

• Rzeźba zachodnia . Encyklopedia Britannica online.
• Rzeźba grecka: styl archaiczny . Encyklopedia sztuki irlandzkiej i światowej.