Stany Zjednoczone Ameryki (zespół)
Stany Zjednoczone Ameryki | |
|---|---|
 Powrót (lr): Byrd, Moskowitz, Marron. Przód (lr): Bogas, Woodson, Forbes
| |
| Podstawowe informacje | |
| Pochodzenie | Los Angeles, Kalifornia, USA |
| Gatunki | |
| lata aktywności | 1967–1968 |
| Etykiety | Kolumbia |
| dawni członkowie |
|
The United States of America to amerykański eksperymentalny zespół rockowy założony w Los Angeles w 1967 roku przez kompozytora Josepha Byrda i wokalistkę Dorothy Moskowitz , ze skrzypkiem elektrycznym Gordonem Marronem, basistą Randem Forbesem i perkusistą Craigiem Woodsonem. Ich debiutancki album z 1968 roku , często cytowany jako wczesna prezentacja wykorzystania urządzeń elektronicznych w muzyce rockowej , spotkał się z uznaniem krytyków i niewielkim sukcesem na listach przebojów. Rozpadli się wkrótce po jego wydaniu.
Brzmienie grupy było zakorzenione zarówno w psychodelii , jak i awangardzie . Co niezwykłe, w zespole nie było gitarzysty; zamiast tego używali smyczków, klawiatur i elektroniki, w tym prymitywnych syntezatorów i różnych procesorów audio, w tym modulatora pierścieniowego . Wiele tekstów piosenek odzwierciedlało lewicowe poglądy polityczne Byrda. AllMusic opisał ich jako „jeden z najbardziej rewolucyjnych zespołów późnych lat 60-tych”.
Historia
Tło i formacja
Kompozytor Joseph Byrd oraz autorka tekstów i piosenkarka Dorothy Moskowitz spotkali się po raz pierwszy w Nowym Jorku na początku 1963 roku, kiedy Byrd pracował nad nagraniem muzyki z okresu wojny secesyjnej dla Time-Life . Będąc wielbicielem kompozytora Charlesa Ivesa , Byrd stał się już szanowanym i innowacyjnym kompozytorem, zaangażowanym w muzykę eksperymentalną w ramach ruchu Fluxus z Johnem Cage'em , Mortonem Feldmanem , La Monte Youngiem , Davidem Tudorem. , Yoko Ono i innych. Moskowitz studiowała muzykę w Barnard College , gdzie uczyła ją Otto Luening ; śpiewała także w grupie wokalnej z Artem Garfunkelem i pracowała z Davidem Rubinsonem przy produkcji teatru muzycznego , a także przy projekcie Time-Life . Byrd i Moskowitz rozpoczęli związek - odniósł się do ich „głębokiego związku muzycznego i osobistego”, a ona opisała go jako swojego „estetycznego guru” - i pomógł jej uzyskać posadę z Akta Kapitolu ; kiedy odeszła, zastąpił ją z kolei Rubinson.
Później, w 1963 roku, Byrd i Moskowitz przeprowadzili się razem do Los Angeles , gdzie Byrd rozpoczął doktorat z etnomuzykologii na UCLA . Według Moskowitza: „Joe przywiózł ze sobą nowojorską awangardę … doświadczenie w muzyce elektronicznej … i umiejętności kompozytorskie … Przyciągnął natychmiastową uwagę. Ekscytujący muzycy, tancerze i artyści wizualni szukali współpracy z nim . Pula talentów, która ostatecznie stała się Stanami Zjednoczonymi, pochodziła z tej grupy”. Byrd był współzałożycielem New Music Workshop w Los Angeles wraz z jazzem trębacza Dona Ellisa , a po odejściu Ellisa zaczął włączać elementy sztuki performance do swoich wydarzeń. Moskowitz pomagał wystawiać przedstawienia Byrda i występował w niektórych z nich. Zarówno Byrd, jak i Moskowitz przyczynili się także do powstania albumu indyjskiej raga autorstwa Gayathri Rajapur i Harihara Rao , nagranego w 1965 roku i wydanego przez Folkways Records w 1968 roku. Pewnego razu w 1965 roku, jako zakończenie serii koncertów i wydarzeń o nazwie „ Wiosenne ciasto warzywne na parze” (tytuł wzięty losowo z The Alice B. Toklas Cookbook ), Byrd zorganizował zespół bluesowy , na czele którego stoi jego przyjaciółka Linda Ronstadt , by grać podczas „ happeningu ”. Byrd powiedział, że „uświadomienie sobie, że rock to dostęp do większej publiczności, wyszło z tego koncertu, a pomysł założenia zespołu zaczął nabierać kształtu”.
Byrda coraz bardziej pociągała radykalna polityka i został członkiem Partii Komunistycznej , wyjaśniając, że była to „jedyna grupa, która miała dyscyplinę, program i była chętna do pracy w ramach istniejących instytucji w celu edukacji i radykalizacji społeczeństwa amerykańskiego”. Opuścił UCLA, ale nadal organizował imprezy performatywne, choć przy ograniczonym budżecie. Po rozpadzie ich osobistego związku w 1966 roku Moskowitz wróciła do Nowego Jorku, ale ona i Byrd pozostali w kontakcie. Na początku 1967 roku Byrd zaczął tworzyć zespół rockowy z innym radykalnym politycznie kompozytorem, Michaelem Agnello, razem z Moskowitzem, basistą Stuartem Brotmanem (wcześniej Canned Heat , a później z Kaleidoscope ) oraz afrykańskiego eksperta od perkusji Craiga Woodsona, który również był zaangażowany w New Music Workshop. Nagrania z przesłuchań tej wersji zespołu, od września 1967, znajdują się na niektórych późniejszych reedycjach CD. Jednak Agnello opuścił projekt z zasady, gdy rozważano komercyjny kontrakt nagraniowy z Columbia Records , a Brotman również odszedł.
W pierwszym publicznym składzie zespołu znaleźli się Byrd, Moskowitz, Woodson i dwóch współczesnych muzyków klasycznych, z którymi Byrd pracował nad wcześniejszymi eksperymentalnymi projektami w New Music Workshop: Gordon Marron (skrzypce) i Rand Forbes (bas). Później, do niektórych swoich nagrań i występów, dodali przyjaciela Marrona i współpracownika w pisaniu, Eda Bogasa (instrumenty klawiszowe). Byrd początkowo zlecił inżynierowi elektrykowi Tomowi Oberheimowi zbudowanie mu modulatora pierścieniowego , później zastąpionego oscylatorami elektronicznymi w monofonicznym syntezatorze zbudowanym przez lotniczy Richard Durrett. Między innymi Marron użył dzielnika oktaw na swoich skrzypcach elektrycznych , a Woodson przymocował mikrofony kontaktowe do swojego zestawu perkusyjnego i zawiesił slinky na swoich talerzach , aby uzyskać efekt musique concrète .
Jako założyciel i lider grupy, Byrd stwierdził, że jego estetycznym celem dla zespołu i albumu było stworzenie „awangardowej polityczno-muzycznej grupy rockowej z ideą połączenia elektronicznego brzmienia (nie muzyki elektronicznej)… muzycznego / politycznego radykalizmu ... [i] performance”. Według Moskowitza wybór nazwy zespołu „The United States of America” był celowo prowokacyjny: „Używanie pełnej nazwy kraju dla czegoś tak powszechnego jak grupa rockowa było sposobem wyrażając pogardę dla polityki rządu. To było jak powieszenie flagi do góry nogami. ” Oprócz uznania wpływu Dada zespołu The Red Crayola , Byrd powiedział:
Byliśmy bardzo świadomi, że pogrążamy się w skale bez żadnej prawdziwej wiedzy lub doświadczenia w tym medium. Graliśmy Cage'a i Stockhausena , muzykę afrykańską i indyjską i pomyślałem, że możemy po prostu przenieść to wszystko do rocka. Ale prawie nic nie wiedzieliśmy o korzeniach rock and rolla . Oczywiście wszyscy improwizowaliśmy, ale w stylu „muzyki współczesnej”. Z perspektywy czasu stworzenie zespołu rockowego bez muzyków rockowych było z mojej strony złą decyzją. Mimo to, ponieważ uważałem się za najbardziej eklektycznego kompozytora na tej planecie, byłem przekonany, że to, czego inni nie potrafią, mogę napisać.
Demo nagrane przez zespół wzbudziło zainteresowanie Clive'a Davisa w Columbii . Dzięki swojemu przyjacielowi Davidowi Rubinsonowi, który rozpoczął pracę dla Columbii jako producent muzyczny , dla zespołów i muzyków, w tym Moby Grape i Taj Mahal , zdobyli kontrakt nagraniowy.
Występy i nagrania
Zespół podjął swoje pierwsze występy na żywo pod koniec 1967 roku w Ash Grove w Los Angeles, kiedy Agnello nadal występował z zespołem. Byrd powiedział, że „dwa występy w The Ash Grove pomogły zdefiniować nas jako połączenie eksperymentalnego rocka i sztuki performance. Wszystko, co zrobiliśmy na albumie, wykonaliśmy na żywo, dodając dwa magnetofony na scenie. Podróżowaliśmy z grupą sprzętu, w tym kaliope, neonową amerykańską flagę o wymiarach 3 x 4 cale (która miała na przemian migające czerwone i białe paski) oraz pełnowymiarową gipsową zakonnicę. Być może jako pierwsi użyliśmy wytwornic mgły : nisko położona mgła i migająca flaga stworzyły uderzające otoczenie. Kiedy tylko było to możliwe, używaliśmy słabego oświetlenia scenicznego, zostawiając tylko jedno miejsce dla wokalisty. A ponieważ często graliśmy z zapisanymi partyturami, używaliśmy świateł stojących, co również dodawało rodzaj nieziemskiego efektu oświetlenia od dołu”.
Urządzenia elektroniczne zostały użyte zarówno na żywo, jak i na płycie, do przetwarzania innych instrumentów i głosu Moskowitza, a także dostarczania własnych tekstur muzycznych. Występy zespołu spotkały się z mieszanym przyjęciem. Odbyli krótką trasę koncertową po Wschodnim Wybrzeżu z Richie Havens i The Troggs , a ich występy w Bostonie i Greenwich Village zostały szczególnie dobrze przyjęte. Byrd powiedział później o swoich programach: „Widzowie generalnie byli pozytywni, w pewnym sensie ... to był nowy rodzaj doświadczenia i to nie była tylko muzyka, to była sztuka performance ”.
Nagrali swój pierwszy i jedyny album w grudniu 1967 roku, wyprodukowany przez Rubinsona, z Byrdem, który dostarczył muzykę elektroniczną , elektryczny klawesyn , organy , calliope , fortepian i Durrett Electronic Music Synthesizer . Oprócz Byrda, Moskowitza (główny wokal), Marrona ( skrzypce elektryczne , modulator pierścieniowy), Forbesa (bezprogowy bas elektryczny) i Woodsona (perkusja i perkusja), kilka utworów zostało również napisanych przez Bogasa. Moskowitz i Byrd współpracowali przy pisaniu większości piosenek, przy czym Byrd był odpowiedzialny zarówno za słowa, jak i muzykę w trzech utworach: „The American Metaphysical Circus”, „Love Song for the Dead Ché” i „The American Way of Love”. Byrd opisał „The American Metaphysical Circus” i „The American Way of Love” jako „komentarze na temat mediów jako środka kontroli myśli oraz burżuazyjny sentymentalizm hippisowskiego „Summer of Love” w porównaniu z realiami miłości pod rządami kapitalizm."
W „Garden of Earthly Delights” Byrd napisał słowa do pierwszej zwrotki i refrenu; Moskowitz przyszedł z tytułem utworu oraz częścią melodii i tekstu. W „Coming Down” Moskowitz współtworzył linię melodyczną, a także napisał drugą i trzecią zwrotkę. O „ Trudno nadchodzącej miłości ”, Byrd napisał tytuł i pierwszą zwrotkę, a Moskowitz wniosła coś, co nazwała „kulawym psotnikiem, który następuje”. Piosenka Byrda „Love Song for the Dead Ché” odzwierciedla jego lewicowe poglądy; Columbia Records pierwotnie chciała zmienić tytuł z powodu jego implikacje polityczne. Dwa utwory – „Where Is Yesterday” i „Stranded in Time” – zostały napisane przez Marrona i Bogasa. Byrd opisał później „Stranded in Time”, zaaranżowany przez Marrona, jako „słabą kopię utworu Eleanor w stylu Beatlesów ” Rigby ', [który] nie mógł być wykonany na żywo, ponieważ wymagał kwartetu smyczkowego . To nigdy nie powinno znaleźć się [na albumie], ale Dave Rubinson to pokochał”.
Płyta została wydana na początku 1968 roku, w czasie, gdy publiczność była otwarta na „muzykę undergroundową”, która łączyła muzyczny eksperymentalizm z radykalnymi tekstami społecznymi i/lub politycznymi – inne przykłady, na swój bardzo różny sposób, w tym Velvet Underground ( który mieli wspólne doświadczenie w nowojorskiej scenie muzyki eksperymentalnej; według Moskowitza Nico w pewnym momencie próbował dołączyć do USA), Frank Zappa (którego Byrd nie lubił, uważając go za niszowego sprzedawcę „wciągniętego w pętlę samoodniesień”) , Miłość na zawsze się zmienia , Country Joe and the Fish oraz Jefferson Airplane.
Album jest pełen odniesień do obsesji Byrda na punkcie dawnej muzyki amerykańskiej, takich jak jazzowe intro Dixieland w „I Won't Leave My Wooden Wife for You, Sugar”. „The American Metaphysical Circus” zaczyna się od kolażu pięciu warstw dźwięku : kaliope grającego „ National Emblem ”, fortepian grający ragtime „At a Georgia Camp Meeting”, dwie orkiestry marszowe grające „ Marching Through Georgia ” i „ The Red, White and Blue” przełączanie między lewym i prawym kanałem. Pozostałe dwa utwory to dźwięki elektroniczne. Orkiestry marszowe zostały zaaranżowane i prowadzone przez Byrda, a nie pochodziły z istniejących nagrań. Zamierzony czy nie, płyta przybrała formę spójnego „cyklu pieśni”, radykalnego komentarza do współczesnego społeczeństwa amerykańskiego. Słowa wahały się od satyr na dekadencję („The American Metaphysical Circus”, „…Wooden Wife…” (tytuł ten jest parodią piosenki Music Hall z 1905 r. „I Wouldn't Leave My Little Wooden Hut for You” Toma Mellora i Charlesa Collinsa) po liryczne wyrazy tęsknoty (pieśń duszpasterska „Cloud Song”, polityczna „Love Song for the Dead Che ”). Muzycznie utwory wahały się od pseudoklasycznej elegancji („Stranded in Time”, „Where Is Yesterday”) po agresywną dysonans i hard rock („Ogród ziemskich rozkoszy”, „Hard Coming Love”), z ciężkie elektroniczne zniekształcenia i kolaże muzyki, takiej jak orkiestry dęte, zgodnie z tym, że Byrd był pod silnym wpływem Charlesa Ivesa. Ostatnia suita „The American Way of Love” integruje większość tych elementów, z sennym zakończeniem zawierającym kolaż wcześniejszych utworów. Według Lillian Roxon , trzyczęściowa suita „najbardziej wyraźnie dotyczyła działalności homoseksualnych prostytutek na osławionej 42. ulicy Nowego Jorku”.
Zerwać
Zespół rozpadł się niedługo po wydaniu albumu. Jednym z czynników był spór między Byrdem, Marronem i Bogasem co do kierunku muzycznego, przy czym promowanie przez Marrona lżejszego McCartneya było sprzeczne z pierwotną wizją Byrda dla zespołu i odwrotnie, Marron i Bogas byli niezadowoleni z priorytetu nadanego piosenkom Byrda. Niezgoda doprowadziła do walki na pięści za kulisami między Marronem i Byrdem po występie zespołu wspierającego Troggs w Fillmore East , kiedy fani angielskiego zespołu nękali Stany Zjednoczone Ameryki, a Byrd i Marron rywalizowali ze sobą w zwiększaniu głośności we wzmacniaczach . Na innym koncercie w Orange County członkowie zespołu zostali zatrzymani za palenie marihuany podczas występu, co doprowadziło do tego, że musieli go ukończyć tylko Moskowitz i Byrd, którzy później skarżyli się, że Marron, Forbes i Woodson byli „często niechlujni w występach”. ich używania narkotyków.
Były napięcia między Byrdem z jednej strony, a Moskowitzem i Rubinsonem z drugiej. Byrd skomentował, że „kiedy próbowałem uczynić nasze brzmienie ostrzejszym , Dorothy starała się być bardziej miękka, być może w odpowiedzi na nieświadomy wpływ autobiograficznych autorek piosenek tamtych czasów: Janis Ian , Laura Nyro i Joni Mitchell . ”. Według Byrda brakowało entuzjazmu dla zespołu z wytwórni płytowej, który czuł się wyzwaniem zarówno przez muzykę zespołu, jak i politykę Byrda. W przeciwieństwie do tego, Moskowitz powiedział, że firma „po prostu próbowała nas sprzedać”, i „byliśmy tymi, którzy byli świętoszkowaci … [i] sztywni …”, twierdząc również, że producent Rubinson stracił zainteresowanie zespołem po odejściu Agnello. Kolejnym czynnikiem było niezadowolenie innych członków zespołu z początkowego miksowania albumu Byrda i Rubinsona w Nowym Jorku, który według Byrda odtworzony w Los Angeles brzmiał „całkowicie mięczakowaty i kulawy. Zespół obwinił mnie i miał rację. Moja wiarygodność wobec moich własnych muzyków ucierpiała niezmiernie. "
Moskowitz odniósł się do „wewnętrznych konfliktów, bójek i walk o władzę” zespołu. Byrd twierdził, że „Columbia rzuciła mnie z zespołu”; konkretnie, że Rubinson i menadżer zespołu Malcolm Terrence manewrowali, aby go usunąć i wypromować Moskowitza jako figuranta zespołu i potencjalną solową gwiazdę. Chociaż Moskowitz kwestionuje to twierdzenie, powiedziała również, że „chociaż nie zgadzałam się z Davidem [Rubinsonem] pod względem estetycznym, czułam się wobec niego lojalna. W końcu to on umieścił nas na mapie”. W każdym razie Byrd ogłosił, że odchodzi, a według Moskowitza, kiedy zmienił zdanie, „menedżer błagał mnie, abym przyjął go z powrotem, ale nie chciałem. Nigdy nie było spisku mającego na celu karierę solową ani jakaś „historia” między mną a Rubinsonem. To przede wszystkim nieustępliwość i złość na zarządzanie zespołem z mojej strony spowodowały ostateczny wrak pociągu.
Byrd następnie skomentował: „Chodziło o stworzenie radykalnego doświadczenia. Nie udało się. Po pierwsze, zebrałem zbyt wiele osobowości; każda próba stała się terapią grupową. Zespół, który chce odnieść sukces, potrzebuje jednej, wzajemnie akceptowalnej tożsamości . Próbowałem to zrobić demokratycznie i nie powiodło się”. Rubinson powiedział: „Joe Byrd był jednym z najbardziej szalonych przykładów maniaków kontroli, jakich kiedykolwiek doświadczyłem ... był naprawdę dziwaczny i bardzo, bardzo trudny do zniesienia. Tak więc w zespole i pomiędzy nim były ciągłe konflikty osobowości. Ludzie rezygnujący, ludzie zastępowani, kłótnie, krzyki na temat intonacji i tak dalej. Byli bardzo utalentowanymi ludźmi i nie sądzę, żeby lubili, gdy im się dyktowano. Ale miał wizję tego, czego chciał”.
Marron, Forbes i Bogas opuścili zespół po trasie koncertowej po Wschodnim Wybrzeżu wiosną 1968 roku. Po odejściu Byrda, Rubinson i Moskowitz próbowali utrzymać nazwę zespołu przy życiu, a Moskowitz nagrał kilka utworów w lipcu 1968 roku z nowym i bardziej konwencjonalnym zespołem Los Muzycy z Angeles - Jeff Marinell (gitara), Richard Grayson (klawisze), Carmie Simon (bas) i Dennis Wood (perkusja). Ich nagrania pojawiły się na reedycji płyty The United States of America z 2004 roku . Jednak plany kontynuowania współpracy z zespołem wkrótce spełzły na niczym.
Recepcja i dziedzictwo
Album został opisany przez krytyka Richiego Unterbergera jako „prawie klasyk”, „tour de force (choć nie bez wad) eksperymentalnego rocka, który łączył zaskakująco melodyjną wrażliwość z niepokojącymi wybuchami prymitywnych syntezatorów i tekstami, które mogą wahać się od mglistego romantyzmu do ostra ironia. Dla stosunkowo nielicznych, którzy ją słyszeli, płyta była drogowskazem na przyszłość dzięki zderzeniu elementów rocka i klasyki, chociaż materiał trzeszczał napięciem, które odzwierciedlało same Stany Zjednoczone Ameryki późnych lat 60. ”. Opisując wokal Moskowitza jako „przypominający lodowiec Grace Slick ”, powiedział również, że elektroniczne tekstury stworzone przez Byrda „nie były symulacjami smyczków i rogów, ale radosne, przerażające skoki i piski, które nadawały gwałtowny chrupnięcie szybszym numerom i urzekający spokój balladom”.
Według Unterbergera „sam fakt, że sprzęt był tak prymitywny… nadał spontaniczny rezonans i ciepło, które rzadko były osiągane przez późniejszą technologię syntezatorów”. Producent David Rubinson skomentował:
Modulator pierścieniowy i oscylatory sterujące napięciem oraz filtry sterujące napięciem – nie były w zestawie, jak to było w Moogu . Trzeba było zbudować każdy z nich – co zrobili – i właściwie połączyć je ze sobą. To był album z ośmioma utworami. Tak więc cały ten zsyntetyzowany materiał był skrupulatnie nakładany, dźwięk po dźwięku, jeden oscylator na raz. Teraz możesz dostać bank oscylatorów i możesz uruchomić sześć, osiem, dwanaście z nich w rzędzie i tworzyć wszelkiego rodzaju wspaniałe fale, kształty, a to może być bardzo skomplikowane. Ale w tamtych czasach nie było to możliwe. Miał jeden oscylator, jeden modulator pierścieniowy, jeden filtr kontroli napięcia – to wszystko. Wyglądało to zabawnie. Wyglądało to jak aluminiowe pudełka, wystające małe gałki i patchcordy. I to było dla mnie bardzo ekscytujące, ponieważ było to połączenie wielu rzeczy, które miały miejsce w tym, co ludzie nazywali wówczas muzyką klasyczną. Kiedy ludzie myślą o czym Steve Reich robił wtedy, Terry Riley robił wtedy, a to, co wtedy robił Joe Byrd, było bardzo, bardzo podobne w różnych obszarach.
Według krytyka Kevina Holma-Hudsona „to, co odróżnia Stany Zjednoczone Ameryki od niektórych współczesnych … to powaga i umiejętności, z jakimi włączyli awangardę i inne wpływy do swojej muzyki”.
Pomimo szerokiego poparcia krytyków muzycznych, album sprzedawał się słabo i wkrótce zniknął - przynajmniej w USA, chociaż w Wielkiej Brytanii pozostał ciepło wspominany, po części z powodu wykorzystania jednego utworu („Wooden Wife”) z popularnego budżetu- cena Album CBS z samplami , The Rock Machine Turns You On . Zespół został później opisany jako wpływ kilku brytyjskich zespołów, w tym Portishead i Broadcast . Album zespołu został po raz pierwszy wznowiony na CD w 1997 roku, aw rozszerzonym wydaniu przez Sundazed Records w 2004 roku.
Późniejsze działania
- Joseph Byrd (ur. 1937) nagrał drugi album dla Columbia, The American Metaphysical Circus , przypisany Joe Byrd and the Field Hippies, w 1969. Byrd wydał także szereg dodatkowych nagrań pod własnym nazwiskiem, a także jako punktacja filmów, pisanie muzyki dla telewizji i reklam oraz praca jako producent muzyczny. W latach 70. założył Yankee Doodle Society, poświęcone muzyce popularnej połowy XIX wieku i wydał kilka albumów z piosenkami z tamtego okresu. Jest żonaty, mieszka w północnej Kalifornii niedaleko granicy z Oregonem, a od 2000 roku prowadzi zajęcia muzyczne w College of the Redwoods .
- Dorothy Moskowitz (ur. 1940) została później członkiem Country Joe McDonald 's All-Star Band, koncertując i nagrywając z nimi oraz występując na albumie McDonald's z 1973 r., Paris Sessions . Komponowała także muzykę teatralną, nagrywała reklamy, śpiewała jazz w klubach. Wyszła za mąż w 1978 roku, przyjmując imię Dorota Falarski i miała dwie córki. Zaczęła pisać muzykę dla dzieci w latach 80. i 90. XX wieku. W 2003 roku została nauczycielką muzyki w szkołach podstawowych w Piemoncie w Kalifornii , wprowadzając uczniów w podstawy gry na instrumentach dętych blaszanych i technik wokalnych. Opracowała szereg innych projektów muzycznych w rejonie Zatoki San Francisco i mieszka na przedmieściach Oakland w Kalifornii .
- Gordon Marron (ur. 1943) został muzykiem studyjnym w Los Angeles, nagrywając nagrania Davida Acklesa , Carole King , Alice Coltrane , Helen Reddy i innych. Jest współautorem Vic Dana „The Love in Your Eyes” i pracował nad ścieżkami dźwiękowymi do filmów z kompozytorem Reidem Reilichem. Później przeniósł się do Kauai na Hawajach , gdzie nadal występuje na skrzypcach i klawiszach.
- Craig Woodson (ur. 1943) uzyskał doktorat na UCLA i nagrywał z Davidem Acklesem, Lindą Ronstadt i innymi, zanim w latach 70. założył małą firmę produkującą etniczne instrumenty muzyczne. Pracował również jako nauczyciel gry na perkusji, wykładowca i konsultant, a także prowadził koncerty edukacyjne i koncertował z Kronos Quartet . Zdobył kilka patentów na technologię instrumentów muzycznych i prowadził trzyletni projekt w Ghanie produkując instrumenty do użytku w lokalnych szkołach. W 1976 roku założył Ethnomusic, Inc., światową firmę konsultingową zajmującą się edukacją muzyczną. Przez dwa lata był starszym dyrektorem ds. edukacji w Rock and Roll Hall of Fame . Później mieszkał w Ohio . W 1998 roku Woodson zorganizował ceremonię przeprosin za udział jego białych przodków w niewolnictwie, które uciskało członków Cartera G. Woodsona jego rodzina. Po pojednaniu obie strony rodziny opracowały Protokół Pojednania Czarnych Białych Rodzin (BWFR), wykorzystując sztukę twórczą, zwłaszcza grę na bębnach i opowiadanie historii, w celu uzdrowienia podziałów rasowych w czarno-białych rodzinach, które mają to samo nazwisko.
- Ed Bogas (ur. 1942) skomponował ścieżki dźwiękowe do programów telewizyjnych Peanuts i Garfield oraz do filmu Ralpha Bakshiego Fritz the Cat .
- Rand Forbes (28 stycznia 1947 – 23 grudnia 2020) został inżynierem oprogramowania . Pracował jako administrator bazy danych Oracle i był właścicielem firmy programistycznej. Później mieszkał w rejonie Cleveland w stanie Ohio, blisko Craiga Woodsona. Zmarł w 2020 roku po długiej chorobie i zarażeniu się COVID-19 .
Dyskografia
Albumy
Rok Tytuł Szczytowe pozycje na wykresie Wielka Brytania NAS 1968 Stany zjednoczone Ameryki - Wydany: 1968
- Wytwórnia: Kolumbia
- Formaty: płyta kompaktowa , winyl
— 181
Syngiel
- „Ogród rozkoszy ziemskich” / „Pieśń miłosna dla zmarłych Ché” ( CBS 3745, Wielka Brytania, 1968)
- „ Hard Coming Love ” / „Urodziny Osamu” ( Sundazed , 2004)
| Międzynarodowy | |
|---|---|
| Artyści | |
