Historia pojęcia twórczości

Szersze omówienie tego tematu można znaleźć w artykule Kreatywność .

Sposoby, w jakie społeczeństwa postrzegały pojęcie kreatywności , zmieniały się na przestrzeni dziejów, podobnie jak sam termin . Starożytna grecka koncepcja sztuki (po grecku „ techne ” — rdzeń słów „technika” i „technologia”), z wyjątkiem poezji , zakładała nie swobodę działania, lecz poddanie się zasadom . W Rzymie koncepcja grecka została częściowo zachwiana, a artystów wizualnych postrzegano jako dzielących z poetami wyobraźnię i inspiracji .

W średniowiecznym chrześcijaństwie łacińskie „ creatio ” oznaczało Boży akt „ creatio ex nihilo ” („stworzenie z niczego ” ); w ten sposób „ creatio ” przestało odnosić się do działalności człowieka. Średniowiecze posunęło się jednak dalej niż starożytność, odbierając poezji wyjątkowy status: ona także była sztuką, a zatem rzemiosłem, a nie twórczością.

renesansu starali się wyrazić swoje poczucie wolności i kreatywności. Pierwszym, który zastosował słowo „twórczość”, był XVII-wieczny polski poeta Maciej Kazimierz Sarbiewski — ale zastosował to tylko do poezji. Przez ponad półtora wieku idea ludzkiej twórczości spotykała się z oporem, ponieważ termin „tworzenie” zarezerwowany był dla tworzenia „z niczego”.

XIX-wieczny sceptycyzm religijny pozwolił na zmianę definicji: teraz nie tylko sztuka została uznana za twórczość, ale ona sama . A na przełomie XIX i XX wieku, kiedy zaczęto dyskutować również o twórczości w naukach ścisłych iw przyrodzie , uznano to za przeniesienie do nauk ścisłych i natury pojęć właściwych sztuce.

Termin i koncepcja

Platon

Starożytni Grecy nie mieli terminów odpowiadających „stworzyć” lub „twórcy”. Wyrażenie „ poiein ” („robić”) odnosiło się konkretnie do poiesis (poezji) i do poietes (poety lub „twórcy”), którzy ją stworzyli , a nie do sztuki w ogóle w jej współczesnym rozumieniu. Na przykład Platon pyta w Państwie : „Czy powiemy o malarzu, że coś robi?” i odpowiada: „Oczywiście, że nie, on tylko naśladuje ”. Dla starożytnych Greków pojęcie twórcy i kreatywności oznaczało wolność działania, podczas gdy Grecka koncepcja sztuki zakładała podporządkowanie się prawom i zasadom. Sztuka (po grecku „techne”) oznaczała „tworzenie rzeczy , według zasad.” Nie zawierała twórczości, a gdyby ją zawierała , byłaby — zdaniem Greków — złą sytuacją .

To rozumienie sztuki miało wyraźne przesłanki: Natura jest doskonała i podlega prawom, dlatego człowiek powinien odkrywać jej prawa i im się podporządkowywać, a nie szukać wolności, która odwróci go od optimum, do którego może dojść . Artysta był odkrywcą , a nie wynalazcą .

Cyceron
Horacy
Kasjodor
Michał Anioł
Sarbiewskiego
Gracian
Wolter
Diderota
Bergsona

Jedynym wyjątkiem od tego greckiego poglądu — wielkim wyjątkiem — była poezja. Poeta tworzył nowe rzeczy — powoływał do życia nowy świat — podczas gdy artysta tylko naśladował . A poeta, w przeciwieństwie do artysty, nie był związany prawami. Nie było terminów odpowiadających „twórczości” czy „twórcy”, ale w rzeczywistości poeta był rozumiany jako ten, który tworzy. I tylko on był tak rozumiany. W muzyce nie było wolności: przepisywano melodie, zwłaszcza podczas ceremonii i zabaw, i nazywano je wymownie „ nomoi ” („prawa”). w sztuk wizualnych wolność była ograniczona przez proporcje , które Poliklet ustanowił dla ludzkiego ciała i które nazwał „kanonem” (co oznacza „miara”). Platon argumentował w Timajosie , że aby wykonać dobre dzieło, trzeba kontemplować wieczny model. Później Rzymianin Cyceron napisałby, że sztuka obejmuje te rzeczy, „o których wiemy” („ quae sciuntur ” ) .

Poeci widzieli to inaczej. Księga I Odysei Dlaczego zabraniać śpiewakowi podobać się nam śpiewaniem, jak on sam chce? ” Arystoteles miał wątpliwości, czy poezja jest naśladowaniem rzeczywistości i czy wymaga trzymania się prawdy: była raczej królestwo tego, „co nie jest ani prawdziwe, ani fałszywe”.

W czasach rzymskich te greckie koncepcje zostały częściowo zakwestionowane. Horacy pisał, że nie tylko poeci, ale i malarze mieli przywilej odważania się na wszystko, na co mieli ochotę („ quod libet audendi ”). W schyłkowym okresie starożytności Filostratus pisał, że „można odkryć podobieństwo między poezją a sztuką i stwierdzić, że mają wspólną wyobraźnię ”. Kalistratos zapewniał, że „nie tylko sztuka poetów i prozaistów jest natchniona, ale także ręce rzeźbiarzy są obdarowani błogosławieństwem boskiej inspiracji ”. To było coś nowego: klasyczni Grecy nie stosowali koncepcji wyobraźni i inspiracji do sztuk wizualnych , ale ograniczyli je do poezji. Łacina była bogatsza niż greka: miała termin na „tworzenie „ („ creatio ”) i „ twórca ” i miał dwa wyrażenia — „ facere ” i „ creare” . „… gdzie po grecku było tylko jedno, „ poiein ”. Jednak te dwa łacińskie terminy oznaczały mniej więcej to samo.

Jednak w okresie chrześcijańskim nastąpiła zasadnicza zmiana: „ creatio ” zaczęło oznaczać Boży akt „stworzenia z niczego” („ creatio ex nihilo ”). „ Creatio ” nabrało więc innego znaczenia niż „ facere ” („czynić”) i przestało odnosić się do funkcji człowieka. Jak napisał rzymski urzędnik i literat z VI wieku, Kasjodor , „rzeczy stworzone i stworzone różnią się, bo my możemy tworzyć, kto nie może tworzyć”.

Wraz z nową, religijną interpretacją tego wyrażenia utrzymywał się starożytny pogląd, że sztuka nie jest domeną twórczości. Widać to u dwóch wczesnych i wpływowych pisarzy chrześcijańskich, Pseudo-Dionizego i św. Augustyna . Późniejsi średniowieczni ludzie, tacy jak Hraban the Moor i Robert Grosseteste w XIII wieku, myśleli w podobny sposób. Średniowiecze tu nawet dalej niż starożytność ; nie robili wyjątku dla poezji: ona również miała swoje zasady, była sztuką, a zatem była rzemiosłem a nie twórczość.

Renesans przyniósł zmianę perspektywy . Filozof Marsilio Ficino napisał, że artysta „wymyśla” („ excogitatio ”) swoje prace; teoretyk architektury i malarstwa, Leon Battista Alberti , który „preordynuje” („ preordinazione ”); Rafała , że ​​kształtuje obraz według swojego pomysłu; Leonardo da Vinci , że posługuje się „kształtami, które nie istnieją w naturze”; Michał Anioł , że artysta realizuje swoją wizję, a nie naśladuje naturę; Giorgio Vasari , że „naturę zwycięża sztuka”; wenecki teoretyk sztuki, Paolo Pino , uważał, że malarstwo to „wymyślanie tego, czego nie ma”; Paolo Veronese , że malarze korzystają z tych samych swobód, co poeci i szaleńcy; Federico Zuccari (1542–1609), że artysta kształtuje „nowy świat, nowe raje”; Cesare Cesariano (1483–1541), że architekci są „półbogami”. Wśród muzyków flamandzki kompozytor i muzykolog Johannes Tinctoris (1446–1511) domagał się nowości w tym, co robił kompozytor, i zdefiniował kompozytora jako „tego, kto tworzy nowe pieśni”.

Jeszcze bardziej stanowczy byli ci, którzy pisali o poezji: GP Capriano utrzymywał (1555), że wynalazek poety wyrasta „z niczego”. Francesco Patrizi (1586) postrzegał poezję jako „fikcję”, „kształtowanie”, „transformację”.

Być może pierwszym, który w sposób rozpoznawalny użył słowa „tworzenie” w odniesieniu do ludzkiej twórczości, był siedemnastowieczny polski poeta i teoretyk poezji Maciej Kazimierz Sarbiewski (1595–1640), zwany „ostatnim poetą łacińskim”. W swoim traktacie De perfecta poesi napisał nie tylko, że poeta „wymyśla”, „według mody buduje”, ale także, że poeta „ tworzy na nowo ” („ de novo creat ”). Sarbiewski dodał nawet: „po bożemu” („ instar Dei ”).

Sarbiewski uważał jednak twórczość za wyłączny przywilej poezji; twórczość nie była otwarta dla artystów wizualnych. „Inne sztuki tylko naśladują i kopiują, ale nie tworzą, ponieważ zakładają istnienie materiału, z którego tworzą, lub podmiotu”. Jeszcze pod koniec XVII wieku André Félibien (1619–1675) pisał, że malarz jest „że tak powiem [twórcą]”. Hiszpański jezuita Baltasar Gracián (1601–1658) pisał podobnie jak Sarbiewski: „Sztuka jest dopełnieniem natury, jakby drugim Stwórcą …”

W XVIII wieku pojęcie twórczości coraz częściej pojawiało się w teorii sztuki. Wiązało się to z pojęciem wyobraźni , które było na ustach wszystkich. Joseph Addison napisał, że wyobraźnia „ma w sobie coś na kształt stworzenia”. Voltaire oświadczył (1740), że „prawdziwy poeta jest twórczy”. W przypadku obu tych autorów było to jednak raczej porównanie poety z twórcą.

Inni pisarze zajęli inny pogląd. Denis Diderot uważał, że wyobraźnia jest jedynie „pamięcią form i treści” i „nic nie tworzy”, a jedynie łączy, powiększa lub pomniejsza. Właśnie w XVIII-wiecznej Francji idea twórczości człowieka spotkała się z oporem. Charles Batteux napisał, że „ludzki umysł nie może tworzyć , ściśle mówiąc; wszystkie jego wytwory noszą znamiona swojego modelu; nawet potwory wymyślone przez wyobraźnię nieskrępowaną prawami mogą składać się tylko z części wziętych z natury”. Luc de Clapiers, markiz de Vauvenargues (1715–47) i Étienne Bonnot de Condillac (1715–80) mówili o podobnym skutku.

Ich opór wobec idei ludzkiej twórczości miał potrójne źródło. Wyrażenie „stworzenie” było wówczas zarezerwowane dla stworzenia ex nihilo ( łac . z niczego ), które było niedostępne dla człowieka. Po drugie, stworzenie jest aktem tajemniczym, a Oświecenia nie dopuszczała tajemnic. Po trzecie, artyści tamtych czasów byli przywiązani do swoich zasad, a twórczość wydawała się nie do pogodzenia z zasadami. Ten ostatni zarzut był najsłabszy, ponieważ zaczynano już zdawać sobie sprawę (np. przez Houdar de la Motte , 1715), że reguły są ostatecznie ludzki wynalazek .

W XIX wieku sztuka wynagradzała sobie opór poprzednich wieków przed uznaniem jej za twórczość. Teraz nie tylko sztukę uważano za twórczość, ale samą w sobie.

Krytyk sztuki John Ruskin był często przywoływany w kontekście przejścia do autoekspresji w historii edukacji artystycznej, chociaż niektórzy badacze uważają to za błędne odczytanie.

Na przełomie XIX i XX wieku, kiedy zaczęto dyskutować również o twórczości w naukach ścisłych ( np. Jan Łukasiewicz , 1878–1956) i przyrodzie (np. Henri nauki i przyrodę, pojęć właściwych sztuce.

Za początek naukowych badań nad kreatywnością uważa się czasem przemówienie JP Guilforda z 1950 r. skierowane do Amerykańskiego Towarzystwa Psychologicznego , które pomogło spopularyzować ten temat.

Zobacz też

Notatki

  • Tatarkiewicz, Władysław (1980). Historia sześciu pomysłów: esej z estetyki . Z polskiego przełożył Krzysztof Kasparek , Haga: Martinus Nijhoff. (Książka śledzi historię kluczowych pojęć estetycznych , w tym sztuki, piękna , formy, kreatywności, mimesis i doświadczenia estetycznego).
  • Sternberg, RJ ; Lubart, TI (1999). „Koncepcja kreatywności: perspektywy i paradygmaty”. W Sternberg, RJ (red.). Podręcznik kreatywności . Wydawnictwo Uniwersytetu Cambridge.
  • Albert, RS; Runco, MA (1999). „Historia badań nad kreatywnością”. W Sternberg, RJ (red.). Podręcznik kreatywności . Wydawnictwo Uniwersytetu Cambridge.

Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=History_of_the_concept_of_creativity&oldid=1133604026 ”