Historia rzeźbienia w drewnie
Rzeźba w drewnie jest jedną z najstarszych sztuk ludzkości. Drewniane włócznie ze środkowego paleolitu , takie jak Clacton Spear , pokazują, jak ludzie od tysiącleci zajmują się użytkową stolarką . Jednak biorąc pod uwagę stosunkowo szybkie tempo, w jakim drewno rozkłada się w większości środowisk, pozostały tylko pojedyncze starożytne artefakty.
Indian północnoamerykańskich obejmują wiele przedmiotów codziennego użytku, takich jak drewniane haczyki na ryby i łodygi fajki. Podobnie polinezyjskie można znaleźć na wiosłach i narzędziach ich handlu. Tubylcy z Gujany ozdobili swoją tarkę do manioku dobrze przemyślanym schematem naciętych zwojów, podczas gdy tubylcy z Loango Bay ozdobili swoje łyżki wzorem postaci stojących w pełnym reliefie, niosących hamak. Rzeźba w drewnie jest również obecna w architekturze.
Wydaje się, że praca z figurami była szeroko rozpowszechniona. Wyrzeźbienie figury/projektu w drewnie może być nie tylko trudniejsze, ale wyniki mogą być mniej zadowalające niż rzeźbienie w marmurze, ze względu na tendencję drewna do pękania, uszkadzania przez owady lub zmiany atmosferyczne.
Faktura drewna często stanowi wyzwanie przy próbie stworzenia wyrazu i subtelniejszych rysów twarzy. Z drugiej strony, szorstka faktura drewna może nadawać się do bardziej surowych rysów starzejącej się twarzy. Istnieją wspaniałe przykłady „chrząszczenia” brwi, bruzd i linii, wszystkie wzmocnione naturalnymi defektami słojów drewna.
W starożytnych pracach szorstka powierzchnia drewna mogła nie mieć takiego znaczenia, ponieważ figury z reguły malowano zarówno w celu ochrony, jak i koloru. Nawet od najdawniejszych czasów kolor był często używany do wzmocnienia efektu snycerstwa i rzeźby.
Na początku XX wieku Encyclopædia Britannica , wydanie jedenaste , na którym opiera się większość tego wpisu, komentowano: „W ostatnich latach rzeźbienie wyszło z mody. Praca jest z konieczności powolna i wymaga znacznych umiejętności, przez co prace są drogie. Inne i tańsze metody zdobienia wyparły rzeźbę z jej dawnego miejsca. Praca maszynowa ma wiele do powiedzenia, a dążenie do popularyzacji rzemiosła za pomocą klasy wiejskiej nie zawsze osiąga swój cel. Stopniowe zanikanie indywidualnego artysty, wypchnięty łokciem przez wykonawcę, jest fatalny w skutkach dla kontynuacji sztuki, która nigdy nie może rozkwitnąć, gdy jest wykonywana na tak dużym podwórku”.
Sztuka i rzemiosło snycerskie nadal przetrwały, o czym świadczy duża liczba snycerzy , którzy nadal praktykują i rozwijają tradycję na całym świecie.
Starożytny Egipt
Ekstremalna suchość klimatu Egiptu odpowiada za przetrwanie wielu rzeźb w drewnie z tego odległego okresu. Niektóre drewniane panele z grobowca Hosula Egiptu w Sakkarze pochodzą z III. dynastia . Rzeźba składa się z egipskich hieroglifów i płaskorzeźb, a styl jest niezwykle delikatny i delikatny. Taboret pokazany na jednym z paneli ma nogi w kształcie przednich i tylnych kończyn zwierzęcia, co jest formą powszechną w Egipcie od tysięcy lat.
W muzeum kairskim można zobaczyć posąg mężczyzny z okresu Wielkiej Piramidy w Gizie , prawdopodobnie 4000 pne. Wyrazu twarzy i realizmu powozu nigdy nie przewyższył żaden egipski rzeźbiarz z tego czy innego okresu. Figura jest wyrzeźbiona z litego bloku jaworu i zgodnie z egipskim zwyczajem ramiona są złączone. Oczy są inkrustowane kawałkami nieprzezroczystego białego kwarcu, z otaczającą linią brązu imitującą wieczko; mały dysk przezroczystego kryształu górskiego tworzy tęczówkę, a odrobina wypolerowanego hebanu umieszczona za kryształem nadaje mu realistycznego blasku. IV ., V. i VI. dynastie obejmują najwspanialszy okres rzeźby egipskiej. Posągi znalezione w grobowcach pokazują swobodę traktowania, której nie osiągnięto w późniejszych czasach. Wszystkie są portretami, które artysta dołożył wszelkich starań, aby oddać dokładnie tak, jak jego model. Nie są one bowiem, jak zwykłe współczesne posągi, po prostu dziełami sztuki, ale miały przede wszystkim znaczenie religijne (Maspero) . Ponieważ mogły zamieszkiwać duchy zmarłych, te Ka , ich cechy i proporcje zostały dokładnie skopiowane.
W głównych muzeach Europy można znaleźć wiele egipskich przykładów: skrzynie mumii ludzkich istot z wyrzeźbioną samą twarzą, skrzynie mumii zwierzęcych, czasem pudełka, z być może wyrzeźbioną w całości figurą jaszczurki Mumia stojąca na pokrywa. Czasami zwierzę było rzeźbione na okrągło, a jego wydrążone ciało służyło jako sama obudowa.
Spośród mebli, składanych siedzeń, takich jak nowoczesny taboret obozowy, i krzeseł z nogami zakończonymi głowami zwierząt lub łapami zwierząt, meble nadal istnieją. Łóżka wsparte na lwich łapach XI. i XII. dynastie, z Gebelein , obecnie w Muzeum Kairskim ), zagłówki, wysokie na 6 lub 8 cali, w kształcie kuli na stopie, bardzo podobne do tych, których używają dzisiejsi tubylcy z Nowej Gwinei , są rzeźbione ze scenami itp. zarys. W Muzeum Brytyjskim można zobaczyć maleńką szkatułkę, 4 cale na 21/2 cala, z bardzo delikatnymi figurami wyrzeźbionymi w płaskorzeźbie. To małe pudełko stoi na kabriolowych nogach o długości 3/4 cala z pazurami, przypominającymi Louisa Quinze'a . Są chochle na kadzidełka, uchwyt przedstawia bukiet kwiatów lotosu, miska uformowana jak liść rośliny wodnej z ząbkowanymi krawędziami z Gurnah w XVIII. dynastia ; uchwyty luster, przedstawiające mały słupek lub łodygę lotosu, czasami zwieńczoną głową Hathor , egipskiej Wenus lub Bes , bóg toalety; poduszki na szpilki, w kształcie małego okrągłego żółwia z otworami z tyłu na szpilki toaletowe, które również były drewniane z końcówkami w kształcie psich głów (XI dynastia, Muzeum Kairskie); i pudełka na perfumy, takie jak ryba, dwie połówki tworzące dolną i górną część perfum lub pomatum były usuwane małymi drewnianymi łyżeczkami, jedną w kształcie kartusza wyłaniającego się z pełnego lotosu, drugą w kształcie szyi gęś, trzecia składająca się z psa biegnącego z rybą w zamkniętym pysku, ryba tworząca miskę. Listę można by wydłużyć, ale powiedziano już wystarczająco dużo, by pokazać, do jakiego stopnia wyrafinowania osiągnęła sztuka rzeźbienia w drewnie tysiące lat przed narodzinami Chryste .
Niewiele wiadomo o działalności Asyrii , Grecji i Rzymu , poza historią lub wnioskami. Można bezpiecznie założyć, że rzemiosło asyryjskie nadążało za zmieniającym się gustem i wyrafinowaniem Grecji i wszystkich starszych cywilizacji. Ważne fragmenty drewnianej rzeźby rzymskiej , które kiedyś istniały w Grecji i innych starożytnych krajach, są nam znane jedynie z opisów Pauzaniasza i innych klasycznych pisarzy. Do późnych czasów historycznych zachowało się wiele przykładów drewnianych wizerunków bogów. Palladium _ , czyli święta figura Pallasa , której strzegli westalki w Rzymie i która, jak głosi legenda, została przywieziona przez Eneasza z płonącej Troi , była jedną z tych drewnianych figurek.
Świat Zachodni / Europa
Wielkie dzieła sztuki powstawały w drewnie przez całe średniowiecze , np. w katedrach , opactwach i innych obiektach związanych z Kościołem. Prace te wykazały zarówno kunszt, jak i artyzm.
Pierwsze jedenaście wieków naszej ery
Przykłady rzeźbienia w drewnie z pierwszych jedenastu wieków naszej ery są rzadkie ze względu na fakt, że drewno łatwo rozkłada się w ciągu 1000 lat. Rzeźbione płyciny głównych drzwi kościoła św. Sabiny na Awentynie w Rzymie to bardzo interesujące okazy wczesnochrześcijańskiej płaskorzeźby w drewnie, datowane, jak pokazują suknie, na V wiek. Drzwi składają się z dużej liczby małych kwadratowych paneli, z których każdy jest drobiazgowo rzeźbiony ze sceną ze Starego lub Nowego Testamentu. Bardzo piękny fragment sztuki bizantyjskiej (XI lub XII wiek) jest przechowywany w klasztorze na Górze Athos w Macedonii. Składa się z dwóch paneli (jeden nad drugim) płaskorzeźby, zwieńczonych półkolistym łukiem konwencjonalnych listowia wyrastającym z kolumn ozdobionych zwierzętami w spiralnych liściach. Kapitele i podstawy są kwadratowe, a każda twarz jest wyrzeźbiona postacią. To cudownie piękne dzieło, pomyślane w najlepszym duchu dekoracyjnym.
W krajach skandynawskich znajdujemy bardzo wczesne dzieła doskonałego projektu, zarówno chrześcijańskiego, jak i niechrześcijańskiego, ponieważ „chrzciny” w tej części świata miały miejsce dość późno w pierwszym tysiącleciu ne. W Christiania Museum jest kilka pięknych krzeseł. W Muzeum Kopenhaskim znajdują się panele z Islandii w tym samym stylu. Słynne drewniane drzwi w Aal (1200 n.e.), Sauland, Flaa, Solder i innych norweskich kościołach (Muzeum Christianii) mają smoki i misterne zwoje, styl, który nadal widzimy na odrzwiach z XV wieku w muzeum Nordiska , Sztokholm oraz w twórczości islandzkiej czasów całkiem współczesnych. W tych wczesnych dniach liść nie był zbytnio rozwinięty pod względem projektu. Rzeźbiarz polegał prawie wyłącznie na łodydze, stylu pracy, który ma swój odpowiednik w birmańskiej z XVII wieku.
Okres gotyku (XII – XV wiek)
Pod koniec tej epoki snycerstwo osiągnęło swój punkt kulminacyjny. Stalle chóru , lektorium , dachy, retabulacje Anglii , Francji i krzyżackich krajów Europy nigdy nie były pod względem wykonania, równowagi i proporcji nigdy nie zbliżone . W małych projektach, w szczegółach, w drobiazgowości, w dokładności mechanicznej, rzeźbiarz tamtych czasów miał swoich rywali, ale ze względu na wielkość koncepcji architektonicznej, na słuszne docenienie dekoracyjnego traktowania, projektant XV wieku jest sam.
Należy zawsze pamiętać, że kolor był myślą przewodnią tego schematu. Zwyczaj ten był praktycznie powszechny i pozostało wystarczająco dużo śladów, aby pokazać, jak wspaniały był efekt tych starych gotyckich kościołów i katedr. Kapłani we wspaniałych szatach , światła, krucyfiks , sztandary i kadzidła , ściany pokryte freskami lub w pieluchach i ta ukoronowanie sztuki gotyckiej , witraże , były w harmonii z tymi pięknymi schematami kolorowych rzeźbień. Z reguły stosowano odcienie czerwieni, błękitu, zieleni, bieli i złoceń. Nie tylko ekrany były pomalowane na kolory, ale części pomalowane na biało były często dodatkowo dekorowane delikatnymi liniami i gałązkami liści w konwencjonalny wzór. Gładkie powierzchnie płycin zdobiono również postaciami świętych, często na tle delikatnej zaprawowej , barwionej lub złoconej (Southwold). Nic nie mogło przewyższyć piękna tryptyków czy retabuli Niemiec , Flandrii lub Francja; wyrzeźbione płaskorzeźbionymi scenami z Nowego Testamentu , ułożonymi pod delikatną koronką baldachimów i skupisk sterczyn, lśniących złotem i jaskrawymi kolorami . W Niemczech efekt ten dodatkowo wzmacniano, podkreślając fragmenty złoceń przezroczystym werniksem barwionym na czerwono lub zielono, nadając w ten sposób metalicznemu połyskowi szczególny ton .
Styl projektowania używany w tym wspaniałym okresie wiele zawdzięcza przestarzałemu już zwyczajowi bezpośredniego zatrudniania rzemieślnika i jego ludzi, zamiast dzisiejszego zwyczaju oddawania pracy wykonawcy. Łatwo jest prześledzić, w jaki sposób te grupy rzeźbiarzy podróżowały od kościoła do kościoła. W jednej dzielnicy projektant zastosował określoną formę i układ liści winorośli, w innej sąsiedniej wielokrotnie pojawia się zupełnie inny styl. Ogólny schemat był oczywiście planowany przez jednego mistrza, ale wykonanie każdej sekcji, każdej części, każdego szczegółu pozostawiono indywidualnemu robotnikowi. Stąd ta różnorodność zabiegów, ta nieskończona różnorodność, która nadaje sztuce gotyckiej uroku i zainteresowania, nieznana w bardziej symetrycznych epokach. Gotycki rzemieślnik docenił kardynalny fakt, że w projektowaniu piękny detal niekoniecznie zapewnia piękno kompozycję , a poszczególne części podporządkował efektowi ogólnemu. Często rzeźbił też in situ , praktyka rzadko, jeśli w ogóle, stosowana w dzisiejszych czasach. Tu i ówdzie natrafia się na niedokończone dzieło sprzed wielu lat. Na wpół ukończona ława, pozostawiony czysty fragment parawanu, wyraźnie pokazują, że czasem przynajmniej kościół był warsztatem.
Gotyk i renesans: porównanie
Projekt gotycki z grubsza dzieli się na dwie klasy:
- geometryczne, tj. maswerkowe i pieluszkowe, oraz
- projekty liści, w których z reguły nie ma mechanicznego zwoju renesansu.
Linie obróbki listowia, tak powszechne w pasmach roodscreenów z XV wieku i tabliczkach, zwłaszcza w Niemczech, służą zilustrowaniu bardzo różnych motywów rzemieślników tych dwóch wielkich epok. Ponownie, podczas gdy renesansowy projektant z reguły tworzył jednakowe obie strony panelu, gotycki rzeźbiarz rzadko powtarzał jeden szczegół. Chociaż jego główne linie i grupowanie były zgodne, jego szczegóły się różniły. można wymienić XV-wieczną skrzynię (tablica III. ryc. 6) w Kunstgewerbemuseum Berlin . Układy liści itp. Na górze, z tyłu iz przodu są typowe dla gotyku w najlepszym wydaniu.
Koniec XII wieku
Ponieważ ta sekcja traktuje ogólnie o rzeźbie w drewnie w Europie, a nie tylko o jednym kraju, wymienione właśnie daty muszą być z konieczności jedynie przybliżone. Wiek XIII charakteryzował się nie tylko wielkim kunsztem zarówno w projektowaniu, jak i obróbce, ale także wielką dewocją. Wydaje się, że rzemieślnik nie tylko rzeźbił, ale rzeźbił na chwałę Bożą. W żadnym momencie praca nie była delikatniej pomyślana ani piękniej wycięta. Ten wczesnogotycki styl z pewnością nadawał się do precyzyjnego wykończenia i pod tym względem bardziej pasował do obróbki kamienia niż drewna. Ale pełna miłości troska o każdy szczegół wydaje się wskazywać na religijne oddanie, którego czasami nie ma w późniejszych pracach. Bardzo dobre przykłady tzw kapitele (obecnie niestety podzielone pośrodku) można zobaczyć w katedrze w Peterborough . Zwoje i liście wyrastają z grup kolumn po cztery. Niektóre włoskie kolumny z tej samej daty ( Muzeum Wiktorii i Alberta ) należy porównać, z dużą przewagą dla tych pierwszych. Katedra w Exeter szczyci się niedoścignionymi akordami , jeśli chodzi o umiejętne wykonanie; syreny, smoki, słonie, maski, rycerze i inne przedmioty wprowadzone w listowie tworzą projekty. Katedra w Salisbury słynie z kolan straganów i reredos w południowym transepcie Adisham w hrabstwie Kent to kolejny piękny przykład świadczący o wielkich umiejętnościach XIII-wiecznych snycerzy. Bardzo ciekawy zespół straganów, którego wczesna historia jest nieznana, został umieszczony w Barming w hrabstwie Kent około roku 1868. Końce reszty ksiąg są wyrzeźbione dwoma zwojami i zwierzęciem stojącym pomiędzy nimi, a końce straganów z Rzeźba postaci:
1300-1380
W tym okresie formy listowia, choć nadal konwencjonalne, bardziej podążały za naturą. Baldachim chóru Winchester zawiera wspaniałe rzeźby z dębu i innych liści. Stalle chóru Ely i Chichester oraz grób Edwarda III. w Opactwie Westminsterskim są doskonałymi przykładami tego okresu. Exeter szczyci się tronem biskupa Stapledona (1308–1326) o wysokości 57 stóp (17 m), co pozostaje niezrównane pod względem perfekcji proporcji i delikatności szczegółów. We Francji stragany St Benoit-sur-Loire, Lisieux i Évreux są dobrymi przykładami z XIV wieku. Ale w kościołach tego kraju można teraz zobaczyć niewiele dzieł gotyckich. To właśnie do muzeów musimy szukać śladów dawnych rzeźbiarzy gotyckich. Dwie tablice w Muzeum Dijon, dzieło Jacquesa de Baerze (1301), rzeźbiarza z Flandrii, który rzeźbił dla Philippe'a le Hardi , księcia Burgundii , to arcydzieła designu i wykonania. Maswerk jest z najlepszych materiałów, głównie złocony na tle gesso w pieluchach.
1380-1520
Pod koniec XIV wieku rzeźbiarze w dużej mierze zrezygnowali z naturalnego traktowania liści i przyjęli bardziej konwencjonalne formy. Dąb i klon nie inspirowały już projektanta, ale stale wykorzystywano winorośl. Pozostało nam bardzo dużo XV-wiecznych dzieł, ale można poczynić tylko najkrótsze wzmianki o niektórych z piękniejszych przykładów, które przyczyniły się do tego, że ten okres był tak wspaniały.
Lektorium , ta wspaniała cecha średniowiecznego kościoła, była teraz uniwersalna. Składał się z wysokiego ekranu, zwykle około trzydziestu stóp. wysoki, na szczycie którego znajdował się strych, czyli peron o wysokości około 1,8 m. na szerokość strzeżoną z obu stron galerią, a na jej szczycie lub przed nią, zwróconą do nawy, umieszczono tęcze, czyli duży krucyfiks z figurami Marii i św. Jana po obu stronach. Ten lektorium czasami obejmował kościół na jednej ciągłej długości ( Leeds, Kent ), ale często wypełniał nawę boczną i prezbiterium łuki w trzech oddzielnych działach (Church Handborough, Oxon.). Na poddasze z reguły prowadziło się krętymi schodami wbudowanymi w grubość ściany nawy bocznej. Dolna część samego ekranu została wyłożona litą boazerią do wysokości około 3 stóp 6 cali (1,07 m), a górna część tej boazerii została wypełniona maswerkiem (Carbrook, Norfolk), natomiast pozostałe płaskie powierzchnie paneli zostały często przedstawiane ze świętymi na tle delikatnej pieluchy gesso ( Southwold, Suffolk ). Pod koniec tego okresu stosowanie figur jako środka dekoracyjnego stało się mniej powszechne, a panele były czasami wypełniane - w całości rzeźbionym listowiem (Swimbridge, Devon). Górna część lektorium składała się z otwartych łuków z głowicami wypełnionymi przekłutymi maswerkami, często wzbogaconymi o żabki (Seaming, Norfolk), rygle oblężnicze ( Zamek Hedingham , Essex ) czy floriowane guzki ( Oko, Suffolk ). Szprosy były stale rzeźbione z listowia (Cheddar, Somerset), sterczynami (Causton, Norfolk), aniołami ( Pilton, Devon ) lub ozdobione baldachimem z gesso (Southwold). Ale cechą tych pięknych parawanów było poddasze z galerią i sklepieniem. Podłoga poddasza spoczywała na szczycie lektorium i była zwykle wyważona i utrzymywana na miejscu za pomocą sklepienia krzyżowo-żebrowego (Harberton, Devon) lub zatoczki (Eddington, Somerset). Najlepsze przykłady sklepień można zobaczyć w Devon. Szefowie na przecięciach żeber i rzeźbione maswerki ekranu w Honiton są bezkonkurencyjne. Wiele ekranów nadal posiada belkę, która tworzyła krawędź podłogi poddasza i na której spoczywała galeria. To tutaj średniowieczny rzeźbiarz lektorium dał najwięcej zabawy swojej wyobraźni i wyrzeźbił najwspanialsze wzory w listowiu, które można było zobaczyć przez cały okres gotyku. Chociaż te zmasowane formy, grzebienie i pasma wyglądają na wyrzeźbione z jednej kłody, w praktyce były niezmiennie budowane w częściach, dużej części listowia itp., Przebijane i umieszczane w pustych formach w celu zwiększenia cienia . Z reguły układ składał się z biegnącego wzdłuż szczytu herbu, z dolnym wystającym mniejszym, a pomiędzy nimi trzech pasm listowia i winorośli (Feniton, Devon). Projekty liści winorośli w Kenton, Bow i Dartmouth, wszystkie w Devon, ilustrują trzy bardzo piękne zabiegi tej rośliny. W Swimbridge w hrabstwie Devon istnieje bardzo wyszukana kombinacja; zwykłe gładkie koraliki, które oddzielają pasma, są również wyrzeźbione ze skręconymi liśćmi. W Abbots Kerswell i innych miejscach w okręgu Totnes rzeźbiarze wprowadzili ptaki do listowia z najlepszym skutkiem. Różnorodność zastosowanych czubków jest bardzo duża. To w Winchcomb, Gloucester, składa się ze smoków połączonych z liśćmi winorośli i listowiem. Ilustruje, jak goccy rzeźbiarze czasami powtarzali swoje wzory w sposób równie mechaniczny, jak najgorsi robotnicy współczesności. Niewiele można powiedzieć o galeriach, więc niewiele nam pozostało. Prawie wszystkie zostały rozebrane, gdy w 1548 r. wydano rozkaz zniszczenia tęcznic. Że ozdobiono je rzeźbionymi świętymi pod niszami ( St Anno's Church, Llananno , Walia) czy malowane figury (Strencham, Worcester), to pewne z przykładów, które przetrwały reformację. W Atheringtonie. Devon front galerii zdobi herb królewski , inne heraldyki oraz modlitwy. Bretoński ekran w St Fiacre-le-Faouet jest wspaniałym przykładem francuskiej pracy tego czasu, btit nie może się równać z najlepszymi angielskimi przykładami. Jego ekstrawaganckie linie i małe maswerki nigdy nie zdobyły przyczółka w Anglii, chociaż czasami można znaleźć wyrzeźbione w ten sposób ekrany (Colebrook, Devon).
Wieża miała czasem takie wymiary, że oprócz galerii, na której spoczywała, wymagała pewnego podparcia. Zastosowano rzeźbioną belkę, z której łańcuch łączył sam tęczówkę. W Cullompton , Devon, taka belka nadal istnieje i jest wyrzeźbiona z listowia; od spodu zdobi otwarty grzebień, a końce podtrzymują dwa anioły. Ta konkretna tęcza stała na podstawie ze skał, czaszek i kości, wyrzeźbionych z dwóch litych bali o średniej szerokości 18 cali i wysokości 21 cali i razem mierzących 15 stóp 6 cali (4,72 m) długości; na górze znajdują się okrągłe otwory, które prawdopodobnie służyły do świecenia.
Żaden kraj w Europie nie ma dachów dorównujących tym, które powstały w Anglii w XV wieku. Wielki dach Westminster Hall pozostaje do dziś wyjątkowy. W Norfolk i Suffolk występuje wiele dachów z belek młotkowych ; że w Woolpit, Suffolk, osiąga pierwszą rangę jakości. Każdy wspornik jest wyrzeźbiony z mocno zaprojektowanymi liśćmi, koniec każdej belki kończy się aniołem niosącym tarczę, a płatwie są zwieńczone czubkami, podczas gdy każda kratownica jest wsparta na baldachimie (zawierającym figurę) spoczywającym na anielskim wsporniku. Tutaj również, podobnie jak w Ipswich i wielu innych kościołach, pod płytą ścienną znajduje się rząd aniołów z rozpostartymi skrzydłami. Ten pomysł aniołów na dachu jest bardzo piękny, a efekt jest znacznie wzmocniony przez kolorystykę. Dach w St Nicholas, King's Lynn , jest wspaniałym przykładem konstrukcji belki wieńcowej. Kratownice są wypełnione maswerkami po bokach, a środki są mniej lub bardziej otwarte, a belki, które są czubate i oblegane, zawierają rząd aniołów po obu stronach. W Devon Cullompton posiada bardzo delikatny półkolisty sufit wsparty w odstępach przez żebra przebite rzeźbami. Każda komora jest podzielona na małe kwadratowe panele, poprzecinane ukośnymi żebrami grzebienia, a każdy styk jest ozdobiony zwornikiem wyrzeźbionym w dekoracyjny sposób charakterystyczny dla gotyckiego rzemieślnika. Dach nawy katedry w Manchesterze jest prawie płaski, a także podzielony na małe przegródki i wypukły; belki są wsparte na rzeźbionych wspornikach spoczywających na wspornikach z aniołami u każdej podstawy.
W XV wieku stalle wraz z baldachimami nadal zyskiwały na znaczeniu. Katedra w Manchesterze (połowa XV wieku) i Henryka VII w Opactwie Westminsterskim (początek XVI wieku) są dobrymi przykładami mody masowania ~ 7 ~ 7 sterczyn i baldachimów; zwyczaj, który trudno porównać z prostszym pięknem XIV-wiecznych dzieł katedry w Ely . Stragany w Amiens katedry były prawdopodobnie najwspanialszymi na świecie na początku XVI wieku. Zastosowany grzebień, choć powszechny na kontynencie, jest rodzaju mało znanego w Anglii, składającego się z łuków wychodzących z łuków i ozdobionych żakardami i zwieńczeniami. Praca tabernakulum nad końcowymi siedzeniami, ze sterczynami i latającymi przyporami , rozciąga się w kierunku dachu zwężającymi się liniami o najwyższej delikatności. Stalle chóru (dzieło Jörga Syrlina Starszego ) w Ulm Minster należą do najlepszych wyprodukowanych przez niemieckiego carvera. Przednie panele są wyrzeźbione listowiem o wspaniałej dekoracyjnej śmiałości, sile i charakterze; końce straganów były wyrzeźbione z listowia i rzeźby wzdłuż górnej krawędzi, jak to czasami miało miejsce w Bawarii i Francji, a także w Niemczech.
W dawnych czasach sam chór posiadał siedzenia, a nawa była pusta. Stopniowo wprowadzano ławki, które w XV wieku stały się powszechne. Makowa miejsc innych niż chór. Nazwa odnosi się do en a. do rzeźbionego zwieńczenia, które jest tak często używane do wykończenia górnej części ławki i ma charakterystyczny angielski charakter. W Devon i Kornwalii spotyka się go rzadko ( Ilsington , Devon ). W Somerset jest to bardziej powszechne, podczas gdy we wschodnich hrabstwach pozostały tysiące przykładów. Całkiem proste fleur-de-lys forma maku, odpowiednia dla wioski, jest doskonale widoczna w Trunch w Norfolk, a bardzo wyszukana forma, gdy mak wyrasta z szydełkowego koła wypełnionego rzeźbą, w St Nicholas, King's Lynn. Często liście zawierały twarz ( St Margaret's, Cley , Norfolk), a makowa głowa składała się tylko z postaci lub ptaków ( Thurston, Suffolk ) lub postać stojąca na smoku (Great Brincton, Northampton); czasami odchodzino od tradycyjnej formy i zwieńczenie rzeźbiono jak cytrynę w zarysie (Bury St Edmuncis) lub diament (Tirley, Glos.). W Danii ozdoba w postaci dużego koła zajmuje czasem miejsce maku angielskiego. W Muzeum Kopenhaskim znajduje się zespół zakończeń ławek z XV wieku z taką dekoracją z wyrzeźbionymi herbami, przeplatanymi rzemykami itp. Ale stary XV-wieczny koniec ławy nie był całkowicie zależny od maku dla jego zdobienie. Bok był stale wzbogacany wyszukanymi maswerkami (Dennington, Norfolk) lub maswerkami i scenami domowymi (North Cadbury, Somerset) lub składał się z bryły rzeźby w perspektywie, z baldachimem, przyporami i rzeźbionymi niszami, podczas gdy zwieńczenie koniec ławy byłby zwieńczony figurami wyrzeźbionymi na okrągło, wykonanymi z najlepszego rzemiosła. Taka praca w katedrze w Amiens jest cudem zarówno koncepcji, projektu, jak i wykonania. w Kunstgewerbemuseum Berlin można zobaczyć piękne kramy. Z paszczy smoka wyrasta konwencjonalne drzewo ułożone i zrównoważone w doskonałych proporcjach. Na drugim końcu straganu wyrzeźbione jest drzewo wyrastające z ust głupca. Ten zwyczaj sprawiania, że liście wyrastają z ust lub oczu, jest trudny do obrony i nie ograniczał się w żaden sposób do żadnego kraju ani czasu. Mamy mnóstwo renesansowych przykładów takiego samego traktowania.
Przed XV wiekiem głoszenie kazań nie było w Anglii regularną instytucją, a kazalnice nie były tak powszechne. Jednak wartość kazania zaczęto doceniać od użytku, do jakiego lollardowie i inne sekty przywiązują tę metodę nauczania doktryny, a kazalnice stały się koniecznością. Bardzo piękny istnieje w Kenton, Devon . Jest, jak to zwykle bywa, ośmiokątny i stoi na stopie. Każdy kąt jest wyrzeźbiony pionową kolumną listowia między sterczynami, a panele, które są pomalowane świętymi, są wzbogacone rzeźbionymi baldachimami i listowiem; jest jednak znacznie odrestaurowany. Ambona w Trull w Somerset słynie z pięknych rzeźb. Duża postać stojąca pod armatą wypełnia każdy z boazerii. podczas gdy wiele innych mniejszych figurek pomaga wzbogacić ogólny efekt. Przykłady gotyckich płyt rezonansowych są bardzo rzadkie; który wraz z amboną w chórze Winchester pochodzi z czasów przeora Silkstede (1520) i jest wyrzeźbiony jego rebusem, motkiem skręconego jedwabiu.
Zwykła forma okładki czcionki w ciągu stu lat przed reformacją była piramidalna, a żebra wystających kątów były proste i spiczaste (Frindsbury, Kent) lub o zakrzywionym zarysie i spiczaste (St Mildred, Canterbury). W Colebrook w hrabstwie Devon znajduje się bardzo uroczy egzemplarz tej formy. Jest całkiem zwyczajny, gdyby nie mały aniołek klęczący na szczycie z rękami złożonymi do modlitwy. Ale najpiękniejszą formą jest zmasowana kolekcja sterczyn i baldachimów, których wspaniały przykład znajduje się w Sudbury w hrabstwie Suffolk . Nierzadko wyrzeźbiono gołębicę na najwyższym szczycie (Castleacre, Norfolk), co było aluzją do zesłania Ducha Świętego. Najwspanialszą czcionką w Anglii jest niewątpliwie czcionka Ijiford w hrabstwie Suffolk. Wznosi się na około 20 stóp (6,1 m). wysokie, suche, gdy panele były pomalowane na świętych, a wykwintne tabernakulum barwione i złocone, musiało być arcydziełem gotyckiego rzemiosła. Do zdejmowania pokrycia przy okazji chrztu używano sznurka łączącego wierzchołki tych nakryć z dachem lub z rzeźbioną belką wystającą ze ściany, coś na kształt dźwigu (Salle, Norfolk).
Wiele mównic z okresu gotyku już dziś nie istnieje. Zwykle miały podwójne pochyłe biurko, które obracało się wokół centralnego uformowanego słupka. Mównica w Swanscombe w hrabstwie Kent ma wymazy, krąg dobrych liści zdobiących każdą stronę oparcia książki oraz maswerk dźwiękowy na obu końcach. Forma pudełka jest bardziej powszechna we Francji niż w Anglii, cokół takiej mównicy jest otoczony obudową z trzech lub więcej stron. Dobry przykład z sześcioma bokami znajduje się w kościele Vance (Francja), a trójkątny w Muse of Bourges, podczas gdy czworoboczna mównica jest nadal używana w kościele Lenham w hrabstwie Kent. Gotycki modlitewnik, służący do prywatnych celów religijnych, jest mało znany w Anglii, ale na kontynencie nie jest rzadkością. W Muse w Bourges znajduje się piękny okaz; przód i boki części do klęczenia są wyrzeźbione tym małym maswerkiem o płynnym charakterze, tak powszechnym we Francji i Belgii w drugiej połowie XV wieku, a tył, który wznosi się na wysokość 6 stóp (1,8 m). , zawiera mały krucyfiks z dekoracją maswerkową powyżej i poniżej.
Należy powiedzieć słowo o cyborii , tak często spotykanej na europejskim kontynencie Oboria. W zwężającym się układzie pracy tabernakulum rywalizują z angielskimi okładkami czcionek w delikatności konturu (Muse, Rouen).
Mnóstwo drzwi spotyka się nie tylko w kościołach, ale także w domach prywatnych. Lavenham , Suffolk , jest bogate w dzieła tej ostatniej klasy. W Anglii powszechnym zwyczajem było rzeźbienie szczytu drzwi tylko maswerkiem (East Brent, Somerset), ale w okresie Tudorów drzwi były czasami całkowicie pokryte płócienną boazerią ( opactwo St Albans ). Ta forma dekoracji była niezwykle powszechna na kontynencie, a także w Anglii. We Francji drzwi w drugiej połowie XV wieku były często kwadratowe lub być może miały zaokrąglone rogi. Drzwi te były zwykle podzielone na około sześć lub osiem podłużnych paneli o mniej więcej równej wielkości. Tak potraktowane są jedne z drzwi katedry w Bourges, płyciny wypełnione bardzo dobrym maswerkiem wzbogaconym o żabki i herby. Ale stale stosuje się bardziej powściągliwą formę obróbki, jak w kościele św. Godarda w Rouen, gdzie tylko górne panele są rzeźbione maswerkami i herbami, a dolne ozdobione prostym płóciennym wzorem.
Do Hiszpanii i krajów krzyżackich Europy szukamy najważniejszego przedmiotu dekoracji kościoła, retabulum; Reformacja odpowiada za brak w Anglii jakiejkolwiek pracy tego rodzaju. Wspaniały ołtarz w katedrze w Szlezwiku został wyrzeźbiony przez Hansa Bruggermana i składa się, podobnie jak wiele innych, z wielu paneli wypełnionych postaciami o głębokości około czterech lub pięciu. Postacie w pierwszych rzędach są wyrzeźbione całkowicie oddzielnie i wyróżniają się same, podczas gdy tło składa się z figur i architektury itp. W malejącej perspektywie. Panele zgrupowane są pod baldachimem tworząc jedną harmonijną całość. Geniusz tego wielkiego rzeźbiarza przejawia się w dużej różnorodności wyrazu twarzy tych wspaniałych postaci, które instynktownie poruszają się i poruszają. We Francji istnieje niewiele retables poza muzeami. W małym kościółku Marissel, niedaleko Beauvais znajduje się retabulum składające się z jedenastu paneli, których głównym tematem jest oczywiście ukrzyżowanie. I jest piękny przykład z Antwerpii w Muse Cluny w Paryżu; przekłute maswerki, które zdobią górną część, są dobrym przykładem stylu złożonego z przeplatających się segmentów kół, tak powszechnego na kontynencie w czasach późnego gotyku, ale rzadko praktykowanego w Anglii. W Hiszpanii katedra w Valladolid słynęła z retabulum i Alonso Cano a inni rzeźbiarze często używali drewna do dużych posągów, które były malowane w bardzo realistyczny sposób z najbardziej zaskakująco realistycznym efektem. Dania posiadała również szkołę zdolnych snycerzy, którzy naśladowali wielkie ołtarze z Niemiec. Bardzo duży i dobrze rzeźbiony przykład nadal istnieje w katedrze w Roskilde. Ale oprócz tych wielkich ołtarzy wyrzeźbiono maleńkie, małe modele w skali, której drobiazgowość wprawi obserwatora w osłupienie. Tryptyki i kapliczki itp., mierzące zaledwie kilka cali, były wypełnione maswerkami i figurami, które wzbudzają największy podziw. W British Museum znajduje się taki tryptyk (flamandzki, I 511); środkowy panel, mierzący cal lub dwa kwadraty, jest wypełniony postaciami z pełnym reliefem i malejącą perspektywą, zgodnie ze zwyczajem tego okresu. Opiera się na półokrągłej podstawie, na której wyrzeźbiona jest Wieczerza Pańska i jest dodatkowo ozdobiony postaciami i zwierzętami. Całość ma około 9 cali wysokości, a z rozłożonymi skrzydłami tryptyku ma 5 cali szerokości. Niezwykła delikatność i drobiazgowość szczegółów tej mikroskopijnej pracy zaskakuje opisem. W kolekcji Wallace'a jest jeszcze jeden taki utwór, również flamandzki, który konkuruje z tym, o którym właśnie mowa, w zakresie talentu rni& stosowanego. Bo choć te dzieła sztuki są cudowne, nie zadowalają. Przyprawiają oczy o ból, zastanawiają, jak można było uzyskać taki efekt, a po pierwszym zdumieniu trzeba zawsze poczuć, że to samo dzieło sztuki w skali katedry mogło zostać wyrzeźbione z połowy praca.
Jeśli chodzi ogólnie o boazerię, w ciągu ostatnich pięćdziesięciu lat omawianego okresu istniały trzy style projektowania stosowane przez większość europejskich rzeźbiarzy, z których każdy zyskał wielki rozgłos. Po pierwsze, rozwinięta forma małej Boazerii. maswerk, który był bardzo powszechny we Francji i Holandii. Kwadratowy panel byłby wypełniony drobnymi szczegółami o ekstrawaganckim charakterze, przy czym linia prostopadła lub szpros byłyby zawsze podrzędne, jak w niemieckim chasse (Muse Cluny), aw niektórych przypadkach nieobecne, jak pokazuje ekran katedry Évreux nam . Po drugie, pościel projekt. Zdecydowana większość przykładów ma bardzo konwencjonalną formę, ale w Bere Regis , Dorsetshire, projekty z frędzlami, aw St Sauvur, Caen, te z frędzlami, z łatwością uzasadniają uniwersalny tytuł zastosowany do tego bardzo dekoracyjnego wykończenia dużych powierzchni. Na początku XVI wieku w modzie stał się jeszcze inny wzór. Główne linie projektu składały się z płaskich wydrążonych listew, czasem w postaci przeplatających się kół (Gatton, Surrey), innym razem głównie prostych (katedra w Rochester), a przestrzenie między nimi były wypełnione guzkami lub gałązkami liści. To ostatnia walka tej wielkiej szkoły projektowania, by oprzeć się nadchodzącej powodzi nowej sztuki, wielkiego renesansu. Od tego czasu dzieło gotyku, mimo różnych prób, nigdy już nie zajęło miejsca w dekoracji wnętrz domowych. Linie stylu maswerkowego, szczytowego i crocketta niezrównane, jak zawsze były w pobożnym wyrazie, są powszechnie uważane za nieodpowiednie do dekoracji w zwykłym domu.
Ale niewiele można odnieść się do wewnętrznej strony okresu, który zakończył się wraz z początkiem XVI wieku, ponieważ zachowało się tak niewiele pozostałości. W Bayeux , Bourges , Reims , a przede wszystkim w Rouen , widzimy po postaciach świętych, biskupów lub dziewic, jak bardzo religijne uczucia średniowiecza weszły w życie domowe. W Anglii rzeźbiony słupek narożny (który na ogół zawierał wspornik u góry w celu podparcia wystającej kondygnacji) wymaga komentarza. w Ipswich , jest kilka takich postów. Na jednym z domów w pobliżu rzeki ten słynny temat, lis przemawiający do gęsi, jest wyrzeźbiony jako graficzna aluzja do rozpowszechniania fałszywej doktryny.
Dobry przykład kominków znajduje się w Muzeum w Rouen . Zwisające rogi są podtrzymywane przez smoki, a zwykłe listwy mają wyrzeźbione na obu końcach małe pęczki liści, zwyczaj tak powszechny we Francji w XV wieku, jak w Anglii sto lat wcześniej; ekran. na przykład w kościele parafialnym w Eastbourne.
Gabinety z XV wieku miały z reguły kształt prostokąta. W Niemczech i Austrii dolna część była często zamknięta, podobnie jak górna; górna, środkowa i dolna szyna są rzeźbione w geometryczny wzór lub z pasami liści (Muzeum, Wiedeń). Ale zwyczajem było też robienie tych szafek z obciętymi rogami, dając w ten sposób meblom pięć boków. Bardzo ładny okaz, który jest znacznie ulepszony przez metalowe płytki zamka i zawiasy, znajduje się w Muse Cluny, a inne dobre okazy z otwartą dolną częścią znajdują się w Muzeum Wiktorii i Alberta w Londynie .
Skrzynia była bardzo ważnym meblem i często spotyka się ją z najbardziej wyszukaną rzeźbą (Muzeum Orleańskie) . W Muzeum Cluny znajduje się wspaniała skrzynia (XIV wiek) ; z przodu wyrzeźbiono dwunastu rycerzy w zbrojach stojących pod tyloma łukami, a spandrele wypełnione są twarzami, smokami i tak dalej. Ale to do XV wieku szukamy najlepszego dzieła tej klasy; nie ma lepszego przykładu niż ten w Kunstgewerbemuseum Berlin . Przód to bardzo ożywiona scena myśliwska, najbardziej dekoracyjnie ułożona w schemacie listowia, a na górze dwa herby z hełmami, herbami i płaszczem. Ale bardziej ogólnym zwyczajem w dekoracji piersi było stosowanie maswerku z figurami lub bez; Muzeum w Awinionie zawiera kilka typowych przykładów tej ostatniej klasy.
Dużym zainteresowaniem cieszy się pewna liczba miejsc wykorzystywanych do celów domowych. Dobry przykład długiej ławki ustawionej pod ścianą, z wyniosłym oparciem wyłożonym boazerią i baldachimem, znajduje się w Musée Cluny w Paryżu. W Muzeum w Rouen znajduje się długie siedzenie typu ruchomego z niskim boazeryjnym oparciem z przebitymi maswerkami, aw Muzeum Dijon znajduje się dobry przykład typowego krzesła z tego okresu, z podłokietnikami i wysokimi boazeriami i maswerkowymi oparciami. Istniał styl projektowania, który doskonale pasował do dekoracji mebli wykonanych z miękkiego drewna, takiego jak sosna. Przypominało to nieco doskonałe skandynawskie traktowanie z X-XII wieku, o którym już wspomniano. Wzór gotyckich listowia, często o pięknym zarysie, byłby po prostu zagruntowany do płytkiej głębokości. Cienie, krzywizny i skręty są podkreślane tylko przez kilka dobrze przygotowanych cięć narzędziem V; i oczywiście cały efekt znacznie poprawił się dzięki kolorowi. Szwajcarskie drzwi z XV wieku w Muzeum Berlińskim oraz niektóre prace niemieckie, szwajcarskie i tyrolskie w Muzeum Wiktorii i Alberta oferuje wzory, które mogą być dziś naśladowane przez tych, którzy wymagają prostej dekoracji, unikając oklepanych elżbietańskich form.
Reformacji trudno jest porównywać dzieło Anglii z dziełem na kontynencie . Ale kiedy przyjrzymy się dachom wschodnich hrabstw, ławkom w Somerset czy misericordom w wielu częściach kraju, możemy docenić, jak bardzo rzeźby z drewna były wykorzystywane do celów dekoracyjnych. Jeśli z reguły figura działała, gdybym nie był bardzo wysokiego rzędu, mamy wyraźne wyjątki w łokciach straganu w Sherborne i na ambonie w Trull w Somerset. Być może najstarszym przykładem jest często okaleczony i często odnawiany wizerunek Roberta, księcia Normandii , w Katedra w Gloucester (XII wiek) i rzeźbiona, jak to zwykle bywa w Anglii, z dębu. W Clifton Reynes , Buckingham, są dwie postacie z XIII wieku. Oba są wydrążone od tyłu, aby ułatwić sezonowanie drewna i zapobiec pękaniu. W XIII, XIV i XV wieku w wielu naszych kościołach i katedrach można znaleźć niezliczone przykłady rzeźbienia figur o najbardziej obrazowym opisie, jakie można znaleźć w misericordach. Ale z figur wyrzeźbionych na okrągło poza ich otoczeniem nie zachował się prawie żaden przypadek. W małej kaplicy Cartmel Fell, w dziczy Westmorland, znajduje się figura Naszego Pana z krucyfiksu, o długości około 2 stóp 6 cali (0,76 m). Krzyża nie ma, ramiona są odłamane, a stopy spalone. Druga figura Naszego Pana (pierwotnie w kościele Keynes Inferior) znajduje się w muzeum w Caerleon, a trzecia, z kościoła w Lincolnshire, znajduje się obecnie w prywatnej kolekcji. Na kontynencie niektóre z najwspanialszych dzieł figuralnych można znaleźć w stołach, z których część znajduje się w Muzeum Wiktorii i Alberta. Tyrolski panel z XV wieku, wyrzeźbiony w wysokiej płaskorzeźbie, przedstawiający św. Jana siedzącego tyłem do patrzącego, jest arcydziełem perspektywy i skrótu perspektywicznego, a fałdy draperii są doskonałe. To samo można powiedzieć o małej figurce Matki Boskiej, wyrzeźbionej w wapnie przez szwajcarską rękę, oraz o niektórych dziełach wielkiego Tilman Riemenschneider z Würzburga (1460–1531) pokazuje, że średniowieczni rzeźbiarze w kamieniu nie wstydzili się drewna.
Okres renesansu (XVI – XVII wiek)
Z początkiem XVI wieku wielki renesans zaczął torować sobie drogę, wykluczając gotycką architekturę. Ale proces ten nie był nagły, a wiele prac przejściowych ma wielką wartość. Dobrymi ilustracjami są lektorium w Hurst w Berkshire , stragany w Cartmel Priory w Westmorland oraz ławki w wielu kościołach w Somerset . Ale nowy styl nie dorównywał staremu pod względem pobożności, z wyjątkiem klasycznych budynków, takich jak katedra św. Pawła , gdzie stragany Grinling Gibbons lepiej pasują do ich własnego otoczenia. Pozostała część tego artykułu będzie zatem poświęcona głównie pracom domowym, a dokładne umiejscowienie przykładów można podać tylko wtedy, gdy nie są one własnością prywatnych właścicieli lub nie są dostępne dla ogółu społeczeństwa.
W XVI wieku bez wątpienia najlepsze prace można znaleźć na kontynencie. Francja , Niemcy i Holandia produkują niezliczone przykłady nie tylko dekoracji domów, ale także mebli. Bogactwo nowo odkrytego kontynentu amerykańskiego było tylko jednym z czynników sprzyjających cywilizacyjnemu wpływowi tamtych czasów, a wraz z rozwojem handlu szła chęć udoskonalenia. Zwyczaj budowania domów głównie z drewna wszędzie tam, gdzie drewna było pod dostatkiem, trwał nadal. Pilastry zajęły miejsce szczytów, a wazony lub delfiny pomogły liściowi akantu wyprzeć starsze formy projektowania. Drewniane fronty domów dawały szerokie możliwości rzeźbiarzowi. To z Sir Paula Pindera (1600), dawniej w Bishopsgate , ale obecnie zachowane w Muzeum Wiktorii i Alberta, jest dobrym przykładem dekoracyjnego traktowania bez przeładowania. Wsporniki wyrzeźbione w kształcie potworów, które podtrzymują wystającą górną kondygnację, są typowe dla setek mieszkań, jak na przykład St Peters Hospital w Bristolu . Również panele z domu Sir Paula Pindersa są dobrymi przykładami tego Jakobejczyka forma medalionu otoczona zwojami, która jest jednocześnie ozdobna i prosta.
W Anglii ten znajomy styl, znany jako elżbietański i jakobański, dominował w XVI i XVII wieku. Obecnie prawie żaden dom w kraju nie ma starej dębowej skrzyni z wyrzeźbionym półkolem lub bordiurą wzdłuż górnej szyny lub wzorem łuku na panelach. Szafy dworskie , z ich pełnymi lub otwartymi częściami dolnymi i górnym gzymsem wspartym na toczonych tralkach o ekstrawaganckiej grubości, można zobaczyć na każdym kroku. A krzesła, zarówno prawdziwe, jak i fałszywe, z solidnymi oparciami wyrzeźbionymi w zwykły płaski relief, są kupowane z chciwością nieodłączną od mody. Ławki z czterema słupkami są trudniejsze do zdobycia. Tył jest zwykle dzielony na małe panele i rzeźbiony, przy czym najlepszy efekt widać w tych przykładach, w których dekorowana jest tylko boazeria lub rama. Stoły w jadalni często miały sześć nóg z wielkiej masy, które były nieco obrócone na kształt nakrytej filiżanki i były rzeźbione w listowie, które z dalekim podobieństwem przypominało akant. Pokoje były na ogół wyłożone dębową boazerią, czasami podzielone w odstępach płaskimi pilastrami i górnym fryzem rzeźbionym w zwoje lub delfiny. Ale cechą wyróżniającą ten okres był tzw płaszcz ognisty . Zawsze musi być głównym przedmiotem w pokoju, a elżbietański rzeźbiarz w pełni docenił ten fakt. Docinając pierś komina z reguły do stropu i pokrywając otaczające ściany mniej lub bardziej gładką boazerią, projektant, skupiając w ten sposób uwagę na jednym punkcie, uzyskiwał często efekty wysokiego rzędu. Figury kariatyd , pilastry i fryzy były jednymi ze zwyczajowych detali wykorzystywanych do uzyskiwania dobrych efektów. Nie ma lepszego przykładu niż ten niedawno usunięty ze starego pałacu w Bromley-by-Bow do Muzeum Wiktorii i Alberta. Półka nad kominkiem ma 6 stóp (1,8 m). od ziemi i składa się z głębokiej kwadrantowej formy ozdobionej płaskimi zwojami o dobrym designie. Pilastry podtrzymujące po obu stronach są ukształtowane i odlane w zwyczajowym dworze jakobińskim i są zwieńczone popiersiami z jońskimi kapitelami na głowach. Nad półką duży panel środkowy jest głęboko rzeźbiony z herbem królewskim z podporami i płaszczem, a po obu stronach półkoliste łukowate nisze zawierają postać w klasycznym stroju. Elżbietański _ carver często tworzył wspaniałe klatki schodowe, czasami rzeźbiąc słupki poręczy z heraldycznymi postaciami noszącymi herby itp. Regały schodów w Highgate wspierają różne typy żołnierzy Cromwella, wyrzeźbione z wielką żywotnością i życiem. Ale mimo doskonałej pracy, jak na przykład piękna galeria w Hatfield, rzeźba z tego okresu nie dorównywała, jeśli chodzi o Anglię, ani z innymi epokami, ani ze współczesnymi pracami w innych częściach Europy. Wiele prac jest źle narysowanych i źle wykonanych. To prawda, że zawsze osiągano dobre efekty dekoracyjne minimalnym kosztem, ale trudno znaleźć wiele zalet w pracy, która naprawdę najlepiej wygląda źle skrojona.
We Francji to płaskie i proste ujęcie było do pewnego stopnia stosowane. Drzwi były najbardziej odpowiednio zdobione w ten sposób, a często można spotkać dzieloną tralkę, tak charakterystyczną dla dzieł jakobiańskich. W muzeum w Lyngby w Danii znajduje się kilka bardzo dobrych gabinetów, ilustrujących połączenie tych dwóch metod leczenia. Ale Szwajcarzy i Austriacy rozwinęli ten styl, znacznie poprawiając efekt przez dodanie koloru. Jednak najlepsze projekty kontynentalne przyjęły typowe włoskie liście akantu, zachowując jednocześnie pewną dozę gotyku w sile linii i cięciu detali. Panele często długie i wąskie były powszechnie używane do wszelkiego rodzaju celów domowych, a cechą charakterystyczną był medalion pośrodku z prostym układem wazonów, delfinów, smoków lub ptaków i liści wypełniających przestrzenie powyżej i poniżej.
Znakomite są gabinety Holandii i Belgii [ według kogo? ] modele projektowania. Meble te układane były zazwyczaj dwukondygnacyjnie z pięknie rzeźbionym i rzeźbionym gzymsem, podziałem środkowym i cokołem. Pilastry po bokach i niewielkie wypukłości rzeźbione tylko na wysuniętej części tworzyłyby bardzo harmonijną całość. Część francuskich szafek jest ozdobiona kariatydami, które nie są wyrzeźbione w najlepszym guście i, podobnie jak inne francuskie stolarki z tego okresu, są czasami przeładowane rzeźbą. Drzwi St Maclou w Rouen, mimo że są piękne, trudno byłoby dziś uznać za wzór do naśladowania. Na uwagę zasługuje zestaw drzwi należących do ratusza w Oudenaarde . Centralne drzwi zawierają dwanaście, a po obu stronach osiem paneli, z których każdy jest wyrzeźbiony renesansowymi liśćmi otaczającymi dyskretną postać. W Palais de Justice widzimy ten wspaniały schemat dekoracji, który zajmuje cały koniec sali z kominkiem. Pięć dużych figur wyrzeźbionych na okrągło otoczonych jest małymi, z listowiem i herbami.
We Włoszech, miejscu narodzin renesansu, jest wiele pięknych dzieł z XVI wieku. Bardzo ważną szkołę projektowania promował Rafael , którego wzory były wykorzystywane lub adaptowane przez dużą liczbę rzemieślników. Okiennice Raphaels Stanze w Watykanie , oraz stalle w kościele św. Piotra z Cassinesi w Perugii należą do najpiękniejszych przykładów tego stylu rzeźbienia. Dzieło jest lekko wypukłe i wyrzeźbione w orzechu z tymi wdzięcznymi wzorami, które Rafael rozwinął z nowo odkrytych pozostałości starożytnego rzymskiego malarstwa ściennego z pałacu Nerona i innych miejsc. W Muzeum Wiktorii i Alberta znajduje się wiele przykładów włoskiej pracy: drzwi z klasztoru niedaleko Parmy, z trzema wybitnymi maskami i ciężkimi formami gadroon; ramka na zdjęcia z uroczą obwódką z akantu i foremkami na jajka i języki po obu stronach; oraz różne skrzynie małżeńskie z orzecha włoskiego pokryte bardzo wyszukanymi schematami rzeźbienia. Czasami trudno jest odróżnić hiszpański, a jeśli o to chodzi, pracę na południu Francji, od włoskiego, tak bardzo podobny jest charakter. Hiszpanie nie ustępują nikomu w dobrym wykonaniu. Niektóre hiszpańskie panele o typowym włoskim wzornictwie znajdują się w Muzeum Wiktorii i Alberta, a także szafki z najczystszego renesansowego porządku. W tej części znajduje się wspaniała kasetona portugalska (XVII w.). Wierzch jest głęboko rzeźbiony w małych przegródkach ze scenami z życia Naszego Pana.
XVII – XVIII wiek
W Anglii powstała wielka szkoła Grinlinga Gibbonsa . Chociaż wyrzeźbił wiele pięknych listew o konwencjonalnej formie ( Pałac Hampton Court , Chatsworth itp.), jego imię kojarzy się zwykle z bardzo ciężką formą dekoracji, która została skopiowana bezpośrednio z natury. Wielkie łaty draperii i listowia z owocami i martwymi ptakami itp. byłyby wyrzeźbione w wapnie grubym na stopę. Jeśli chodzi o umiejętności techniczne, przykłady te nie mają sobie równych; każde winogrono byłoby podcięte, drobniejsze łodygi i ptasie nogi odstają całkiem oddzielnie iw konsekwencji wkrótce ulegają energii miotły pokojówki. Dobre prace tej klasy można znaleźć w Petworth; Trinity College w Oksfordzie ; Trinity College w Cambridge ; Katedra św. Pawła; St James, Piccadilly; i wiele innych londyńskich kościołów.
Za panowania Ludwika XIV. i XV. główna zaleta rzeźbionego projektu, tj. jego stosowność i przydatność, stopniowo zanikała. Meble były często rzeźbione w sposób mało uzasadniony. Nogi, poręcze stołów i krzeseł, ramy szafek, luster, zamiast być najpierw wykonane ze względu na konstrukcję i wytrzymałość. a następnie zdobione, były najpierw przeznaczone do noszenia głów aniołków i rokoko (tj. ozdoba z kamienia i muszli), zupełnie niezależnie od użyteczności czy wygody. Bogactwo takich błędnych projektów zastosowano również w powozach państwowych, nie mówiąc już o stelażach łóżek i innych meblach. Jednak boazeria rezydencji bogatych, a czasem boazeria mebli, była dekorowana rokokowym wzorem w najmniej nielegalnej postaci. Główna część powierzchni drewna byłaby gładka, podczas gdy środek byłby wyrzeźbiony z medalionem otoczonym listowiem, wazonami lub trofeami pochodni i instrumentów muzycznych itp., A może tak potraktowano by górną część panelu. Francja przewodziła modzie, która była mniej więcej naśladowana w całej Europie. W Anglii pozłacane krzesła w stylu Ludwika XV. zostały wykonane w niektórych ilościach. Ale Thomas Chippendale , Ince and Mayhew, Sheraton, Johnson, Heppelwhite i inni stolarze z reguły nie używali wielu rzeźb w swoich projektach. Zwoje, muszle, wstążki, kłosy itp., z bardzo drobnym reliefem, były jednak używane do ozdabiania krzeseł itp., A stopa z pazurem i kulką była używana jako zakończenie kabrioletowych nóg szafek i inne meble.
W XVIII wieku kominki były z reguły rzeźbione w sośnie i malowane na biało. Zwykle półki były wąskie i wsparte na pilastrach, często o płaskim planie eliptycznym, czasem na kariatydach , a fryz składał się z wypukłego panelu środkowego z wyrzeźbioną klasyczną sceną lub samą maską, a po obu stronach łup z kwiatów, owoców i liści.
Wewnętrzne drzwi były często ozdobione złamanym frontonem , mniej lub bardziej ozdobnym, a listowie zwykle wisiało z obu stron na tle zwojów. Zewnętrzne ganki tak często spotykane w domach królowej Anny miały charakter charakterystyczny dla XVIII wieku. Mała platforma lub zakrzywiony dach był podtrzymywany przez dwa duże i ciężkie wsporniki wyrzeźbione w zwojach akantu. Klatki schodowe były z reguły bardzo dobre. Rzeźbione i przebijane wsporniki mocowano do otwartych cięgien (tj. boków stopni), nadając bardzo ładny efekt wdzięcznej balustradzie z toczonych i skręconych kolumn.
Renesansowa figura wymaga niewielkiego komentarza. W XVI wieku wyprodukowano wiele dobrych przykładów, na przykład posągi kapłańskie w muzeum Sens. Ale prace figuralne używane do dekoracji szafek itp. Rzadko przekraczały zwykły poziom. W XVIII wieku modne były głowy cherubinów, aw bukszpanach rzeźbiono czasem statuetki jako ozdoby, ale rzeźba w drewnie przestała być środkiem do ozdabiania domów. Szwajcarzy jednak zachowali swoją reputację rzeźbiarzy zwierząt do dnia dzisiejszego i nadal produkują sprytnie rzeźbione kozice i niedźwiedzie itp .; z reguły im bardziej szkicowo cięte, tym lepsza zasługa. Ich bardziej ambitne prace, ich grupy krów itp., czasami osiągają wysoki poziom doskonałości.
Gardena , która obecnie znajduje się we włoskiej prowincji Południowy Tyrol , rozpoczął się kwitnący przemysł snycerski . Sieć ludzi z tej doliny wędrowała pieszo do wszystkich europejskich miast, aż do Lizbony i Sankt Petersburga, aby sprzedawać wyroby setek rzeźbiarzy. Wreszcie w XIX wieku w Gardenie wyrzeźbiono w milionach sztuk głównie drewniane zabawki i lalki, zwane też lalkami holenderskimi lub lalkami groszowymi. Muzeum Gherdëina w Urtijëi wyświetla dużą kolekcję przykładów rzeźby w drewnie z tego regionu.
W Portugalii i Hiszpanii nadal produkowano pozłacane rzeźby w drewnie, a styl eksportowano do ich kolonii w Nowym Świecie oraz na Filipiny , Makao i Goa .
XIX wieku do współczesności
O dziele XIX wieku i później niewiele można powiedzieć na pochwałę. Poza dzisiejszą modą na zbieranie starego dębu wydaje się, że nie ma zapotrzebowania na dekorację rzeźbioną. Pewna liczba rzeźbiarzy znajduje zajęcie w pracach kościelnych, a także przy naprawach lub produkcji imitacji. Ale rzeźbienie, które można zobaczyć w hotelach lub na pokładzie nowoczesnego pałacu oceanicznego, jest w głównej mierze pracą maszyny, często z pracami wykończeniowymi wykonywanymi przez pracowników ludzkich.
Niemniej jednak w XIX wieku nauczanie rzeźbienia w drewnie zostało sformalizowane w kilku krajach europejskich. Na przykład austriacki rzeźbiarz Josef Moriggl (1841–1908) miał długą karierę nauczyciela, której kulminacją było powołanie go w 1893 r. na profesora w Staats-Gewerbeschule (Szkoła Rzemieślnicza) w Innsbrucku , gdzie służył aż do przejścia na emeryturę w 1907 r.
W Gröden instytucja szkoły artystycznej w 1820 roku znacznie poprawiła umiejętności snycerzy. Rozwinęła się nowa gałąź przemysłu z setkami artystów i rzemieślników zajmujących się rzeźbą i produkcją posągów i ołtarzy z drewna eksportowanych na cały świat. Niestety przemysł rzeźbienia maszynowego, zapoczątkowany w latach 50-tych i Soborze Watykańskim II , spowodował, że setki rzeźbiarzy w Val Gardena porzuciło swoje rzemiosło. Nastąpił światowy handel rzeźbionymi maszynowo figurkami i posągami.
koptyjski
We wczesnym średniowieczu ekrany i inne elementy wyposażenia koptyjskich kościołów w Egipcie były produkowane przez rodzimych robotników chrześcijańskich. W British Museum znajduje się zestaw dziesięciu małych paneli cedrowych z drzwi kościoła Sitt Miriam w Kairze (XIII wiek). Sześć rzeźbionych paneli z postaciami jest wyrzeźbionych z bardzo płaskorzeźbą, a cztery panele z liśćmi mają dość orientalny charakter, są skomplikowane i delikatne zarówno pod względem szczegółów, jak i wyposażenia. W Muzeum Kairskim wiele prac jest traktowanych według znanego stylu arabskiego, podczas gdy inne projekty mają charakter dość bizantyjski . Praca figuralna nie jest bardzo wysokiego rzędu.
praca islamska
Muzułmańscy snycerze z Persji, Syrii, Egiptu i Hiszpanii słyną ze swoich umiejętności, zaprojektowali i wykonali najbogatsze boazerie i inne dekoracje okładzin ściennych, sufitów, ambon oraz wszelkiego rodzaju okuć i mebli. [ według kogo? ] Meczety i prywatne domy Kairu, Damaszku i innych miast Wschodu pełne są najbardziej wyszukanej i najdelikatniejszej stolarki. Ulubionym stylem zdobnictwa było pokrywanie powierzchni bardzo skomplikowanymi przeplatanymi wzorami, utworzonymi przez drobno uformowane żebra; różne geometryczne przestrzenie między żebrami zostały następnie wypełnione małymi kawałkami drewna wyrzeźbionymi z listowiem z lekkim reliefem. Wykorzystanie różnych gatunków drewna, takich jak heban czy bukszpan, intarsjowanych w celu podkreślenia wzoru, w połączeniu z pomysłowym bogactwem wzorów, nadaje tej klasie stolarki niemal niezrównany blask efektu. Rzeźbiona kość słoniowa jest również często używana do wypełniania przestrzeni. Arabowie są dawnymi mistrzami w sztuce rzeźbienia w ten sposób płaskich powierzchni. Brama w meczecie sułtana Bargouga (Kair, XIV w.) dobrze ilustruje to docenianie linii i powierzchni. Ambona lub mimbar (XV wiek) z meczetu w Kairze, obecnie w Muzeum Wiktorii i Alberta, jest również dobrym przykładem w tym samym stylu, w tym przypadku małe przestrzenie są wypełnione płaskorzeźbą z kości słoniowej.
Ekrany złożone z labiryntów skomplikowanej stolarki, składającej się z mnóstwa maleńkich tralek łączących sześciokąty, kwadraty lub inne formy, z płaskimi powierzchniami stale wzbogacanymi drobnymi rzeźbieniami, są znane każdemu. W Kairze mamy również przykłady w meczecie Qous (XII wiek) tego precyzyjnie ułożonego geometrycznego przeplotu krzywych z zakończeniami liści, co wyróżnia saraceńskiego projektanta. Sześć paneli w Muzeum Wiktorii i Alberta (XIII w.) oraz prace na grobowcu sułtana Li Ghoury (XVI w.) pokazują, jak głęboko ta forma dekoracji była zakorzeniona w arabskiej naturze. Czasami wprowadzano figury i zwierzęta, w stylu średniowiecznym, jak na sześciu panelach, o których właśnie mowa, oraz w hôpital du Moristan (XIII wiek) i meczet El Nesfy Qeycoun (XIV wiek). Na drzwiach Beyt-el-Emyr znajduje się wspaniała tablica. Ten wykwintny projekt składa się z liści winorośli i winogron o konwencjonalnej obróbce w płaskorzeźbie. Arabski projektant lubił rozbijać swoją boazerię w sposób przypominający podobny zwyczaj jakobiański. Główny panel zostałby podzielony na szereg sześciokątnych, trójkątnych lub innych kształtów, a każda mała przestrzeń zostałaby wypełniona konwencjonalnymi zwojami. Wiele z tego prostego, płaskiego projektu przypomina jedną z bizantyjskich metod, z których czerpali inspirację elżbietańscy rzeźbiarze.
Persia
Perscy rzeźbiarze ściśle podążali za arabskim projektem. Typowa jest para drzwi z XIV wieku z Samarkandy (Muzeum Wiktorii i Alberta). Pudełka, łyżki i inne drobne przedmioty były często ozdobione przeplatającymi się liniami o charakterze saraceńskim, a delikatność i drobiazgowość pracy wymagały największej cierpliwości i umiejętności. Wiele wzorów przypomina pracę z drzewa sandałowego w Madrasie, z tą różnicą, że Persowie zadowalali się znacznie niższym reliefem. Czasami bardzo piękny efekt uzyskiwano dzięki oszczędnemu wznoszeniu się wzoru kratownicy między listowiem. Znakomity panel z XIV wieku w Muzeum Wiktorii i Alberta pokazuje, jak aktywne były wpływy arabskie, nawet aż do Buchary.
Indie i Birma
Na całym Wielkim Półwyspie Indyjskim od wielu stuleci nieprzerwanie wytwarza się najbardziej luksusowe rzeźby w drewnie. Starożytne świątynie hinduskie były ozdobione drzwiami, sufitami i różnymi elementami wyposażenia wyrzeźbionymi w drewnie tekowym i innym drewnie z wzorami o niezwykłym bogactwie i drobiazgowym opracowaniu. Drzwi świątyni Somnath na północno-zachodnim wybrzeżu słynęły ze swojej wspaniałości i były wysoko cenione jako święte relikwie. W 1024 r. zostali zabrani do Ghazni przez muzułmańskiego zdobywcę, sułtana Mahmuda, i obecnie leżą w forcie w Agrze. Bramy, które obecnie istnieją, są bardzo pięknymi okazami starożytnej rzeźby w drewnie, ale prawdopodobnie są kopiami oryginalnych, prawdopodobnie starożytnych drzwi. Wiele drzwi, kolumn, galerii, a nawet całych frontów domów pokrytych jest najbardziej skomplikowanymi wzorami, które zdumiewają (Bhera, Shahpur). Ale nie zawsze tak jest, a Oriental jest czasami bardziej powściągliwy w swoich metodach. Widoczny jest detal architektoniczny ze wzbogaceniem wyrzeźbionym wokół obramienia. Hinduskie traktowanie kręgu jest często wyjątkowo dobre i być może rzadziej może inspirować zachodni projekt. Liście, owoce i kwiaty są na bieżąco dostosowywane do schematu dekoracji frędzlowej drzwi czy okien, a także ram krzeseł i krawędzi stołów. Rzeźbiarze z południowych Indii często pracują z drewnem sandałowym, zawsze pokrytym wzorem, w którym miejsca zajmują sceny lub postacie z mitologii hinduskiej. Wiele stojaków na gong w Birmie wykazuje najwyższe umiejętności; znany jest układ dwóch postaci niosących słup, z którego zwisa gong.
Indochiny i Daleki Wschód
W tych krajach rzeźbiarz nie ma sobie równych pod względem zręczności ręki. [ potrzebne źródło ] Tworzone są groteskowe i imitacyjne prace o najwyższej doskonałości, a wiele rzeźb z tych krajów, w szczególności z Japonii, to piękne dzieła sztuki, zwłaszcza gdy rzeźbiarz kopiuje lotos, lilię lub inną roślinę wodną. Ulubiona forma dekoracji polega na rozbijaniu powierzchni architektonicznych, takich jak sufity, fryzy i kolumny, na kwadraty w ramkach i wypełnianie każdego panelu kołem lub konwencjonalnym diamentem za pomocą spandreli w każdym rogu. Bardzo chińską cechą jest zwieńczenie słupka newel, więc zawsze pozostawiane mniej więcej prosto z profilu i głęboko rzeźbione z potworami i zwojami. Mocno wzbogacona sztukateria, nawiązująca do gadroonu, jest powszechnie używana do podkreślenia krawędzi, a smok ułożony w krzywizny imitujące naturę często pojawia się na ściśle zaprojektowanym i podporządkowanym tle.
Ogólna zasada, że w każdym kraju projektanci używają mniej więcej tych samych środków, za pomocą których uzyskuje się wzór, obowiązuje w Chinach. [ wymagane wyjaśnienie ] Istnieją tu formy dekoracji kapel, które bardzo przypominają te z gotyckiej Europy, a krzesło z Turkiestanu (III wiek) może być prawie elżbietańskie, podobnie jak detale. Ekrany w formie grilla, często spotykane w historycznie islamskich krajach, są powszechne, a głęboko zakorzenione, ściśle ułożone wzory Bombaju mają również swoje odpowiedniki. Podium cesarskie w Chien-Ching Hall w Pekinie to arcydzieło skomplikowanej konstrukcji. Tył składa się z jednego centralnego panelu o znacznej wysokości, z dwoma mniejszymi stopniami po obu stronach luksusowo rzeźbionymi. Całość zwieńczona bardzo ciężkim herbem smoków i zwojami; tron jest również wspaniałym przykładem rzeźbionej obróbki, a drzwi szafki w tym samym budynku pokazują, jak bogaty efekt listowia można uzyskać bez użycia łodygi lub zwoju. Można by wręcz powiedzieć, że marnuje swój talent na tak niewdzięczny materiał jak drewno. W tym materiale wachlarze i inne drobiazgi są wyrzeźbione z delikatnością, która grozi katastrofą.
W Japonii widać większość chińskiego typu. Miejscowy rzeźbiarz lubi zbierać liście bez łodygi, która by go prowadziła. Wydaje się, że najpierw umieszcza swoje liście, owoce i kwiaty, a potem wskazuje łodygę tu i tam, odwracając w ten sposób kolejność metody zachodniej. Taki zabieg, zwłaszcza przy wprowadzaniu ptaków i zwierząt, ma najwyższy efekt dekoracyjny. Ale, ponieważ tak bliskie traktowanie jest nieuniknione, powodzenie zależy w pewnym stopniu od jego schematu kolorów. Długi panel w Muzeum Wiktorii i Alberta, przedstawiający kupców z jucznym koniem, bardzo przypomina w swoim grupowaniu i traktowaniu dzieło gotyckie z XV wieku, jak na przykład panel z Św. Huberta w muzeum w Châlons. Siła i charakter japońskiej figury dorównuje najlepszej rzeźbie gotyckiej XV wieku.
Inne kultury
Jedenaste wydanie Encyclopædia Britannica opisuje rzeźbienie wiórów (przy użyciu noży lub dłut do usuwania wiórów z płaskiego kawałka drewna) i zdobione powierzchnie za pomocą naciętych linii, które są obecne na całym świecie, a także stwierdza, że rzeźbienie reliefowe jest powszechne na całym świecie.
Encyklopedia opisuje styl Wysp Cooka , wzór utworzony z małych trójkątów i kwadratów całkowicie pokrywających powierzchnię, a czasem urozmaicony pasmem o różnym ułożeniu, który nie ma sobie równych pod względem cierpliwości i dokładności . Stwierdza również, że Fidżi stosują projekty chipów rywalizujące z europejskimi pod względem różnorodności, a rzeźbiarze z Markizów doceniają sposób, w jaki gładkie powierzchnie kontrastują i podkreślają zdobione części, ograniczając swoją pracę do pasów dekoracji lub specjalnych punktów. Zauważa, że rzeźba Maorysów używa zwojów i rzeźb do dekoracji, zwłaszcza domów, a sztuka z Nowej Gwinei również wykorzystuje zwoje, które porównuje do giloszowania i prac skandynawskich.
Stwierdza również, że lud Ijaw z Nigerii „projektuje swoje wiosła w mistrzowski sposób i wykazuje doskonałe wyczucie proporcji między gładką a dekorowaną powierzchnią”. Ich projekty, choć nieco wypukłe, mają charakter chipowy. Twierdzi, że w sztuce rdzennych Amerykanów skręcanie w różne kształty jest ulubionym sposobem traktowania trzonków fajki .
