Mabel Dwight

Mabel Dwight
Mabel Dwight, autoportret, 1932
Urodzić się	Mabel Jacque Williamson ( 1875-01-31 ) 31 stycznia 1875
Zmarł	4 września 1955 ( w wieku 80) ( 04.09.1955 )
Narodowość	amerykański
Edukacja	Instytut Marka Hopkinsa
Znany z	Litografia, akwarele

Mabel Dwight (1875–1955) była amerykańską artystką, której litografie przedstawiały z humorem i tolerancją sceny ze zwykłego życia. Carl Zigrosser , który dokładnie ją przestudiował, napisał, że „Jej praca jest przepojona litością i współczuciem, poczuciem ironii i zrozumieniem wynikającym z głębokiego doświadczenia”. Od późnych lat dwudziestych do wczesnych czterdziestych XX wieku osiągnęła zarówno popularność, jak i krytyczny sukces. W 1936 roku Prints nazwał ją jedną z najlepszych żyjących grafików , a ówczesny krytyk powiedział, że była jedną z czołowych litografów w Stanach Zjednoczonych.

Wczesne życie i edukacja

Zdjęcie nr 1, okładka katalogu Mabel Dwight (Mabel Williamson) San Francisco Sketch Club, 1898

Zdjęcie nr 2, Mabel Dwight, „On twierdził, że jest jego własnością”, ilustracja z książki Along Four Footed Trails; Wild Animals of the Plains as I Knew Them autorstwa Ruth A. Cook (J. Pott & Company, Nowy Jork, 1903) okładka i strona tytułowa.

Urodzona w Cincinnati i wychowana w Nowym Orleanie , pod koniec lat osiemdziesiątych XIX wieku przeniosła się z rodzicami do San Francisco . Tam studiowała u Arthura Mathewsa w Mark Hopkins Institute . Na początku 1899 roku krytyk lokalnego tygodnika The Wave powiedziała, że ​​​​jej portrety były najlepsze na wystawie, „traktowane z delikatnością i wyczuciem charakterystycznym dla prawdziwego kolorysty”. W tym samym roku dołączyła i została dyrektorem San Francisco Sketch Club. W 1898 roku wykonała ilustrację na okładkę katalogu wystawy klubowej, pokazaną tutaj, fot. nr 1. Dwa lata później otrzymała zamówienie na portret z miesięcznika „Krytyk ” . Mniej więcej w tym samym czasie, wciąż mieszkając z rodzicami, przeprowadziła się na Manhattan, gdzie wydawca zlecił jej wykonanie ilustracji do książki o zwierzętach w zachodnich Stanach Zjednoczonych. Jej trzynaście rysunków zawierało przednią stronę jelenia, pokazaną tutaj, zdjęcie nr 2. Krytyk nazwał te obrazy „zachwycającymi”, dodając, że spodobają się czytelnikom starszym i młodszym.

W wieku dwudziestu kilku lat towarzyszyła Helen Bartlett Bridgman, żonie odkrywcy Herberta Lawrence'a Bridgmana , w światowej trasie obejmującej Egipt , Cejlon , Indie , Jawę i Wielką Brytanię. Po powrocie do Stanów Zjednoczonych w 1903 roku dołączyła do rodziców w Greenwich Village . Przez kilka następnych lat kontynuowała swoje wysiłki, aby stać się profesjonalną artystką, a od 1903 do 1906 wymieniała się w American Art Annual jako malarz i ilustrator. Poznała iw 1906 poślubiła innego artystę Eugene'a Patricka Higginsa. Chociaż obaj byli socjalistami i dlatego opowiadali się za równouprawnieniem płci, Dwight przyjął rolę pomocnika i przestał malować.

Dwight i Higgins nie mieli dzieci. W 1917 roku rozstali się, a ona wznowiła karierę malarską. W następnym roku dołączyła do Gertrude Vanderbilt Whitney i została sekretarką Juliany Force , dyrektora klubu. Przez kilka następnych lat brała udział w sesjach rysunkowych z życia i pokazywała na corocznych wystawach organizowanych przez klub. Chociaż przeprowadzała pewne eksperymenty z akwafortą, w tym czasie zajmowała się głównie akwarelą. Kiedy w grudniu 1918 roku na klubowej wystawie pokazała obraz zatytułowany Nokturn , krytyk American Art News nazwał to „czarnym obrazem”, na którym znajdowała się „naga kobieca postać o niezwykłej linii i tonie”. W 1923 roku wykonała akwarelę przedstawiającą temat, który później pojawił się ponownie jako jedna z jej najbardziej znanych litografii. Pokazywanie ludzi w publicznym akwarium było, jak powiedział krytyk, „zarówno zabawne, jak i kompetentnie obsługiwane”. Krytyk pochwalił inny jej obraz, zatytułowany Portret mężczyzny , za „dobrą charakterystykę” i bogatą kolorystykę, która „zdecydowanie funkcjonuje w osiąganiu formy”. Recenzując inny program Whitney Club, w 1926 roku, krytyk dla New York Sun powiedział: „Panna Dwight jest dowcipna, a na jej obrazach przedstawiających przedmioty zatrzymane w metrze, parkach i innych miejscach publicznych wplata wiele podstępnej krytyki jej współobywateli”.

Dojrzały styl

• 

  Obraz nr 3, Mabel Dwight, Chess on Deck , 1926 lub 1927, akwarela i grafit, 8 7/8 x 12 1/8 cala

• 

  Obraz nr 4, Mabel Dwight, Kościół Basków , 1927, litografia, 13 1/8 x 16 cali, wydanie 12

• 

  Obraz nr 5, Mabel Dwight, Opuszczony dwór , 1928, litografia, 15 7/8 x 11 1/2 cala, wydanie 50

• 

  Obraz nr 6, Mabel Dwight, Prom , 1930, litografia, 11 1/2 x 16 cali

• 

  Obraz nr 7, Mabel Dwight, ilustracja z filmu „How to Make a Circus Pay”, 10 1/2 x 14 cali

• 

  Obraz nr 8, Mabel Dwight, Life Class , 1931, litografia, 13 1/8 × 16 15/16 cali

• 

  Obraz nr 9, Mabel Dwight, Portret , 1935, litografia, 13 5/8 x 15 1/4 cala

• 

  Obraz nr 10, Mabel Dwight, Queer Fish , 1936, litografia, 10 5/8 x 13 cali

. Jakiś czas przed wybuchem I wojny światowej poznała nowojorskiego handlarza grafiką Carla Zigrossera i za jego namową udała się do Paryża w 1926 roku, aby spędzić rok studiując sztukę litograficzną w Atelier Duchatel . Podczas pobytu w Paryżu wykonała szkice przedstawiające ludzi zaangażowanych w codzienne czynności – oglądanie przedstawień kukiełkowych , przesiadywanie w kawiarniach, modlenie się, przeglądanie straganów nad Sekwaną — i przerobił szkice na odbitki litograficzne. Postacie, które przedstawiła, zarówno w postawie i gestach, jak iw wyrazie twarzy, pokazywały swoją osobowość i indywidualne słabości. Akwarela, którą nazwała Szachy na pokładzie , pokazana tutaj, zdjęcie nr 3, została prawdopodobnie wykonana podczas jej podróży wychodzącej lub przychodzącej. Litografię zatytułowaną Kościół Basków wykonała podczas pobytu za granicą. Kiedy Philadelphia Print Club pokazał wszystkie prace litograficzne Dwighta w 1929 roku, CH Bonte, krytyk Philadelphia Inquirer , zwrócił uwagę na ryciny francuskich scen, takich jak ta, mówiąc: „Ona interesuje się przede wszystkim ludźmi i ich charakterami. Bogata jest umiejętność, która została wykorzystana do nadania indywidualnego rozróżnienia wszystkim szczegółom tej ludzkiej komedii, ponieważ z pewnością jest to komedia, jak widzi to panna Dwight”.

W ciągu roku od jej powrotu odbitki paryskie i te, które zaczęła tworzyć w Nowym Jorku, pomogły jej ugruntować pozycję jednej z najlepszych amerykańskich artystek litograficznych. W 1928 roku Zigrosser zaaranżował jej pierwszą indywidualną wystawę. W tym samym roku krytyk Brooklyn Daily Eagle zauważył, że ma „smycz do fantastyki i romantyzmu oraz potrafi pobudzać wyobraźnię”. Krytyk dodał: „Mabel Dwight, której wystawa odbywa się w Weyhe Galleries, zyskała już znaczną reputację w tym medium”, dodając, że „jest skłonna reagować na humorystyczny aspekt życia”. W 1929 roku Print Club of Philadelphia dał jej indywidualną wystawę obejmującą wszystkie grafiki, które wykonała w Paryżu, Chartres i Nowym Jorku do końca poprzedniego roku. W obszernej recenzji Margaret Breuning z New York Evening Post napisał, że program zawierał „gejowskie radosne litografie wykonane przez prawdziwą artystkę, której czuły puls jest dobrze dostrojony do bicia serca tych, których tak wiernie przedstawia”.

Litografia wykonana w 1928 roku zatytułowana Deserted Mansion była jednym z jej pierwszych odbitek, które przyciągnęły znaczną uwagę. Krytyk Brooklyn Daily Eagle zwrócił na to uwagę i inne jej „emocjonalne zdjęcia opuszczonych starych domów”. Krytyk z Philadelphia Inquirer napisał, że nasyciła temat „wyczuwalnym duchem tajemnicy” iw ten sposób dokonała „emocjonalnej sztuczki robienia zdjęć”. Dwight powiedział później, że to miejsce przypomina jej Jane Eyre , dodając: „Górne okna nie były zabite deskami ani okiennicami, a oni patrzyli na jedno z tym szalonym wyrazem twarzy, jaki nabierają okna długich pustych domów”. Ten wydruk jest pokazany tutaj, zdjęcie nr 5.

Litografia Dwighta wykonana w 1929 roku, zatytułowana Ferry Boat, została wybrana przez Institute of Graphic Arts jako jedna z jego „Pięćdziesięciu grafik roku”. W 1931 roku krytyk powiedział, że jest to „bardzo zabawne w swojej satyrze”. Pisząc w New York Times , Edward Alden Jewell uznał to za jedno z jej znaczących dzieł w 1932 r., Aw 1937 r. Powiedział, że było wówczas uważane za „od dawna znane”. Kilka lat później, w recenzji czterech współczesnych grafików, Zigrosser nazwał tę litografię „nieśmiertelną”. W 1930 roku Fortuna magazyn zlecił jej zilustrowanie artykułu zatytułowanego „To Make a Circus Pay”. Ilustracja, którą wykonała na pierwsze dwie strony dzieła, jest pokazana tutaj, zdjęcie nr 7. Kiedy w 1932 roku otrzymała drugą indywidualną wystawę w Galerii Weyhe, pokazała akwarele i rysunki, a także swoje grafiki. Spektakl zaczerpnął od Edwarda Aldena Jewella ocenę jej zdolności do wywołania szeregu nastrojów w jej pracy. Napisał, że przedstawiała rezydencje, które stały się „uroczystymi duchami”, wraz z cmentarzami i innymi ponurymi tematami, ale także przedstawiała „szczerze beztroskie”, a nawet „zabawne” prace przedstawiające cyrki i imprezy czynszowe. Pomiędzy skrajnościami przytaczał obrazy, jak np Ferry Boat , który stał się „wygodniejszy” dla widzów.

Litografia z 1931 roku, zatytułowana Life Class , pokazana tutaj, zdjęcie nr 8, nie zwróciła wówczas uwagi, ale ostatnio została szczegółowo przeanalizowana. W 1952 roku krytyk zauważył w nim zdolność Dwighta do personifikacji konkretnych wydarzeń, posługując się „pewnym i niepochlebnym” akcentem. W 1990 roku Christine Temin, pisząc w Boston Globe, wyjaśniła, że ​​obraz upamiętnia czas, kiedy kobiety po raz pierwszy pozwolono dołączyć do mężczyzn w rysowaniu nagich modelek w Whitney Studio Club. Napisała: „Czysta nieszkodliwość tej sceny jest kpiną z seksistowskiego świata sztuki”. W 2014 roku w katalogu wystawy wskazano, że modelka spogląda wstecz na artystów, gdy ją badają, i powiedział, że rysownice na zdjęciu mogą być postrzegane jako „reprezentujące feministyczną ideę męskiego spojrzenia”. W 1942 roku Zigrosser porównał to zdjęcie do bardzo podobnego autorstwa Peggy Bacon powiedziała, że ​​​​Bacon był karykaturą, podczas gdy Dwight był „dramatem”, i dodała, że ​​​​Dwight był „zbiorem indywidualnych studiów postaci, które zgodnie z logiką sytuacji nabierają również aspektu komicznego”.

W 1933 roku reputacja Dwighta była mocno ugruntowana. Jej prace pojawiały się na wystawach zbiorowych Whitney Studio Club, Philadelphia Print Club, Philadelphia Art Alliance oraz na wystawach indywidualnych w Weyhe Gallery i Duke University. Jej prace były prezentowane w Vanity Fair siedem razy między listopadem 1928 a wrześniem 1930. Do 1933 roku jej obrazy, rysunki i grafiki były obecne w kolekcjach znanych muzeów, w tym Metropolitan Museum of Art , Museum of Fine Arts w Bostonie , Muzeum Sztuki w Cleveland , Instytut Sztuki w Chicago , Muzeum Fogga na Uniwersytecie Harvarda, Muzeum Wiktorii i Alberta oraz Bibliothèque nationale de France . Pisząc w Publishers Weekly , Walter Pach zauważył po prostu, że została „uznana w ciągu ostatnich kilku lat”. Edward Alden Jewell nazwał ją „utalentowanym amerykańskim satyrykiem”.

W 1935 roku wykonała portret, który w tamtym czasie spotkał się z niewielkim lub żadnym zainteresowaniem opinii publicznej. Pokazane tutaj, zdjęcie nr 9, ono i jej autoportret, pokazane u góry w polu informacyjnym, ilustrują jej umiejętności portretowania. Krytycy zaobserwowali tę umiejętność po raz pierwszy w 1899 i ponownie w 1923, jak wspomniano powyżej. W 1997 roku krytyk New York Times zwrócił uwagę na „tryb klasyczny” w jej stylu portretowym.

W 1936 roku została wymieniona jako jedna z najlepszych grafików w Ameryce w magazynie Prints , aw artykule prasowym powiedziano, że „wspięła się na szczyt trudnej i wysoce konkurencyjnej dziedziny”. W tym samym roku wykonała litografię zatytułowaną Queer Fish , która spotkała się z uznaniem krytyków i fanów, a ostatecznie stała się jej najpopularniejszym drukiem. Pokazane tutaj, zdjęcie nr 10, pochodzi ze szkiców, które wykonała w nowojorskim akwarium w Battery Park . Kiedy został pokazany dwa lata później, krytyk powiedział, że „słynął już ze swojego humoru”. Sama Dwight omówiła to później szczegółowo, mówiąc:

Pod balkonem jest ciemno, a sylwetki ludzi są czarne na tle oświetlonych czołgów. ... Ludzie wykręcają się w groteskowe kształty, opierając się o dość niską balustradę; tylne wyrastają duże, a długie nogi plączą się. Pewnego dnia zobaczyłem ogromną rybę granik i grubasa, którzy próbowali się prześcignąć wzrokiem; To był psychologiczny moment. Pysk ryby był otwarty, a jego teleskopowe oczy skupiały się intensywnie. Mężczyzna, zaskoczony nagłym zjawą, ... opadł szczękę; ... zahipnotyzowali się na chwilę, po czym obaj odpłynęli. Dziwna ryba!!

W 1934 roku Dwight dołączył do Public Works of Art Project . Jedna z jej biografek, Carol Kort, donosi, że pomimo sukcesów zawodowych znajdowała się wówczas w poważnych tarapatach finansowych. Kiedy ten projekt się rozpadł, dołączyła do Federalnego Projektu Artystycznego Administracji Projektów Robót i pozostała pracownikiem federalnym do 1939 roku. W ciągu tych pięciu lat nadal produkowała odbitki, które „zgodnie z tradycją Honoré Daumiera ”, jak podaje jedno ze źródeł, „połączył humor z komentarzami politycznymi”. Oprócz trudności finansowych jej stan zdrowia pogorszył się w ciągu tych lat. Cierpiała na astmę i coraz bardziej traciła słuch, aż do głuchoty.

W 1936 roku Dwight napisał esej do książki, którą Federal Art Project zamierzał opublikować, aby pokazać znaczenie i jakość programu oraz jego artystów. Rząd odmówił wówczas publikacji, aw 1973 roku Nowojorskie Towarzystwo Graficzne w końcu przekazało ją do druku ( Sztuka dla milionów; eseje z lat trzydziestych XX wieku autorstwa artystów i administratorów WPA Federal Art Project , opracowane przez Francisa V. O' Connor, Greenwich, Connecticut). W swoim eseju Dwight mówi, że wymagania estetyczne stoją w sprzeczności z satyrycznym pragnieniem pokazania „nieuniknionych wad tkwiących w życiu”. Nazywa Francisco Goya i Honoré Daumier jako dwóch z nielicznych mistrzów, którzy byli w stanie rozwiązać ten konflikt. Z socrealizmu pisze: „Niektórzy z młodych, świadomych klasowo artystów są zbyt arogancko przedstawiani wulgarności, brzydoty, niesprawiedliwości itp. sztuki. Wynik pozostawia widza obojętnym”. Zauważa, że ​​inni artyści jej czasów pokazują ludzi, którzy są na dnie, miejskie podłe ulice i tandetne rozrywki, nie będąc satyrykami. „Szczerze mówiąc, lubią malować Coney Island, stacje benzynowe, stoiska z hot-dogami, tanie główne ulice, domy z ramami z wyrzynarkami - wszystko to przypominające Topsy zabudowę naszych miast”. Esej kończy się stwierdzeniem, które może odnosić się do jej własnej twórczości. Artystka, jak mówi, powinna zachować „chłodną głowę i ciepłe serce”. Nie musi on lub ona wyolbrzymiać słabostek ludzi, gdyż nie można „rywalizować natury, która sama stworzyła istoty tak ponad wszelką rozsądną proporcję” [ale] „musi tylko spojrzeć na tych ludzi ze współczuciem i przełożyć je na sztukę być tak tragiczny lub zabawny, jak sobie tego życzy”.

Dziesięć lat po jej pierwszej, Weyhe Gallery dała Dwightowi trzecią indywidualną wystawę, tym razem obejmującą około 93 prac, które, jak skomentował krytyk New York Times , obejmowały „od scen paryskich z 1927 r. Prom z 1930 roku i bardzo podziwiana Queer Fish z 1936 r. Cytując jej „bogaty, zdrowy ludzki komentarz”, recenzent napisał: „Wszędzie tam, gdzie krążą masy ludzi, na promach i rogach ulic, w parkach i kinach, panna Dwight znajduje pozornie niewyczerpany materiał. Jej praca to bogaty, zdrowy ludzki komentarz. Jest pełen przyjaznego humoru. Ale artystka nie ukrywa swoich uczuć za satyrą. Wiemy, gdzie leży jej sympatia. Dotyczy mocno obciążonych mężczyzn od bananów, a nie spuchniętych mężczyzn z masłem i jajkiem. "

O pokazie jej wydruków Federal Art Project w Miami krytyk napisał, powtarzając dyskusję Dwighta na temat satyry w sztuce: „Kiedy w tych litografiach pojawiają się zniekształcenia i przesady, są one subtelne, dojrzałe i sugestywne, ponieważ wynikają raczej ze współczucia niż z arogancji i pogarda”. Krytyk dodał: „Jako litograf Mabel Dwight należy do najlepszych w Ameryce, chociaż zaczęła pracować w tym medium dopiero w 1927 roku, kiedy skończyła 50 lat”.

Dalsze życie i praca

Zdjęcie nr 12, Mabel Dwight, Dom na farmie jesienią , około 1944 r., akwarela i grafit na desce akwarelowej, 15 1/2 cala x 23 cale

Ostatnie lata 1930 okazały się punktem kulminacyjnym kariery Dwighta. We wczesnych latach czterdziestych jej prace nadal pojawiały się na wystawach grupowych w Nowym Jorku, w tym w Weyhe Gallery (1941, 1942), pokazie współpracujących dealerów w American Fine Arts Building (1941) i National Academy of Design (1942) , ale po 1942 roku praktycznie ich nie było. Kiedy grupa jej litografii pojawiła się w Muzeum Sztuki w St. Louis w 1947 roku krytyk zauważył, że zostały wydrukowane w latach trzydziestych XX wieku. Nazywając je „nasyconymi nastrojem” i „miłymi dla oka”, krytyk pochwalił jej umiejętność przedstawiania „komicznych aspektów z wesołością, a nie sarkazmem” i powiedział, że pokazane przez nią postacie ludzkie były „solidne i starannie zbudowane zarówno pod względem psychologicznym, jak i fizycznie."

W latach czterdziestych Dwight wykonała akwarelę zatytułowaną Farm House in the Fall , pokazaną tutaj, zdjęcie nr 12. Po przejściu na litografię w 1926 roku kontynuowała wykonywanie akwareli i kolorowych rysunków. W 1933 roku akwarela, którą nazwała Listening In, została włączona do pierwszej dwuletniej wystawy współczesnej amerykańskiej rzeźby, akwareli i grafiki w Whitney Museum. W przeciwieństwie do Chess on Deck (Zdjęcie nr 3) i większość jej innych prac ma charakter wiejski i nie zawiera postaci ludzkich ani zwierzęcych. Pod tym względem może należeć do kategorii wspomnianej w jej eseju o satyrze, ponieważ wydaje się, że dotyczy problemów kompozycyjnych i trudności technicznych, ale nie tego, co nazwała „rozbieżnościami między rzeczywistością a ideałem”. Od jej najwcześniejszych wysiłków większość jej obrazów była pełna postaci ludzkich lub tematów, które wywoływały ludzkie emocje i były, jak powiedział jeden z obserwatorów, „zgłębianiem dramatu codziennego życia ludzkiego”. W nich, jak powiedział inny, widoczna jest empatia Dwighta dla jej poddanych, a także jej zabawne poczucie humoru. W krótkiej biografii Dwighta kurator w Smithsonian American Art Museum scharakteryzował Dwighta jako „uważnego obserwatora ludzkiej komedii, którą przedstawiała z humorem i współczuciem w swojej pracy”.

Polityka

Kiedy byłam bardzo młodą kobietą na studiach artystycznych w San Francisco, koleżanka ze studiów wprowadziła mnie w socjalizm. Spotkanie było podobne do „zdobycia religii”. Mój zapał zszokował i zaniepokoił moich rodziców do tego stopnia, że ​​z moimi ideami społecznymi zostałem zmuszony do zejścia do „podziemia”. To oczywiście sprawiło, że upał stał się bielszy. Sztuka też, pomyślałem, musi być bohaterskim towarzyszem. Ten okres mojego życia nadał przynajmniej określony kierunek moim późniejszym myślom, a dokonana wówczas lektura ukierunkowała moje naturalne impulsy. Urodziłem się z nienawiścią do dwoistości ubóstwa i bogactwa. Wczesna wiara w świat bez słabszych jest zdrowym doświadczeniem, nawet jeśli późniejsze doświadczenia wskazują, że świat zszedł na psy. Ale niezależnie od wzlotów i upadków wiary politycznej czy społecznej, przez które przeszedłem, byłem wierny fundamentalnemu przekonaniu, że ubóstwo jest wielkim złem, formą czarnej zarazy niewybaczalnej w epoce nauki. — Mabel Dwight, „Satyra w sztuce”

Dwight była przez całe życie socjalistką , której poglądy opierały się przede wszystkim, jak napisała w swoim eseju „Satyra w sztuce” z 1936 r., Na nienawiści do ogromnego dystansu, który dzielił biednych od bogatych w Stanach Zjednoczonych. W 1918 roku dołączyła wraz z 49 innymi podobnie myślącymi osobami do grupy nacisku o nazwie „Fifty Friends”, która opowiadała się za ułaskawieniem mężczyzn uwięzionych za deklarację odmowy służby wojskowej ze względu na sumienie podczas I wojny światowej. Mieszkając na Manhattanie w latach trzydziestych XX wieku, dołączyła do jeden z marksistowskich klubów Johna Reeda i wspierał inną organizację Frontu Ludowego , The Kongres Artystów Amerykańskich . Niemniej jednak, nie chcąc zostać propagandystką i obawiając się, że straci sprzedaż, której potrzebowała do utrzymania swojej niepewnej egzystencji, rzadko tworzyła dzieła o jawnie politycznym charakterze.

Życie rodzinne i osobiste

Dwight urodził się 31 stycznia 1875 roku i nazywał się Mabel Jacque Williamson. Była jedynym dzieckiem Paula Hustona Williamsona (1837 - jakiś czas po 1910) i jego żony Adelaide (lub Ady) Jacque (ur. 1875).

Paul Williamson był właścicielem farmy w pobliżu Cincinnati w Colerain Township w hrabstwie Hamilton w stanie Ohio . Kiedy Dwight był jeszcze dzieckiem, rodzina przeniosła się do Nowego Orleanu , a Dwight został umieszczony w szkole klasztornej w Carrollton , poza miastem. W 1893 roku Williamsonowie przenieśli się do San Francisco , gdzie Dwight pobierał prywatne korepetycje w szkole średniej. W połowie lat 90. XIX wieku Dwight ukończyła szkołę średnią i, jak wspomniano powyżej, rozpoczęła studia pod kierunkiem Arthura Mathewsa w Mark Hopkins Institute .

Zanim rozstała się z Higginsem, przyjaciel Dwighta, Carl Zigrosser, przedstawił ją rysownikowi architektonicznemu, Roderickowi Seidenbergowi. Był o czternaście lat młodszym od niej buntownikiem i wojującym socjalistą. Ich związek zacieśnił się i przez kilka lat mieszkali razem. Skończyło się to w 1929 roku, kiedy podjął pracę w Związku Radzieckim, a po powrocie zakochał się, a następnie poślubił inną kobietę. Dwight i Seidenberg pogodzili się, gdy Dwight cierpiał na okresy choroby w latach trzydziestych i czterdziestych XX wieku, a Seidenberg i jego żona Catherine zabrali Dwighta do swojego domu, aby się nią opiekował.

Po rozwodzie z Higginsem ani nie wyszła za mąż, ani nie wróciła do panieńskiego nazwiska, ale raczej, z powodów, których nie ujawniła, wybrała nazwisko Dwight. Jej powściągliwość co do imienia nie była w niej niczym niezwykłym. Mimo że napisała (nieopublikowaną) autobiografię, wiele z jej życia jest nieznanych. Jej utrata słuchu jest tego przykładem. Niektóre streszczenia biograficzne nie wspominają o niepełnosprawności słuchu. Niektórzy twierdzą, że była głucha, ale nie podają stopnia ubytku słuchu. Jedno źródło mówi, że była prawie głucha, a inne mówi, że była głęboko głucha.

W 1929 lub 1930 roku wyjechała do Nowego Meksyku i wydaje się, że był to pierwszy i jedyny raz, kiedy po powrocie z Paryża wyjechała poza stany środkowoatlantyckie. Mniej więcej w tym czasie przeniosła się z Greenwich Village na Staten Island , a jakiś czas później do Pipersville w Pensylwanii . Po tym, jak Dwight skończył 65 lat w 1940 roku, jej głuchota, przewlekła astma i bieda pogorszyły się. Chociaż nadal pracowała, jej produkcja zmalała, a ona była zamknięta w domach opieki w okresie przed śmiercią po udarze w 1955 roku.

Dalsza lektura

______________. Stulecie autoekspresji: współczesna sztuka amerykańska w kolekcji Johna i Joanne Payson (Bryn Mawr, Pensylwania, Bryn Mawr College, 2014)

Dwight, Mabel, „Satyra w sztuce” w „Sztuka za miliony”; Essays From the 1930 by Artists and Administrators of the WPA Federal Art Project , pod redakcją Francisa V. O'Connora (Boston, New York Graphic Society, 1975, s. 151–154)

Henkes, Robert. Amerykańskie malarki lat 30. i 40. XX wieku; Życie i twórczość dziesięciu artystów (Jefferson, Karolina Północna, McFarland, 1991)

Kort, Carol i Liz Sonneborn. Od A do Z amerykańskich kobiet w sztukach wizualnych (Nowy Jork, Fakty w aktach, 2002)

Robinson, Susan Barnes i John Pirog. Mabel Dwight: A Catalogue Raisonné of the Lithographs (Waszyngton, DC, Smithsonian Institution Press, 1997)

Zigrosser, Carl. „Mabel Dwight: Master of Comédie Humaine” ( Artnews , t. 6, nr 126, czerwiec 1949, s. 42–45)

tamże. Artysta w Ameryce; Dwadzieścia cztery zbliżenia współczesnych grafików (Nowy Jork, AA Knopf, 1942)

Notatki

Media związane z Mabel Dwight w Wikimedia Commons