Historia bębna i basu
Drum and bass (powszechnie w skrócie DnB , D&B , Drum n Bass i Drum & Bass ) to gatunek muzyki elektronicznej , który wywodzi się z brytyjskiej sceny rave , która rozwinęła się z breakbeat hardcore (i jego pochodnych darkcore i hardcore jungle ). Gatunek ten stał się jednym z najpopularniejszych gatunków elektronicznej muzyki tanecznej , stając się międzynarodowym i dając początek wielu różnym pochodnym i podgatunkom.
Zjednoczone Królestwo
Drum and bass rozpoczął się jako muzyczna zmiana paradygmatu brytyjskiej sceny breakbeat hardcore i rave w połowie lat 90.; a przez pierwsze półtorej dekady jego istnienia było wiele permutacji w jego stylu, zawierających elementy z dancehallu , electro , funku , hip hopu , house , jazzu , popu stworzonej fuzji hardcore, house i techno (włączając w to nowe pokonać ). Ta scena istniała krótko od około 1989-1993, okresu zapylenia krzyżowego w brytyjskim brzmieniu hardcore. Niemczech - po 1992 roku, ale do tego czasu sceny w tych krajach przesunęły się do przodu w kierunku trance, industrial techno lub gabba ( z happy hardcore / hard house odpowiednik „Belgian Techno” – dźwięki pochodne w Wielkiej Brytanii). Londyn i Bristol to dwa miasta najbardziej kojarzone z Drum and Bass.
Wracając do Wielkiej Brytanii, drum and bass (jako dżungla) ma swoje bezpośrednie korzenie w breakbeatowej hardcore części brytyjskiej sceny acid house rave. Hardcorowi DJ-e zazwyczaj grali swoje płyty w szybkim tempie, a breakbeat hardcore kładł nacisk na breakbeaty w porównaniu ze od 4 do podłogi, typową dla muzyki house. Breakbeatowe płyty hardcore, takie jak „Experience” The Prodigy (1992) Top Buzz „Jungle Techno!” (1991), Facet zwany Geraldem „Wszystko” (1991), Zamknij się i tańcz „10 funtów za wejście” / „20 funtów za wejście” (oba 1989), „ Spliffhead” Ragga Twins (1990) i „18 Inch Speaker” (1991), „Wickedest Sound” Rebel MC (1990), „Coming On Strong” (1990), „Tribal Bass” (1991) i „African” (1991) Nightmares on Wax „Aftermath” i „In Two Minds” (1990), „ Genaside II ” Syreny z Acre Lane” (1990), DJ Dextrous „Ruffneck Biznizz” (1992), Noise Factory „Be Free” (1992), Demon Boyz „Jungle Dett” (1992) i „Demon's Theme” LTJ Bukema (1992) są ogólnie uznawane za jedne z pierwszych, które mają rozpoznawalne brzmienie perkusji i basu.
Niektóre hardcore'owe utwory w tamtym czasie były niezwykle lekkie i optymistyczne; najbardziej ekstremalnymi tego przykładami były tak zwane utwory z „miasta zabawek”, takie jak Smart E, w którym znajduje się piosenka przewodnia z programu dla dzieci „ Ulica Sezamkowa ”. Styl hardcore z lekkimi i optymistycznymi dźwiękami oraz dominującą stopą, z mniejszym naciskiem na breakbeat, wiele lat później został nazwany happy hardcore . Były one szczególnie widoczne latem 1992 roku, kiedy hardcore przeszedł komercyjnie w Wielkiej Brytanii i na jej listach przebojów.
W odpowiedzi na te lżejsze utwory, niektórzy producenci zaczęli skupiać się na ciemniejszych, bardziej agresywnych dźwiękach; ten styl stał się znany jako darkside hardcore lub Darkcore . Dziwne dźwięki i efekty, synkopowane rytmy utworzone z przearanżowanych funkowych przerw i głośnych linii basu zdefiniowały ten gatunek. Przykłady darkcore obejmują „Terminator” Goldie (1992), „Here Come The Drumz” Doca Scotta i Top Buzz „Życie w ciemności” (1992). Inspirowali się mroczniejszymi dźwiękami „Belgian Techno”, takimi jak „Mentasm” i „Energy Flash” Beltrama (1991), a także mrocznymi przerwami 4 Hero „Mr. Kirks Nightmare” (1990) między innymi. Utwory te nie były powszechnie nazywane dżunglą lub drum and bass przez media głównego nurtu w czasie ich tworzenia (chociaż terminy „hardcore jungle” i „jungle techno” były już wówczas w powszechnym użyciu na scenie rave, z „drum & bass” pojawiające się tu i ówdzie na poszczególnych miksach kilku wydań winylowych), ale mimo to można je znaleźć na późniejszych kompilacjach Jungle i Drum and Bass. Pierwszym dużym podsumowaniem tych utworów, które miało używać terminu „drum & bass”, była prawdopodobnie „The Dark Side - Hardcore Drum & Bass Style”: kompilacja wydana przez React Records w marcu 1993 roku, na której znalazły się zarówno „Here Comes The Drumz” i „Terminator”.
To mroczniejsze, bardziej agresywne brzmienie spodobało się wielu członkom społeczności dancehall i reggae. Wspólny nacisk na rytm i bas, a tempa dobrze nadawały się do miksowania. Wkrótce wiele elementów dancehall reggae zostało włączonych do brzmienia hardcore, a prekursor tego, co stało się znane jako po prostu Jungle , był czasami nazywany hardcore Jungle . Jamajska kultura systemów dźwiękowych zaczęła wpływać na powstające brzmienie poprzez wykorzystanie linii basu i technik remiksowania wywodzących się z dubu . i reggae, wraz z szybkimi breakbeatami i samplami zaczerpniętymi z muzyki miejskiej, takiej jak hip hop, funk, jazz i r&b, wraz z wieloma technikami produkcji zapożyczonymi z wczesnej muzyki elektronicznej, takiej jak house i techno.
W miarę ewolucji nienazwanego jeszcze gatunku użycie samplowanych funkowych breakbeatów stawało się coraz bardziej złożone. Najbardziej godnym uwagi i szeroko rozpowszechnionym jest przerwa Amen zaczerpnięta z funkowego utworu ze strony b „Amen, Brother” zespołu Winston Brothers ( The Winstons ). W tym czasie producenci zaczęli wycinać pętle i wykorzystywać składowe dźwięki perkusji do tworzenia nowych rytmów. Aby dopasować złożone linie perkusji, zaczęto stosować linie basu, które miały mniej wspólnego z wzorami muzyki house i techno niż ze frazami dub i hip hop. Gdy zakres uderzeń na minutę wzrósł powyżej 165, pojawiające się brzmienie drum and bass stało się niekompatybilne z prostym miksowaniem przez DJ-ów z housem i techno, które zazwyczaj mają dziesiątki uderzeń na minutę mniej (uniemożliwiając odtwarzanie utworów na ta sama prędkość na sprzęcie klubowym). Ta dźwiękowa tożsamość stała się bardzo charakterystyczna zarówno ze względu na głębię basu, jak i coraz bardziej złożoną, szybką perkusję breakbeatową. Wyraźnie zastosowano bardzo różne wzorce rytmiczne, a także nowe rodzaje technik samplowania, syntezy i przetwarzania efektów, co skutkowało większym skupieniem się na zawiłościach samplowania / produkcji syntezy i rytmu. Obejmowało to w szczególności wczesne użycie rozciągania w czasie , który był często używany w przypadku sampli perkusyjnych lub wokalnych. Gdy wpływy reggae i dub stały się bardziej widoczne, brzmienie drum and bass zaczęło nabierać miejskiego brzmienia, na które duży wpływ miała ragga i dancehall, a także hip hop, często zawierający charakterystyczne style wokalne tych gatunków muzycznych. To brzmienie inspirowane reggae/dancehallem jest najczęściej kojarzone z terminem Jungle.
Konkretne utwory z okresu 1992-1993, które pokazały niektóre postępy beatu i samplowania w drum and bass, to: „ 28 Gun Bad Boy ” A Guy Called Gerald , Bizzy B „Ecstacy is a Science” (1993) i Danny Breaks / Droppin Science „Droppin Science vol 1” (1993). Był to jednak proces ciągły i można go wykazać jako stopniowy postęp na dziesiątkach utworów w tym okresie.
Pod koniec 1993 roku brzmienie drum and bass było szczególnie widoczne w wydaniu „Unreleased Metal” (autorstwa Doca Scotta i Goldie , które zapoczątkowało wytwórnię Metalheadz w 1994) oraz „Internal Affairs EP” (autorstwa Goldie i 4hero .
Pierwsi pionierzy
Pionierzy tacy jak Bizzy B, Shy FX , Andy C , Krust , Peshay , DJ Hype , DJ SS , Fabio , Grooverider , Goldie , LTJ Bukem , Jack Smooth, Omni Trio , Rebel MC , Soul Slinger, DJ Dread (USA) Rob Playford , Micky Finn i inni szybko stali się gwiazdami gatunku. Większość wczesnych producentów i DJ-ów nadal produkuje i gra na dzisiejszej scenie drum and bass, tworząc coś w rodzaju „starej gwardii” w dżungli. Niektórzy ważni wcześni artyści, tacy jak A Guy Called Gerald z jego nowatorskim albumem z wczesnej dżungli („Black Secret Technology”) i 4hero („Mr Kirk's Nightmare”) rozwinęli później własne style, opuszczając główny nurt drum and bass.
Ci pierwsi pionierzy intensywnie używali samplerów i sekwencerów Akai na Atari ST do tworzenia swoich utworów. Bez tych instrumentów elektronicznych, pierwszej fali niedrogich, ale wszechstronnych instrumentów elektronicznych, wątpliwe jest, aby pojawił się drum and bass (lub wiele stylów muzyki elektronicznej).
Nazwa dżungli
Chociaż pochodzenie terminu „muzyka dżungli” w odniesieniu do rozwijającego się brzmienia elektronicznego lat 90. jest dyskusyjne, pojawienie się tego terminu w kręgach muzycznych można z grubsza prześledzić do opiekania na Jamajce / Karaibach (prekursor współczesnych MC), około 1970 r. Odniesienia do „dżungli”, „dżungli” i „muzyki dżungli” można znaleźć w gatunkach dub, reggae i dancehall od tamtej epoki aż do dzisiaj. Sugerowano, że termin „lista dżunglerów” odnosił się do osoby z dzielnicy Kingston w Trenchtown znany również jako „Betonowa Dżungla” lub z innego obszaru, „Ogrody”, który był terenem zielonym potocznie nazywanym „Dżunglą”. Pierwsze udokumentowane użycie tego terminu w drum and bass jest w piosence, w której występuje producent dżungli i autor tekstów Rebel MC - „Rebel dostał tę pieśń alla the junglists”.
Dżungliści
Pojawienie się dżungli zaowocowało również pojawieniem się subkultury Junglist , która, choć nie jest tak charakterystyczna, wyalienowana, ideologiczna lub oczywista jak inne subkultury młodzieżowe i mająca wiele podobieństw do stylów i zachowań hip-hopowych, funkcjonuje wyraźnie w bębnie i społeczność słuchaczy basu. Wielu słuchaczy drum and bass nazwałoby siebie junglistami, niezależnie od ich stosunku do tego, czy jungle różni się od drum and bass (patrz poniżej).
Dżungla do bębnów i basów
Wyrażenie „drum and bass” było czasami używane w latach siedemdziesiątych na określenie dubowych wersji piosenek reggae. Z tytułami na stronach B 7 cali, jak „Drum and bass by King Tubby's”. Możesz również usłyszeć to zdanie w piosenkach reggae artystów takich jak Jah Tomas z często samplowaną frazą „ściśle drum and bass sprawia, że zwijasz się w pasie”. Lub w tytułach albumów, jak „Show Case (In a Roots Radics Drum and Bass)” Tristana Palmera. Wyrażenie „drum and bass” było również używane przez lata wcześniej na londyńskich scenach radiowych pirackich soul i funk, a nawet było trochę sloganem dla UK Radio 1 DJ Trevor Nelson w swoich pirackich czasach, który używał go do opisania głębszego, ostrzejszego brzmienia funkowego i „rzadkiego groove”, które było wówczas popularne w Londynie. Jingle identyfikacyjne stacji używane w londyńskim pirackim Kiss FM od późnych lat 80. głosiłyby „styl drum and bass w Kiss”. Jednak gdy na początku lat dziewięćdziesiątych drum and bass wyrwał się ze swoich podziemnych korzeni i zaczął zdobywać popularność wśród ogółu brytyjskiej publiczności, wielu producentów próbowało rozszerzyć wpływy muzyki poza dominację dźwięków opartych na ragga. W 1995 roku pojawił się ruch przeciwny stylowi ragga.
Ponieważ termin Jungle był tak blisko spokrewniony z brzmieniem inspirowanym ragga [ potrzebne źródło ] , DJ-e i producenci, którzy nie włączali elementów reggae, zaczęli przyjmować termin „drum and bass”, aby wyróżnić siebie i swoje style muzyczne. Odzwierciedlało to zmianę stylu muzycznego, która obejmowała zwiększoną edycję przerw perkusyjnych. Czasami nazywano to „inteligencją”, chociaż później zaczęto odnosić się do bardziej relaksującego stylu drum and bass kojarzonego z producentami takimi jak LTJ Bukem . Być może pierwszy utwór, w którym wyraźnie użyto terminu „drum and bass” w odniesieniu do siebie, został wydany w 1993 roku. Producent The Invisible Man opisał go:
„Dobrze zmontowany Amen Break wraz z sub kickiem 808 i kilkoma prostymi klimatami brzmiał po prostu niesamowicie sam w sobie, stąd próbka mowy „ściśle drum and bass”. Zupełnie nowy świat możliwości otwierał się przed programowaniem perkusji. Nie minęło dużo czasu, zanim amen break był używany przez praktycznie każdego producenta na scenie, a wraz z upływem czasu belgijskie dźgnięcia i hałasy techno zniknęły, a montaże i sztuczki studyjne stawały się coraz bardziej złożone. zaczynając nazywać muzykę Drum and Bass zamiast hardcore. Ta formuła Amen z pewnością pomogła scementować brzmienie wielu utworów, które wyprodukowałem dla Gwange, Q-Project i Spinback w Legend Records. Po pewnym czasie utwory wykorzystujące przerwę Amen praktycznie miały swój własny gatunek. Foul Play, Peshay , Bukem, DJ Dextrous , DJ Crystl i Source Direct byli wtedy solidnymi uzależnionymi od amen.”
Pod koniec 1994 roku, a zwłaszcza w 1995 roku, istniało wyraźne rozróżnienie między dżunglą brzmiącą reggae i ragga a utworami z mocno zmontowanymi przerwami, takimi jak artyści Remarc, DJ Dextrous i The Dream Team z Suburban Base Records. Jak na ironię, jedna kompilacja, która przyniosła ten termin szerszej świadomości osób spoza sceny, „Drum & Bass Selection vol 1” (1994), zawierała wiele utworów inspirowanych ragga i pierwszy duży utwór, w którym użyto tego terminu w swoim tytuł (Remarc 'Drum & Bass Wize', 1994) był również pod wpływem ragga.
Dream Team składał się z Bizzy B i Pugwash; Bizzy B miał jednak historię złożonych utworów breakbreat wydanych przed jakimkolwiek prawdziwym pojęciem zmiany nazwy gatunku. Zbiegło się to również ze wzrostem wykorzystania linii basowej Reese (Reese Project, Kevin Saunderson ), jak po raz pierwszy pojawił się w „Just Want Another Chance” Kevina Saundersona (znanego również z grupy Inner City) wydanym w 1988 roku. zobaczył przypadkowo nazwanego Alex Reece „Pulp Fiction”, który zawierał zniekształconą linię basu Reese z dwustopniową przerwą, nieco wolniejsze tempo, co zostało uznane za wpływ na nowy styl tech-step, który wyłonił się z Emotif i No U-Turn Records.
„Pulp Fiction był (i nadal jest) naprawdę zajebistą melodią, był wówczas bardzo oryginalny i oczywiście pozostanie w klasycznej torbie oldskoolowej przez wiele lat. Był to również utwór, który zrodził setki naśladowców jego styl „2-Step”, który niestety trwał również przez wiele lat… hmmm… och, a ponieważ 2-stopniowy groove generalnie brzmi wolniej, DnB zaczął przyspieszać znacznie powyżej 160 uderzeń na minutę… powiedzmy już nie."
Doprowadziło to również do zamieszania polegającego na utożsamianiu podgatunku „tech-step” z drum and bass, w odróżnieniu od dżungli, ale „drum and bass” jako styl i nazwa całego gatunku istniał już w 1995 roku przed wydaniem remiksu „Mutant Jazz” T-Power autorstwa DJ Trace , który ukazał się w SOUR Recordings w 1995 roku (koprodukcja: Ed Rush i Nico). Zauważ też, że DJ Trace, Ed Rush i Nico mieli już za sobą długą historię tworzenia muzyki Jungle/Drum & Bass i Hardcore w różnych stylach.
Media mogły również podkreślać różnicę stylów. Dotyczyło to zwłaszcza podgatunku określanego przez prasę muzyczną jako „ inteligentny ” drum and bass, a jego ambasadorem był LTJ Bukem i jego wytwórnia Good Looking obok artystów Moving Shadow , takich jak Foul Play, Omni Trio i Cloud 9.
Niektórzy twierdzą, że przejście na drum and bass było świadomą i skoordynowaną reakcją czołowych didżejów i producentów na kulturę, która stawała się zabarwiona typami gangsterów i elementami przemocy oraz stereotypizowana rozpoznawalnymi technikami produkcji producentów inspirowanych ragga. Uwolnienie generała Levy'ego Płyta „Incredible” z 1994 roku jest uważana przez wielu za kluczowy punkt w transformacji. Ten utwór inspirowany ragga zawiera oświadczenie generała Levy'ego, który twierdził, że jest „oryginalnym dżunglerem” w czasie, gdy publicznie ogłaszał, że „prowadzę dżunglę”, co z kolei rozgniewało najpotężniejszych i najbardziej wpływowych producentów bębnów i basów, w wyniku czego wpisanie na czarną listę generała Levy'ego i być może świadome odejście od brzmienia ragga.
„Cała dżungla tagów nabrała naprawdę złowrogiego charakteru… Właśnie została rozbita w prasie. Mówiliśmy:„ Jeśli mamy kontynuować, będziemy musieli zmienić nazwę tutaj, ponieważ jesteśmy zostać tutaj zarżniętym." - Fabio.
Inteligentny drum and bass utrzymywał uptempo breakbeatową perkusję, ale skupiał się na bardziej klimatycznych dźwiękach i ciepłych, głębokich liniach basowych nad wokalami lub samplami, które często wywodziły się z muzyki soul i jazz. Jednak obok innych kluczowych producentów na scenie, LTJ Bukem , prawdopodobnie najbardziej wpływowa postać stojąca za tym stylem, jest szczególnie znana z niechęci do tego terminu, ze względu na sugestię, że inne formy drum and bass nie są inteligentne. Od tego okresu drum and bass utrzymywał jedność stosunkowo małej kultury muzycznej, ale charakteryzującej się konkurencyjną grupą wpływów stylistycznych. Chociaż wielu DJ-ów specjalizuje się w charakterystycznych podgatunkach w Jungle i Drum and Bass, większość artystów z tego gatunku była i pozostaje połączona za pośrednictwem wytwórni płytowych, wydarzeń i audycji radiowych. Niezwykle ważne jest, aby pamiętać, że wielu producentów tworzy utwory w więcej niż jednym podgatunku drum and bass.
Około 1995-1996 nastąpił ogólny rozpad sceny drum and bass. Podgatunki można określać ich nazwami, w przeciwieństwie do dżungli lub drum and bass, chociaż wszystkie podgatunki były zwykle grupowane według nowego ogólnego terminu drum and bass . To trwa do dziś. Roni Size , Krust i Dj Die mogą być uważani za ludzi, którzy sprawili, że Drum and Bass stał się bardziej mainstreamowy.
Zamieszanie potęguje termin jump-up , który początkowo odnosił się do utworów, które zmieniały styl w momencie spadku, zachęcając ludzi do tańca. Początkowo były to zazwyczaj breakbeatowe dropy w tym nowym stylu drum and bass, ale mniej więcej w tym samym czasie producenci tworzyli utwory z hip-hopowymi liniami basu. Stałoby się to nowym podgatunkiem „jump-up”, chociaż wiele wczesnych utworów typu jump-up zawierało zredagowane amens przy upadku. Wpływowi artyści to DJ Zinc , DJ Hype , Dillinja , Source Direct i Aphrodite wśród wielu innych. Dream Team produkował również utwory typu jump-up, zwykle pod nazwą Dynamic Duo w Joker Records, w stylu z podobieństwami i różnicami w stosunku do ich wydawnictw Suburban Base . Zwróć także uwagę na wczesne użycie terminu „skakać w dżungli” zamiast „skakać do bębna i basu”. Przegródki na gatunki zmieniały się tak szybko, że jump-up szybko zaczęto nazywać drum and bass, nawet jako podgatunek.
Mniej więcej w tym czasie drum and bass również przypieczętował swoją popularność, wygrywając piątkowy wieczór w Radio One , flagowej stacji radiowej BBC, w legendarnym programie „One in the jungle”. Początkowo prezentowana przez obracające się grupy luminarzy dżungli, prowadzona przez MC Navigator, stacja ostatecznie zapewniła sobie prezentacje Fabio i Grooveridera, dwóch najstarszych i najbardziej szanowanych DJ-ów na scenie. W tym czasie wielu DJ-ów nagle przeszło z radia pirackiego do radia legalnego.
Do tego momentu radio pirackie było jedynym źródłem muzyki z dżungli, aw szczególności Kool FM , a wkład Don FM w rozwój tego brzmienia nie powinien być pomijany ani zaprzeczany. Wątpliwe jest, czy dżungla zyskałaby popularność bez pirackich stacji radiowych. Przejście w nazwie z „jungle” na „drum and bass” następuje w tym samym czasie, co jego legalne pojawienie się na falach radiowych.
Innym aspektem, na który należy zwrócić uwagę w ewolucji drum and bass, jest to, że pojawienie się Criminal Justice and Public Order Act 1994, którego celem było powstrzymanie nielegalnych imprez rave , spowodowało przeniesienie dżungli (i innych gatunków muzyki elektronicznej) do legalnych (głównie) klubów nocnych.
Dżungla kontra drum and bass
Obecnie różnica między dżunglą (lub oldschoolową dżunglą ) a drum and bass jest powszechną debatą w społeczności junglistów. Nie ma powszechnie akceptowanego semantycznego rozróżnienia między terminami „dżungla” a „drum and bass”. Niektórzy kojarzą „jungle” ze starszym materiałem z pierwszej połowy lat 90. (czasami określanym jako „jungle techno”) i postrzegają drum and bass jako zasadniczo następcę dżungli. Inni używają Jungle jako skrótu dla ragga jungle, specyficznego podgatunku w szerszym królestwie drum and bass. Prawdopodobnie najszerszy pogląd na londyńskiej scenie jest taki, że terminy są po prostu synonimami i wymienne: drum and bass to dżungla, a dżungla to drum and bass.
Narodziny techstepu
Gdy lżejsze brzmienie drum and bass zaczęło podbijać główny nurt muzyczny, wielu producentów kontynuowało pracę na drugim końcu spektrum, czego efektem była seria wydawnictw, które podkreślały mroczne, techniczne brzmienie, które czerpało większy wpływ z techno i pejzaże dźwiękowe science fiction i filmów. Ten styl był orędownikiem wytwórni Emotif i No U-Turn oraz artystów takich jak Trace, Ed Rush , Optical i Dom & Roland . Powszechnie określany jest jako techstep, który z kolei dał początek neurofunkowi podgatunek. Techstep skupił się intensywnie na produkcji studyjnej i zastosował nowe techniki generowania i przetwarzania dźwięku w starszych podejściach Jungle. Świadomy underground i pozbawiony dostępnych wpływów wielu innych bębnów i basów, techstep jest głęboko nastrojowy, często charakteryzuje się złowrogimi lub science-fiction tematami (w tym samplami z kultowych filmów), zimną i złożoną perkusją oraz mrocznymi, zniekształconymi liniami basu. Brzmienie było świadomym powrotem w stronę mroczniejszych brzmień belgijskiego techno i Darkside Hardcore (znowu wspomniany już darkcore), aczkolwiek z większym naciskiem na electro/techno niż w darkcore.
Brzmienie oznaczało również okres, w którym drum and bass stał się bardziej wyspiarski i zaczął czerpać inspirację z siebie, a nie z innych gatunków muzycznych. W tym czasie sampler stał się mniej ważny wraz z domowym sprzętem komputerowym i generował bity i dźwięki, które stały się zdolne do stworzenia całej ścieżki perkusyjnej i basowej od podstaw.
Pod koniec lat 90. drum and bass wycofał się z mainstreamowej popularności i skoncentrował na nowych, bardziej złowrogich dźwiękach, które były popularne w klubach, a nie w głównym nurcie radiowym. Techstep zdominował gatunek drum and bass, z artystami takimi jak Konflict i Bad Company wśród najbardziej widocznych. Z biegiem czasu techstep stawał się coraz bardziej minimalistyczny i coraz bardziej mroczny, a funkowy, komercyjny urok reprezentowany przez Roni Size w 1997 roku osłabł. Cechą charakterystyczną tego była rosnąca dysproporcja między bywalcami klubów męskich i żeńskich oraz ogólnie bardziej agresywna i mroczna atmosfera w klubach.
Wycofanie się drum and bassu z mainstreamu było nie tylko skutkiem rosnącej fascynacji własnym (coraz ciemniejszym) brzmieniem, ale także wybuchowymi narodzinami i rosnącą popularnością brytyjskiego garażu (2 step and 4x4 garage, czyli speed garage). ), gatunek muzyczny pod silnym wpływem dżungli, z podobnymi bitami, wokalami i liniami basowymi, ale wolniejszymi prędkościami i bardziej przyjaznymi (lub przynajmniej przyjaznymi dla radia) bitami. Drum and bass nagle stracił popularność, a uznani producenci drum and bass wyrazili szok jego nagłą alienacją i porzuceniem przez ogół społeczeństwa. Ten obrót podsycił mocniejsze brzmienie techstepu .
„A potem pojawił się garaż: dzwonek śmierci dla drum and bass. To był nowy drum and bass. To był dla nas największy kopniak w zęby w historii… Tak! Mieli wszystkie dziewczyny, to było miejsce, gdzie wszyscy dziewczyny ze sceny dżungli odeszły. Drum and bass był w najgorszym wydaniu ”. - Fabio.
Być może ironicznie, pomimo deklaracji mediów, że „drum and bass/jungle jest martwy” i zabity przez garaż, drum and bass przetrwał po trudnym okresie z przełomem tysiącleci, w którym nasilał się ruch mający na celu „przywrócenie zabawy z drum and bass” , zwiastowanym sukcesem na listach przebojów, jakim cieszyły się single Andy C i Shimon („Bodyrock”) oraz Shy FX i T Power („Shake UR Body”). W klubach pojawiło się nowe odrodzenie brzmień zorientowanych na rave, a także remiksy klasycznych utworów z dżungli, które czerpały z nostalgii i zainteresowania pochodzeniem muzyki. Wielu uważało, że muzyka drum and bass przetrwała ignorancję, następnie wsparcie, a następnie wrogość mediów głównego nurtu (które ogłosiły, że „drum and bass jest martwy” pod koniec lat 90.) i że odrodzenie sukcesu na listach przebojów wskazywało, że styl był czymś więcej niż przemijającą modą.
Z kolei brytyjski garaż, po krótkim okresie ogromnej popularności, został zepchnięty do podziemia iw większości wyparty przez grime . Przetrwanie Drum and Bass odzwierciedla nieustępliwość pierwotnych producentów i artystów, którzy kontynuowali i nadal produkują drum and bass, a także witalność nowej generacji producentów, takich jak London Elektricity i Step 13 .
Od 2000 roku
Od czasu odrodzenia popularności tego gatunku około 2000 roku, scena drum and bass stała się bardzo zróżnicowana, pomimo jej stosunkowo niewielkich rozmiarów, do tego stopnia, że trudno jest wskazać jeden podgatunek jako dominujący styl, chociaż wydaje się, że techstep tracąc swoją poprzednią dominację, z ruchem „powrotu do starej szkoły” widocznym w utworach i klubach.
W 1998 roku Fabio zaczął promować formę, którą nazwał „ płynnym funkiem ”. W 2000 roku wydał kompilację pod tym samym tytułem w swojej wytwórni Creative Source. Charakteryzowało się to wpływami disco i house oraz powszechnym wykorzystaniem wokali. Chociaż na początku było to powolne, styl ten zyskał na popularności w latach 2002-2004, a do 2004 roku stał się jednym z najlepiej sprzedających się podgatunków w gatunku drum and bass, z wytwórniami takimi jak Hospital Records, State of the Art Recordings i Soul: R i artyści, w tym High Contrast , Calibre , Solid State , Nu:Tone , London Elektricity and Logistics wśród jego głównych zwolenników. Alex Reece i LTJ Bukem byli jednymi z pierwszych producentów, którzy w pełni eksperymentowali z głębokim, gładkim bębnem i basem, i jako tacy mogą być uważani za prekursorów płynnego funku.
W dekadzie odrodził się także jump-up . Określany jako „nu jump up” lub pejoratywnie jako clownstep, zachował poczucie zabawy i uproszczone, odbijające się linie basu z pierwszej generacji jump up, ale z ostrzejszymi i bardziej ostrymi wartościami produkcyjnymi, w tym zwiększoną kompresją dźwięku. Znani artyści to DJ Hazard , DJ Clipz i Taxman.
W tym nowoczesnym okresie rozwinął się również styl znany jako „dubwise”, który przywraca drum and bass do korzeni inspirowanych reggae i łączy je z nowoczesnymi technikami produkcji, które rozwinęły się niezmiernie od początków dżungli. Chociaż brzmienie inspirowane dubem nie było nowe, od dawna bronione przez artystów takich jak Digital i Spirit, w latach 2003–2004 nastąpił znaczny wzrost jego popularności i widoczności.
Podobnie, chociaż od dawna istniała nisza poświęcona niemal wyłącznie szczegółowemu programowaniu i manipulacji perkusją, której orędownikiem był Paradox , pierwsza połowa tej dekady przyniosła odrodzenie i ekspansję podgatunku znanego jako drumfunk , „edits” lub „posiekać”. Główne wytwórnie to Inperspective i Synaptic Plastic, a nowa fala artystów w tym stylu to ASC, Fanu, Breakage, Fracture i Neptune, 0=0 i Equinox.
Nowe tysiąclecie przyniosło także świeżą falę żywych zespołów drum and bass. Tacy Reprazent i Red Snapper występowali na żywo na perkusji i basie w latach 90., ale odtworzenie London Elektricity jako zespołu grającego na żywo wzbudziło ponowne zainteresowanie tym pomysłem, z takimi zespołami jak The Bays, Keiretsu, Gojira z Southampton, Step 13 , Deadsilence Syndicate i UV Ray (feat. Yuval Gabay), a także PCM z Birmingham, podążając tą drogą. Do tego popularny Breakbeat Kaos wytwórnia zaczęła coraz bardziej skupiać się na wprowadzaniu żywego brzmienia do drum and bass, zarówno na płytach, które wydaje, jak i na żywo (muzyka grana na żywych instrumentach akustycznych, w tym na gitarze ) . (np. październik 2006 w klubie Fabric).
W 2003 roku sygnatariusze Metalheadz , Dylan i Robyn Chaos (aka Faith In Chaos), pchnęli ostrzejsze brzmienie drum and bass, zakładając wytwórnię Freak Recordings i sublabele Obscene i Tech Freak, wraz z artystami takimi jak Technical Itch, Limewax , Counterstrike , SPL, Current Value i wielu innych, co doprowadziło do powstania w Londynie festiwali drum and bass Therapy Sessions. Seria Therapy Sessions szybko rozszerzyła się na cały świat, co przyniosło większe reperkusje w Europie Wschodniej z obecnością ponad 10 000 fanów w miastach takich jak St. Petersburg.
Pod koniec 2000 roku pojawił się gatunek określany jako minimal drum & bass , znany również jako „autonomic” lub „microfunk”. Ten podgatunek jest identyfikowany przede wszystkim przez ogólną minimalistyczną strukturę utworu, a także użycie skomplikowanej perkusji, głębokiego sub-basu i stonowanych melodii. Znani artyści to ASC, Consequence, dBridge , Instra:mental, Synkro, Oak i Bop (między innymi). Z popularnymi wytwórniami promującymi dźwięk, takimi jak Exit Records (własność samego dBridge), Med School, Critical Music, Shogun Audio, Nonplus+ Records (również współwłasność dBridge i Instra:mental), Auxiliary (własność ASC) oraz wytwórni płytowej Autonomic. „The Autonomic Podcast” to podcast udostępniany bezpłatnie przez członków Club Autonomic. „Minimal” drum & bass przeszedł w bardziej taneczne brzmienie dzięki takim artystom jak Rockwell, Enei i Icicle, którzy czerpią inspirację z gatunków takich jak neurofunk i industrial techno.
Drum'n'bass i fuzja jazzu
Amerykański zdobywca nagrody Grammy, producent muzyczny, pionier jazz fusion i basista Bill Laswell zetknął się z drum and bass w latach 90. dzięki wydawnictwom Oscillations i kompilacji Submerged: Tetragramaton. Laswell zintensyfikował swoją pracę w drum 'n' bass, zaczynając od Brutal Calling (2004), ośmiościeżkowego albumu hard drum 'n' bass z właścicielem wytwórni Ohm Resistance, Submerged po których nastąpiła seria wydań i dat koncertów. Najnowszy projekt Laswella w tym duchu to Method of Defiance. Pierwsze wydanie ponownie skupiło się na rdzeniu Laswell i Submerged, z udziałem Toshinoriego Kondo i Guya Licaty.
Drugie wydawnictwo pod pseudonimem Method of Defiance było projektem w stylu kompilacji skupiającym się na drum 'n' basie. Inamorata rozszerzył koncepcję, łącząc bas Laswella z inną kombinacją szanowanych muzyków jazzowych i światowych oraz producentów drum 'n' bass w każdym utworze. Artyści tacy jak Herbie Hancock , John Zorn , Pharoah Sanders , Nils Petter Molvaer , Toshinori Kondo i Buckethead zostali połączeni z producentami drum 'n' bass, takimi jak Amit, Paradox , Zanurzony , Evol Intent , Fanu i Corrupt Souls . Wydał także pełną współpracę z fińskim maestro drum 'n' bass Fanu w Ohm Resistance (USA) i Karl Records (Europa), zatytułowany Lodge , który zawiera między innymi wkład Molvaera i Berniego Worrella. Koncepcja grupy ponownie przekształciła się w koncepcję pełnego zespołu. W 2009 roku RareNoiseRecords wydało Live in Nihon , które pokazało ten nowy kierunek/grupowanie. Grupa składała się teraz z Laswell, Guy Licata, Dr. Israel, Toshinori Kondo i Berniego Worrella .
Ameryka północna
Sceny rave w Kanadzie i Stanach Zjednoczonych obejmowały przejście od breakbeatu do Drum and Bass około 1994 roku. MC Blaise (występujący w piosence „Naughty Ride”), DJ Dieselboy , DJ Michele Sainte , DJ i producent Method One oraz Producer 1.8 .7 byli jednymi z pierwszych amerykańskich artystów tego gatunku. Ta garstka didżejów, MC i producentów spędziła lata w podziemiu, występując na zapleczu rave'ów, zanim gatunek ten rozpowszechnił się w całej Ameryce.
Być może najbardziej odpowiedzialnym za szerokie wprowadzenie drum and bass do Stanów Zjednoczonych w połowie lat 90. był Bassquake , program radiowy Drum And Bass w czasie największej oglądalności, stworzony przez DJ Michele Sainte . był emitowany w każdy piątek po południu do wieczora na 103.3FM WPRB , która jest komercyjną stacją radiową na Uniwersytecie Princeton w Princeton w stanie New Jersey z publicznością w Nowym Jorku i Filadelfii. Częściowo odpowiedzialny był również Bassrush, kierowany przez Raymonda Francesa, prezentujący House, Techno i Drum & Bass w oddzielnych pokojach - dzięki czemu Drum & Bass po raz pierwszy stał się głównym elementem amerykańskich rave'ów.
Ameryka Południowa
Brazylijska fuzja Drum & Bass i Bossa Nova lub Samba dała początek terminowi Sambass, który został wypchnięty przez DJ Marky wraz z DJ Patife , XRS i Drumagick , a wkrótce po tym, jak dźwięk podbił brytyjską scenę ze względu na światową popularność, jaką osiągnął Marky, wspierany przez rezydencję w klubie The End i pracę dla BBC Radio 1 . W Wenezueli DJ Alex (pierwszy DJ Drum & Bass w Wenezueli i założyciel ekipy Simpl3), znany również jako Modovisual ze swojego projektu graficznego, stworzył kilka projektów na międzynarodowe imprezy, a także merchandising dla Dogsonacid.com. Wenezuelski producent i DJ Zardonic przewodzi ostrzejszemu brzmieniu Drum & Bass, występując jako headliner na pierwszych imprezach Therapy Sessions odbywających się w Ekwadorze i Argentynie , a także pchając ten kraj jeszcze dalej na mapie dzięki podpisaniu kontraktu z wytwórnią Dieselboy's Human Imprint .
Literatura
- All Crews: Journeys Through Jungle / Drum and Bass Culture autorstwa Briana Belle-Fortune ( ISBN 978-0-9548897-0-8 ), literatura faktu
- Artykuł w magazynie wiedzy na temat historii piratów radiowych drum & bass autorstwa Sarah Bentley
- Roots 'n Future autorstwa Simona Reynoldsa ( ISBN 978-0-330-35056-3 ), literatura faktu
- Rumble in the Jungle: The Invisible History of Drum and Bass autorstwa Stevena Quinna, Transformations, nr 3 (2002), literatura faktu ( ISSN 1444-3775 ) Plik PDF
- Stan basu, dżungla: dotychczasowa historia autorstwa Martina Jamesa, Boxtree ( ISBN 978-0-7522-2323-0 ), literatura faktu
- The Rough Guide to Drum 'n' Bass autorstwa Petera Shapiro i Alexixa Maryona ( ISBN 978-1-85828-433-0 ), literatura faktu
- King Rat autorstwa China Melville ( ISBN 978-0-330-37098-1 ), fikcja