rzeźba francuska

rzeźba francuska
Vierge à l'Enfant (Compiègne, 1267) 2.jpg
02 Basilique Ste-Marie-Madeleine de Vézelay - Tympan.jpg
The Thinker, Rodin.jpg
Louis XIV Antoine Coysevox.jpg
Aristide Maillol la nuit 1902-1.jpg

Rzeźba francuska była oryginalnym i wpływowym elementem sztuki światowej od średniowiecza. Pierwsze znane francuskie rzeźby pochodzą z górnego paleolitu . Rzeźba francuska pierwotnie kopiowała starożytne modele rzymskie, następnie znalazła swoją oryginalną formę w dekoracji architektury gotyckiej . Rzeźbiarze francuscy stworzyli ważne dzieła rzeźby barokowej do dekoracji Pałacu Wersalskiego . W XIX wieku rzeźbiarze Auguste Rodin i Edgar Degas stworzył bardziej osobisty i nierealistyczny styl, który utorował drogę do modernizmu w XX wieku oraz rzeźby Pabla Picassa , Georgesa Braque'a , Marcela Duchampa i Jeana Arpa .

Pre-historia

Najwcześniejsze niekwestionowane przykłady rzeźby należą do kultury oryniackiej , która znajdowała się w Europie i południowo-zachodniej Azji i działała w początkach górnego paleolitu . Oprócz tworzenia niektórych z najwcześniejszych znanych dzieł sztuki jaskiniowej , ludzie tej kultury opracowali misternie wykonane kamienne narzędzia, wytwarzając wisiorki, bransoletki, koraliki z kości słoniowej i kościane flety, a także trójwymiarowe figurki.

Dwie z największych prehistorycznych rzeźb można znaleźć w jaskiniach Tuc d'Audobert we Francji, gdzie około 12–17 000 lat temu rzeźbiarz użył kamiennego narzędzia przypominającego szpatułkę i palców, aby wymodelować parę dużych żubrów w glinie na wapiennej skale .

Formy ludzkie i zwierzęta były powszechne we wczesnej rzeźbie, często w formie płaskorzeźby. Liczby wyrażały emocje i często były zniekształcone; formy kobiet były często dziwnie otyłe. Wenus z Laussel jest jednym z najwcześniejszych przykładów. Wraz z początkiem mezolitu ilość rzeźb figuratywnych zmalała, a dominowały zwierzęta, wyrażające ruchliwość i wigor. W późniejszym okresie mezolitu rzeźba stała się mniej realistyczna i zwróciła się w stronę abstrakcyjnych, ozdobnych form dekoracyjnych, które trwały przez epokę brązu i epokę żelaza. Pojawienie się Celtów, Ligurów i ludów iberyjskich nie zmieniło radykalnie stylu. Formy ludzkie były zwykle rzeźbione po prostu jako stylizowane sylwetki. Na wybrzeżu Morza Śródziemnego rzeźbiarze wykonali fryzy przedstawiające wojowników i różne bóstwa siedzące ze skrzyżowanymi nogami.

galijsko-rzymskiego i karolińskiego

Rzymski podbój Galii narzucił styl rzymski, charakteryzujący się realizmem i celebracją wielkości i potęgi. Gallo-rzymscy rzeźbiarze z Galii zmodyfikowali styl rzymski, aby uczynić go bardziej delikatnym i osobistym. Rozkwitła rzeźba w postaci statuetek, waz z brązu oraz przedmiotów o tematyce domowej i religijnej. Wczesnochrześcijańska symbolika wkrótce pojawiła się w dziełach rzeźbiarskich, takich jak sarkofagi, ale została w dużej mierze zniechęcona przez przywódców kościelnych, którzy obawiali się powrotu do kultu bożków.

Rzeźba galijska wykazywała wpływy nie tylko rzeźby rzymskiej, ale także helleńskiej, pochodzącej z warsztatów w środkowych Włoszech. Charakterystycznym przykładem jest posąg Medei w Muzeum Arles z I wieku.

Inwazja na rzymską Galię przez Burgundów, Celtów, Wizygotów spowolniła rozwój rzeźby wykraczającej poza tradycyjne projekty dekoracyjne. Wiek Karola Wielkiego przywrócił sztuce pewien prestiż, ale rzeźba nie była oryginalna ani fachowa, a po śmierci Karola Wielkiego pojawiła się mało ważna rzeźba aż do panowania dynastii Kapetyngów ( 987–1328)

  • Relief of Romans in combat, Mausoleum of the Julii, Glanum (Saint-Rémy de Province), 35-25 BCE

    Relief walczących Rzymian, Mauzoleum Julii, Glanum (prowincja Saint-Rémy), 35-25 p.n.e.

  • Statue of Medea, limestone, 2nd century AD, Musée de l'Arles Antique, Arles

    Posąg Medei , wapień, II wne, Musée de l'Arles Antique, Arles

  • A Gallo-Roman sarcophagus from Rignnieux le Franc, Ain (end of 4th century)

    Sarkofag galijsko-rzymski z Rignnieux le Franc, Ain (koniec IV wieku)

Rzeźba romańska

Pod rządami dynastii Kapetyngów w Królestwie Francji stopniowo przywracano spokój, stabilność i dobrobyt. Reforma kościoła i założenie nowych zakonów doprowadziły do ​​​​ważnych poleceń dla rzeźb, zwłaszcza dla nowego opactwa Cluny (1088–1108) zakonu benedyktynów. Inne opactwa w całej Francji naśladowały rzeźbiarskie dekoracje.

Najwcześniejsze dekoracje rzeźbiarskie na ołtarzach i powierzchniach wnętrz kościołów, na nadprożach, nad wejściami, a zwłaszcza na kapitelach kolumn, które były powszechnie zdobione wizerunkami postaci biblijnych oraz prawdziwych lub mitycznych zwierząt. Większość prac była prawie płaska, z niewielką próbą realizmu. Niektóre z najwcześniejszych rzeźb romańskich we Francji znajdują się w opactwie Saint-Génis-des-Fontaines (1019–1020) we wschodnich Pirenejach. Nadproże nad drzwiami przedstawia Chrystusa na tronie, w ramie podtrzymywanej przez dwóch aniołów i otoczonych przez apostołów. Postacie apostołów określają kształty łuków, w które są wciśnięci. Ten projekt „Chrystusa w Majestacie” nad centralnymi drzwiami stał się powszechną cechą kościołów i katedr w całej Francji w okresie gotyku Romanesqua dn.

W późniejszym okresie romańskim często wykorzystywano rzeźbę w najważniejszych punktach, takich jak elewacje, aby podkreślić linie konstrukcji. Często wykorzystywał wzory geometryczne (koła, kwadraty, trójkąty). Przestrzenie były zatłoczone postaciami, które często były wykrzywione, tak że zdawały się tańczyć. Rzeźba najliczniej występowała na kapitelach kolumn i portalach, gdzie przedstawiała bardzo rozbudowane i rozbudowane historie biblijne. Rzeźbiarze przedstawili także dużą liczbę zwierząt, zarówno prawdziwych, jak i wyimaginowanych, w tym chimery , syreny , lwy i szeroką gamę potworów. Wyobraźnia zwykle górowała nad realizmem.

Południowo-zachodnia Francja, okolice Tuluzy , miała szczególny styl, bardziej żywy i aktywny niż północ. Niezwykła grupa rzeźb romańskich znajduje się w dekoracji bazyliki Saint-Sernin w Tuluzie w Tuluzie , datowanej na koniec XI i początek XII wieku. Postacie są znacznie bardziej realistyczne i umiejętnie wykorzystują cienie i światło, aby wydobyć szczegóły. Jednym z najbardziej charakterystycznych dzieł jest stół ołtarzowy, sygnowany przez jego rzeźbiarza Bernardusa Geldvinusa. Wykonał także siedem płaskorzeźb rzeźbiarskich znajdujących się w obejściu katedry.

Inne godne uwagi przykłady rzeźby romańskiej znajdują się na tympanonie i kapitelach kolumn krużganków opactwa Moissac w Mossac, Tarne-et-Garonne oraz kolumn kościoła opactwa Saint-Marie w Souillac w departamencie Lot . Rzeźbiarze w Burgundii wykonali również charakterystyczne dzieła do dekoracji tamtejszych kościołów, zwłaszcza dla opactwa Saint-Philibert de Tournus (około 1100). Typanum opactwa Vézelay , kościół pielgrzymkowy wyświęcony przez Papieża w 1132 r., przedstawia stan rzeźby romańskiej schyłku epoki romańskiej i początku gotyku.

Rzeźba gotycka

Na początku XII wieku we Francji rozpoczęła się odnowa stylów rzeźbiarskich. W latach pokoju wskaźnik urodzeń znacznie wzrósł i potrzebne były większe kościoły i katedry. Katedra zastąpiła opactwo jako główną instytucję religijną, a biskup zastąpił opata jako główną postać wyznaczającą styl artystyczny. Wnętrza kościołów były wyższe, z większymi oknami i wypełnione światłem, co wymagało innego rodzaju rzeźby. Elementy zewnętrzne były również znacznie wyższe i wymagały posągów widocznych i czytelnych z dołu. Rzeźbiarze porzucili egzotyczne liście zapożyczone z wcześniejszych stylów rzeźbiarskich, takich jak akant i palmetto, na rzecz bardziej lokalnych form, takich jak wzór liści winogron i liści dębu. Ludzkie postacie nie były już wykręcane i torturowane, aby pasowały do ​​przestrzeni; przybrały bardziej naturalny wygląd. Oczekiwano, że rzeźba będzie księgą napisaną w kamieniu, którą wierni będą czytać. Opat Suger , który kierował budową pierwszego gotyckiego opactwa w Saint-Denis, zauważył: „Sztuka prowadzi ludzkie dusze za pomocą rzeczy materialnych, by dotrzeć do niematerialnego”. Jedną z gotyckich innowacji rzeźbiarskich, zapożyczonych od starożytnych Greków, była kolumna w kształcie postaci ludzkiej. Innym było wykorzystanie rzeźby różnych mitycznych stworzeń, takich jak gargulec i chimera , aby ostrzec wiernych przed niebezpieczeństwami poza kościół. (Gargulce miały również praktyczne zastosowanie w wyrzucaniu wody deszczowej z dala od ścian).

renesans

Zobacz także: Rzeźba w okresie renesansu § Rzeźba francuska

W XIV wieku wykopaliska archeologiczne w Rzymie i Florencji doprowadziły do ​​ponownego odkrycia klasycznych rzeźb i początku renesansu. Małe modele dzieł klasycznych z brązu były importowane i sprzedawane bogatym francuskim mecenasom, a francuscy artyści zaczęli odwiedzać Włochy, aby się przekonać. Karol VIII sprowadził do Paryża artystów z Neapolu i Florencji. Ludwik XII zatrudniał włoskich rzeźbiarzy. Franciszek I zaprosił Leonarda da Vinci , Francesco Primaticcio i Benvenuto Celliniego do pracy we Francji. Utworzyli nowy styl i szkołę artystyczną, Szkołę Fontainebleau , dla dekoracji jego zamku. Wysłał Primaticcio z powrotem do Włoch, aby zdobył formy rzeźby klasycznej; wrócił ze 133 skrzyniami rzeźb. Pomimo tej włoskiej konkurencji najbardziej znani rzeźbiarze francuscy, w tym Ligier Richier i Michel Colombe , nadal pracowali w tradycyjnym stylu gotyckim, zwłaszcza w posągach grobowców. Michel Colombe wykonał elegancki Grobowiec Franciszka II, księcia Bretanii (1502–07) z posągiem jego córki, Anna z Bretanii , jako Prudence u jego boku. Richier wykonał szczególnie gotycką rzeźbę umęczonego świętego, Cadaver Tomb of René of Chalon, przedstawiający René z Chalon tak, jak wyglądałby trzy lata po śmierci, rozkładające się zwłoki trzymające w dłoni własne serce.

Pierwszym dużym francuskim rzeźbiarzem renesansu był Jean Goujon (1510–1565), również znany rysownik graficzny, którego płaskorzeźby doskonale uchwyciły i udoskonaliły styl włoski. Przybył do Paryża w 1544 roku i ściśle współpracował z architektem Pierre'em Lescotem przy dekoracji Luwru , Fontaine des Innocents , kilku figur na fasadę Hôtel de Ville w Paryżu oraz grupy płaskorzeźb Cztery pory roku, wykonany dla elewacji dziedzińca hôtel Jacques de Ligeris, obecnie w Musée Carnavalet w Paryżu. Goujon był protestantem iw 1562 r., kiedy francuskie wojny religijne , wyjechał z Francji do Włoch, gdzie prawdopodobnie zmarł w 1563 r.

Inni znani rzeźbiarze francuskiego renesansu to Pierre Bontemps (1505–1568), współpracownik architekta Philiberta Delorme . Był głównym twórcą rzeźby nagrobnej Franciszka I , która wykazała jego precyzyjną znajomość anatomii i umiejętność barwnego przedstawiania mnóstwa bitew, scen i postaci na pięćdziesięciu czterech oddzielnych płaskorzeźbach wokół podstawy grobowca. grób.

Germain Pilon (1535-1590) był kolejną ważną postacią. Był uczniem Bontempsa, zaciekłego orędownika strony katolickiej w wojnach religijnych i kontrreformach. Był także znakomitym portrecistą i studentem anatomii i detalu. Jego główne prace obejmowały pomnik serca Henryka II we Francji , oparty na rysunku Francesco Primaticcio , groby Henryka II we Francji i Katarzyny Medycejskiej oraz wiele innych dzieł religijnych.

Rzeźba francuska końca XVI wieku opierała się w dużej mierze na wzorcach starożytnych Rzymian. Bartélémy Prieur był uczniem Pilona i królewskim rzeźbiarzem Henryka IV , a Jacques Sarrazin był nadwornym rzeźbiarzem Ludwika XIII . Studiowali w Rzymie i kopiowali rzymskie modele. Dwaj bracia François Angiers i Michel Angiers byli również długoletnimi studentami w Rzymie. Ich praca była bardzo wyrafinowana i bliska perfekcji w wykonaniu, ale brakowało jej oryginalności, emocji czy dramatyzmu. Główną innowacją stylistyczną rzeźby francuskiej było wprowadzenie konnego pomnika króla na koniu, przeznaczonego do umieszczenia na centralnych placach miejskich. Pierwszym przykładem był konny posąg Henryka IV z Francji z brązu , przedstawiający konia autorstwa Jeana de Boulougne, francuskiego rzeźbiarza zatrudnionego we Florencji przez Medyceuszy i króla autorstwa Ferdinando Tacca , jego uczeń. Posąg został zniszczony podczas rewolucji francuskiej.

Wiek XVII i epoka Ludwika XIV

Panowanie Ludwika XIV (1643-1715) zbiegło się w dużej mierze z erą rzeźby barokowej , ale król francuski oparł się stylowi barokowemu. Wielki mistrz rzeźby barokowej, Bernini , odbył jedną podróż do Paryża i skrytykował twórczość francuskich rzeźbiarzy jako „styl mały, smutny i ponury”. Zrobił pomnik króla, zobaczył, że jego plan elewacji Luwru został odrzucony i wyjechał po sześciu miesiącach. Zamiast tego Ludwik XIV i jego ministrowie używali bardziej klasycznego stylu rzeźby jako metody zilustrowania majestatu króla i jego panowania. Francuska Królewska Akademia Malarstwa i Rzeźby powstał w 1648 r. Studenci otrzymali za przewodnika oświadczenie króla: „Powierzam wam rzecz najcenniejszą na świecie: moją sławę”. Król rozpoczął jeden z największych projektów rzeźbiarskich w historii, dekorację Pałacu Wersalskiego i jego rozległych ogrodów oraz licznych fontann. Większość czołowych francuskich rzeźbiarzy zajmowała się wykonywaniem posągów dla Wersalu. Królewski artysta Charles Le Brun przydzielono tematy, rzeźbiarzom modele, które zostały zatwierdzone przez króla i powstały pełnowymiarowe modele gipsowe do ekspozycji w parku. Po okresie miesięcy lub lat ostateczne prace były następnie odlewane z brązu lub rzeźbione w marmurze.

Główni rzeźbiarze, którzy dekorowali ogrody, to François Girardon (1628-1715), Antoine Coysevox (1640-1720) i Jean-Baptiste Tuby (1635-1700). Coyseyvox, oprócz robienia fontann, produkował bardzo piękne popiersia portretowe króla i jego głównych ministrów. Tworzył także rzeźby przedstawiające członków dworu lub szlachtę w strojach mitologicznych, jak np. księżna Burgundii przedstawiona jako bogini łowów, Diana. Prawie wszyscy główni rzeźbiarze tego okresu, w tym Coysevox, Girardon, Jean-Louis Lemoyne (1665-1755) i Edmé Bouchardon (1698-1762) wykonał także monumentalne posągi konne króla na królewskie place w dużych miastach, m.in. Place Vendôme i Place des Victoires w Paryżu.

W późniejszych latach panowania Ludwika XIV wojny wyczerpały skarbiec i brakowało dużych zleceń rzeźbiarskich. Król zwrócił uwagę na dekorację swojego Château de Marly , zbudowanego jako cichsza azyl od Wersalu. Posągi obejmowały dzieła Coysevoxa i jego uczniów, w tym Nicolasa Coustou , a wkrótce po jego panowaniu słynną parę koni autorstwa Guillaume Coustou (1739–1745), której repliki zdobią teraz początek Pól Elizejskich .

Inni znani rzeźbiarze z tego okresu to Pierre Puget z Marsylii, jeden z najlepszych rzeźbiarzy francuskiego baroku . Studiował i pracował w Rzymie, a jego prace wykazywały ruch i silne emocje, a także wykorzystywały figurę serpentyny , ułożony spiralnie w górę, co sugerowało ruch i lekkość charakterystyczną dla włoskiej rzeźby barokowej. Niektóre przykłady, w tym Perseusz i Andromeda 1684) i Milo z Crotone (1682) zostały umieszczone w ogrodach wersalskich i obecnie znajdują się w Luwrze.

XVIII wiek: neoklasycyzm i rokoko

Dwoma dominującymi francuskimi rzeźbiarzami XVIII wieku byli Jean-Baptiste Pigalle i jeden z jego uczniów, Jean-Antoine Houdon . Pigalle nie zdobył Prix de Rome, ale pracował w pracowni François Lemoyne i wyjechał do Włoch, gdzie wykonał swoje pierwsze słynne dzieło, Merkurego zakładającego buty do biegania . Wykonał liczne naturalistyczne rzeźby, w tym Miłość i Przyjaźń dla Madame Pompadour oraz pomnik Ludwika XV na koniu dla miasta Reims . Od zimnej formalności klasycyzmu oderwał się Grobem Marszałka Maurycego de Saxe , zamówionym przez Ludwika XV, Pigalle portretował Marszałka nie leżącego na swoim grobie, ale bardzo żywego i aktywnego, otoczonego symbolicznymi postaciami postaci i zwierząt, m.in. sztandary, lwica holenderska i lampart angielski oraz postać umierającego Herkulesa, symbolizująca samego Marszałka; rzeźba była sceną teatralną wykutą w kamieniu. Pigalle wykonał również bardzo piękne portrety i popiersia, w tym nagiego posągu Voltaire'a, wyrażającego jego skromność i człowieczeństwo.

Popiersia portretowe stały się niezwykle popularne. Jean-Antoine Houdon (1714-1785) był uczniem Pigalle i specjalizował się w popiersiach, podróżując po Europie i Stanach Zjednoczonych, gdzie wykonał dokładne popiersia Jerzego Waszyngtona i Benjamina Franklina . Zmierzył twarze swoich poddanych pod kątem dokładności, szczególnie pracując nad szczegółami oczu, aby zapewnić realizm i żywą ekspresję. Augustin Pajou wykonał pięć różnych popiersi Madame Du Barry ,

Panowanie Ludwika XV i mecenat Madame de Pompadour przyniosły zwrot w kierunku neoklasycyzmu. Główne zamówienia królewskie zwykle trafiały do ​​dwóch uznanych oficjalnych rzeźbiarzy królewskich, Jeana-Louisa Lemoyne'a (1665-1755 (i jego syna, Jeana-Baptiste'a Lemoyne'a , który był jednym z najwybitniejszych portrecistów tego okresu, oraz do Augustina Pajou , ale madame Pompadour zlecał rzeźbiarzom nowe pokolenie, w tym Étienne Maurice Falconet i Jacques Caffieri . Falconet zyskał międzynarodową sławę, na zaproszenie carycy rosyjskiej, Katarzyny Wielkiej na wykonanie monumentalnego pomnika Piotra Wielkiego na koniu, znanego jako Jeździec Miedziany , a do Prus wykonanie pomnika dla ogrodów Fryderyka Wielkiego w parku Sanssouci w Poczdamie .

Pod koniec XVIII wieku zmienił się klient rzeźby. Rosnąca klasa bankierów, kupców i innych bogatych profesjonalistów szukała rzeźb do swoich domów. Rzeźbiarze pracowali w różnych mediach, w tym w szkliwionej porcelanie z Manufaktury Sevres , którą można było wytwarzać w seriach, oraz wykonywali mniejsze kawałki brązu w wielu odlewach. w tym wiele odlewów z brązów. Główni rzeźbiarze, w tym Pigalle i Falconet, wykonali serie dla manufaktury Sevres. Rokoko teatralne styl był powszechny; Tematami małych prac były zazwyczaj sceny sielankowe, romantyczne i mitologiczne, z amorkami, pasterzami i satyrami, wdziękiem i łagodną zmysłowością. Claude Michel , znany również jako Clodion, był mistrzem tego gatunku, pracującym głównie w terakocie. Skomponował liczne rzeźby przeplatających się nimf, satyrów i bachantek w terakocie.

Rewolucja Francuska doprowadziła do zniszczenia rzeźby na wielką skalę; konne posągi królów i rzeźbione fasady gotyckich katedr zostały rozebrane lub zniszczone. Kilku rzeźbiarzy pojawiło się za panowania Napoleona, w tym Chinaud, Chaudet i Cartellier, ale ich twórczość została całkowicie przyćmiona przez włoskiego rzeźbiarza Antonio Canovę w tym samym okresie. Napoleon zaprosił Canovę do Paryża, gdzie Canova wykonał półnagi posąg cesarza jako Marsa, ale wkrótce wrócił do Rzymu i bardziej wdzięcznej publiczności

Dziewiętnasty wiek

Pierwszymi ważnymi postaciami rzeźby francuskiej XIX wieku byli Antoine-Louis Barye (1795-1875) i François Rude (1784-1855), z których każdy odrywał się od klasycznych modeli i ideałów XVIII wieku. Barye był najbardziej znany jako portret zwierząt, które przedstawiał z dużym realizmem, często łącząc się w grupy z ludźmi. Jego prace obejmują dekorację rzeźbiarską Kolumny Lipcowej na Place de la Bastille oraz cztery grupy na fasadzie Pavillon Denon w Luwrze (1854). Podmiotami Rude'a nie byli szlachcice, ale zwykli ludzie, przedstawieni realistycznie, a nie w klasycznych pozach. Pojawiło się to w jego pierwszej ważnej rzeźbie, przedstawiającej młodego neapolitańskiego rybaka (1833), oraz w jego najsłynniejszym dziele, The Departure of the Volunteers (1836), płaskorzeźbie na podstawie nowego Łuku Triumfalnego , który stał się klasycznym przykładem ruchu romantyzmu . Jego popiersia portretowe czołowych osobistości, takich jak Jacques-Louis David , ukazywały je nie wyidealizowane, lecz ukazujące szczyt emocji.

Rzeźbiarz Honoré Daumier (1808-1879) zajmował wyjątkowe miejsce w dziewiętnastowiecznej rzeźbie, z serią rzeźb portretów członków francuskiego parlamentu, które bezlitośnie ich karykaturowały i satyryzowały.

Jean-Baptiste Carpeaux (1827-1865) był najwybitniejszym rzeźbiarzem francuskim za panowania Napoleona III , oddającym ducha Drugiego Cesarstwa. Studiował najpierw u Rude'a, gdzie nauczył się precyzji i naturalizmu, a następnie, zgodnie z sugestią Rude'a, w bardziej tradycyjnej Akademii, gdzie był uczniem Barye'a, nauczył się renesansowego stylu Michała Anioła i zdobył Prix de Rome. Jego pomnik myśliciela Ugolina wywołał skandal, który uczynił go sławnym. Wraz ze swoim przyjacielem architektem Charlesem Garnierem wykonał swoje najsłynniejsze dzieło dekoracji rzeźbiarskiej elewacji katedry Opera Garnier w Paryżu, Geniusz tańca , pełen pasji i energii, który zszokował bardziej konserwatywnych Paryżan. Wykonał również słynne dzieło Flore na fasadę Luwru i rzeźbę dla Fontaine de l'Observatoire , na południe od Ogrodu Luksemburskiego .

Jules Dalou (1838-1902), uczeń Carpeaux, podążał za nim jako ważny rzeźbiarz monumentalny, Triumf Republiki (1889) z okazji stulecia Rewolucji Francuskiej, na Place de la Nation .

Edgar Degas używał rzeźby jako narzędzia do swojego malarstwa. Kiedy zmarł, w jego pracowni znaleziono około stu pięćdziesięciu rzeźb z terakoty i wosku przedstawiających tancerzy, kobiety przy toaletce i inne przedmioty. Najwyraźniej wykorzystał te rzeźby i modele do badania wpływu światła. Jego rzeźby, często delikatnie kolorowe i z materiałowymi spódnicami, uchwyciły wdzięk, ruch i charakter tancerzy równie dobrze jak jego obrazy.

Najsłynniejszy francuski rzeźbiarz XIX wieku, Auguste Rodin (1840-1917), chciał być uczniem Carpeaux, ale mu się to nie udało, choć później pożyczył jednego z poddanych Carpeaux, Ugolina Myśliciela . Został uczniem Barye'a, który był jego instruktorem rysunku. Jego niezwykłe zdolności uważnej obserwacji w połączeniu z umiejętnością posługiwania się światłem i wyrażania emocji bardzo szybko przyniosły mu sławę, choć szybko spotkały się z krytyką. wszystkie jego główne roboty publiczne zostały zaatakowane. Jego najsłynniejsze dzieła to Myśliciel , Mieszczanie Calais i Balzac . Do czasu Wystawy Paryskiej w 1900 roku miał tak wiele poleceń, że służył głównie jako modelarz, zatrudniając dużą pracownię asystentów do faktycznego wykonania posągów. Myśliciel wymyślił w latach 1881-1882, a pełnowymiarowy model wystawił w 1904 roku w Salon des Beaux-Arts. Ostatecznie wykonano dwadzieścia osiem odlewów posągu. Pod koniec życia wykonał jeszcze bardziej wpływowe dzieło, rzeźbiarski portret Honoré de Balzac . Rodin został wybrany do zlecenia przez pisarza Emile Zola Rodin eksperymentował z wieloma różnymi wersjami kostiumów i póz, począwszy od 1891 roku, i ostatecznie zdecydował się przedstawić nie wygląd fizyczny, ale ducha i myśli Balzaca, poprzez wyolbrzymienie jego rysów. Dzieło wywołało skandal, gdy zostało zaprezentowane w 1898 roku i zostało odrzucone przez Salon Narodowego Towarzystwa Sztuk Pięknych. Abonament pokrył koszt modelu, który został wystawiony na Avenue Friedland w 1902 roku. Rodin nigdy nie widział ostatecznej wersji z brązu, która została umieszczona na skrzyżowaniu Avenue Raspail i Montparnasse w 1939 roku.

Uczniowie Rodina modyfikowali i tworzyli nowe wariacje, z których wiele wyrażało poczucie ruchu, szybkości i zmian odczuwanych pod koniec wieku. Wśród tych rzeźbiarzy był uczeń i kochanek Rodina, Camille Claudel (1864-1943).

XX wiek - Koniec zasad

Lata 1900-1914 to okres niezwykłych eksperymentów rzeźbiarskich, łamiących wszelkie dotychczasowe zasady i tradycje. Do Paryża ściągali artyści z całego świata iz francuskich prowincji. Antoine Bourdelle (1861-1929) był uczniem Rodina, którego prace obejmowały dwa stulecia i ilustrowały przejście do nowych stylów. Jego stylizowane płaskorzeźby w Theatre des Champs Elysées (1910–12) łączyły się z nowym stylem architektonicznym Art Deco . Do ważnych rzeźbiarzy z początku wieku należeli Aristide Maillol (1861-1944), który zaczynał jako malarz, a następnie zajął się rzeźbą. Szczególnie portretował w naturalnej i zmysłowej formie akt kobiecy. Germaine Richier (1902-1959), uczennica Bourdelle'a, stworzyła dziwne hybrydy form ludzkich i zwierzęcych. Jej prace wyrażały nerwowość i napięcie.

François Pompon , który pracował w pracowni Rodina, odziedziczył rolę rzeźbiarza zwierząt, którą zajmował Bayre, chociaż w przeciwieństwie do Bayrle'a nie interesował go realizm. Uprościł i oczyścił formy, szukając właśnie esencji zwierzęcia.

Wielu czołowych malarzy modernistycznych początku XX wieku również eksperymentowało z rzeźbą; byli to Henri Matisse , André Derain , Fernand Léger , Georges Braque i inni. Nie mieli formalnego wykształcenia ani doświadczenia jako rzeźbiarze i nie przestrzegali żadnych tradycyjnych zasad, z większym lub mniejszym powodzeniem.

Wykorzystanie nowych i niezwykłych materiałów było powszechną cechą rzeźby XX wieku. Henri-Georges Adam wykonał bardzo duże abstrakcyjne prace z betonu, takie jak jego 22-metrowy Sygnał w Muzeum Sztuk Pięknych w Le Havre .

Najbardziej znanym i kontrowersyjnym dziełem XX wieku była prawdopodobnie Fontanna , praca wystawiona na Wystawę Artystów Niezależnych w Nowym Jorku w 1917 roku przez francuskiego artystę Marcela Duchampa . Był to zwykły pisuar zakupiony przez DuChampa i zaproponowany przez DuChampa jako dzieło sztuki. Organizatorzy pokazu przyjęli go niechętnie, bo każdy, kto zapłacił honorarium, mógł wystawiać swoje prace, ale nigdy nie został wystawiony i wywołał ogromny skandal w świecie sztuki, zgodnie z intencjami Duchampa.

Gaston Lachaise również zdawał się kpić z tradycji rzeźby klasycznej swoimi napompowanymi aktami.

César Baldaccini (1921-1998) był wybitną postacią francuskiej rzeźby drugiej połowy XX wieku. César był na czele ruchu Nouveau Réalisme dzięki swoim radykalnym kompresjom (zagęszczone samochody, wyrzucony metal lub śmieci), ekspansjom (rzeźby z pianki poliuretanowej) i fantastycznym przedstawieniom zwierząt i owadów.

Inni wybitni rzeźbiarze, którzy pracowali w Paryżu w XX wieku, to rumuński Constantin Brâncuși , włoski Amedeo Modigliani , Jean Arp , szwajcarski Jean Tinguily i Niki de Saint Phalle ,

Notatki i cytaty

Bibliografia

  •   Brocvielle, Vincent (2017). La Petit Larousse de l'Histoire de l'Art (w języku francuskim). Larousse'a. ISBN 978-2-03-5936-39-4 .
  •   Jeancolas, Claude (1992). Rzeźba francuska . Paryż: CELIV. ISBN 2-86535-162-9 .
  •   Gęsi, Uwe, Sekcja rzeźby barokowej w L'Art Baroque - Architecture - Sculpture - Peinture (tłumaczenie francuskie z niemieckiego), HF Ulmann, Kolonia, 2015. ( ISBN 978-3-8480-0856-8 )
  •   Duby, Georges and Daval, Jean-Luc, La Sculpture de l'Antiquité au XXe Siècle , (francuskie tłumaczenie z niemieckiego), Taschen, (2013), ( ISBN 978-3-8365-4483-2 )
  • Lagrange, Léon, Pierre Puget - Peintre - Sculpteur - Décorateur de Vaisseaux Didier et Cie, Paryż (1868) (po francusku)
  •   Ducher, Robert (1998). Caractéristique des Styles (w języku francuskim). Flammarion. ISBN 2-08-011539-1 .
  •   Erland-Brandenburgia, Alain (2005). L'art roman- Un défi européen (w języku francuskim). Gallimarda. ISBN 2-07-030068-4 .
  •   Mignon, Olivier (2017). Architecture du Patrimoine Française - Abbayes, Églises, Cathédrales et Châteaux (po francusku). Éditions Ouest-France. ISBN 978-27373-7611-5 .
  •   Toman, Rolf (2015). L'Art Roman - Architektura, Rzeźba, Malarstwo (po francusku). HF Ullmann. ISBN 978-3-8331-1039-9 .
Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=French_sculpture&oldid=1111586320 ”