Rzeźba etruska
Rzeźba etruska była jednym z najważniejszych wyrazów artystycznych ludu Etrusków , który zamieszkiwał regiony północnych i środkowych Włoch od około IX wieku pne do I wieku pne. Sztuka etruska była w dużej mierze pochodną sztuki greckiej , chociaż rozwinęła się z wieloma własnymi cechami. Biorąc pod uwagę niemal całkowity brak pisemnych dokumentów Etrusków, problem potęgowany niedostatkiem informacji o ich języku — wciąż w dużej mierze nierozszyfrowanym — to właśnie w ich sztuce można znaleźć klucze do rekonstrukcji ich historii, chociaż kroniki greckie i rzymskie są również bardzo pomocne. Rzeźba etruska, podobnie jak jej kultura w ogóle, ma wiele niejasnych aspektów dla badaczy, będąc przedmiotem kontrowersji i zmuszając ich do proponowania swoich interpretacji zawsze z pewną rezerwą, ale panuje zgoda co do tego, że była częścią najważniejszego i najbardziej oryginalnego dziedzictwa sztuki włoskiej, a nawet przyczynił się znacząco do początkowego ukształtowania się tradycji artystycznych starożytnego Rzymu . Pogląd na rzeźbę etruską jako jednorodną całość jest błędny, ponieważ istnieją istotne różnice, zarówno regionalne, jak i czasowe.
Kontekst historyczny
Pochodzenie Etrusków było przedmiotem kontrowersji od starożytności. Herodot uważał, że byli oni potomkami ludności przybyłej z Anatolii przed 800 rokiem p.n.e., która wyparła poprzednich mieszkańców, chociaż Dionizy z Halikarnasu uważał ich za autochtonów. Współczesne badania również nie osiągnęły konsensusu, a eksperci ostatecznie uznali ten problem za nierozwiązywalny i zaczęli badać, jak zorganizowane jest społeczeństwo, a nie skąd pochodzą. Wiadomo na pewno, że w połowie VII wieku pne ich główne miasta zostały już założone, rozpoczynając natychmiast okres ekspansji terytorialnej, która zakończyła się zdominowaniem dużego regionu mniej więcej w centrum Półwyspu Italskiego, rozciągającego się od Veneto i Lombardia do Lacjum i Kampanii , co zostało nazwane Etrurią . Jednak w następnych stuleciach ich podboje były zagrożone i kilku ludom włoskim udało się cofnąć swoje postępy. Ostatecznie ich ostatnie twierdze zajęli Rzymianie, którzy wchłonęli ich kulturę i doprowadzili do ich rozpadu. W szczytowym okresie Etruskowie byli najpotężniejszymi ludźmi w przedrzymskich Włoszech i stworzyli dobrze prosperującą cywilizację z dużą produkcją rolną, potężną flotą, kwitnącym handlem obejmującym większą część Morza Śródziemnego i wyjątkową kulturą, w której sztuka odgrywała wielką rolę. rolę, mającą ogromny wpływ na początkowy kształt sztuki starożytnego Rzymu .
Ich obecność we Włoszech przyjmuje się od IX wieku pne, ale inskrypcje na pomnikach i przedmiotach, które dają większą pewność co do ich datowania, pojawiają się dopiero około 700 roku pne. Choć łączyła ich wspólna kultura, Etruskowie nie tworzyli spójnej jednostki politycznej, a ich organizacja społeczna była podobna do greckiego polis , a nawet walczyli ze sobą. Nie zachowały się żadne literackie teksty etruskie, ich historię można odzyskać bezpośrednio z dowodów archeologicznych, ale wiele z tego, co wiadomo, zostało opisane przez Greków i Rzymian. Tytus Liwiusz mówi o społeczeństwie „ludu etruskiego”, składającego się z „szwagierów” (spokrewnionych), „ sodales ” (towarzyszy broni) i „klientów” (ludzi, którzy oferowali swoje usługi i oczekiwali ochrony od swoich patroni.)
Grecji i Etrurii
Utrzymywali kontakt z Grecją, być może od samego początku, kontakt ten nasilił się, gdy Grecy założyli swoje pierwsze kolonie na południu Półwyspu Italijskiego, około 775-750 pne. Przyjęli alfabet podobny do alfabetu greckiego , a także część ich mitologii i importowali greckie naczynia w dużych ilościach, zwłaszcza ceramikę . Przedmioty te znalezione na ziemiach etruskich były jednym ze źródeł do ustalenia chronologii ich dziejów. Najstarsze inskrypcje w języku etruskim pochodzą z VII wieku pne, a pierwsze znaki są malowane na ceramice, zawsze nawiązującej do alfabetu greckiego, ale dostosowanej do lokalnego języka. Pismo znajdowano również na tabliczkach wewnątrz książęcych przedmiotów nagrobnych, co było oznaką wyróżnienia społecznego. W rzeczywistości wpływy greckie stały się tak ważne, że nomenklatura etruskiej historii sztuki odzwierciedla to, co było używane do opisywania odpowiednich okresów sztuki greckiej:
- Okres wilanowski lub geometryczny : 9-8 pne.
- Okres orientalizacji : VII wpne.
- Okres archaiczny : od VI do połowy V wieku pne.
- Okres klasyczny : od połowy V do połowy IV wieku pne.
- Okres hellenistyczny : III-I wpne.
Nawet przy masowej asymilacji obcej kultury znamienne jest, że zarówno Grecy, jak i później Rzymianie uważali Etrusków za naród doskonale zindywidualizowany. Badania nad kulturą Etrusków rozpoczęto w okresie renesansu i pogłębiono od XIX wieku, ale starsi historycy często potępiali ich rzeźbę, postrzegając ją jako zwykłą imitację sztuki greckiej, pozbawioną kreatywności. Stanowisko to zmieniało się w ostatnich latach i dziś uznawane jest za zjawisko oryginalne. W każdym razie rozróżnienie między rzeźbami greckimi w Etrurii a właściwymi rzeźbami etruskimi jest często nadal bardzo trudne dla współczesnych krytyków. Wpływy sztuki fenickiej , rzymskiej , egipskiej i wschodniej , wraz z utratą większości ich najbardziej istotnej produkcji rzeźbiarskiej, sprawiają, że problem jest jeszcze bardziej skomplikowany. Jednak badanie rzeźby etruskiej w porównaniu z jej sąsiadami, zwłaszcza Grekami, może prowadzić do tendencyjnych szacunków wartości i znaczenia, które uniemożliwiają docenienie jej ze względu na jej wewnętrzne i typowe wartości, ponieważ historycznie rzeźba grecka, zwłaszcza z okresu klasycznego , była często uważany za idealny model rzeźby zachodniej ; pogląd, który wciąż rezonuje w badaniach i popularnej wizji. Ukończenie kilku wykopalisk archeologicznych w ostatnich latach na stanowiskach znalezionych w stanie nienaruszonym oraz renowacja kapitalnych dzieł, które zostały zniekształcone przez interwencje w XIX wieku, dostarczyły wielu dodatkowych autentycznych informacji dla lepszego zrozumienia ciemnych zakamarków tego tematu .
Rzeźba prywatna
Jedną z charakterystycznych cech rzeźby etruskiej jest to, że służyła ona przede wszystkim do dekoracji prywatnych i religijnych. W okresie swojego zenitu Etruskowie stworzyli zamożną i kultywowaną elitę, miłośników sztuki i luksusu, ale w przeciwieństwie do innych ludów starożytności wydaje się, że nie byli zainteresowani utrwalaniem poprzez sztukę własnej historii, wychwalaniem cnót obywateli. Ani nie stworzyli wielkich dzieł kultu dla bogów, ani nie chcieli ozdobić swoich miast wielkimi pomnikami cywilnymi, aby głosić chwałę ich cywilizacji. Dlatego też nie pojawiła się postać artysty twórczego czy szkoły stylistyczne uznane za swój indywidualny geniusz. Ich sztuka jest anonimowa, zbiorowa, eklektyczna i niekonkurencyjna. jest jednak nazwisko etruskiego rzeźbiarza ( Vulca ), który pracował w Rzymie i tam zasłynął. Tak więc rzeźba była zasadniczo utylitarna, zarówno religijna, jak i dekoracyjna lub prywatna. Głęboka wiara w życie pośmiertne skłoniła ich do wypracowania złożonego systemu praktyk pogrzebowych, których głównym celem było zapewnienie zmarłym komfortu w ich grobowej siedzibie i zadowolenie bogów poprzez wypełnienie jej przedmiotami, które miały ułatwić im życie pozagrobowe. Począwszy od okresu archaicznego, projekt grobowców wykonywano tak, jakby były prawdziwymi domami dla zmarłych; zwyczaj, który trwał aż do zanurzenia się w kulturze rzymskiej. Ich charakterystyka różniła się w zależności od okresu, regionu i klasy społecznej zmarłych, aw niektórych fazach grobowce najważniejszych osób stawały się niezwykle bogate.
Rzeźba religijna
Religia determinowała również preferencje dla niektórych rodzajów rzeźb obecnych w grobowcach, takich jak wota i statuetki bogów, poza rzeźbionymi postaciami zmarłych w urnach grobowych i sarkofagach . Posągi związane z kontekstami pogrzebowymi to zdecydowanie najobficiej występująca produkcja etruska. Ważne są również inne typologie, takie jak obejmująca się para oraz różne statuetki, amulety i płaskorzeźby przedstawiające obrazy o silnym charakterze seksualnym, używane w różnorodnych praktykach rytualnych. Często pojawiały się również sceny składania ofiar z ludzi, często z uderzającymi realistycznymi szczegółami, przy czym epizod składania ofiary z Ifigenii był szczególnie powszechny. Obrazy prawdopodobnie nie odzwierciedlały prawdziwych ofiar, ale zastępowały je symbolicznie. Innym powracającym tematem jest figuracja różnych mitów lokalnych i greckich, skupiająca się głównie na brutalnych scenach bitewnych. Ale podczas gdy Grecy stworzyli wiele wizerunków bogów i deifikowali nawet abstrakcyjne cnoty, Etruskowie podeszli do nich znacznie mniej konkretnie, z kilkoma wizerunkami, o których nawet nie wiadomo, czy były to jakieś lokalne bóstwa.
Rzeźba dekoracyjna
Jeśli chodzi o nagość w rzeźbie, Etruskowie mieli bardzo odmienne zdanie niż Grecy. Podczas gdy ci drudzy powszechnie to preferowali, ci pierwsi tego unikali, rzadko pokazując nagość, ale wprowadzili nowatorski typ matki karmiącej z odsłoniętą piersią, niespotykany w sztuce greckiej, typologię, która wraz z nadejściem chrześcijaństwa byłaby bezpośrednim przodkiem odmiany płodny typ Dziewicy, Virgo lactans . Jeśli chodzi o kanony stylistyczne, zdaniem Cunninghama i Reicha, Etruskowie nie byli, jak Grecy, zainteresowani głęboką refleksją nad związkami sztuki i etyki czy zrozumieniem, jak ciało funkcjonuje w przedstawieniu artystycznym, a ich uwaga skierowana była bardziej do natychmiastowych efektów liczb. Dowodem na to jest istnienie niezliczonych postaci zniekształconych, schematycznych lub nieproporcjonalnych, często o szczątkowym wykończeniu, zbliżających się do charakteru karykatury, podkreślających poszczególne rysy bez idealizmu. W przypadku grup dekoracyjnych na elewacjach świątyń i niektórych budynkach prywatnych ich kompozycja nie była logicznym uzupełnieniem formy budowli, lecz swobodnym dodatkiem dekoracyjnym, niezależnie od spójności architektonicznej . Grupy te są najbardziej typowym i oryginalnym gatunkiem monumentalnej rzeźby etruskiej.
Okresy
Villanova
Okres kultury Villanova, nazywany czasem geometrycznym, był preludium do powstania cywilizacji etruskiej . Jego nazwa jest taka sama jak ważnego stanowiska archeologicznego , Villanova, odkrytego w 1853 roku przez Giovanniego Gozzadiniego , niedaleko Bolonii , charakteryzującego się obrzędem pogrzebowym i dwustożkową wazą popielniczą. Okres ten charakteryzował się ekspansją i udoskonaleniem metalurgii oraz sztuki, która często wykorzystywała proste motywy geometryczne ułożone w złożone wzory, odziedziczone po wcześniejszych kulturach - lokalnej i greckiej - i które pozostały w sztuce etruskiej aż do czasów historycznych. Wydaje się, że wcześniejsza lokalna tradycja – zwana kulturą „prawilanowską” – wpłynęła na zwyczaj umieszczania drobnych elementów rzeźbiarskich na naczyniach grobowych i urnach, podczas gdy pierwiastek grecki przejawia się w tworzeniu drobnych figurek zwierząt z brązu, które w zasadzie imitują wzory znalezione na statkach. Vulci był prawdopodobnie pierwszym ośrodkiem, który miał typowo etruską tradycję artystyczną, przejawiającą się w postaci naczyń i kotłów z małymi grupami figurek ludzi i zwierząt na ich wieczkach. Były to pierwsze przedstawienia ludzkie w sztuce włoskiej, które z pewną dozą pewności przypisywano tylko postaciom mitologicznym z końca tego okresu.
Wydaje się, że twórczość artystyczna Villanova była bogata, ale pozostałości rzeźbiarskich jest niewiele. Przedmioty odzyskane przez archeologów zostały znalezione w kontekstach grobowych wewnątrz grobowców, w których zdeponowano urny zawierające różne przedmioty. Mają one niewielkie rozmiary i są przeważnie przedmiotami użytkowymi z brązu, jak uprzęże dla koni, hełmy, groty strzał i włóczni, dzbany, bransolety, naszyjniki, a także kociołki i patelnie oraz inne naczynia o nieznanej użyteczności, a także wszelkiego rodzaju naczynia ceramiczne : garnki, słoiki i talerze. Wiele z tych obiektów ma wyraźnie orientalne pochodzenie, co wskazuje na aktywny handel z odległymi regionami. Książęta etruscy naśladowali neoasyryjskich i poprzez zakup dóbr luksusowych potwierdzali swoją władzę przed społecznością. Ogromny popyt spowodował konieczność stworzenia lokalnych warsztatów, w których opracowywano ikonografie świata wschodniej Grecji, wytwarzano figurki antropomorficzne, wysoce stylizowane i schematyczne, ale o wielkiej żywotności.
Orientalizacja
Liczba fragmentów typologii orientalnej znalezionych w grobowcach z końca VIII w. p.n.e. jest tak wielka, że cały okres nazwano orientalizacją . To wtedy zintensyfikował się handel z Grekami i Fenicjanami, stając się ich głównymi partnerami handlowymi. Ten wzmożony obieg towarów z wielu różnych miejsc wynikał z potrzeby zaspokojenia pragnień elity, która została zorganizowana, wzbogacona i uszlachetniona. Główne miasta tamtych czasów, Vulci , Tarquinia , Cerveteri i Veii , stały się głównymi ośrodkami handlowymi, a największą liczbę pozostałości rzeźbiarskich znaleziono ponownie w grobowcach metra. W tym okresie grobowce stały się większe i bardziej złożone, z kilkoma komorami, korytarzami i dużym sklepionym dachem u góry, utworzonym z koncentrycznych pierścieni stopniowo postępujących bloków, czasem z centralnym pilastrem pomagającym podtrzymywać dach. Pochówki były często luksusowe, w tym obfitość zarówno przedmiotów dekoracyjnych, jak i sakralnych, książęta-wojownicy inwestowali w kupowanie luksusowych towarów na podobieństwo orientalnych pomp i typologii.
Motywy dekoracyjne, takie jak liście palmowe, lotos i lew, stały się częste, a dobrymi przykładami są bransoletki i wisiorki z postaciami lwów z kości słoniowej znalezione w Tivoli , srebrna płaskorzeźba przedstawiająca „Pani dzikich bestii” niewiadomego pochodzenia oraz duże tarcze z brązu zawieszane na grobowcach, zwłaszcza Cerveteri, ozdobione płaskorzeźbami w stylu przypominającym geometryczne wzory kultury Villanova, ale zawierające inne elementy orientalne. Nowością w ceramice było naśladowanie form zarezerwowanych dotychczas dla brązu, nadające im nową śmiałość w modelowaniu pełnych postaci i rzeźbiarskich dodatkach, takich jak wazony. Szczególnie interesujące są małe aryballos w kształcie zwierząt, używane do przechowywania perfum, wraz z innymi naczyniami o złożonej dekoracji – buccheros – które można również skatalogować jako rzeźby, oraz słoje kanopskie z pokrywkami pokrytymi antropomorficznymi postaciami, które mogły mieć duże wymiary i zostać intronizowanym. Na uwagę zasługuje w tej fazie rozwój sztuki jubilerskiej, bogato zdobionej, której przykłady można porównać do miniaturowych rzeźb.
Mity greckie pojawiały się już często w przedstawieniach orientalistów, ale możliwe, że były interpretowane zgodnie z lokalnymi tradycjami religijnymi. To właśnie w tym okresie pojawiły się pierwsze etruskie posągi kultowe, typologia religijna różniąca się od statuetek wotywnych widzianych już w poprzedniej fazie. Niektóre można łatwo zidentyfikować na podstawie ich greckich modeli, ale inne są lokalnymi adaptacjami, których identyfikacja wymaga naukowej interpretacji. Przykładem tego są posągi boga rzucającego piorun, którym może być Zeus , ale młody i bez brody, co dodatkowo komplikuje wiedza o co najmniej dziewięciu etruskich bogach z atrybutem błyskawicy, o czym opowiada Pliniusz Starszy . Pod koniec tego okresu jego twórczość artystyczna zdołała już sformułować estetykę, która świadomie wykraczała poza zwykłe naśladowanie zagranicznych modeli, a jego umiejętności w zakresie metali szlachetnych i brązu stały się znane poza jego granicami.
Aryballos w kształcie królika , terakota.
Bucchero , wykonany z terakoty.
Kocioł z głowami lwów, brąz.
Archaiczny
Import archaicznego stylu z Grecji był naturalny, biorąc pod uwagę ciągłość silnych więzi handlowych i kulturowych, które łączyły oba narody i sprzyjał temu fakt, że około 548-547 pne Persowie podbili Ionię , powodując ucieczkę wielu Greków do Włochy . Wielu z nich było artystami, którzy wprowadzili nową estetykę w konstruowaniu postaci ludzkiej za pomocą stylizowanych lub dużych, bardziej naturalistycznych linii. Greckie archaiczne typy produkcji zostały opracowane zgodnie z zasadniczo idealistycznymi zasadami i ustanowiły określone modele, które w plastyczny sposób ilustrowały koncepcje etyczne i moralne, nie znajdując dokładnej imitacji wśród Etrusków, ponieważ realizowali oni kształt ludzkiego ciała o znacznie bardziej opisowym profilu i w rzeczywistości, robiąc obrazy prawie jak portrety, kiedy wśród Greków usunięto z obrazów wszelką osobistą specyfikę. Inną różnicą jest to, że postać mężczyzny, choć była bardzo podobna do tej, jaką ubierali się greccy kouros , a wykroje jego ubioru nawiązywały do ubioru kobiecego kore . Ponadto mieli szczególne zamiłowanie do zdobnictwa, wprowadzili wiele nowych detali dekoracyjnych i wykorzystali większą liczbę postaci w scenach grupowych niż ich greckie modele. Istniały również różnice w użytym materiale, którym na ogół była terakota , preferując koroplast , w którym wykonywali swoje najdoskonalsze dzieła. Używali również kamienia, choć nigdy z oryginalnością i świeżością, jaką osiągali z gliny i ignorowali marmur . Jednym z najbardziej znanych przykładów wolnostojących lub izolowanych posągów z tej fazy jest kultowa rzeźba Apollina z Wejów , obecnie znajdująca się w Narodowym Muzeum Etruskim w Villa Giulia .
W tym okresie dokonały się istotne zmiany w rzeźbie, także za sprawą zmian w dziedzinie architektury i religii . Fuzja mitologii etruskiej i greckiej doprowadziła do zbliżenia form kultu. Forma świątyni etruskiej, która wcześniej niewiele różniła się od zwykłego domu, została zmodyfikowana i powiększona, upodabniając się do świątyni greckiej . Ponownie asymilacja nie była dosłowna, przy użyciu alternatywnych materiałów do jej budowy, pokazując różne podziały w przestrzeniach budynku, w jego rozmieszczeniu i układzie słupów oraz z wykorzystaniem wielu detali zdobniczych w polichromii terakotowej , takich jak fryzy , akroterion , przedrostki i plakiety ze scenami narracyjnymi lub z różnymi motywami zdobniczymi. Dekorację głównych świątyń – mniejszych niż greckie, ale bardziej zdobionych – zwieńczyła duża grupa rzeźbiarska z płaskorzeźbą na frontonie , również z terakoty, typologia, która utrwaliła się w połowie VI wieku p.n.e. jako jedna z najbardziej typowe i oryginalne gatunki etruskiej rzeźby monumentalnej. Świetnymi przykładami tego nowego trendu są grupa Temple A w Pyrgi i inna w Veii . Podobne zmiany zaszły w konstrukcji grobowców, czyniąc je bardziej złożonymi i większymi, z różnymi pomieszczeniami urządzonymi zgodnie z ich funkcjami jak domy i ozdobionymi elementami rzeźbiarskimi, takimi jak cokoły, kolumny i kapitele , oraz różnego typu płaskorzeźbami .
Od tego okresu często przedstawia się scenę „biesiady”, na której w przeciwieństwie do tradycji greckiej kobiety są przedstawiane leżące obok mężów. W ten sposób są one ukazane w wyprawach grobowych iw niektórych urnach Chiusi, zarówno w malowaniu ich ścian, jak iw płaskorzeźbach urn. W ten sposób rozpoczął się rozwój nowego typu urn grobowych, o wymiarach sarkofagu dla ciał, które nie zostały poddane kremacji, ale pochowane. Składał się z pudełka ozdobionego płaskorzeźbami po bokach i przykrytego wieczkiem, na którym przedstawiano zmarłych w pozycji leżącej, jak na uczcie. Czasami przedstawiały pary, jak słynny Sarkofag małżonków z Narodowego Muzeum Etruskiego . Postacie zmarłych nie były jednak portretami, lecz rodzajowymi typami. Niewykluczone, że gatunek ten inspirowany był kartagińską tradycją pochówku, połączoną z egipskim modelem z wieczkiem w kształcie mumii oraz orientalnym w formie pudełka. Model etruskiego sarkofagu został użyty znacznie później w Rzymie, rozciągając się na dużym obszarze Morza Śródziemnego.
Grupa ze sceną mitologiczną, terakota, Pyrgi.
Apollo z Wejów , terakota, Wejowie.
Sarkofag małżonków , terakota, Caere.
Scena bankietowa, wapień, Chiusi.
Scena mitologiczna, tłoczone srebro, Zamek San Marino.
Fragment rydwanu Monteleone , Brufa.
Posąg wotywny, brąz, Chiusi.
Statyw, brąz, Vulci.
Klasyczny
Styl archaiczny pozostał dominujący w starożytnej Etrurii, podczas gdy w Grecji kanon klasyczny dominował w V-IV wieku pne. W rzeczywistości był on praktycznie ignorowany przez Etrusków. Massimo Pallottino uzasadnia tę różnicę, mówiąc, że klasyczna kultura grecka była w tym czasie, z różnych powodów, bardziej skoncentrowana w Atenach i na Peloponezie iw jakiś sposób zablokowała wpływ jej promieniowania na sąsiednie regiony. Ze swojej strony Nancy Grummond opisuje tę fazę jako „neutralną”, która dała początek tylko kilku ważnym dziełom, Marsowi z Todi , który jest bliski kanonowi Polikleta , słynnej Chimery z Arezzo , która ma klasyczny wpływ, ale nadal zachowuje archaiczne ślady, Popiersie Brutusa (niekiedy uważane za dzieło rzymskie) oraz dekoracje architektoniczne w Orvieto i Falerii . Choć rzadkie, przykłady te wykazują wielkie mistrzostwo w konstrukcji formy i techniki odlewania i są uważane za arcydzieła. Po upadku Wejów w 396 rpne pod rządami Rzymian, najbardziej aktywne ośrodki produkcyjne znalazły się w Chiusi , Falerii i Bolsenie , siedzibie jednego z najważniejszych etruskich sanktuariów.
Klasyczna rzeźba grecka nadal wykazywała wielką idealistyczną troskę, podobnie jak w fazie archaicznej, ale teraz z niezwykłą zdolnością naśladowania anatomii prawdziwych ciał, ukazując połączenie ideału i naturalności w postaciach ludzkich, nadając im ponadczasowy, archetypowy i wzniosły charakter , nawet jeśli chodziło o bogów. Etruskowie również potwierdzili swoją oryginalność, preferując poziom bliższy naturalnemu i ozdobnemu. Ich odstępstwa od obcego kanonu nie można tłumaczyć rzekomym niezrozumieniem wzorca, gdyż etruska elita nie była ignorantem, a artyści wykazali się wysokimi umiejętnościami technicznymi, lecz odmiennymi celami w sztuce. Zrozumienie tych różnic jest szczególnie istotne w badaniu klasycznego okresu Etrusków ze względu na dużą liczbę postaci mitologicznych, które przetrwały.
W przypadku sarkofagu nieco większą troskę o bliższe opisanie fizjonomii zmarłych, choć trudno uznać je za prawdziwe portrety. Postacie prezentowane są w większej różnorodności form, pojawiając się nawet jako osoby śpiące. Równolegle mnożą się statuetki wotywne bogów i wota w postaci głów, które zachowały się w dużych ilościach, ale nie zostały jeszcze wystarczająco zbadane.
Popiersie Brutusa , brąz.
Chimera z Arezzo , brąz.
Skrzydlate konie z Tarquinii , terakota.
Statuetka Apollo, brąz.
hellenistyczny
Faza hellenistyczna jest jedną z najtrudniejszych do opisania. W tym czasie imperium Etrusków upadało, zagrożone przez sąsiadów, zwłaszcza Rzymian, którzy jedno po drugim podbijali jego miasta. W zderzeniu dwóch kultur rozpoczął się proces fuzji. Zmieniły się ich struktury społeczne, kładąc nacisk na rząd wojskowy i utworzenie nowej arystokracji wraz z asymilacją wzbogaconych plebejuszy. Religia i zwyczaje pogrzebowe stają się coraz prostsze, gdyż nie powstawały grobowce zdobione przepychem poprzednich faz ani tyloma przedmiotami czy akcesoriami, co sugeruje, że interesy społeczeństwa kierowały się bardziej w stronę życia teraźniejszego niż życia pozagrobowego, tym bardziej dlatego, że zaczęły dominować pesymistyczne wizje dotyczące przyszłości ich ludu. Zamiast tego wznowiono kontakt z Grecją, która działała już pod hellenistycznym eklektyzmem .
Sarkofagi i urny nadal były bogato zdobionymi elementami, ale rzeźby zmarłych stały się bardziej schematyczne i ogólne. Chociaż repertuar formalny jest nadal zróżnicowany, około II wieku p.n.e. modele były już ustalone i zapotrzebowanie było takie, że doprowadziło to do ich masowej produkcji, z tej samej formy – w terakocie – lub z tego samego modelu – w kamieniu – z silny spadek zindywidualizowanych sztuk. To samo dotyczyło fragmentów głów i posążków wotywnych, ich jakość również ulegała pogorszeniu, być może spowodowane intensywną produkcją form drugiej lub trzeciej generacji oraz rezygnacją z pracy ręcznej po modelowaniu. Urny wytwarzano głównie w Chiusi , Volterra i Perugii , natomiast sarkofagi pochodziły z Viterbo i Tarquinii . Najważniejsze grobowce z tego okresu znajdują się w regionie Tarquinia, Toskanii , Perugii i Sorano .
Grupy architektoniczne są zwykle bardziej zaludnione postaciami, ułożonymi w sekcje, które przeplatają wielki ruch i przemoc z innymi o spokojniejszej atmosferze i wykorzystujące eklektyczne zasoby z różnych źródeł, w tym archaicznych. Ważnymi przykładami tej fazy są grupy frontonu Talamone of Luni lub The Orator , posąg z brązu zwolniony. Do I wieku pne jakość dzieł ogólnie stała się bardzo niska, a cała oryginalna produkcja etruska uległa już wpływom rzymskim i dobiegła końca. Etruskowie uzyskali obywatelstwo rzymskie na początku I wieku, a ich terytorium nazwano Regio VII Etruria , jednym z jedenastu objętych reformą augustowską.
Kobieca głowa, terakota, Vulci
Menelaos i Meriones podnoszą zwłoki Patroklosa na wozie, podczas gdy Odyseusz patrzy na alabastrową Volterrę.
Sarkofag Larthia Seianthi , terakota ze śladami polichromii, Chiusi.
Głowa bóstwa, brąz.
Minerwa między Herkulesem a Lolausem , w lustrze, brąz inkrustowany złotem i srebrem.
Nagrobek polichromowany z terakoty.
Antefix w formie głowy Attisa, terakota, Fiesole.
Wieczko urny grobowej, terakota, Volterra.
Materiały i techniki
Terakota
Zdecydowana większość szczątków rzeźbiarskich, zarówno dużych - architektonicznych posągów i sarkofagów - jak i mniejszych, została wykonana z terakoty , której łatwość obróbki doskonale służyła celom rzeźbiarzy i mecenasów oraz dużemu zapotrzebowaniu na prace grobowe i dekoracyjne. Ponadto pozwoliło to na tworzenie seryjnych elementów za pomocą form , techniki wyuczonej od Greków. Prototyp z gliny został wymodelowany ręcznie, z którego wykonano kilka modeli, dzięki którym prototyp można było wielokrotnie powielać, aż forma się zużyje i zostanie ponownie wymieniona. Kawałek został wyjęty z formy, gdy był jeszcze mokry, aby można było nadal dodawać szczegóły lub poprawiać niedoskonałości produkcyjne, nadając każdemu kawałkowi niepowtarzalny charakter. Z kolei wypraski mogą służyć również jako nowy prototyp dla drugiej generacji form i kopii. Z jednej strony umożliwiło to masową produkcję podobnych dzieł przy niskich kosztach, aby sprostać rosnącemu zapotrzebowaniu, ale w miarę zużywania się form spadała ich jakość, co okazało się fatalne dla sztuki etruskiej, zwłaszcza w jej końcowej fazie, kiedy wykończenie było znacznie zredukowane, bez żadnych dodatków i poprawek po wytłoczeniu. Jednak jakość końcowego wykończenia prac była bardzo zróżnicowana, istniejące przypadki ważnych rzeźb z zaskakująco rustykalnym wykończeniem, nawet na etapach poprzedzających masową produkcję, jak wielki budynek Murlo, którego gzyms został ozdobiony co najmniej trzynastoma akroterionami naturalnej wielkości , a także z płytami z terakoty z przedstawieniami różnych scen, ale wykonanymi bardzo prymitywną techniką. Inne przykłady są jednak bardzo wyrafinowane, wśród których jest fronton świątyni Portonaccio w Veii , ze sceną mitologiczną, a innym zestawem wyjątków jest fronton Talamone . Bardziej ogólne było jednak stosowanie prostych plakietek i fryzów z różnymi scenami i drobnymi detalami, takimi jak przedrostki , akroteria i medaliony z motywami ludzkimi, zwierzęcymi, roślinnymi i abstrakcyjnymi.
Inne materiały
Kamień nigdy nie był szeroko stosowany w rzeźbie etruskiej. Niewiele jest przykładów rzeźb z miękkiego wapienia , alabastru czy toby ; marmur jest jeszcze rzadszy. Jego wymiary są skromne, a technika raczej prymitywna. Detale były często z grubsza obrabiane, ale niedoskonałości były ukrywane przez praktykę malowania na powierzchni. W warsztacie w Chiusi wyrzeźbiono żałobników i sfinksy w miejscowym kamieniu, natomiast w Vulci wykonano rzeźby fantastycznych istot wywodzących się z mitologii greckiej. Dopiero w okresie hellenistycznym znaleziono więcej przykładów rzeźb kamiennych, zwłaszcza sarkofagów, ale wydaje się, że technika ta nie ewoluowała znacząco.
Kość słoniowa , drewno i brąz były również wyjątkowymi materiałami na duże posągi, chociaż może się zdarzyć, że wiele ważnych elementów mogło zostać utraconych. Do opracowywania małych elementów brąz był uprzywilejowanym materiałem, dzięki któremu osiągnęli wysoki stopień wiedzy technicznej i złożoności formalnej. Opanowali kilka technik, takich jak wosk tracony, grawerowanie czy laminowanie. Byli w stanie dodawać do brązu inne metale, takie jak intarsje ze złota, miedzi lub srebra, a ich produkcja miała duży rynek wśród kilku sąsiednich ludów, zwłaszcza Rzymian, co jest techniką chwaloną przez Horacego . Wśród dzieł wykonanych z bursztynu z V wieku pne znajduje się fibula z Bursztynu Morgana przechowywanego w Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku .
Dziedzictwo rzeźbiarskie
Główne dziedzictwo rzeźbiarskie Etrusków rozwinęło się w Rzymie, gdzie rzymskie rzeźby datowane na VI wiek pne są wyraźnie w stylu etruskim; wpływ, który trwał w okresie hellenistycznym i być może później, istnieją nawet jego oznaki już w czasach Augusta .
XV - XVI wiek
Tradycja etruska popadła w zapomnienie aż do XV wieku, kiedy to zaczęto ją ratować przed dziełem mnicha Annio da Viterbo , kabalisty i orientalisty, który opublikował książkę, w której spekulował na temat możliwego wspólnego pochodzenia języków hebrajskiego i etruskiego , po po przeprowadzeniu kilku wykopalisk w grobowcach, odkryli sarkofagi i próbowali rozszyfrować ich język. Zainteresowanie to rosło, aż w 1553 roku w Arezzo odkryto słynną Chimerę , a następnie przeniesiono ją do Florencji , gdzie wywołała wielką sensację wśród artystów i uczonych. Został wystawiony w Palazzo Vecchio jako cud starożytności. Wraz z innymi znalezionymi przy nim posągami przeszedł do prywatnej kolekcji Cosimo I de Medici . W czasach, gdy Rzym wyparł Florencję w prestiżu kulturowym i politycznym, znalezisku nadano charakter nacjonalistyczny, stając się symbolem rodowodu prestiżu i specyficznej toskańskiej tożsamości.
XVII - XVIII wiek
W XVII wieku szkocki uczony Sir Thomas Dempster wniósł znaczący wkład w wiedzę o Etruskach, wydając siedmiotomowe dzieło zatytułowane De Etruria Regali , będące kompilacją starożytnych źródeł wraz z dziewięćdziesięcioma trzema rycinami przedstawiającymi ich pomniki. Jego praca pozostała jednak niepublikowana do 1723 r., Kiedy Filippo Buonarroti wraz z komentarzami do własnej pracy. Praca ta jest uważana za kamień milowy we współczesnej historii Etrusków. Trzy lata później Cortonie powstała Accademia Etrusca , która w krótkim czasie wzbogaciła się o różne studia specjalistyczne. W 1743 roku Antonio Gori wydał swoje Muzeum Etruscum z setkami ilustracji, aw 1761 roku Giambattista Piranesi opublikował tom o rzymskiej architekturze i inżynierii, w którym rozwinął kilka teorii na temat zaangażowania Etrusków w sztukę rzymską, które później zostały potwierdzone.
Te pionierskie prace zawierały oczywiście wiele błędów, nieścisłości i fałszywych atrybucji, ale przyczyniły się do pierwszego, bardziej naukowego wyznaczenia dziedziny badań, a także do narodzin neoklasycyzmu, którego intensywne zainteresowanie wywołało gorączkę wśród europejskich elit politycznych i intelektualnych. U Winckelmanna , jednego z najbardziej wpływowych teoretyków neoklasycznych, studia osiągnęły wyższy poziom, pisząc obszernie o sztuce etruskiej, w tym o rzeźbie, wyraźnie rozróżniając jej styl i grekę, dostrzegał też jej wewnętrzne zróżnicowanie, chwalił umiejętności jej artystów i uważał za „szlachetna tradycja”. W XIX wieku Hegel , choć bardziej zainteresowany idealistycznymi aspektami sztuki starożytnej, nie omieszkał docenić sztuki etruskiej, uznając, że wykazuje ona interesującą równowagę między idealizmem a naturalizmem, bardzo dobrze reprezentując praktycznego ducha Rzymian. Etruskie rzeźby były dla Romantyka Ruskina objawieniem , które pomogło mu zrozumieć historię sztuki Zachodu . Jednak Fryderyk Nietzsche gardził nimi. Frobenius rysował przesiąknięte fantastycznym romantyzmem analogie między etruską sztuką jego rzeźby a modnymi wówczas ludami prekolumbijskimi , powiązanymi z teoriami o Atlantydzie .
19 wiek
Jeszcze w XIX wieku rzeźba etruska zyskała ważne forum dyskusyjne, kiedy w 1829 roku utworzono Istituto di Correspondenza Archaeologica, aby promować międzynarodową współpracę w badaniach archeologii włoskiej, publikując wiele artykułów i prowadząc wykopaliska na kilku nekropoliach. Jednak rosnąca dostępność znaczących znalezisk spowodowała zniszczenie wielu stanowisk archeologicznych przez łowców wraków, katastrofy potępione przez brytyjskiego konsula we Włoszech, George’a Dennisa w książce The Cities and Cemeteries of Etruria z 1848 r., która od razu stała się bestsellerem i której wydanie trzecie (1883) pozostaje dobrym wprowadzeniem do tematu. Inną ważną publikacją była Antica Etruria Marittima (1846–51) autorstwa Luigiego Caniny , wprowadzająca rewolucyjną metodologię topograficzną. Ale być może ważniejszy był wkład Aloisa Riegla , który, choć nie skupiał się szczególnie na sztuce etruskiej, definitywnie potwierdził ważność neoklasycznej ekspresji artystycznej w czasach, gdy grecka spuścizna była uważana za wzór. W międzyczasie niektóre sektory zaangażowane w proces zjednoczenia Włoch zaczęły traktować Etrusków jako najbardziej uzasadnione źródło pochodzenia narodu włoskiego, zabarwiając debatę kulturalną tendencyjnym kolorytem politycznym i patriotycznym.
XX wiek
Na początku XX wieku rzeźba etruska mogła mieć wpływ na klasyczne grafiki Picassa . Jednocześnie Christian Zervos , katalogując dzieła artysty, zlecił archeologowi Hansowi Muhlesteinowi opracowanie sztuki etruskiej, które zostało opublikowane w artykule Histoireet esprit et contemporain , w którym zalecał współczesnym artystom studiowanie sztuki antycznej jako antidotum na panującą wówczas ideę, że światem rządzi czysto mechaniczna siła.
Inny ważny rzeźbiarz, Marino Marini , stwierdził, że jego odkrycie sztuki etruskiej było „niezwykłym wydarzeniem”, a jego entuzjazm był tylko częścią fali odrodzenia, która miała wielkie znaczenie dla ewolucji włoskiej sztuki nowoczesnej w okresie faszyzmu , wzmacniając jednocześnie faszystowski mit o wyższości narodu włoskiego i tradycji łacińskiej. Kilku ówczesnych włoskich intelektualistów potwierdziło cechy stylu etruskiego i pochwaliło artystów za przewartościowanie go przed archeologami. Pod wieloma względami kultura etruska była przedmiotem ponownej fascynacji w Europie początku XX wieku, w tym wśród jej wielbicieli Aldousa Huxleya i DH Lawrence'a . Ta reputacja sprzyjała równolegle pojawianiu się na rynku coraz większej liczby fałszywych dzieł. Największy reperkusję odniosły dzieła rodziny Pio Riccardiego i Alceo Dossena, tak dobrze wykonane, że trafiły do ważnych muzeów i przez kilka lat były wystawiane publicznie jako autentyczne, aż do wykrycia oszustwa.
Kilka instytucji w Europie i Stanach Zjednoczonych przeznaczyło w ostatnich dziesięcioleciach znaczne fundusze na teoretyczne projekty badawcze, wykopaliska i tworzenie kolekcji przedmiotów i sztuki etruskiej, przyczyniając się do lepszego zrozumienia tematu, który jest w dużej mierze ukryty przez niewiadome. Szczególnie ważne są zbiory Narodowego Muzeum Etruskiego w Villa Giulia , Luwru , Narodowego Muzeum Archeologicznego we Florencji i Metropolitan Museum of New York . Wiele z najważniejszych kolekcji powstało między XIX a początkiem XX wieku, kiedy poszukiwacze przygód bez osądu przekopywali wiele miejsc w celu zaopatrywania czarnego rynku w antyki, a nawet w przypadku wykopalisk prowadzonych przez ekspertów procedury archeologiczne nie były ustandaryzowane i były jedynie zaczynają dostosowywać się do metodologii współczesnej nauki. Doprowadziło to do bezpowrotnej utraty informacji o stratygrafii , genezie, pochodzeniu i innych ważnych dla współczesnych badaniach zagadnieniach. Badanie, które od początku było utrudnione przez brak pisemnych dokumentów etruskich, co nie pozwala nam dowiedzieć się, co myśleli o swojej sztuce własnymi słowami.
Etruskowie byli ostatnio źródłem inspiracji dla wielu pisarzy beletrystyki czy literatury pseudohistorycznej, wykorzystując aurę tajemniczości, która wciąż nad nimi wisi w kulturze popularnej, z drugiej strony powstały powieści, które dobrze się sprzedają i przyciągają uwagę szerokiej publiczności na kulturę etruską, chociaż, jak mówi Ross, „utrwalają stereotypy i wyrządzają szkodę prawdziwej wiedzy”. Inni autorzy sugerują, że dziedzictwo Etrusków w środkowych Włoszech jest żywe w popularnych przesądach i symbolach religijnych, w praktykach rolniczych, w niektórych formach publicznych uroczystości oraz w dekoracyjnych projektach budynków i wnętrz domów, zwłaszcza w technikach rzeźbienia reliefowego.
Zobacz też
Bibliografia
- Bartoloni, Gilda (2008). „La revolución vil·lanoviana”. Prínceps etruscos (w języku katalońskim). Barcelona: Fundación La Caixa. ISBN 978-84-7664-975-6 .
- Barral i Altet, Xavier (1986). Historia Universal del Arte. La antigüedad clásica, tom II (w języku hiszpańskim). Barcelona: redakcja Planeta. ISBN 84-320-8902-8 .
- Borrelli, Federica; Targia, Maria Cristina (2003). Etruscos: descubrimientos y obras maestras de la gran civilización de la Italia antigua (w języku hiszpańskim). Barcelona: Electa. ISBN 84-8156-356-0 .
- Mura Sommella, Anna (2008). „Els etruscos”. Prínceps etruscos (w języku katalońskim). Barcelona: Fundación La Caixa. ISBN 978-84-7664-975-6 .
- Pallattino, Massimo (1984). etruskologia. Storia, Filosofia e Religie (w języku włoskim). Redaktor Hoepli. ISBN 978-88-203-1428-6 .
- Staccioli, Romolo A. (1993). Como reconocer el arte etrusco (w języku hiszpańskim). Barcelona: EDUNSA. ISBN 84-7747-077-4 .