Klasyczna rzeźba grecka
Klasyczna rzeźba grecka od dawna uważana jest za najwyższy punkt rozwoju sztuki rzeźbiarskiej w starożytnej Grecji , stając się niemal synonimem „rzeźby greckiej”. Kanon , traktat o proporcjach ludzkiego ciała, napisany przez Polikleta około 450 rpne, jest powszechnie uważany za jego początek, a jego koniec wyznacza podbój Grecji przez Macedończyków w 338 rpne, kiedy sztuka grecka rozpoczęła wielką dyfuzję do Wschód, skąd czerpał wpływy, zmienił swój charakter i stał się kosmopolityczny. Ta faza jest znana jako okres hellenistyczny . W tym okresie utrwaliła się tradycja greckiego klasycyzmu , w którym Człowiek był nową miarą wszechświata.
Rzeźba klasycyzmu rozwinęła estetykę, która łączyła idealistyczne wartości z wiernym przedstawieniem natury, unikając jednocześnie zbyt realistycznej charakterystyki i przedstawiania skrajności emocjonalnych, generalnie zachowując formalną atmosferę równowagi i harmonii. Nawet gdy postać jest pogrążona w scenach bitewnych, jej wyraz twarzy nie jest dotknięty gwałtownością wydarzeń.
Klasycyzm wyniósł Człowieka na niespotykany dotąd poziom godności, jednocześnie powierzając mu odpowiedzialność kreowania własnego losu, proponując wzór harmonijnego życia, w duchu wszechstronnego wychowania do wzorowego obywatelstwa. Wartości te, wraz z ich tradycyjnym kojarzeniem piękna z cnotą , znalazły się w rzeźbie okresu klasycznego z jej wyidealizowanym portretem człowieka, szczególnie trafnym środkiem wyrazu i skutecznym narzędziem edukacji obywatelskiej , etycznej i estetycznej . Wraz z nią rozpoczęła się nowa forma przedstawiania ludzkiego ciała – wpływowa do dziś – będąca jednym z rdzeni narodzin nowej gałęzi filozoficznej, estetyki, i stylistyczną podstawą późniejszych ważnych ruchów odrodzeniowych, takich jak Renesans i neoklasycyzm . W ten sposób klasycyzm wywarł ogromny wpływ na kulturę zachodnią i stał się punktem odniesienia dla badań nad zachodnią historią sztuki . Oprócz wartości historycznej, wielki wpływ wywarła wrodzona jakość artystyczna klasycyzmu, zdecydowana większość starożytnych i współczesnych krytyków zaciekle go chwaliła, a muzea, które go przechowują, są odwiedzane co roku przez miliony ludzi. Rzeźba greckiego klasycyzmu, choć czasami jest celem krytyki, która wiąże swoje ideologiczne podstawy z uprzedzeniami rasowymi, dogmatyzmem estetycznym i innymi szczegółami, nadal odgrywa pozytywną i odnawiającą rolę we współczesnej sztuce i społeczeństwie.
Definicja „klasycznego”
Słowo „klasyczny” ma szerokie zastosowanie i nie ma jeszcze zgody w literaturze specjalistycznej co do jego dokładnej definicji. Cywilizacje grecka i rzymska zostały w całości nazwane klasycznymi, ponieważ ustanowiły standardy kulturowe, które stały się kanoniczne i obowiązują do dziś. Termin ten jest nadal używany w ściślejszym znaczeniu, w odniesieniu do krótkiego okresu w długiej historii kultury starożytnej Grecji – od połowy V wieku do prawie końca IV wieku pne. – gdy rozwinął się styl, który przez wiele stuleci uchodził za najwyższe osiągnięcie w sztuce rzeźbiarskiej, zyskując miano klasyka.
Kontekst i tło
Klasycyzm w rzeźbie greckiej wywodzi się głównie z ateńskiej ewolucji kulturowej w V wieku pne W Atenach główną postacią artystyczną był Fidiasz , ale równie ważny wkład estetyczny klasycyzm zawdzięcza Polikletosowi , działającemu w Argos . Jednak w tamtych czasach Ateny były znacznie bardziej wpływowym miastem, stąd większa ich rola jako dyfuzora nowego trendu. Około połowy V wieku pne Grecja przeżywała moment chwały; po zwycięstwie nad Persami Ateny przejęły przywództwo nad greckimi miastami, stając na czele Ligi Delijskiej i będąc kustoszem jej skarbca.
Perykles zdominował lokalną politykę między 460 a 429 pne, dążąc do przekształcenia miasta w model dla całego greckiego świata. Zachęcał do imperializmu , redukując swoich byłych sojuszników do statusu lenników, ale chronił artystów i filozofów, którzy nadawali kształt i głos jego ideałom. Jego rola w historii rzeźby greckiej wynika z decyzji o odbudowie miasta poprzez złamanie złożonej przez Ateńczyków przysięgi pozostawienia w gruzach pomników zniszczonych przez Persów, jako wieczna pamiątka barbarzyństwa. Wykorzystując częściowo własne środki, a częściowo nadwyżki ze skarbca Ligi, Perykles zatrudniał rzesze robotników i rzemieślników, co zarówno ożywiało gospodarkę, jak i pozostawiło monumentalne świadectwo nowego statusu politycznego i kulturowego miasta. Głównym dziedzictwem ogromnego przedsięwzięcia była renowacja Akropolu w Atenach , z Fidiaszem jako dyrektorem artystycznym prac. Plutarch opisał później entuzjazm, który się zagotował:
W miarę postępów prac, olśniewających wielkością i posiadających niepowtarzalną grację formy, a rzemieślnicy starali się przewyższyć nawzajem pięknem swojej pracy, zadziwiające było, jak szybko powstawały nowe konstrukcje… Był aspekt nowości w każdej pracy i wydawały się ponadczasowe. To tak, jakby życie w ciągłym rozkwicie i duch wiecznej młodości zostały wlane w ich stworzenie.
Filozofia przeniosła punkt ciężkości ze świata przyrody na społeczeństwo ludzkie, wierząc, że człowiek może być autorem własnego losu . Co więcej, człowiek był teraz uważany za centrum stworzenia. Sofokles wyraża to nowe myślenie w Antygonie (ok. 442 pne), mówiąc:
Istnieje wiele cudów, ale żaden nie jest tak godny podziwu jak Człowiek.
Przez wzburzone morze w zimowych sztormach
to stworzenie toruje sobie drogę
przez gigantyczne fale.
A ziemia, najstarsza z bogiń,
ten, który jest nieśmiertelny i odporny na starość, działa
orka tam iz powrotem, rok po roku
obracając ziemię wraz z końmi, które wykarmiła. (...)
„Swoimi wynalazkami ujarzmia dzikie bestie z gór,
dzikiemu koniowi zakłada kaganiec i zakłada uzdę,
jak to robi z niestrudzonym bykiem górskim.
Nauczył się języka, szybkiego jak wiatr,
i sam nauczył się, jak żyć w społeczeństwie,
jak uciec przed impetem burz
i przeszywający chłód białych dni.
Potrafi stawić czoła wszystkiemu, nigdy nie jest nieprzygotowany,
cokolwiek przyniesie przyszłość. Tylko od śmierci nie wie, jak uciec,
bo nawet na najcięższe choroby znalazł lekarstwo.
Tak więc klasycyzm zrodził się z poczucia ufności w zdolności i osiągnięcia danego ludu oraz pragnienia chwały i wieczności dla siebie. Tę dumę widać w ówczesnym dyskursie politycznym i literaturze, a poeci i filozofowie byli już świadomi implikacji tego nowego sposobu patrzenia na świat. Człowiek stał się nową miarą świata, który miał być oceniany na podstawie ludzkiego doświadczenia. Jest to obecne na przykład w matematycznej nieregularności wymiarów Partenonu , które odbiegają od ścisłej ortogonalności, aby uzyskać efekty czysto optycznej regularności. Wyraża się to także w szybkim i rosnącym naturalizmie rzeźbiarskiego przedstawiania postaci ludzkich.
Jeśli chodzi o samo opracowanie typowej formy klasycystycznej, jej naturalizm wiele zawdzięcza osiągnięciom rzeźbiarzy okresu poprzedzającego klasycyzm. Poprzednie pięćdziesiąt lat to okres gwałtownych, radykalnych przemian społecznych i estetycznych, które zdecydowały o porzuceniu archaicznego wzorca na rzecz innego, zwanego Ciężkim . Styl archaiczny korzystał z kilku konwencji odziedziczonych po Egipcjanach , a jego najważniejszy gatunek, akt męski (kouros ) , miał ustaloną formułę: obraz stylizowanych linii, który zachował z prawdziwego ludzkiego ciała tylko najbardziej podstawowe cechy, tj. pokazywał niezmiennie uśmiechniętą twarz i tę samą cielesną postawę.
Model ten panował z niewielkimi zmianami przez ponad dwieście lat, ale artyści okresu Severe wprowadzili do niego nowe poczucie naturalizmu, otwierając drogę do studiowania anatomii i wyrażania emocji w bardziej realistyczny i różnorodny sposób. . Około 455 rpne Myron , rzeźbiarz przejścia, stworzył swojego Dyskobolusa , dzieło, które już wykazuje bardziej zaawansowany stopień naturalizmu, a wkrótce potem, około 450 rpne, Polikletos skonsolidował nowy kanon proporcji, syntezę, która w przekonujący sposób wyrażała piękno, harmonię i witalność ciała oraz nadał mu aspekt wieczności i wiecznej młodości. Niemal w tym samym czasie, w 446 roku p.n.e. Fidiasz, kierując grupą rzeźbiarzy dekorujących Akropol, pozostawił w płaskorzeźbach i rzeźbach Partenonu pierwszą serię dzieł klasycystycznych na skalę monumentalną, ustanawiając wzorce tematyczne i narracyjne, które przetrwały przez wieki. długi czas. Wraz z nimi położono podwaliny pod rzeźbę tzw. Wysokiego Klasycyzmu (ok. 450-420 pne).
Wysoki klasycyzm
Od okresu Severe wysiłki artystów skierowane były na uzyskanie coraz większej wierności form rzeźbiarskich dotyczących żywego modelu, ale także dążenie do przekroczenia zwykłego podobieństwa, aby wyrazić swoje wewnętrzne cnoty. Dla starożytnych Greków piękno fizyczne było utożsamiane z doskonałością moralną w koncepcji znanej jako kalokagathia . Zgodnie z tym wykształcenie i kultywacja ciała były równie ważne jak doskonalenie charakteru, przy czym oba były niezbędne do ukształtowania szczęśliwej jednostki i zintegrowanego obywatela przydatnego społeczeństwu. W tej panoramie filozoficznej, której wyrazem był wysoce zorganizowany model edukacyjny zwany payeia , sztuka zajmowała uprzywilejowane miejsce jako twórca symboli o potencjale edukacyjnym, rozumiana jako działalność użyteczności publicznej. Ponieważ sztuka miała raczej edukować niż tylko sprawiać przyjemność, reprezentowany przez nią człowiek musiał wyglądać dobrze, cnotliwie i pięknie, aby te cechy, widoczne w niezliczonych posągach, przeniknęły do świadomości zbiorowej i decydowały o przyjęciu zdrowej, harmonijnego i pozytywnego sposobu życia, ostatecznie zapewniając wszystkim szczęście. Fuzja naturalizmu z idealizmem, typowa dla rzeźby klasycyzmu, fuzja tak udana i wpływowa, że została nazwana „klasyczną” (w sensie bycia ostatecznym modelem), była, krótko mówiąc, odpowiednim kanałem artystycznej manifestacji dominującą ideologią.
Ważny wkład, który wykrystalizował związek między sztuką a etyką, wniósł w okresie archaicznym Pitagoras , opierając się na swoich badaniach w dziedzinie matematyki stosowanej w muzyce i psychologii . Biorąc pod uwagę, że różne gatunki muzyczne w różny sposób oddziaływały na duszę i potrafiły wywoływać stany psychiczne i określone zachowania, według niego gdyby muzyka nie naśladowała matematycznie wyrażonej harmonii kosmosu , mogłaby powodować zaburzenia w duszach ludzi, a tym samym w społeczeństwo jako całość. Związek ten został wkrótce rozszerzony na inne sztuki, przypisując im podobne moce indywidualnej, a co za tym idzie zbiorowej przemiany. Jego myśl wywarła głęboki wpływ na Platona , który posunął dyskusję estetyczną jeszcze dalej, dogłębnie badając jej moralne i społeczne reperkusje.
Polikleta i Fidiasza
Polikletos był, o ile wiadomo, pierwszym, który usystematyzował te wartości i koncepcje stosowane w rzeźbie w pracy teoretycznej Kanon . Autor pokazał w nim model reprezentacji idealnie piękny i „prawdziwy”; idealny, ponieważ unikał indywidualnej charakterystyki poprzez syntezę wszystkich ludzi w jednego, i prawdziwy, ponieważ był bardzo podobny do prawdziwej ludzkiej postaci, umożliwiając publiczności natychmiastową i osobistą identyfikację. Dzieło zaginęło, ale późniejsze komentarze do niego ukazują ideę jego treści. Galen stwierdził, że zgodnie z Kanonem piękno:
Nie polega na symetrii elementów ciała, ale na odpowiedniej proporcji między częściami, jak na przykład od jednego palca do drugiego, od palców razem do dłoni i nadgarstka, od nich do przedramienia, stamtąd do ramienia i od wszystkich do wszystkich, tak jak jest napisane w kanonie Polikleta. Nauczywszy nas w tym traktacie wszystkich symetrii ciała, Polikletos ratyfikował tekst dziełem, wykonując posąg człowieka zgodnie z postulatami swojego traktatu i nazywając go, podobnie jak traktat, Kanonem . Od tego czasu wszyscy filozofowie i lekarze przyjmują, że piękno tkwi w odpowiednich proporcjach części ciała.
Posąg, o którym mówi Galen, jest dziś identyfikowany jako prawdopodobnie Doryphoros , a Arnold Hauser zasugerował, prawie bez sprzeciwu, że przedstawia on Achillesa . Andrew Stewart wspomina, że intencją autora była polemizacja, krytyka stylu poprzedników, takich jak Pitagoras – nie mylić z filozofem – którym bardziej zależało na symetrii i rytmie . Jego neutralna i beznamiętna ekspresja, równowaga między statycznością a ruchem (kontraposta ) , dbałość o ustalenie ścisłego układu proporcji określającego całą kompozycję sylwetki i wzajemne relacje poszczególnych części ciała, jawiła się jako wielka nowość. w jego czasie. Reprezentował doskonałą widoczną ilustrację Sophrosyne , samokontroli i umiarkowania, jednej z podstawowych cnót składających się na arete , oraz apollińskiej doktryny „nic w nadmiarze”, która charakteryzowała prawdziwego bohatera. Chociaż system Polikletosa był bardzo ceniony, nie został jednak zatwierdzony we wszystkich przypadkach. Krytykowano jego nieprzydatność do kontekstów narracyjnych i brutalnych, takich jak sceny bitewne, a pisarze tacy jak Quintilian powiedzieli później, że ten system nie wyraża autorytetu bogów, co może odzwierciedlać starszą opinię. Mimo to o sukcesie modelu świadczy duża liczba kopii i jego głęboki wpływ na późniejsze pokolenia. Również nowożytni pisarze doszukiwali się analogii między Doryforowską równowagą (opartą na delikatnej równowadze przeciwstawnych sił) a sformułowaniami medycyny Hipokratesa , stąd sądzą, że myśl słynnego lekarza została celowo przyswojona przez rzeźbiarza.
Inspiracją dla Polikleta mogły być wcześniejsze badania proporcji rzeźbiarza Pitagorasa. Mimo to jego idee były częścią dążeń współczesnych mu do odkrycia regularnej i harmonijnej struktury (podstawowego modelu) leżącej u podstaw nieskończonych wariantów tego samego rodzaju rzeczy w świecie fizycznym oraz do ustanowienia określonych relacji liczbowych w celu odtworzenia tej regularności i harmonii w świecie fizycznym. sztuka, kontynuując teorię filozofa Pitagorasa, że wszechświat został zbudowany przez liczby. Dwie inne jego kompozycje są teraz również nazywane „kanonicznymi”: Discophoros i Diadumenos , ponieważ są odmianami podstawowego modelu.
Jeśli chodzi o Fidiasza, to jego dzieło odziedziczyło surowość stylu Severe, łącząc go z dokonaniami Polikleta, i zostało docenione za wyrażany w nim wysoki idealizm i etos . Jako dyrektor dekoracji Partenonu nadzorował grupę kilku mistrzów o zróżnicowanym przygotowaniu i tendencjach, co sprawiło, że ogólny wynik był niejednorodny, wykazując zarówno surowe, jak i inne bardziej zaawansowane, naturalistyczne cechy, a jakość techniczna nie zawsze uważana za idealną. Zespół ten jest najbardziej ambitnym osiągnięciem rzeźbiarskim Wysokiego Klasycyzmu.
Sukces Fidia wśród współczesnych i jego trwała pamięć wywodzą się głównie z jego kolosalnych kultowych posągów Ateny i Zeusa , które były instalowane odpowiednio w Partenonie w Atenach i świątyni Zeusa w Olimpii . Oba były pokryte złotem i kością słoniową i miały ogromny wpływ w tamtym czasie. Z posągu Zeusa w Olimpii , uważanego za jeden z siedmiu cudów starożytnego świata, zachowały się jedynie opisy literackie i prymitywne wizerunki wygrawerowane na ówczesnych monetach. Ale z Ateny Partenos , stworzonej w 438 rpne, zachowało się kilka zredukowanych kopii gorszej jakości. Inne dzieła, które przetrwały dzięki kopiom i są mu przypisywane, bez większej pewności, to Lemnian Atena , Apollo z Cassel , ranna Amazonka i Hermes Ludovisi .
Inni rzeźbiarze pracujący wokół propozycji Polikleta w okresie wysokiego klasycyzmu to Alcamenes , Kresilas i Paeonius . Kallimach , mistrz bardzo ceniony za wyrafinowanie swoich dzieł, jest uważany za wynalazcę stolicy Koryntu , a Calamis , inne istotne imię, był pomocnikiem Fidiasza i przypisuje się mu projekt metop Partenonu . Jednak jego styl nadal nosił pewne wpływy z okresu Severe, którego był jednym z najwybitniejszych przedstawicieli. [ przestarzałe źródło ]
Arete x pathos w artystycznej mimesis
Bezosobowy, zrównoważony i surowy styl Polikleta i Fidiasza, który charakteryzuje wysoki klasycyzm, nie trwał długo. W swoich Memorabilia Ksenofont pozostawił więcej informacji o stanie krytyki artystycznej w okresie przejściowym do późnego klasycyzmu. W tekście, który przypomina Sokratesa , pokazano, że w tym czasie toczyła się debata na temat możliwości i granic mimesis ( imitacji). Spiera się z Kleitosem – nieznanym rzeźbiarzem, którego niektórzy uważają za Polikleta – mówiąc, że jego posągi zwycięskich atletów powinny pokazywać nie tylko ideał piękna, ale także to, co dzieje się w psychice, duszy . Interpretacja tego fragmentu jest kontrowersyjna, ale rodzi pytanie o związek pozorów z prawdą i dopuszcza możliwość wyrażania przez sztukę patosu , indywidualnych emocji i dramatu, w bezpośredniej sprzeczności z neutralnością i powściągliwością Polikleta. Dla publiczności przyzwyczajonej widzieć w uroczystych pomnikach nie hołd dla jednostki, która służyła za wzór, ale portret zbiorowego bohaterstwa, wzór do naśladowania dla wszystkich obywateli i służbę całemu społeczeństwu, koncepcja ta zrodziła się jako wstrząs, osłabiający absolutny i niezmienny charakter arete . Odnosząc się do problemu imitacyjnego przedstawiania natury w sztuce, Stephen Halliwell mówi:
Nawet w ramach rozmów relacjonowanych przez Ksenofonta w Memorabiliach można dostrzec napięcie – napięcie, które stałoby się centralnym punktem całej spuścizny mimesis – między rozbieżnymi poglądami na to, że sztuka przedstawiania jest z jednej strony fikcyjną iluzją, produkt „zwodniczego” artefaktu, az drugiej odbicie i zaangażowanie w rzeczywistość.
Ten paradoks zapowiadał koniec prymatu ideału. Coraz większego znaczenia nabierała indywidualna sfera zainteresowań, która stanowiła istotę sztuki IV w. p.n.e., kiedy to Platon i Arystoteles w niezwykły sposób pogłębiali to, co nakreślił Sokrates, kładąc podwaliny pod rozwój zupełnie nowej gałęzi filozoficznej: estetyki .
Myron : Discobolus , kopia Townleya, British Museum
Kallimach : Wenus, współczesna kopia. Muzeum Puszkina .
Warsztat Fidiasza: Dionizos, oryginał. Dawniej na frontonie Partenonu, obecnie w British Museum.
Varvakeion Atena, zmniejszona kopia Ateny Parteno Fidiasza, pierwotnie w Partenonie. Narodowe Muzeum Archeologiczne w Atenach.
Prawdopodobnie zaprojektowany przez Calamisa : południowa metopa Partenonu, oryginał. Brytyjskie Muzeum.
Przypisywane Kresilasowi : Diomedes , kopia rzymska. Monachium Glyptotheque.
Pomnik Nereidów , oryginał. Brytyjskie Muzeum.
Przypisywane Alkamenesowi : głowa typu Ares Borghese , kopia rzymska. Muzea Kapitolińskie
Niski klasycyzm
_-_n._23185_-_Socrate_(Collezione_Farnese)_-_Museo_Nazionale_di_Napoli.jpg)
Pod koniec V wieku pne hegemonia Aten podupadała, osłabiona przez wewnętrzne niepokoje i wojny zewnętrzne, a wkrótce Sparta , Korynt i Teby zyskały na znaczeniu. Jednak na początku IV wieku p.n.e. Ateny odzyskały część swojej potęgi i prestiżu, przywróciły demokrację i ponownie rosły ich bogactwa. Mimo to polityka stawała się coraz bardziej złożona, rozwinęła się tak zwana „aparat państwowy”, a polis utraciło swój wspólnotowy charakter. W tym samym czasie kolonie greckie wokół Morza Śródziemnego mnożyły się, niektóre osiągnęły wielki rozwój, ze zróżnicowaną i dochodową gospodarką, naśladującą model społeczny metropolitalnej polis . Decentralizacja kultury w tych regionach i powstanie zamożnej klasy kupieckiej, konsumentów sztuki, ale z własnymi wartościami, otworzyło drogę do docenienia indywidualnego gustu i wpływu obcych elementów kulturowych, rozpuszczając sztywność i surowość Wysokiego Klasycyzmu .
W rzeźbie troska o prawdziwość stała się jeszcze bardziej wyraźna. Innowacje w technice rzeźbienia w kamieniu pozwoliły na większą kontrolę w wykończeniu detali, przedstawieniu szat i sukien oraz polerowaniu powierzchni w celu uzyskania subtelnych efektów światła i cienia. Rzeźbiarze nowej generacji wprowadzili ogólne rozluźnienie kanonu Polikleta, rozwijając nowy repertuar bardziej dynamicznych postaw ciała i odkładając na bok ustalone matematycznie proporcje, by tworzyć obrazy przekonujące zmysły, bardziej zbliżone do rzeczywistych ciał z ich fizycznością. idiosynkrazje i osobiste uczucia. Tak rozpoczął się okres zwany klasycyzmem niższym lub późnym klasycyzmem.
Posągi nabierają jeszcze bardziej wyrazistej „obecności”, również w wyniku nowego, szczegółowego i realistycznego traktowania twarzy, włosów i brody. Narodził się zindywidualizowany portret , innowacja przypisywana Lysistratusowi , który według Pliniusza Starszego jako pierwszy wykonał odlewy twarzy modelki. Cel został przeniesiony z upiększania na podobieństwo, zapraszając widza do zastanowienia się nad możliwymi rozbieżnościami między wartością moralną a wyglądem zewnętrznym. Realistyczne portrety Sokratesa z tego okresu, którego wygląd i cnota były znane, są przykładem nowego wymiaru, w który zaczęła przenikać sztuka cielesnego przedstawiania.
Podczas gdy preferencje rozwijającego się rynku coraz bardziej otwierały się na indywidualny gust, tradycjonalistyczne i idealistyczne kwestionowanie przez Platona roli mimesis w sztuce, a także jego potępienie tragiczności, rodziły problemy z uprawomocnieniem produktu artystycznego, które nie zostały jeszcze w pełni zbadane. rozwiązany. Debata teoretyczna w okresie przejścia do dolnego klasycyzmu została rozwinięta przez Arystotelesa, którego teoria katharsis przyczyniła się do sformułowania nowej koncepcji sztuki, hojnie unikającej potępienia kultury popularnej i typowego dla niej emocjonalizmu. Bronił także przedstawiania przedmiotów „niepięknych” w oparciu o założenie, że brzydota w sztuce może być źródłem nauki i przyjemności estetycznej, przezwyciężając smutek, jaki wywołałaby jej kontemplacja w prawdziwym życiu. Mimo to Arystoteles nie przestawał doradzać młodym ludziom, aby preferowali dzieła artystów, których uważał za etycznych, takich, których twórczość najlepiej odzwierciedlała dobry charakter człowieka, ponieważ ich wpływ byłby korzystny dla całej polis .
Takie idee przyczyniły się do tego, że produkcja rzeźbiarska nadal kwitła, wychodząc naprzeciw nowym potrzebom, jednak zbliżenie się do naturalności nie oznaczało całkowitej rezygnacji z ideału. Realizm jako dominujący nurt pojawił się dopiero w rzeźbie greckiej wraz z następującą po niej szkołą hellenistyczną . Lysippos nadal krytykował rzeźbiarzy, którzy tworzyli dzieła z natury i szczycił się modelowaniem mężczyzn takimi, jakimi „powinni” być.
W dziedzinie rzeźby sakralnej pojawiły się również nowe aspekty. W mitach wszyscy śmiertelnicy, którzy widzieli bogów w ich chwale, umarli, stali się ślepi, obłąkani lub cierpieli w inny sposób. Kultura tamtych czasów była w stanie zaakceptować częściowe i niedoskonałe przedstawienia bogów. Nawet bezkształtne kamienie, drzewa i miejsca można było rozpoznać jako zbiorniki boskości, a kultowe posągi antropomorficzne mogły pozostać ukryte lub na wpół ukryte za zasłonami, szatami i różnymi ozdobami, co wymagało od wyznawcy praktykowania duchowej kontemplacji, która nie wymagała podobieństwa do mieć miejsce, chociaż może to ułatwić idol , który wyglądał pięknie lub majestatycznie, lub który bardziej bezpośrednio przywoływał atrybuty boga.
Jednak myśliciele tacy jak Platon uważali antropomorfizację bóstwa za niestosowną i wprowadzającą w błąd, ponieważ nie tylko fałszywie przedstawiała jego przedmiot, ale także poniżała go, próbując za bardzo wprowadzić go w sferę człowieka. Aby stawić czoła tym trudnościom, późniejsi rzeźbiarze wykorzystali specjalne środki, aby zachować wyraźny dystans między bogami a ludźmi, ratując archaiczne cechy stylistyczne, takie jak frontalność, hieratyczna postawa, cechy niewzruszonego i nadprzyrodzonego charakteru, które w przeciwieństwie do coraz bardziej naturalistycznego i ekspresyjnego stylu bluźniercze posągi, dobrze rozgraniczały sferę sacrum i doczesności i zmuszały wielbiciela do szacunku dla bożka, jako przypomnienie, że boskość pozostaje zasadniczo niepoznawalna na zawsze. Gdy przedstawienie bóstw nie było bezpośrednio związane z kultem, jak w pomnikach i dekoracyjnych płaskorzeźbach architektonicznych, panowała większa swoboda formalna, choć zachowano niektóre z tych samych konwencji i starano się zachować cechy dobrze identyfikujące aspekt boski postaci.
Nacisk na naturalizm w posągach rodził także konsekwencje w sferze afektywnej. Nie było niczym niezwykłym, że w swojej funkcji jako zastępcy osoby lub boga posągi były przedmiotem intensywnej miłości, co mogło prowadzić do pragnienia emocjonalnego i / lub seksualnego zadowolenia z posągów. Od Pandory po Pigmaliona , mity opowiadają o różnych intymnych interakcjach posągów z ludźmi, a zapisy historyczne pokazują, że śmiertelnicy również mogą ulec pokusie poszukiwania symulakrów . Arystofanes przestrzegał przed niebezpieczeństwem poddania się namiętnościom przed posągami lub zbytniego przywiązania do nich i skazania na życie jako żywy trup pielęgnujący wiecznie niepełną miłość, chociaż uważał, że z nieuniknionej frustracji może zrodzić się możliwość odkrycia siebie przez jednostkę.
Praksyteles, Skopas i Lizyp
W rzeźbie greckiej IV wieku p.n.e. dominowały trzy wielkie postacie: Praksyteles , Skopas i Lizyp . Praxiteles był prawdopodobnie pierwszym, który w pełni zbadał zmysłowe możliwości marmuru. Erotyczny urok jego Afrodyty z Knidos – pierwszego całkowicie nagiego posągu kobiecego w sztuce greckiej – uczynił ją sławną w swoim czasie i dał początek płodnej typologicznej rodzinie Venus Pudica. Jego Hermes and the Infant Dionysus ilustruje jego mistrzostwo w przedstawianiu wyrazu twarzy i wdzięku elastycznych, falistych ciał.
Scopas zasłynął z poczucia dramatyzmu, przemocy, dynamizmu i pasji, którymi nasycał swoje dzieła, zwłaszcza te, które pozostawił w Mauzoleum w Halikarnasie , najważniejszym greckim osiągnięciu architektonicznym tego okresu, chociaż w innych wykazał się zdolnością do ukazać spokój i harmonię. Lysippos przeformułował kanon Polikleta, zmniejszając wymiary głowy i czyniąc figurę bardziej wydłużoną, choć masywniejszą. Przypisuje mu się również pierwszy posąg, którego wykończenie zostało wykonane jednakowo we wszystkich kierunkach, Apoxiomenon , umożliwiając widzowi docenienie go nie tylko z jednego, uprzywilejowanego punktu widzenia, jak to było jeszcze z użyciem Polikleta.
Ci mistrzowie, wraz z innymi godnymi uwagi postaciami swojego pokolenia, takimi jak Leochares , Bryaks , Cefizodot Starszy , Eufranor i Tymoteusz , rozwiązali wszystkie podstawowe trudności dotyczące formy i techniki, które nadal mogą utrudniać swobodne wyrażanie idei w materii. Tym samym przyczynili się wielkimi osiągnięciami w procesie poznawania anatomii człowieka, przedstawiania ubioru, rozwiązywania problemów kompozycyjnych, będąc łącznikiem w przejściu od tradycji klasycznej do hellenistycznej, a także przybliżając technikę rzeźbienia w kamieniu i modelowanie z brązu do bezprecedensowego poziomu jakości. Następne pokolenia miały niewiele do dodania do istoty sztuki klasycznej, ale pogłębiły swoje badania nad przedstawieniem tego, co emocjonalne i prozaiczne, doprowadzając marmurową rzeźbę do poziomu prawdziwej technicznej wirtuozerii.
Badanie funkcji i znaczeń rzeźby klasycznej wciąż postępuje. Wzajemne interakcje i wpływy na różnych poziomach, które mogły ustanowić kategorie, zastosowania i atrybucje, nie są w pełni znane i wiele pozostaje do wyjaśnienia, w jaki sposób reprezentacja wpłynęła na konstruowanie koncepcji i praktyk dotyczących płci, statusu , włączenia społecznego , afektu , seksualności , estetykę , ideologię, politykę, religię, etykę i historyczną ewolucję społeczeństwa greckiego. Część takich trudności wynika z faktu, że wiele dzieł jest znanych jedynie z odniesień literackich, późniejszych kopii, są w stanie niekompletnym i zniszczonym lub dlatego, że ich datowanie i przypisanie autorstwa są często niepewne, a biografie ich twórców mają wiele luk i niespójności.
Cefisodot Starszy : Eirene z Plutusem, kopia rzymska. Glyptothek w Monachium .
Lysippos : Apoxiomenon, współczesna kopia. Muzeum Puszkina
Amazonomachia, fryz z Mauzoleum Halikarnasu , oryginał
Autor nieznany: Dionysius Sardanapalo, kopia rzymska. Narodowe Muzeum Rzymskie
Efeb z Antykithiry , oryginał. Narodowe Muzeum Archeologiczne w Atenach
Przypisywane Praksytelesowi : Afrodyta z Syrakuz, kopia rzymska. Narodowe Muzeum Archeologiczne w Atenach
Tymoteusz: Leda i łabędź, kopia rzymska. Muzea Kapitolińskie
Lysippos : Eros napinający łuk, kopia rzymska. Muzea Kapitolińskie
Inne zastosowania i techniki
osiągnęli już rzeźbiarze okresu archaicznego i ciężkiego . Już archaiczne marmury wykazywały bardzo duże mistrzostwo w obróbce kamienia, widoczne zwłaszcza w ich płaskorzeźbach architektonicznych. W przypadku brązu główną innowacją w ich historii dla rzeźby greckiej był rozwój techniki wosku traconego , ale jej zasady opanowano już po mistrzowsku w okresie Severu, o zróżnicowanym zastosowaniu. Dlatego klasycyzm skorzystał z faktu, że główne techniki rzeźbiarskie były już na tyle dopracowane, że główne zainteresowanie przesunęło się na aspekty formy i znaczenia, chociaż zawsze z pewnym postępem w wyrafinowaniu.
Rzeźba pogrzebowa
Wśród zastosowań rzeźby znalazło się komponowanie pomników pogrzebowych, gdzie w ogólnych zarysach posiadała cechy rzeźby dekoracyjnej w świątyniach i budynkach użyteczności publicznej. Tradycja budowania pomników zmarłych istniała od czasów archaicznych, kiedy funkcję tę pełnili kouros . Wraz z nadejściem demokracji na początku V wieku p.n.e. zaczęły się zmieniać zwyczaje i pojawiły się stele nagrobne – płaskorzeźby z inskrypcjami.
Po nieregularnym rozwoju, ponieważ w niektórych okresach zanikały, w okresie klasycznym stały się powszechną praktyką w Attyce , podczas gdy w innych regionach stały się popularne dopiero w hellenizmie. Jedną z pierwszych ważnych stel klasycyzmu jest Stela Eufero , datowana na ok. 430 pne, jej styl wskazuje na związek z powstającą w tym samym czasie dekoracyjną rzeźbą Partenonu. Tradycyjnie uważano, że takie pomniki były darowizną bogatych, ale ostatnie badania wykazały, że ich koszt byłby znacznie niższy niż kiedyś sądzono, co oznacza, że warstwy niższe mogły zamówić tablicę wotywną, chociaż istniały wyraźne różnice w luksus i wyrafinowanie między pochówkami zwykłych ludzi a pochówkami wielkich rodzin. Muzea archeologii klasycznej prezentują ogromną liczbę okazów. Najciekawsze są te z późnego klasycyzmu, które przedstawiają portrety zmarłych wraz z członkami rodziny w scenach czasem wielkiej wrażliwości i poezji.
Terakota
Terakota to starożytna technika; jednak jego zastosowanie było bardziej powszechne w ceramice , z zastosowaniami rzeźbiarskimi ograniczonymi do przedmiotów dekoracyjnych i małych statuetek do powszechnego użytku, figurujących aktorów, zwierząt i typów ludzi. Na ogół nie miały one wielkiego wyrafinowania technicznego i z grubsza powtarzały formalne zasady dużych rzeźb. Większe i bardziej wyrafinowane dzieła były rzadkie i pojawiały się częściej w szkołach hellenistycznych od końca IV wieku pne. Na uwagę zasługuje bogata grafika z Attyki w Luwrze , sugerująca zaawansowane praktyki w tej dziedzinie już w okresie klasycyzmu.
Elementy terakoty w dekoracji architektonicznej miały duże zastosowanie we wcześniejszych i późniejszych okresach, ale w klasycyzmie występowały rzadko. Jednym z wyróżniających się rodzajów terakoty są statuetki z przegubowymi kończynami. Ta grupa prawdopodobnie pełniła określone funkcje. Znaleziono je w wielu grobowcach, co sugeruje związek z chtonicznymi . Spekuluje się również, że służyły jako posągi do kultu domowego, ofiary dla bogów i magiczna ochrona przed siłami zła. Wiele z nich ma dziury z tyłu głowy, co wskazuje, że można je było nosić zawieszone, co pozwalało na swobodne poruszanie kończynami. Uważano, że były to lalki dla dzieci, ale ich kruchość, uniemożliwiająca wielokrotne dotykanie, nie potwierdza tego przypuszczenia. Jeśli chodzi o posągi wotywne, obserwuje się duży synkretyzm stylów, zwłaszcza w późnym klasycyzmie, kiedy nadal licznie pojawiają się cechy archaiczne obok bardziej progresywnych elementów stylistycznych, zgodnie z konwencjami rzeźby kultu monumentalnego.
Statuetka z terakoty z przegubowymi kończynami, oryginał . Staatliche Antikensammlungen
Leda i łabędź, terakota polichromowana, oryginał, szkoła Attyka. Muzeum w Luwrze
Model maski teatralnej z terakoty, oryginał. Brytyjskie Muzeum
Priapicka statuetka aktora, terakota, oryginał. Staatliche Antikensammlungen
Złotnictwo
Złotnictwo było obecne jako technika zminiaturyzowanej rzeźby, gdzie znaczna produkcja była prowadzona głównie w koloniach Magna Grecia , Cypru i południowego Morza Czarnego , przy czym znaleziska w Grecji kontynentalnej były rzadkie. Większość biżuterii tej fazy jest związana z kontekstami religijnymi, zdobiąca kultowe posągi, będąca wotami lub uroczystymi, jak w przypadku złotych koron używanych w apoteozie polityków . Używanie biżuterii osobistej nie było rzadkością. Ich jakość, choć wysoka, jest niższa niż biżuterii z okresu archaicznego. Przedstawione motywy są na ogół abstrakcyjne, zwierzęce i roślinne, a popularyzacja form ludzkich następuje pod koniec okresu klasycznego, wraz z pojawieniem się pierwszych kamei .
Kopie i kolor
Powszechną praktyką starożytnych Greków było pokrywanie farbą ich posągów i płaskorzeźb architektonicznych, częściowo lub w całości, w celu uzyskania jeszcze bardziej uderzającego podobieństwa, niż mogłaby osiągnąć ich prosta forma i struktura. Przez wieki uważano, że ich dzieła wyglądają tak, jak dziś, ale w rzeczywistości były one bogato kolorowe. Badania sugerują, że w klasycyzmie użycie koloru w rzeźbie było bardziej dyskretne niż we wcześniejszych okresach. Ostatnio badacze podjęli próbę zrekonstruowania polichromii posągów w specjalnie wykonanych kopiach, wywołując fascynację i zdziwienie, ponieważ użycie koloru odbiega od powszechnie stosowanego dzisiaj.
Ogromną wartość dla rekonstrukcji krajobrazu rzeźby greckiej mają miniaturowe kopie, które cieszyły się ogromną popularnością i powielały w mniejszej skali praktycznie każdy model formalny i każde ważne dzieło rzeźby monumentalnej, co nie ograniczało się do okresu klasycznego. Mimo to niektóre bardzo udane tematy, które zostały kilkakrotnie skopiowane w ich oryginalnym rozmiarze, nie znajdują się w miniaturach, jak ma to miejsce w przypadku Doryforosa Polikleitosa. Prawdopodobnie brak znalezisk wynika z faktu, że były one obciążone tak silnym znaczeniem, że ich redukcja wydawałaby się niewłaściwa.
Materiały użyte do miniaturyzacji to brąz, marmur, kość słoniowa i ostatecznie inne kamienie. Terakota, pomimo swojej wszechstronności, nie wydaje się być uważana za materiał godny reprodukcji słynnych dzieł, przynajmniej nie w czasach klasycyzmu.
Dziedzictwo i perspektywy
Sztuka klasyczna wywarła ogromny wpływ w całej historii Zachodu, o czym świadczy konsensus wśród specjalistów. Rzeźbiarska spuścizna klasyków nadal interesuje rzesze ludzi nawet dzisiaj. Już sama nazwa – „klasyka” – wskazuje na niezrównany prestiż, jaki zdobyli, bo w potocznym języku „klasyka” to miara, według której ocenia się inne rzeczy tego rodzaju.
Rzeźba klasyczna była w swoich początkach jedną z dźwigni narodzin estetyki jako autonomicznej gałęzi filozofii. Na przestrzeni dziejów jej modele formalne były wykorzystywane do najrozmaitszych celów, niektóre z nich były silnie humanistyczne, ale czasami w opozycji do nich, celebrując reżimy totalitarne i różnego rodzaju personalizmy, jak to miało miejsce w okresie nazizmu i faszyzmu .
We współczesnym uznaniu ideologia leżąca u podstaw rzeźby greckiego klasycyzmu nie pozostaje wolna od krytyki, mówi się, że gloryfikuje sposób życia i lud ze szkodą dla innych, a kolektyw ze szkodą dla jednostki, tłumiąc kwestionowanie ustanowionego porządku pod pozorem jednorodności i konsensusu. Egzekucja Sokratesa , oskarżonego o bezbożność i zepsucie młodzieży, dokonana przez to samo społeczeństwo, które kultywowało klasycyzm, pokazuje, jak perwersja i błędna interpretacja mogą mieć miejsce w pozytywnych celach poprawy i wychowania zbiorowości do pełniejszego obywatelstwa, czystszego i bardziej harmonijnego życia, i bardziej zaawansowana etyka (zasady, które dobrze ilustruje rzeźba klasyczna). Z drugiej strony krytyka zwraca uwagę na aspekty złożonej i pełnej sprzeczności rzeczywistości społecznej, które w sztuce tamtego okresu zostały celowo wymazane z pola widzenia.
_03.jpg)
Klasycyzm zaczął rozprzestrzeniać się po świecie poprzez kolonie greckie rozsiane po całym Morzu Śródziemnym i Morzu Czarnym . Aleksander Wielki posunął się dalej, docierając do Indii. W tych regionach zasady rzeźby greckiej zostały zaprezentowane miejscowej ludności i mieszając się z ich tradycjami, dały początek stylistycznym interpretacjom, które z mniejszym lub większym powodzeniem odtwarzały metropolitalną estetykę. Ta eklektyczna i kosmopolityczna synteza została nazwana hellenizmem . Z kolei starożytny Rzym był kolejnym zapalonym odbiorcą klasycznej kultury greckiej. Jego rzeźbiarze szczycili się tym, że pracowali pod wpływem greckiej inspiracji, a mnożąc kopie zaginionych później greckich oryginałów, byli przekazicielami dla potomności znacznej części kultury, którą naśladowali.
Ze spuścizny przekazanej przez Rzymian wczesne chrześcijaństwo czerpało wzorce rozpoczęcia własnej sztuki, jednak po VI wieku jego polityka uległa zmianie. Do tego czasu w świątyniach i starożytnych pomnikach przetrwały ogromne ilości rzeźby, ale odtąd ich wszechobecna nagość zaczęła być postrzegana jako obraza moralności chrześcijańskiej, a także potępiana jako diabelskie obrazy kultowe i złe przypomnienia pogaństwa . Tracąc dawną wartość, dzieła starożytne zaczęto niszczyć. Z drugiej strony, w okresie renesansu kultura klasyczna ponownie znalazła się w łaskach elit i była rdzeniem przywracania godności ciała i przyjemności czysto estetycznej. Samo chrześcijaństwo, po wygnaniu przez wieki pogańskiego dziedzictwa rzeźbiarskiego, odzyskało je, przekształcając i przystosowując, by służyło mu i sławiło bohaterów nowego porządku: świętych i męczenników wiary. Renesansowa koncepcja sztuki w dużej mierze powiela ideę formułowaną przez filozofów klasycznych. Prestiż, jakim cieszyły się klasyczne rzeźby w tym okresie, sięgał granic namiętności, jak widać w tym fragmencie Giovanniego Pietro Bellori :
Malarze i rzeźbiarze, wybierając spośród najbardziej wytwornych piękności świata przyrody, udoskonalają ideę, a ich dzieła przewyższają i stoją ponad Naturą – która jest ostatecznym zakresem tych sztuk. [...] Stąd bierze się cześć i podziw, jaki żywimy dla posągów i obrazów, i stąd bierze się nagroda i cześć Artystów; taka była chwała Timantesa, Apelesa, Fidiasza i Lizypa oraz tylu innych sławnych ze swej sławy, którzy wznosząc się ponad ludzkie formy, osiągnęli swymi ideami i dziełami godną podziwu doskonałość. Ideę tę można więc nazwać doskonałością Natury, cudem sztuki, jasnowidzeniem intelektu, przykładem umysłu, światłem wyobraźni, wschodzącym słońcem, które od wschodu inspiruje posąg Menona i rozpala pomnik Prometeusza.
Dla romantyków , zwłaszcza w Niemczech, Grecja nadal była postrzegana jako wzór życia i kultury. Nietzsche wykrzyknął: „Och, Grecy! Wiedzieli, jak żyć!”. Podobnie inni uczeni, gardząc rzymskim filtrem, zaczęli kultywować ideały greckiego klasycyzmu do tego stopnia, że powstała istna grekomania, wpływająca na wszystkie nauki humanistyczne i formy artystyczne. W neoklasycyzmie humanizm klasyczny był znaczącym impulsem do konsolidacji koncepcji demokratycznych i republikańskich . Według Winckelmanna , jednego z mentorów ruchu, tylko Grekom udało się stworzyć Piękno, a dla niego i jego kolegów Apollo Belvedere był najdoskonalszym osiągnięciem rzeźbiarskim wszechczasów. Winckelmannowi przypisuje się również rozróżnienie między wysokim i niskim klasycyzmem, określając ten pierwszy jako „wielki i surowy”, a drugi jako „piękny i płynący”. Tymczasem klasycyzm przekroczył Atlantyk i zainspirował powstanie państwa północnoamerykańskiego i jego szkoły rzeźbiarskiej.
Na początku XX wieku badania akademickie mnożyły się i zostały udoskonalone do niespotykanego dotąd poziomu wraz z rozwojem nowych metod badań archeologicznych oraz doskonaleniem aparatu teoretycznego i instrumentalnego. Jednocześnie, w sposób niejako oficjalny, żarliwe zamiłowanie do klasyki, które od XVIII wieku kultywowali niemieccy intelektualiści, klasycyzm został dokooptowany przez nazistów, którzy widzieli w jego formalnych wzorach gloryfikowany obraz rasy aryjskiej . Widzieli w jej wartościach podstawę do ukształtowania czystego społeczeństwa, zdrowej rasy i silnego państwa, ustanawiając ją jako wzorzec dla sztuki państwowej i wykorzystując ją do usprawiedliwienia wykorzenienia ras i kultur uznanych za „zdegenerowane”, jak Żydzi i sztuka modernistyczna . Mussolini próbował zaproponować podobny model dla faszystowskich Włoch , ale nie miał on większego praktycznego wpływu.
Klasyczny model edukacyjny zaczął tracić na sile pod wpływem rewolucji modernistycznej , a zdolność klasycznej rzeźby do inspirowania nowych artystów gwałtownie spadła, choć wcale nie zniknęła. Do tego ożywienia bardzo zachęcali postmoderniści , dla których nie było sensu niszczyć tradycji, jak proponował modernizm, gdyż byłoby to równoznaczne z utratą pamięci i przeszłości, równoznaczne z tworzeniem bezużytecznej pustki. Lepiej więc byłoby ją zawłaszczyć i zaktualizować poprzez świadomą krytykę, występującą w formie cytatów, alegorii, odczytań i parafraz, które stanowią retrospektywne spojrzenie i komentarz do dawnej tradycji.
Dziś formalne wzory klasycznej rzeźby greckiej, jej humanizm i nacisk na akt znalazły nowy sposób, by zaimponować społeczeństwu, wpływając na koncepcję piękna i praktyki dotyczące ciała, wskrzeszając kultywację fizyczności, która narodziła się wraz z Grekami i wpływami różne zwyczaje związane z seksualnością i koncepcją ciała w kulturze medialnej .
Jednocześnie wśród krytyków sztuki zaczyna się umacniać tendencja zmierzająca do osłabienia praktycznie jednomyślnego prestiżu, jaki modernizm osiągnął i utrzymywał przez prawie stulecie, z jego indywidualistycznymi, hermetycznymi, irracjonalnymi, abstrakcyjnymi, antyhistorycznymi i nieformalnymi wartościami zaczynającymi się od zostać przesłuchanym. W tym sensie model klasyczny może stanowić nową atrakcję dla artystów i społeczeństwa w kontekście uaktualniania payeia , ratowania linii twórczości inspirowanej klasycznym humanizmem, skoncentrowanej na dobru wspólnym oraz etycznej i integralnej edukacji społeczeństwa, do której należy ich prace skierowane są w historyczny moment, w którym nacisk na technologię wraz z konsumpcjonizmem , nadmierną specjalizacją zawodów, dzikim życiem miejskim, problemami ekologicznymi, powierzchownością kultury masowej i utratą silnych odniesień moralnych stały się groźne aspektów dla dobrobytu i samego przetrwania rodzaju ludzkiego.
Turystyka kulturalna do muzeów i stanowisk archeologicznych była postrzegana jako pozytywna siła rozpowszechniania klasycznej kultury i sztuki wśród ogółu społeczeństwa, chociaż może ucierpieć z powodu manipulacji politycznych i merkantylistycznej degradacji, prawdopodobnie wzmacniając uproszczone, pasteryzowane i bezkrytyczne poglądy na przeszłość.
W każdym razie obecność rzeźby klasycznej jest nadal uderzająca w kulturze zachodniej, a dzięki szerokiej penetracji Zachodu na całym świecie stała się znana i ceniona na całym świecie. Przynajmniej jeśli chodzi o Zachód, atrakcyjność, jaką model klasyczny cieszył się przez całą swoją historię i nadal ma, świadczy o jego trwałej zdolności do pobudzania powszechnej wyobraźni i włączania go w różnorodne kulturowe, etyczne, społeczne i ideologie polityczne.
Dziedzictwo klasyczne w historii rzeźby
Autor nieznany: Grupa Pasquino , III wpne, hellenistyczny, kopia rzymska.
Popiersie Ptolemeusza I Sotera , III wpne, Egipt hellenistyczny, oryginał
Autor nieznany: Geniusz cesarza Domicjana , I-II wiek n.e., rzym., oryginał
Autor nieznany: Geniusz Hada, II wne, kultura Gandhara , oryginał.
Autor nieznany: Dobry Pasterz , IV wiek, paleochrześcijański, oryginał
Michał Anioł : Dawid , 1504, renesans
Autor nieznany: The German Man, 1934, sztuka nazistowska
Zobacz też
Notatki
- ^ Jednak, jak to bywa we wszystkich procesach ewolucji artystycznej, wszelkie ściśle określone daty zwykle okazują się niedokładne i podlegają dyskusji, zawsze istnieją elementy przejściowe przed i po danym okresie, co powoduje, że widmo jest rozproszone i trudne do scharakteryzowania , przyjmując tym samym granice ustanowione przez tradycję.
Linki zewnętrzne
- sztuka grecka . Encyklopedia sztuki irlandzkiej i światowej
- Rzeźba zachodnia: starożytna greka: okres klasyczny . Encyklopedia Britannica On-line
- Grecka sztuka i architektura . Encyklopedia Encarta
