Projekt kostiumu

Projekt kostiumów dla Gianetta - The Gondoliers

Projektowanie kostiumów to tworzenie odzieży dla ogólnego wyglądu postaci lub wykonawcy. Kostium może odnosić się do stylu ubioru charakterystycznego dla narodu, klasy lub okresu. W wielu przypadkach może przyczynić się do pełni artystycznego, wizualnego świata, który jest charakterystyczny dla konkretnej produkcji teatralnej lub filmowej. Najbardziej podstawowe projekty są tworzone w celu oznaczenia statusu, zapewnienia ochrony lub skromności lub wizualnego zainteresowania postacią. Kostiumy mogą być przeznaczone do teatru , kina , występu muzycznego, cosplayu , imprezy lub innych wydarzeń. Projektowania kostiumów nie należy mylić z koordynacją kostiumów , która polega jedynie na zmianie istniejącej odzieży, chociaż oba tworzą stroje sceniczne .

W projektowaniu teatralnym stosuje się cztery rodzaje kostiumów: historyczne, fantastyczne, taneczne i współczesne.

Historia

, że starogreckie wiejskie święta i procesje ku czci Dionizosa (Zobacz też: Dionizja ) dały początek teatrowi, a co za tym idzie kostiumowi teatralnemu. Rzeźby i obrazy na wazonach dostarczają najwyraźniejszych dowodów na istnienie tych kostiumów. Zastosowano zrytualizowane maski, nadając każdej postaci określony wygląd. Różniły się w zależności od tego, czy były używane do celów komediowych, czy dramatycznych. Niektóre maski zostały skonstruowane z radosną i poważną stroną na tej samej twarzy, próbując wskazać zmianę emocji bez zmiany maski. To samo dotyczy Rzymian, którzy kontynuowali tradycję masek; podwojenie maski ułatwiło podwojenie ról.

W późnym średniowieczu w Europie dominowały dramatyczne inscenizacje opowieści biblijnych, dlatego jako kostiumy noszone były rzeczywiste szaty chrześcijańskie, stylizowane na tradycyjne bizantyjskie stroje dworskie, aby przedstawienia były jak najbardziej realistyczne. Stereotypowa charakterystyka była kluczowa przy ubieraniu wykonawców do tego stylu teatralnego. W większości przypadków aktorzy musieli zapewnić własne kostiumy, grając postać występującą w życiu codziennym.

Później, w przedstawieniu elżbietańskim w latach 1500-1600 w Anglii, kostium stał się najważniejszym elementem wizualnym. Odzież była bardzo droga, ponieważ używano tylko najlepszych tkanin. Większość postaci była ubrana we współczesną modę elżbietańską. Kostiumy można było podzielić na pięć kategorii: „Starożytne”, które były niemodnymi ubraniami używanymi do reprezentowania innego okresu; „Antique”, starsze dodatki do współczesnej odzieży w celu odróżnienia klasycznych postaci; Zjawiskowe, „fantazyjne” szaty dla postaci nadprzyrodzonych lub alegorycznych; „Tradycyjne” ubrania, które reprezentowały tylko kilka konkretnych osób, takie jak Robin Hood lub kostiumy „narodowe lub rasowe”, które miały wyróżniać określoną grupę ludzi, ale nie były historycznie dokładne.

„Zwykle modne stroje były używane zarówno w komediach, jak i tragediach, aż do 1727 roku, kiedy to Adrienne Lecouvreur przyjęła znacznie bardziej wyszukany i formalny strój dworski do tragedii. Jej praktyka wkrótce stała się standardem dla wszystkich tragicznych bohaterek”. Główni aktorzy zaczęli konkurować ze sobą o to, kto miałby najbogatszy strój sceniczny. Ta praktyka trwała do około lat pięćdziesiątych XVIII wieku, kiedy kostiumy ponownie stały się istotne dla postaci. Sztuka zaczęła kopiować życie, a realistyczne cechy były preferowane zwłaszcza w XIX wieku. Na przykład Georg II, książę Saxe-Meiningen, osobiście zainteresował się teatrem i zaczął kierować zespołami. Opowiadał się za autentycznością i dokładnością scenariusza i okresu, dlatego nie pozwalał aktorom majstrować przy ich własnych kostiumach. Upewnił się również, że materiały były autentyczne i specyficzne, używając prawdziwej kolczugi, zbroi, mieczy itp. Żadne tanie zamienniki nie byłyby dozwolone.

James Planché opublikował w numerze Albumu artykuł , w którym stwierdził, że należy poświęcić więcej uwagi okresowi sztuk Szekspira, zwłaszcza jeśli chodzi o kostiumy. W tym samym roku swobodna rozmowa doprowadziła do jednego z bardziej trwałych efektów Planché w brytyjskim teatrze. Charlesem Kemble , dyrektorem Covent Garden, zwrócił uwagę, że „podczas gdy na bożonarodzeniową pantomimę lub wielkanocny spektakl często wydawano tysiące funtów, sztuki Szekspira wystawiano na scenie w prowizorycznej scenerii, a w najlepszym razie nowa sukienka lub dwie dla głównych bohaterów”. Kemble „dostrzegł możliwą zaletę właściwych urządzeń, które uchwyciły gust miasta” i zgodził się przekazać Planché kontrolę nad kostiumami do nadchodzącej produkcji Króla Jana , jeśli przeprowadziłby badania, zaprojektował kostiumy i nadzorował produkcję. Planché miał niewielkie doświadczenie w tej dziedzinie i szukał pomocy u antykwariuszy, takich jak Francis Douce i Sir Samuel Meyrick . Badania, które obejmowały, rozbudziły ukryte zainteresowania antykwariuszy Planché; zaczęły one zajmować coraz więcej czasu w późniejszym życiu.

Pomimo zastrzeżeń aktorów, King John odniósł sukces i doprowadził do powstania wielu podobnie przebranych w kostiumy produkcji szekspirowskich Kemble'a i Planché ( Henryk IV, część I , Jak wam się podoba , Otello , Cymbeline , Juliusz Cezar ). Opublikowano projekty i renderingi Króla Jana , Henryka IV , Jak wam się podoba , Othello , Hamleta i Kupca weneckiego , chociaż nie ma dowodów na to, że Hamlet i Kupiec wenecki kiedykolwiek zostali wyprodukowani z historycznie dokładnymi projektami kostiumów Planché. Planché napisał także wiele sztuk lub adaptacji, które zostały wystawione z historycznie dokładnymi kostiumami ( Cortez , The Woman Never Vext , The Merchant's Wedding , Charles XII , The Partisans , The Brigand Chief i Hofer ). Po 1830 roku, chociaż nadal używał kostiumów z epoki, nie twierdził już, że jego praca w sztukach jest historyczna. Jego praca w Królu Janie przyniosła „rewolucję w dziewiętnastowiecznej praktyce scenicznej”, która trwała prawie sto lat.

. w Birmingham Repertory Theatre w Anglii otwarto pierwszą z serii innowacyjnych, nowoczesnych produkcji kostiumowych sztuk Szekspira , Cymbeline , w reżyserii HK Ayliffa .

Historyczne kostiumy Le Cateau Cambrésis, Francja

Kostiumy w chińskim teatrze są bardzo ważne, zwłaszcza w Operze Pekińskiej. Zazwyczaj są mocno wzorzyste w intensywnych, jasnych kolorach. Standardowe elementy składają się z co najmniej 300 sztuk i wskazują typ postaci aktorów, wiek i status społeczny poprzez ornamentykę, projekt, kolor i dodatki. „Kolor jest zawsze używany symbolicznie: czerwony dla lojalności i wysokiej pozycji, żółty dla rodziny królewskiej, a ciemny szkarłat dla barbarzyńców lub doradców wojskowych”. Symboliczne znaczenie znajduje się również w projektach używanych do emblematów. Na przykład tygrys oznacza moc i męską siłę. Większość strojów, niezależnie od rangi, uszyta jest z bogatych i luksusowych materiałów. Makijaż jest również używany symbolicznie i uzupełnia ogólny wygląd.

W japońskim dramacie Noh zawsze używane są maski i wyeksponowany aspekt kostiumu. Są wykonane z drewna i zwykle służą przez pokolenia. Istnieje pięć podstawowych typów: mężczyzna, kobieta, wiek, bóstwa i potwory, wszystkie z wieloma odmianami. Maski są często zmieniane w trakcie gry. W Kabuki, innej formie japońskiego teatru, aktorzy nie noszą masek, ale polegają w dużej mierze na makijażu podczas charakteryzacji. Cechy są wyolbrzymione lub usunięte, a w przypadku niektórych ról sportowych muskulatura jest zarysowana w określony wzór. Do każdej roli używane są tradycyjne kostiumy, oparte na historycznych strojach, które zostały zmienione w celu uzyskania dramatycznego efektu. „Niektóre kostiumy ważą nawet pięćdziesiąt funtów, a obsługa sceny pomaga aktorom w ich odpowiednim ułożeniu na scenie”

Proces projektowania

Proces projektowania kostiumów obejmuje wiele etapów i chociaż różnią się one w zależności od gatunku, powszechnie stosowana jest podstawowa metoda.

Rysunki projektów kostiumów autorstwa Lisy Holmes do produkcji opery nowozelandzkiej z 2016 roku Czarodziejskiego fletu Mozarta

1. Analiza :

Pierwszym krokiem jest analiza scenariusza, kompozycji muzycznej, choreografii itp. Ustalane są parametry kostiumów do spektaklu i tworzona jest wstępna fabuła kostiumowa. Fabuła kostiumowa określa, która postać jest w której scenie, kiedy zmieniają się aktorzy i jakie kostiumy są wymienione w scenariuszu.

2. Współpraca projektowa : Ważnym etapem procesu jest spotkanie wszystkich projektantów z reżyserem. Konieczne jest jasne zrozumienie ogólnej koncepcji pokazu. Wszyscy projektanci muszą być na tej samej stronie z reżyserem, jeśli chodzi o tematykę serialu i jakie wiadomości chcą, aby widzowie otrzymali z serialu.

3. Badania kostiumów : Gdy reżyser i projektanci są już na tej samej stronie, kolejnym krokiem projektanta kostiumów jest zebranie badań. Projektanci kostiumów zwykle zaczynają od badań, w których znajdują zasoby do ustalenia świata, w którym odbywa się sztuka. Pomaga to projektantom ustalić zasady rządzące światem, a następnie lepiej zrozumieć postacie. Następnie projektant przeprowadzi szeroko zakrojone badania na temat każdej postaci, aby spróbować ustalić ich osobowości poprzez kostium.

Kobieta tworząca w warsztacie kostiumów w praskim teatrze.

4. Wstępne szkice i układ kolorystyczny : Po uzyskaniu wystarczającej ilości informacji projektanci kostiumów rozpoczynają od stworzenia wstępnych szkiców. Rozpoczynając od bardzo szybkich, zgrubnych szkiców, projektant może uzyskać podstawowe wyobrażenie o tym, jak będzie wyglądać przedstawienie i czy zachowane zostaną zasady rządzące światem. Projektant kostiumów przejdzie następnie do bardziej szczegółowych szkiców i wymyśli konkretne kostiumy i kolory dla postaci. Szkice pomagają zobaczyć program jako całość bez konieczności poświęcania im zbyt wiele czasu.

5. Końcowe szkice : Gdy projektant kostiumów i reżyser uzgodnią kostiumy, a pomysły zostaną w pełni wypłukane, projektant utworzy ostateczne szkice. Nazywane są one renderingami i są zwykle malowane akwarelami lub farbami akrylowymi. Te końcowe szkice pokazują, jak projektant chce, aby wyglądała postać i kolory kostiumu.

Proces produkcji

Przykład udrapowania tkaniny muślinowej na formie sukni

Po zaprojektowaniu pokazu konieczne jest zaplanowanie, skąd będą pochodzić przedmioty. Dostępne są cztery opcje. Odzież może być:

Pulled, co odnosi się do przeszukiwania asortymentu sklepu z kostiumami
Wynajęty
Zakupione/zakupione
Zbudowany lub znany również jako wykonany na zamówienie.

Istnieją dwa sposoby, w jakie można zacząć konstruować ubranie; albo wzór szkicowany, albo drapowany, i wiele razy obie metody będą używane razem. Rysowanie wzorów rozpoczyna się od użycia zestawu podstawowych bloków wzorów opracowanych na podstawie pomiarów aktora. Najpierw są rysowane na papierze, a następnie przenoszone na tkaninę i zszywane w celu przetestowania dopasowania.

Drapowanie polega na manipulowaniu kawałkiem materiału na sukience lub manekinie, który ma wymiary ściśle związane z aktorem. Jest to proces, który wymaga płaskiego kawałka materiału i kształtowania go w celu dopasowania tkaniny do trójwymiarowego ciała poprzez cięcie i przypinanie.

Jednak po skonstruowaniu kostium nie skończył „działać”. Najważniejszym aspektem kostiumów jest sposób, w jaki wpływają na występy aktorów i funkcjonowanie w ich otoczeniu. Najlepsi projektanci kostiumów budują swoje oryginalne pomysły po ocenie warunków wizualnych i przestrzennych kostiumów.