Rdzenna muzyka Ameryki Północnej
| Rdzenna muzyka Ameryki Północnej | |
|---|---|
| Pochodzenie kulturowe | |
|
Muzyka rdzennych mieszkańców Ameryki Północnej |
|---|
| Muzyka rdzennych plemion i ludów |
| Rodzaje muzyki |
| Instrumenty |
| Ceremonie wręczenia nagród i wyróżnień |
Rdzenna muzyka Ameryki Północnej , która obejmuje muzykę Indian amerykańskich lub muzykę rdzennych Amerykanów , to muzyka używana, tworzona lub wykonywana przez rdzenną ludność Ameryki Północnej , w tym rdzennych Amerykanów w Stanach Zjednoczonych i ludy aborygeńskie w Kanadzie , rdzenną ludność Meksyku i inne kraje Ameryki Północnej — zwłaszcza tradycyjna muzyka plemienna , taka jak muzyka Pueblo i muzyka Eskimosów . Oprócz tradycyjnej muzyki grup rdzennych Amerykanów istnieją obecnie gatunki pan-indyjskie i międzyplemienne , a także odrębne podgatunki muzyki popularnej rdzennych Amerykanów , w tym: rock , blues , hip hop , muzyka klasyczna, muzyka filmowa i reggae , a także jak unikalne popularne style, takie jak chicken scratch i muzyka z Nowego Meksyku .
Charakterystyka
Śpiew i perkusja to najważniejsze aspekty tradycyjnej muzyki rdzennych Amerykanów. Wokalizacja przybiera różne formy, od śpiewu solowego i chóralnego po śpiew responsoryjny, unisono i wielogłosowy. Perkusja, zwłaszcza bębny i grzechotki, są częstym akompaniamentem utrzymującym rytm dla śpiewaków, którzy na ogół używają swojego języka ojczystego lub nieleksykalnych wokali (nonsensownych sylab). Tradycyjna muzyka zwykle zaczyna się od wolnych i miarowych uderzeń, które stopniowo stają się szybsze i bardziej empatyczne, podczas gdy różne rozkwitają, takie jak tremolo bębnowe i grzechotkowe , okrzyki i akcentowane wzory urozmaicają i sygnalizują zmiany w wykonaniu śpiewaków i tancerzy.
Chociaż każdą grupę rdzennych Amerykanów można scharakteryzować za pomocą własnych, odrębnych gatunków i stylów, pewne aspekty stylu można znaleźć z podobieństwami między grupami tubylczymi, które byłyby sąsiednimi plemionami. Te podobieństwa są jeszcze bardziej rozwinięte, gdy muzyka i instrumenty są wspólne dla każdego plemienia, co ułatwia znalezienie pewnych cech w częstym użyciu. Melodie zwykle składają się ze skali prostszej niż klasyczna ośmiotonowa skala kultury wschodniej, często mieszcząca się w pentatonicznej lub trytonicznej .
Głos może wahać się od napiętego, nosowego lub zrelaksowanego dźwięku i składać się z wyższych barw, szczególnie dla męskich wokalistów, u których powszechny jest falset. Wokalne vibrato, jeśli występuje, to szybkie pulsowanie różnych tonów jako bardziej ozdobny efekt. Wzory rytmiczne często można znaleźć w metrach dwu- lub trzymetrowych i uwzględniają rytmy wokalne i synkopę w celu włączenia ich do wzorca. Wzorce wezwań i odpowiedzi są powszechne w partiach wokalnych, a ostinato może być również zawarte w partii perkusyjnej.
Bębny składają się z typów, począwszy od bębnów jednogłowicowych, dwugłowicowych i bębnów kotłowych. Inne instrumenty perkusyjne składają się z grzechotek i shakerów i są wykonane z rzeczy takich jak skorupy żółwia. Oprócz instrumentów perkusyjnych i wokali, powszechnym dźwiękiem w muzyce rdzennych Amerykanów są instrumenty, takie jak flety, gwizdki i inne instrumenty, które wytwarzają dźwięk z oddechu gracza (rogi, piszczałki itp.). Instrumenty ze strunami, które można uderzać, szarpać lub wyginać, obejmują takie jak smyczek muzyczny który pochodzi z obu Ameryk, ale nie pojawia się często we współczesnej muzyce tubylczej. Inne instrumenty strunowe to rodzime gitary i skrzypce, których struktura i skład różnią się w zależności od plemienia.
W badaniu przeprowadzonym w 2016 roku przeanalizowano muzyczne cechy muzyki tubylczej w odniesieniu do kontekstów społecznych i tematu lirycznego. Po przeanalizowaniu ponad 2000 piosenek z Frances Densmore , badacze byli w stanie znaleźć nawet związek między tematami takimi jak miłość w piosenkach, a różnorodnością tonacji i tessiturą . Pieśni miłosne charakteryzowały się wysokimi tessiturami i przestrzennymi melodiami, z większymi interwałami i rozpiętościami. W wielu przypadkach są również postrzegane jako „smutne” - odnoszące się do odejścia, utraty lub tęsknoty. Wyjaśnia to związek między podmiotem lirycznym a stosunkowo wolnym ruchem melodycznym i niską dynamiką. Utwory z gier w ukrywanie, takie jak te związane z „grami w mokasyny, ręce i chowanie kija lub chowanie kości”, zostały znalezione ze znacznie niskim średnim czasem trwania oraz małym zakresem i różnorodnością tonów. Odkryli również, że „uzdrawiające pieśni” i ich charakterystyczny wąski zakres i stosunkowo zwiększone powtarzanie niskich dźwięków miały prawdopodobnie na celu stworzenie kojącego dźwięku, który złagodziłby dyskomfort w przypadku śpiewania uzdrawiającej piosenki. Jeśli chodzi o muzykę konkretnych osób, znaleźli to Yuman często mają niewielki zakres, opadający ruch melodyczny i często powtarzające się motywy muzyczne. Kolekcja Densmore charakteryzuje również pieśni wojenne jako mające szerszy zakres, wyższy rejestr i większą różnorodność pod względem czasu trwania i wysokości. Dla porównania, piosenki taneczne również mają te rozróżnienia, chociaż można je znaleźć w odwrotnym sensie, ponieważ piosenki taneczne często występują w niższych rejestrach. Piosenki taneczne są również podobne do piosenek zwierzęcych pod względem zakresu, różnorodności wysokości i rejestru podstawowego.
Badanie to utrzymuje również znaczący pogląd, że wiele z tych cech („wysokość tonu, tempo, dynamika i zmienność”) ma bezpośredni związek z reakcją emocjonalną, wywołując taką reakcję niezależnie od kultury, co oznacza, że podobne cechy jednej kultury muzyka i jej funkcja będą często spotykane w innych kulturach dla tej samej funkcji. W ten sposób Shanahan, Neubarth i Conklin byli w stanie wykorzystać zbiór ponad 2000 piosenek Densmore'a, aby stworzyć analizę porównania między tematem a charakterystyką muzyczną.
Teksty piosenek i źródła
Teksty pieśni rdzennych Amerykanów obejmują zarówno utwory publiczne, jak i tajne, o których mówi się, że są „starożytne i niezmienne”, które są używane wyłącznie do celów sakralnych i ceremonialnych. Istnieją również publiczne pieśni sakralne, a także przemówienia rytualne, które czasami są postrzegane jako muzyczne ze względu na rytm i melodię. Te rytualne przemówienia często bezpośrednio opisują wydarzenia związane z ceremonią oraz przyczyny i konsekwencje nocy.
Vocables , czyli sylaby pozbawione znaczenia leksykalnego, są powszechną częścią wielu rodzajów pieśni rdzennych Amerykanów. Często oznaczają początek i koniec fraz, sekcji lub samych piosenek. Często piosenki często wykorzystują wokale i inne nieprzetłumaczalne elementy. Piosenki, które można przetłumaczyć, obejmują pieśni historyczne, takie jak Navajo „ Shi 'naasha' ”, który upamiętnia koniec internowania Navajo w Fort Sumner w Nowym Meksyku w 1868 roku. Plemienne pieśni flagowe i hymny narodowe są również główną częścią musicalu rdzennych Amerykanów corpus i są częstym przystawką do publicznych ceremonii, zwłaszcza powow . Muzyka rdzennych Amerykanów obejmuje również szereg zalotnych , tanecznych i popularnych melodii amerykańskich lub kanadyjskich, takich jak „ Amazing Grace ”, „ Jambalaya ” i „ Sugar Time ”. Wiele piosenek świętuje zbiory, sezon sadzenia lub inne ważne pory roku.
Rola społeczna
Muzyka rdzennych Amerykanów odgrywa istotną rolę w historii i edukacji, a ceremonie i historie ustnie przekazują zwyczaje przodków nowym pokoleniom. Tradycyjnie mówi się, że ceremonialna muzyka rdzennych Amerykanów pochodzi od bóstw lub duchów lub od szczególnie szanowanych osób. Rytuały są kształtowane przez każdy aspekt piosenki, tańca i kostiumów, a każdy aspekt informuje o „twórcach, użytkownikach i symbolach ważnych dla narodu, plemienia, wioski, klanu, rodziny lub jednostki”. Rdzenni Amerykanie przedstawiają historie poprzez śpiew, muzykę i taniec, a propagowane w ten sposób fakty historyczne są integralną częścią wierzeń rdzennych Amerykanów. Epickie legendy i opowieści o bohaterach kulturowych są częścią plemiennych tradycji muzycznych, a te opowieści są często ikoniczną częścią lokalnej kultury. Mogą się nieznacznie różnić z roku na rok, a przywódcy ponownie łączą i wprowadzają niewielkie zmiany. The Pueblo komponuje co roku wiele nowych piosenek w komitecie, który wykorzystuje sny i wizje.
Niektórzy rdzenni Amerykanie postrzegają piosenki jako „własność” należącą do plemienia lub osoby, która jako pierwsza je dostrzegła. Na przykład, jeśli dana osoba otrzymała pieśń we śnie lub wizji, muzyka należałaby do tej osoby, a ta osoba miałaby moc przekazania jej innej osobie. W innych przypadkach muzyka byłaby własnością ludów, z których pochodzi.
Style i cele muzyki różnią się znacznie między poszczególnymi plemionami rdzennych Amerykanów. Jednak powszechną koncepcją wśród wielu rdzennych grup jest połączenie muzyki i mocy. Na przykład lud Pima uważa, że wiele z ich pieśni zostało nadanych na początku i zaśpiewanych przez Stwórcę. Uważano, że niektórzy ludzie mają wtedy większą skłonność do talentu muzycznego niż inni ze względu na szczególną moc jednostki.
Płeć
W różnych społecznościach rdzennych Amerykanów płeć odgrywa ważną rolę w muzyce. Mężczyźni i kobiety odgrywają role specyficzne dla płci w wielu czynnościach muzycznych. Instrumenty, piosenki i tańce są często charakterystyczne dla jednej lub drugiej płci, a wiele scen muzycznych jest ściśle kontrolowanych przez płeć. We współczesnych powwows kobiety odgrywają istotną rolę jako chórki i tancerki. lud Cherokee urządza tańce przed grami w kijanki . Podczas tych wydarzeń poprzedzających mecz mężczyźni i kobiety wykonują osobne tańce i przestrzegają odrębnych przepisów. Mężczyźni będą tańczyć w kręgu wokół ogniska, podczas gdy kobiety tańczą w miejscu. Mężczyźni śpiewają własne piosenki, podczas gdy kobiety śpiewają dla nich swoje piosenki starszy . Podczas gdy męskie piosenki odwołują się do władzy, piosenki kobiet odbierają moc drużynie przeciwnej. W niektórych społeczeństwach istnieją zwyczaje, zgodnie z którymi na pewnych ceremonialnych bębnach grają tylko mężczyźni. Według wierzeń Indian z południowych równin pierwszy bęben został podarowany kobiecie przez Wielkiego Ducha, który polecił jej dzielić się nim ze wszystkimi kobietami rdzennych narodów. Istnieją jednak również zakazy dotyczące kobiet siedzących przy Beg Drum.
Wiele plemiennych kultur muzycznych ma względny niedostatek tradycyjnych pieśni i tańców kobiecych, zwłaszcza w regionach północno-wschodnich i południowo-wschodnich. Południowy wschód jest jednak domem dla wybitnej kobiecej tradycji muzycznej polegającej na używaniu grzechotek nogami do ceremonialnych tupania i tańców przyjaźni oraz śpiewu kobiet podczas zawodów w koniach i grach w piłkę. Plemiona z Zachodniego Wybrzeża Ameryki Północnej mają większe znaczenie w muzyce kobiecej, ze specjalnymi kobiecymi piosenkami miłosnymi , piosenkami lekarskimi i grami ręcznymi piosenki; Południowy zachód jest szczególnie zróżnicowany pod względem oferty muzycznej dla kobiet, z głównymi ceremonialnymi, instrumentalnymi i społecznymi rolami w tańcach. Kobiety odgrywają również istotną rolę ceremonialną w Tańcu Słońca Wielkich Równin i Wielkiego Basenu oraz śpiewają podczas tańców towarzyskich. Kobiety z Shoshone nadal śpiewały piosenki Ghost Dance do lat 80.
Historia
Muzyka i historia są ściśle powiązane z życiem rdzennych Amerykanów. Historia plemienia jest nieustannie opowiadana i opowiadana na nowo za pomocą muzyki, która podtrzymuje przy życiu ustną narrację historii. Te historyczne narracje różnią się znacznie w zależności od plemienia i są integralną częścią tożsamości plemiennej. Nie można jednak zweryfikować ich historycznej autentyczności; oprócz przypuszczeń i niektórych dowodów archeologicznych, najwcześniejsza dokumentacja muzyki rdzennych Amerykanów pojawiła się wraz z przybyciem europejskich odkrywców. Instrumenty muzyczne i piktogramy przedstawiające muzykę i taniec datowane są już na VII wiek. Jednak dowody archeologiczne wskazują, że instrumenty muzyczne w Ameryce Północnej pochodzą co najmniej z okresu archaicznego (ok. 8000–1000 pne), który obejmuje instrumenty takie jak grzechotki ze skorupy żółwia.
Bruno Nettl określa styl obszaru Wielkiego Basenu jako najstarszy i powszechny na całym kontynencie przed Mezoameryką ale kontynuowano tylko w Wielkim Basenie oraz w gatunkach kołysanek, gier hazardowych i opowieści na całym kontynencie. Styl charakteryzujący się zrelaksowaną techniką wokalną i wzrostem mógł pochodzić z mezoamerykańskiego Meksyku i rozprzestrzenić się na północ, szczególnie na obszary muzyki kalifornijskiej-Yuman i wschodniej. Według Nettl, te style charakteryzują się również „względną” rytmiczną prostotą gry na perkusji i perkusji, z izometrycznym materiałem i skalami pentatonicznymi w śpiewie oraz motywami utworzonymi z krótszych odcinków w dłuższe.
Podczas gdy ten proces miał miejsce, trzy style azjatyckie mogły mieć wpływ na muzykę północnoamerykańską po drugiej stronie Cieśniny Beringa, wszystkie charakteryzujące się pulsującą techniką wokalną i prawdopodobnie widoczne w niedawnych plemionach paleo-syberyjskich, takich jak Chuckchee, Yukaghir, Koryak. Mogły one również mieć wpływ na obszary Plains-Pueblo, Athabascan i Inuit-Northwest Coast. Według Nettla granicą między tymi południowymi i powyższymi wpływami północnymi są obszary o największej złożoności muzycznej: północno-zachodnie wybrzeże, muzyka Pueblo i muzyka Navajo. Dowody wpływów między północno-zachodnim wybrzeżem a Meksykiem wskazują na przykład gwizdki w kształcie ptaków. Obszar Plains-Pueblo wpływał i nadal wpływa na otaczające kultury, a współcześni muzycy ze wszystkich plemion uczą się gatunków pantribalnych pod wpływem Plains-Pueblo, takich jak pieśni Peyote.
Wpływ
Podczas swojego pobytu w Stanach Zjednoczonych kompozytor Antonín Dvořák utrzymywał, że przyszłość amerykańskiego głosu w muzyce leży w muzyce Afroamerykanów i rdzennych Amerykanów, i wspierał ich rozwój w USA. Miał za cel odkrycie „muzyki amerykańskiej” i wezwał amerykańskich kompozytorów, aby szukali w tych kulturach muzycznych inspiracji i studiów. (Chociaż muzyczne korzenie rdzennych Amerykanów i Afroamerykanów są raczej różne, mają one podobne cechy, takie jak melodie pentatoniczne i złożone rytmy).
W tym badaniu amerykańskiego brzmienia napisał: [ potrzebne źródło ]
Muzyka ludzi jest jak rzadki i piękny kwiat rosnący pośród wdzierających się chwastów. Tysiące mijają go, podczas gdy inni depczą go pod stopami, a zatem są szanse, że zginie, zanim zobaczy go jedyny rozróżniający duch, który będzie go cenił ponad wszystko.
W tym czasie napisał także IX Symfonię Z Nowego Świata , która stała się jednym z jego największych sukcesów.
Przed wykonaniem symfonii dał do zrozumienia, że „utwór powstał pod bezpośrednim wpływem poważnych studiów nad muzyką narodową Indian północnoamerykańskich”. Chociaż w tamtym czasie Dvořák miał wrażenie, że muzyka rdzennych Amerykanów jest bardziej podobna do muzyki afroamerykańskiej niż w rzeczywistości, ze względu na obecność melodii pentatonicznych w piosenkach każdej kultury.
Studium akademickie
Archeologiczne dowody na istnienie muzyki rdzennych Amerykanów sięgają okresu archaicznego (ok. 8000–1000 pne). Jednak najwcześniejsza pisemna dokumentacja pochodzi z przybycia europejskich odkrywców na kontynent amerykański, a najwcześniejsze badania naukowe pochodzą z końca XIX wieku. W tym okresie wczesni muzykolodzy i folkloryści zbierali i badali muzykę rdzennych Amerykanów oraz przedstawiali teorie dotyczące rdzennych stylów.
Na początku XX wieku rozpoczęto bardziej systematyczne badania. Prowadzili ją komparatystyczni muzykolodzy, tacy jak Frances Densmore , Natalie Curtis , George Herzog i Helen Heffron Roberts . Densmore był najbardziej płodnym ośrodkiem tamtej epoki, publikując ponad sto prac na temat muzyki rdzennych Amerykanów. Jako dziecko Densmore zyskała uznanie dla muzyki rdzennej ludności, słuchając ludów Dakoty , i przez całe życie była w stanie nagrać ponad tysiąc piosenek wykonywanych przez rdzennych Amerykanów w ciągu pięćdziesięciu lat, począwszy od 1907 roku. cennym jest to, że wiele z jej nagrań zostało przeprowadzonych z udziałem starszych osób, które miały niewielki wpływ na zachodnią tradycję muzyczną i obejmują imponująco duży zakres pochodzenia geograficznego. Wiele z jej nagrań znajduje się obecnie w tzw Biblioteka Kongresu dla badaczy i delegacji plemiennych.
Ostatnio, od lat pięćdziesiątych XX wieku, muzyka rdzennych Amerykanów była częścią badań etnomuzykologicznych, którymi zajmowali się między innymi Bruno Nettl , William Powers i David McAllester .
Obszary muzyczne
obszarami kulturowymi Wisslera, Kroebera i Drivera : Inuici-Northwest Coast, Great Basin, California-Yuman, Plains-Pueblo, Athabascan i Eastern.
Południowy zachód
Rdzenni Amerykanie z południowo-zachodnich Stanów Zjednoczonych byli ograniczeni do idiofonów i aerofonów jako nośników do produkcji dźwięku, począwszy od VII wieku. Obowiązujące idiofony obejmowały: rezonatory z desek, bębny nożne , kamienie perkusyjne , idiofony wstrząśnięte , grzechotki na naczynia oraz miedziane i gliniane dzwony . Odpowiednie aerofony obejmowały ryki byków , rozkładające się gwizdki i flety, gliniane gwizdki rezonatorowe, trąbki muszlowe i prehistoryczne instrumenty trzcinowe . Drewniany flet miał szczególne znaczenie.
Arid American Southwest jest domem dla dwóch szerokich grup blisko spokrewnionych kultur, Pueblo i Athabaskan . Plemiona Navajo i Apache z południowej Atabaski śpiewają nosowym wokalem w stylu równinnym z niezmieszaną monofonią, podczas gdy Pueblo podkreślają zrelaksowany, niski zakres i wysoce mieszany styl monofoniczny. Piosenki atabaskańskie są szybkie i wykorzystują bębny lub grzechotki , a także instrument unikalny dla tego obszaru, skrzypce Apache lub „Tsii'edo'a'tl”, co w języku Apache oznacza „drewno, które śpiewa” .
Piosenki Pueblo są złożone i skrupulatnie szczegółowe, zwykle składają się z pięciu sekcji podzielonych na cztery lub więcej fraz charakteryzujących się szczegółowymi formułami wprowadzającymi i kadencjalnymi. Mają znacznie wolniejsze tempo niż piosenki atabaskańskie i używają różnych instrumentów perkusyjnych jako akompaniamentu.
Nettl opisuje muzykę Pueblo, w tym Hopi , Zuni , Taos Pueblo , San Ildefonso Pueblo , Santo Domingo Pueblo i wiele innych, jako jedną z najbardziej złożonych na kontynencie, charakteryzującą się zwiększoną długością i liczbą tonów skali ( wspólny heksatoniczny i heptatoniczny ), Różnorodność form, konturów melodycznych i akompaniamentu perkusyjnego waha się od oktawy do dwunastej, z rytmiczną złożonością równą podobszarowi Plains. Powołuje się na Kachinę piosenki taneczne jako najbardziej złożone, a materiał Hopi i Zuni jako najbardziej złożony z Pueblo, podczas gdy muzyka Tanoan i Keresan jest prostsza i pośrednia między Równinami a zachodnimi Pueblo. Muzyka Pima i Tohono O'odham jest pośrednikiem między obszarami muzycznymi Plains-Pueblo i California-Yuman, z melodyjnym ruchem Yuman, choć obejmuje wzrost oraz formę i rytm Pueblo.
Opisuje muzykę południowej Atabaski, Apaczów i Navajo, jako najprostszą obok stylu Great Basin, charakteryzującą się stroficzną formą , napiętym wokalem wykorzystującym pulsację i falset , skalami trytonicznymi i tetratonicznymi w formacji triad , prostymi rytmami i wartościami o ograniczonym czasie trwania ( zwykle tylko dwa na utwór), kontury melodyczne typu łukowego i duże interwały melodyczne z przewagą tercji durowej i molowej oraz doskonałych kwart i kwint ze skokami oktawowymi nierzadkimi. Piosenki pejotlowe mają cechy muzyki Apaczów i muzyki Plains-Pueblo, która była promowana na Równinach przez lud Apaczów.
Opisuje cechy strukturalne muzyki kalifornijsko-yumańskiej, w tym Pomo, Miwak, Luiseno, Catalineno i Gabrielino, oraz plemion Yuman, w tym Mohave, Yuman, Havasupai, Maricopa, jako wykorzystanie wzrostu w prawie wszystkich piosenkach, a zrelaksowana niepulsująca technika wokalna (jak europejska muzyka klasyczna), stosunkowo duża ilość materiału izorytmicznego, pewne tendencje izorytmiczne, proste rytmy, pentatoniczne skale bez półtonów, średni zakres melodyczny oktawy, sekwencja i synkopa figury, takie jak szesnastka, ósemka, szesnastka. Stosowana forma wznoszenia jest różna na całym obszarze, zwykle rytmicznie powiązana z poprzednią sekcją bez wznoszenia, ale różniąca się materiałem melodycznym lub wysokością. Wzrost nie może być wyższy niż najwyższy ton oryginalnej sekcji, ale będzie zawierał znacznie większą liczbę wyższych tonów. W Kalifornii brak wzrostu to zwykle jedna powtarzająca się fraza, przy czym wzrost jest transpozycją frazy o oktawę wyżej, Yumanowie używają braku wzrostu długich, powtarzanych sekcji, z których każda składa się z kilku fraz, przy czym wzrost to od trzech do pięciu fraz wykonywanych tylko raz, aw południowej Kalifornii występują dwie poprzednie i progresywne formy. Charakterystycznym instrumentem kalifornijskim jest laska klapy , instrument perkusyjny wykonany z gałęzi czarnego bzu, używany do towarzyszenia śpiewakom i tancerzom.
W dzisiejszej południowej Kalifornii tradycyjna muzyka Cahuilla jest utrzymywana przy życiu dzięki wykonywaniu piosenek Bird. Pieśni ptaków to cykl pieśni przedstawiający historię migracji ludu Cahuilla na południe, a także zawiera lekcje życia i inne tematy. W sumie składają się na ponad 300 utworów muzycznych, wykonywanych tradycyjnie w określonej kolejności. Występy piosenek Ptaków zaczynały się o zmierzchu i kończyły o świcie, każdej nocy przez tydzień, aż do zakończenia cyklu pieśni. W związku z tym sprawność fizyczna i wokalna były bardzo poszukiwanymi cechami wśród wykonawców.
Wschodnie Lasy
Zamieszkująca szerokie połacie Stanów Zjednoczonych i Kanady, rdzenna ludność wschodnich lasów , według Nettla, wyróżnia się antyfonią ( śpiew w stylu nawoływania i odpowiedzi ), która nie występuje na innych obszarach. Ich terytorium obejmuje Kanadę Morską , Nową Anglię , Środkowy Atlantyk Stanów Zjednoczonych , Wielkie Jeziora i regiony południowo-wschodnie . Pieśni są złożone rytmicznie, charakteryzują się częstymi zmianami metrycznymi i ścisłym związkiem z tańcem rytualnym . Flety i gwizdki to instrumenty solowe, a gra się na szerokiej gamie bębnów, grzechotek i uderzających pałeczek. Nettl opisuje obszar muzyki wschodniej jako region między rzeką Mississippi a Atlantykiem . Najbardziej złożone style to południowo-wschodni Creek, Yuchi , Cherokee, Choctaw , Iroquois i ich grupa językowa, przy czym prostszy styl to styl grupy językowej Algonquian , w tym Delaware i Penobscot . Shawnee mówiący po algonkińsku mają stosunkowo złożony styl, na który wpływ miały pobliskie plemiona południowo-wschodnie.
Charakterystyka tego całego obszaru obejmuje krótkie frazy iteracyjne; odwrócenie relacji; okrzyki przed, w trakcie i po śpiewaniu anhemitonicznych gam pentatonicznych ; proste rytmy i metrum oraz, według Nettl, techniki antyfonalne lub responsoryjne, w tym „podstawowa polifonia imitacyjna ”. Ruch melodyczny ma tendencję do stopniowego opadania w całym obszarze, a wokal zawiera umiarkowane napięcie i pulsację.
równiny
_01.jpg)
_02.jpg)
Rozciągająca się przez amerykański Środkowy Zachód aż po Kanadę, muzyka z obszaru Równin jest nosowa , z wysokimi tonami i częstymi falsetami , z stopniowym zejściem (schodzenie krok po kroku w dół o oktawę ) w niezmieszanej monofonii . Strofy wykorzystują powtórzenia niepełne , co oznacza, że pieśni dzielą się na dwie części, z których druga jest zawsze powtarzana przed powrotem do początku.
Duże dwustronne bębny ze skóry są charakterystyczne dla plemion Równin, a powszechne są również solowe flety o dmuchaniu końcowym ( flażolety ).
Indian z równin centralnych , od Kanady po Teksas: Blackfoot, Crow, Dakota, Cheyenne, Arapaho, Kiowa i Comanche, jako najbardziej typowy i prosty podobszar obszaru muzycznego Plains-Pueblo. Muzyka tego obszaru charakteryzuje się ekstremalnym napięciem wokalnym, pulsacją, preferencją melodyczną dla doskonałych kwart i zakresu uśredniania dziesiątego, złożonością rytmiczną i zwiększoną częstotliwością gam tetratonicznych . Muzyka Arapaho i Cheyenne wzmacnia te cechy, podczas gdy plemiona północne, zwłaszcza muzyka Czarnych Stóp , zawierają prostszy materiał, mniejsze zakresy melodyczne i mniej tonów skali.
Muzyka Nettl Arapaho obejmuje ceremonialne i świeckie pieśni, takie jak rytualny taniec słońca , wykonywany latem, kiedy spotykały się różne zespoły ludu Arapaho. Tradycyjne pieśni Arapaho składają się z dwóch sekcji wykazujących zejście tarasowe, o zakresie większym niż oktawa i skalach od czterech do sześciu tonów. Inne ceremonialne pieśni były otrzymywane w wizjach lub nauczane w ramach inicjacji mężczyzny do społeczeństwa dla jego grupy wiekowej. Świeckie pieśni obejmują szereg tańców towarzyskich, takich jak tańce okrągłe z potrójnym metrum i piosenki inspirujące wojowników lub ostatnie wyczyny. Istnieją również pieśni, o których mówi się, że są nauczane przez ducha opiekuńczego, które powinny być śpiewane tylko wtedy, gdy odbiorca jest bliski śmierci.
Duża kotlina
Muzyka Wielkiego Basenu jest prosta, dyskretna i bogato zdobiona, charakteryzuje się krótkimi melodiami o rozpiętości mniejszej niż oktawa , umiarkowanie mieszaną monofonią , zrelaksowanym i otwartym wokalem oraz, co najbardziej niezwykłe, parą fraz, w których powtarzająca się fraza melodyczna dwa razy, przeplata się z jednym lub dwoma dodatkowymi frazami. Utwór tego typu można przedstawić w następujący sposób: AA BB CC AA BB CC itd.
Nettl opisuje muzykę słabo zaludnionego Wielkiego Basenu, w tym większość pustynnego Utah i Nevady (Paiute, Ute, Shoshoni) oraz część południowego Oregonu (Modoc i Klamath), jako „niezwykle prostą”, obejmującą zakresy melodyczne uśrednione nieco ponad idealną po piąte, wiele gam tetratonicznych i krótkich form. Większość piosenek ma charakter powtarzalny, a każda fraza jest powtarzana raz, chociaż zdarzają się utwory z wieloma powtórzeniami. Wiele piosenek Modoc i Klamath zawiera tylko jedną powtarzającą się frazę, a wiele ich skal tylko od dwóch do trzech nut (ditonicznych lub trytonicznych). Ten styl został przeniesiony na Wielkie Równiny przez religię Ghost Dance który wywodzi się z Paiute i bardzo często zawiera wzorce sparowanych fraz i zrelaksowany, niepulsujący styl wokalny. Herzog przypisuje podobnie proste kołysanki, pieśni-historie i piosenki hazardowe, które można było znaleźć na całym kontynencie w historii, muzyce Wielkiego Basenu, która przetrwała dzięki względnej izolacji kulturowej i niskiej populacji.
Wybrzeże Północno-Zachodnie
Otwarte wokale z monofonią są powszechne w północno-zachodnim Pacyfiku i Kolumbii Brytyjskiej , chociaż występuje również polifonia (jest to jedyny obszar Ameryki Północnej z natywną polifonią). Charakterystyczne są również interwały chromatyczne towarzyszące długim melodiom, a rytmy złożone i deklamacyjne, wywodzące się z mowy. Oprzyrządowanie jest bardziej zróżnicowane niż w pozostałej części Ameryki Północnej i obejmuje szeroką gamę gwizdków, fletów, rogów i instrumentów perkusyjnych.
Nettl opisuje muzykę Kwakwaka'wakw , Nuu -chah-nulth , Tsimshian , Makah i Quileute jako jedną z najbardziej złożonych na kontynencie, wraz z muzyką ludów Salish ( Nlaka'pamux , Nuxálk i Sliammon) . i inni bezpośrednio na wschód od plemion północno-zachodnich) jako pośrednik między tymi plemionami północno-zachodniego wybrzeża a muzyką Eskimosów. Muzyka plemion Salish, a tym bardziej północno-zachodniego wybrzeża, intensyfikuje znaczące cechy muzyki Inuitów, patrz poniżej, jednak ich melodyka jest często typu wahadłowego („przeskakiwanie w szerokich interwałach od jednej granicy zakresu do drugiej "). Muzyka z północno-zachodniego wybrzeża również „należy do najbardziej skomplikowanych na kontynencie, zwłaszcza pod względem struktury rytmicznej”, charakteryzująca się skomplikowanymi wzorami rytmicznymi, różniącymi się od melodii wokalnej i sztywnej perkusji, ale z nimi powiązanymi. Donosi również o niezarejestrowanym użyciu początkowej polifonii w postaci dronów lub interwałów równoległych, oprócz form antyfonalnych i responorycznych. Wokale są niezwykle napięte, wytwarzają dynamiczny kontrast, ornamentykę i pulsację, a także często używają wielu nagłych akcentów w jednym trzymanym tonie.
Arktyczny
Inuici z Alaski , Terytoriów Północno-Zachodnich , Terytorium Jukonu , Nunavut i Grenlandii są dobrze znani ze śpiewu gardłowego , niezwykłej metody wokalizacji, którą można znaleźć tylko w kilku kulturach na całym świecie . Tradycyjna forma śpiewu gardłowego Eskimosów zwykle obejmuje dwie kobiety w pozycji twarzą w twarz, gdzie jeden wykonawca ustawia rytmiczny wzór z dźwiękami dźwięcznymi lub bezdźwięcznymi, a drugi wypełnia luki w rytmie tymi dźwiękami. Te dźwięki są bardzo różne od tych z Tuwiński śpiew gardłowy , który zawiera podteksty gwizdów i dźwięków nosowych, ale przede wszystkim niski „warczący” dźwięk. Zamiast tego wytwarzają dźwięki poprzez wdech lub wydech, najczęściej mieszankę obu w szybkim tempie, tworząc atletyczny występ muzyczny. Śpiew gardłowy jest wykorzystywany jako podstawa gry wśród Eskimosów, w której każdy wykonawca stara się bezbłędnie utrzymać tempo i rytm duetu. Zwycięzcą tej gry jest ten, kto pokona największą liczbę osób w tych konkursach. Melodie o wąskim zakresie i efekty deklamacyjne są powszechne, podobnie jak na północnym zachodzie. Powtarzające się nuty oznaczają końce fraz. Bębny pudełkowe, które można znaleźć gdzie indziej, są powszechne, podobnie jak bęben ręczny przypominający tamburyn . Ponadto ludy Arktyki używały ryczącego byka do zabawek dla dzieci lub do rytuału utwardzania śniegu w celu ułatwienia podróży. Nettl opisuje muzykę „eskimoską” jako jedną z najprostszych na kontynencie, wymieniając cechy, w tym śpiew przypominający recytatyw, złożoną organizację rytmiczną, stosunkowo mały zakres melodyczny wynoszący średnio około jednej szóstej, wyeksponowanie tercji i sekund małych w melodyce, z falującym ruchem melodycznym.
Muzyka międzyplemienna
Wiele gatunków muzycznych obejmuje wiele plemion. Pan-trybalizm to synkretyczne przejmowanie tradycji z obcych społeczności. Od powstania Stanów Zjednoczonych i Kanady rdzenni Amerykanie wykuli wspólną tożsamość i wymyślili muzykę pan-indyjską, w tym najsłynniejsze powwow , pieśni peyotlowe i taniec duchów .
Taniec Duchów rozprzestrzenił się w plemionach Równin w latach 90. XIX wieku i dziś śpiewa się wiele piosenek. Charakteryzują się zrelaksowanym wokalem i wąskim zakresem. Apaczów , modlitwy w Kościele rdzennych Amerykanów , wykorzystują opadającą melodię i monofonię. Używane są grzechotki i bębny wodne , w szybkim tempie. Taniec Słońca i Taniec Trawy równin są korzeniami międzyplemiennych powwow, w których występuje muzyka z tarasowym zejściem i nosowymi wokalami, obie cechy charakterystyczne dla Równin.
Przykładem piosenki międzyplemiennej jest AIM Song , która wykorzystuje wokale , aby była dostępna dla ludzi ze wszystkich plemion. Jednak ze względu na swoje pochodzenie od ludu Lakota i Ojibwe nadal zachowuje pewne cechy północnych równin i Wielkich Jezior.
John Trudell ( Santee Dakota ) zapoczątkował nowy gatunek poezji mówionej w latach 80., poczynając od Aka Graffiti Man (1986). Następna dekada przyniosła dalsze innowacje w muzyce popularnej rdzennych Amerykanów, w tym Robbie Robertson (z The Band ) wydał ścieżkę dźwiękową do filmu dokumentalnego Music for the Native Americans , który odniósł ograniczony sukces mainstreamowy, a także zmodernizowany utwór Verdella Primeaux i Johnny'ego Mike'a pieśni pejotlowe , z którym zaczęli eksperymentować w Sacred Path: Healing Songs of the Native American Church .
Waila (lub kurczakowa muzyka Tohono O'odham ) zyskała sławę wykonawców takich jak Joaquin Brothers w społecznościach rdzennych Amerykanów, podczas gdy ekipy hip-hopowe , takie jak WithOut Rezervation i Robby Bee & the Boyz From the Rez ( Reservation of Education ), mają wyraźnie Rdzenni Amerykanie rozkwitają w hip hopie. W XXI wieku liderem współczesnej muzyki rdzennych Amerykanów była Martha Redbone , której wielokrotnie nagradzane albumy Home of the Brave (2002) i Skintalk (2005) włączyli zarówno tradycyjne piosenki, jak i odniesienia kulturowe do mieszanki soulu, funku, rocka i jazzu, która dotarła do publiczności w całej Europie i Japonii, a także do miejskich społeczności Stanów Zjednoczonych. Tymczasem młodzi tubylcy muzycy, tacy jak Red Earth (patrz „Zia Soul” (2003)), DJ Abel, Derek Miller , Ethnic DeGeneration, War Water i Casper , produkują znakomitą muzykę undergroundową (od hip-hopu, przez funk, reggae, po metal) przeciwstawiający się stereotypom rdzennych mieszkańców (bez wsparcia wytwórni).
Amerykańsko-indyjska opera to międzyplemienna tradycja muzyczna, która powstała, gdy Gertrude Bonnin , aktywistka z Yankton Dakota , współpracowała z klasycznym kompozytorem Williamem Hansonem, aby stworzyć operę Sun Dance w 1913 roku . Cherokee Nation mezzosopranistka operowa, Barbara McAlister , występowała w wielu operach zespołami i śpiewał w nowojorskiej Metropolitan Opera House . Brulé Lakota zespół Brule i American Indian Rock Opera tworzyć pełnowymiarowe współczesne spektakle muzyczne, w tym „Koncert dla Pojednania Kultur”.
Flet rdzennych Amerykanów
Flet rdzennych Amerykanów zyskał pewną sławę dzięki swojemu charakterystycznemu brzmieniu, używanemu w różnych nagraniach muzyki new age i world music. Jego muzyka była używana w zalotach , uzdrawianiu , medytacji i duchowych rytuałach.
Pod koniec lat 60. nastąpiło odrodzenie korzeni skupione wokół fletu, z nową falą flecistów i rzemieślników, takich jak Doc Tate Nevaquaya ( Comanche ) i Carl Running Deer. Znani i wielokrotnie nagradzani fleciści rdzenni Amerykanie to: Mary Youngblood , Kevin Locke , Charles Littleleaf , Jay Red Eagle , Robert Tree Cody , Robert Mirabal , Joseph Firecrow i Jeff Ball . Tommy Wildcat to współczesny flecista, który wykonuje tradycyjne flety z trzciny z rzeki Cherokee . Szczególne znaczenie ma R. Carlos Nakai ( Changes , 1983), który osiągnął status złotej płyty i wiarygodność głównego nurtu dzięki mieszance fletu z innymi współczesnymi gatunkami.
Flet indiański jest jedynym na świecie fletem zbudowanym z dwóch komór powietrznych – wewnątrz fletu znajduje się ścianka między górną (wolną) komorą powietrzną a dolną komorą, w której znajduje się gwizdek i otwory na palce. Górna komora służy również jako rezonator wtórny, który nadaje fletowi charakterystyczny dźwięk. W dolnej części „wolnej” komory powietrznej znajduje się otwór i (zwykle) kwadratowy otwór w górnej części komory do gry. Blok (lub „ptak”) z przekładką jest zawiązany na górze fletu, aby utworzyć cienki, płaski strumień powietrza do otworu gwizdka (lub „okna”). Niektóre bardziej nowoczesne flety wykorzystują podcięcie w bloku lub rowku, aby wyeliminować potrzebę stosowania przekładki.
„Tradycyjny” flet rdzennych Amerykanów został skonstruowany na podstawie pomiarów opartych na korpusie – długość fletu byłaby odległością od pachy do nadgarstka, długość górnej komory powietrznej byłaby równa szerokości jednej pięści, odległość od gwizdka do pierwszy otwór również miał szerokość pięści, odległość między otworami wynosiłaby szerokość jednego kciuka, a odległość od ostatniego otworu do końca zwykle wynosiłaby szerokość jednej pięści. W przeciwieństwie do muzyki zachodniej, tradycyjna muzyka Indian amerykańskich nie miała standardowego odniesienia do wysokości tonu, takiego jak A440 , więc flety nie były znormalizowane pod względem wysokości.
Historyczne flety rdzennych Amerykanów są generalnie dostrojone do wariacji skali pentatonicznej molowej (takiej jak gra się na czarnych klawiszach fortepianu), co nadaje instrumentowi charakterystyczny, żałosny dźwięk. Ostatnio niektórzy twórcy zaczęli eksperymentować z różnymi skalami, dając graczom nowe opcje melodyczne. Ponadto nowoczesne flety są na ogół strojone w tonacjach koncertowych (takich jak A lub D), dzięki czemu można na nich łatwo grać z innymi instrumentami. Prymy współczesnych fletów rdzennych Amerykanów obejmują zakres około trzech i pół oktawy, od C2 do A5.
Flety rdzennych Amerykanów mają najczęściej 5 lub 6 otworów, ale instrumenty mogą mieć wszystko, od braku otworów do siedmiu (w tym otwór na kciuk). Różni twórcy stosują różne skale i palcowania swoich fletów.
Niektóre współczesne flety rdzennych Amerykanów nazywane są fletami „dronowymi” i składają się z dwóch (lub więcej) fletów zbudowanych razem. Ogólnie rzecz biorąc, komora drona odgrywa stałą nutę, z którą drugi flet może grać w harmonii.
bębny
Bębny mają duży wpływ na muzykę Indian amerykańskich. Różne plemiona mają różne tradycje dotyczące swoich bębnów i sposobu grania na nich. W przypadku większych bębnów tanecznych lub typu powwow podstawowa konstrukcja jest bardzo podobna w większości plemion: drewniana rama lub rzeźbiona i wydrążona kłoda, z surową skórą jelenia lub łosia rozciągniętą w poprzek otworu za pomocą ścięgien. Tradycyjnie bębny Indian amerykańskich są duże, mają od dwóch do trzech stóp średnicy i grają na nich wspólnie grupy śpiewaków, którzy siedzą wokół nich w kręgu. W przypadku mniejszych jednostronnych bębnów ręcznych stosuje się cieńszą ramę lub skorupę, a powierzchnia z surowej skóry jest nawleczona tylko z jednej strony, ze sznurowaniem na drugiej. Inne typy obejmują dwa podstawowe style bębnów wodnych: typ Irokezów i typ Yaqui. Bęben na wodę Irokezów to małe drewniane naczynie w kształcie miseczki, z wodą w środku i zwilżoną garbowaną skórą rozciągniętą w poprzek górnego otworu; wilgoć i zwartość garbowanej skóry powodują zmiany tonu, gdy bęben z wodą jest odtwarzany w czasie. Bęben na wodę typu Yaqui to w rzeczywistości połówka tykwy, dużych rozmiarów, która unosi się w wannie z wodą jak bańka na powierzchni; zewnętrzna okrągła powierzchnia tykwy jest uderzana pałką perkusyjną, a wibracje są wzmacniane za pomocą wanny z wodą jako rezonatora.
Inny rodzaj bębna, zwany bębnem nożnym, został znaleziony w kilku stanowiskach archeologicznych rdzennych Amerykanów w południowo-zachodniej i środkowej Kalifornii, zamieszkałych lub formalnie zamieszkałych przez plemiona Indian Miwok , Maidu , Nahua i Hopi . Bębny te były często wydrążonymi kłodami o przekroju półkola, ułożonymi na pokrytych drewnem „rezonujących” dołach umieszczonych zgodnie ze zwyczajem w kivach lub domach tanecznych. Na bębnach nożnych grano przez tupanie po wydrążonej kłodzie z słupami konstrukcji używanymi do stabilizacji.
Nagrody
Dedykowane nagrody Native American Music Awards , które z powodzeniem zaproponowały nagrodę Grammy dla najlepszego albumu z muzyką rdzennych Amerykanów, zostały zapoczątkowane w 1998 roku i nadal są przyznawane co roku. The Native American Music Awards lub NAMA był pierwszym krajowym programem nagród dla muzyki rdzennych Amerykanów w Ameryce Północnej. Nagrody zrodziły się z potrzeby większego uznania dla inicjatyw muzycznych rdzennych Amerykanów i pozostają największą profesjonalną organizacją opartą na członkostwie na świecie.
Od 2001 do 2011 roku American Grammy Awards wręczało doroczną nagrodę za najlepszy album z muzyką rdzennych Amerykanów , a Canadian Juno Awards corocznie przyznaje nagrodę za nagranie roku Aborygenów . 6 kwietnia 2011 roku ogłoszono, że nagroda Grammy dla najlepszego albumu z muzyką rdzennych Amerykanów zostanie połączona z kategoriami najlepszego albumu z muzyką hawajską i najlepszego albumu muzycznego Zydeco lub Cajun w nową kategorię, najlepszy album z muzyką regionalną . Ta zmiana była częścią masowej restrukturyzacji kategorii Grammy.
Próbki
- Media:Bice'waan Song.ogg to nagranie z Biblioteki Kongresu , zebrane przez Alice Cunningham Fletcher i Francisa La Flesche i opublikowane w 1897 roku. Wokalistą jest George Miller, który prawdopodobnie urodził się około 1852 roku. określenie, a nie imię opisowe, jest śpiewane na ogół wczesnym rankiem, kiedy kochanek odbywa schadzkę i wypatruje dziewczyny wychodzącej z namiotu i idącej do źródła. Należą do tajemnych zalotów i czasami nazywają się Ja the-g'thun wa-an – pieśni zalotne.. Śpiewano je bez bębna, dzwonka czy grzechotki, aby zaakcentować rytm, w którym pieśni te podporządkowane są tonacji i wyczuwalne są tylko w muzycznych frazach. . . . Na wibracje w celu nadania większej ekspresji wpływało nie tylko tremolo głosu, ale wzmacniało je machanie ręką lub rozpylanie artemezji przed ustami, podczas gdy ciało często kołysało się delikatnie w rytm pieśni ( Fletcher, 1894, s. 156).”
- Pobierz nagranie piosenki Ghost Dance i hazardowej autorstwa rdzennych Amerykanów Paiute i Arapaho z Biblioteki Kongresu „ Emile Berliner and the Birth of the Recording Industry Collection” ; w wykonaniu Jamesa Mooneya (prawdopodobnie wraz z Charlesem Mooneyem; żaden z nich nie jest uważany za rdzennych Amerykanów) 5 lipca 1894 r.
Zobacz też
Notatki
- Browner, Tara (2009), Muzyka Pierwszych Narodów: tradycja i innowacja w rdzennej Ameryce Północnej , University of Illinois Press, ISBN 9780252022210
- Crawford, Richard (2001). Życie muzyczne Ameryki . Nowy Jork: WW Norton & Company. ISBN 0-393-04810-1 .
- Herndon, Marcia (1980). Muzyka rdzennych Amerykanów . Norwood, Pensylwania: wydania Norwood.
- Oznacza, Andrew (2000). „Ha-Ya-Ya, Weya Ha-Ya-Ya!”. W Broughton, Szymon; Marka Ellinghama; Jamesa McConnachiego; Orla Duane (red.). Rough Guide to World Music: Tom 2, Ameryka Łacińska i Północna, Karaiby, Indie, Azja i Pacyfik . Londyn: Szorstkie przewodniki. ISBN 1-85828-636-0 .
- Nettl, Bruno (1956). Muzyka w kulturze prymitywnej . Wydawnictwo Uniwersytetu Harvarda.
- Nettl, Bruno (1965). Muzyka ludowa i tradycyjna kontynentów zachodnich . Prentice Hall.
- Wilson, Chesley Goseyun (1994). Kiedy Ziemia była jak nowa: pieśni i historie zachodnich Apache . Światowa prasa muzyczna. ISBN 0-937203-57-2 .
- Ellen Koskoff, wyd. (2001). The Garland Encyclopedia of World Music: tom 3, Stany Zjednoczone i Kanada . Nowy Jork i Londyn: Garland Publishing. ISBN 0-8240-6040-7 .
Dalsza lektura
- Piekarz, Teodor (1977). O muzyce Indian północnoamerykańskich . Nowy Jork: Da Capo Press. ISBN 9780306708886 .
- Keeling, R. (1997). North American Indian Music: przewodnik po opublikowanych źródłach i wybranych nagraniach . Garland Biblioteka Etnologii Muzycznej. ISBN 0-8153-0232-0 .
- Levine, Victoria Lindsay (2001). Pisanie muzyki Indian amerykańskich: transkrypcje historyczne, zapisy i aranżacje . Muzyka Stanów Zjednoczonych Ameryki (MUSA) obj. 11. Madison, Wisconsin: Wydania AR. ISBN 9780895794949 .
Linki zewnętrzne
- Notatki historyczne do wyboru 60 melodii Indian amerykańskich
- Hanksville - Indeks zasobów muzycznych rdzennych Amerykanów w Internecie
| Kontrola władz : Biblioteki narodowe |
|---|
