Historia muzyki Stanów Zjednoczonych (1900–1940)
| Ten artykuł jest częścią serii poświęconej |
muzyce Stanów Zjednoczonych |
|---|
 |
Muzyka w Stanach Zjednoczonych przeszła wiele zmian i zmian od 1900 do 1940 roku. Kraj przetrwał zarówno I wojnę światową , jak i Wielki Kryzys, zanim przystąpił do II wojny światowej w grudniu 1941 roku. Amerykanie ponieśli wielkie straty i trudności, ale znaleźli nadzieję i zachętę w muzyce. Gatunki i style obecne w tym okresie to muzyka rdzennych Amerykanów, blues i gospel, jazz, swing, muzyka cajun i kreolska oraz country. Stany Zjednoczone również czerpały inspirację z innych kultur i części świata dla własnej muzyki. Muzyka każdego regionu różniła się tak samo, jak ludzie. Czas wyprodukował także wielu wybitnych śpiewaków i muzyków, w tym postać jazzu Louis Armstrong , piosenkarka bluesowa i jazzowa Mamie Smith oraz piosenkarz country Jimmie Rodgers .
Rdzenni Amerykanie
Nowoczesne pow wow rdzennych Amerykanów powstały na przełomie XIX i XX wieku. Podczas gdy niektórzy twierdzą, że pow wow było integralną częścią czarnych kultur przez ponad 10 wieków, niektórzy współcześni analitycy uważają, że pow wow zostały wymyślone, aby przemawiać do turystów i miały tylko styczny związek z autentycznymi tradycjami rdzennych Amerykanów, które generalnie obracały się wokół ceremonialnego tańca muzykę taką jak Ghost Dance , Zuni Shalako , Navajo Yeibichai i Sun Dance of the Plains. Kościół rdzennych Amerykanów , założona na początku XX wieku, była ośrodkiem rozwoju rdzennych Amerykanów pieśni gospel i peyote , fuzji muzyki gospel i tradycyjnej, obracającej się wokół ceremonii, w których halucynogenny pejotl jest przyjmowany jako sakrament . W Arizonie i Meksyku , waila , czyli muzyka chicken scratch, powstała jako połączenie rodzimej muzyki Tohono O'odham z niemiecką polką i meksykańsko-amerykańskim norteño .
Jazz, blues, folk, country i gospel, muzyka z regionu Karaibów również na krótko stała się popularna w pierwszej połowie XX wieku. Calypso z Trynidadu , tango argentyńskie i merengue dominikańskie oraz inne style wywarły wpływ na amerykańską muzykę popularną. Muzyka hawajska (zwłaszcza gitara z luźnymi klawiszami ) cieszyła się wczesną modą w latach 1910-tych, wpływając na rozwijający się gatunek muzyki country (stąd źródło charakterystycznego dla współczesnego country brzmienia stalowej gitary ).
Wschodnioeuropejscy Żydzi wnieśli muzykę klezmerską do kultury amerykańskiej, a najwcześniejsze gwiazdy to Harry Kandel , Naftule Brandwein , Dave Tarras i Abe Schwartz . Kandel, klarnecista , przygotował grunt pod amerykański klezmer.
bluesa i gospel
Blues zaczął się w społecznościach wiejskich, głównie na południu. W latach dwudziestych wokalistki bluesowe , takie jak Mamie Smith („Crazy Blues”), zdominowały brzmienie tego gatunku. Dla większości białych Amerykanów te śpiewaczki były pierwszym kontaktem z czarną muzyką, czyli „muzyką wyścigową”, jak ją wówczas nazywano. W latach trzydziestych lokalne style bluesowe rozwinęły się w Memphis , Nowym Orleanie , na wybrzeżu środkowoatlantyckim , Teksasie , Kansas City i, co najważniejsze, w Chicago . Styl na fortepianie oparta na bluesie, boogie-woogie była przez krótki czas popularna wśród mainstreamowej publiczności i słuchaczy bluesa.
U szczytu Wielkiego Kryzysu muzyka gospel zaczęła być popularna dzięki ludziom takim jak Thomas A. Dorsey i Mahalia Jackson , którzy dostosowali chrześcijańskie hymny do struktur bluesowych i jazzowych. Do 1925 roku trzy główne style ewangelii stały się popularne wśród głównego nurtu odbiorców. Wędrowni kaznodzieje, tacy jak Blind Willie Johnson i Washington Phillips, wydali nagrania, które są teraz przedmiotami kolekcjonerskimi, ale wtedy były tylko marginalnie popularne. kwartety jubileuszowe takie jak Norfolk Jubilee Quartet i Golden Gate Quartet były popularne i wyrafinowane, ale najbardziej udaną formą ewangelii byli śpiewający kaznodzieje, tacy jak wielebny JM Gates, który z pasją śpiewał o strasznych konsekwencjach nieposłuszeństwa Bożym prawom.
Jazz
Jazz był bardziej miejski niż blues. Opierając się bardziej na instrumentacji, dźwięk był odpowiedni dla słuchaczy niezaznajomionych z konwencjami gatunku. Czerpał głównie z bluesa z Nowego Orleanu, ale zawierał także wpływy żydowsko-amerykańskich muzyków i kompozytorów, takich jak Benny Goodman i George Gershwin . W latach dwudziestych bary jazzowe stały się popularne wśród białych Amerykanów, zwłaszcza młodych. Podobnie jak w przypadku ragtime'u i większości głównych gatunków później, jazz był obwiniany za moralną degenerację młodzieży, która odwiedzała te bary i słuchała muzyki. Pomimo kontrowersji, jazz stał się dominującym brzmieniem kraju pod koniec lat dwudziestych w spopularyzowanych formach, które niektórzy nazywali rozwodnionymi, jak np. muzyka swingowa i big band . Chociaż te, podobnie jak właściwy jazz, były obwiniane za przestępstwa i wykroczenia, w latach trzydziestych XX wieku stały się głównym nurtem. W latach czterdziestych XX wieku czysty jazz zaczął zyskiwać na popularności wraz z bluesem, a artyści tacy jak Ella Fitzgerald („A-Tisket, A-Tasket”) i Billie Holiday („ Strange Fruit ”) odnieśli sukces w całym kraju.
Jazz nowoorleański był i pozostaje najbardziej wpływową formą jazzu korzeniowego. Główne podstawy tego stylu istniały już w 1900 roku lub trochę wcześniej, kiedy Nowy Orlean w Luizjanie produkował takich muzyków jak Buddy Bolden , Jelly Roll Morton i Kid Ory . Najbardziej charakterystyczną cechą nowoorleańskiego jazzu jest wpływ marszowych orkiestr dętych . Pierwsze nagrania tego gatunku zostały dokonane przez Original Dixieland Jass Band z 1917 roku. Lata dwudzieste XX wieku przyniosły trąbkę i kornet liderów, takich jak Louis Armstrong i Joe „King” Oliver , grających na trąbce głoszącej melodię oraz harmonie i kontrmelodie pochodzące z klarnetu lub puzonu. Sekcja rytmiczna zazwyczaj obejmowała tubę lub bas , fortepian , banjo lub perkusję . W tym okresie zespoły były standardowe, w przeciwieństwie do wielu późniejszych osiągnięć jazzu. Jednak w latach trzydziestych XX wieku nowsze formy pop-jazzu, takie jak muzyka swingowa a Dixieland wyprzedził autentyczny jazz w stylu Nowego Orleanu wśród mainstreamowej publiczności.
Dixieland jazz to odmiana jazzu , która powstała w latach dwudziestych XX wieku w Chicago . Muzycy starali się ożywić autentyczny, klasyczny nowoorleański jazz . W latach czterdziestych muzycy odrodzenia Dixielandu, tacy jak Jimmy McPartland , Eddie Condon i Bud Freeman, stali się dobrze znani i ustanowili swój własny, niepowtarzalny styl. Najbardziej charakterystyczne jest to, że gracze wchodzili w solówki przeciwko riffom innych waltorni, po czym następowało zamknięcie z perkusistą grającym czterotaktowy tag, na który następnie odpowiedziała reszta zespołu.
W 1917 roku Original Dixieland Jazz Band wydał „ Livery Stable Blues ”, o którym często mówi się, że jest to pierwsze nagranie jazzowe. Gatunek ten z pewnością istniał przed 1917 rokiem, ale możliwości nagrywania były marne. Buddy Bolden , kornecista z Nowego Orleanu, nigdy nie nagrał swojego wpływowego podejścia do jazzu. Na początku lat 20. nagrywali Kid Ory , King Oliver , Sidney Bechet , Jelly Roll Morton i Bessie Smith . King Oliver obejmował młodego kornecistę Louisa Armstronga na swoich płytach jako drugi kornet. Armstrong wkrótce przeniósł się do Chicago, pracował z Fletcherem Hendersonem , Bessie Smith i Clarence'em Williamsem i ostatecznie rozpoczął pracę jako lider zespołu w 1925 roku. Jazz właśnie osiągnął swój pierwszy szczyt popularności głównego nurtu w 1924 roku, dzięki nagraniom Paula Whitemana .
Wraz z Wielkim Kryzysem wielu muzyków z biednych, wiejskich stanów południowych, takich jak Luizjana, przeniosło się na północ, zwłaszcza z Nowego Jorku i Chicago , wśród nich był Louis Armstrong, który pomógł uczynić Chicago centrum muzycznych innowacji w kraju, zanim przeniósł się do Nowy Jork, gdzie kwitły kluby takie jak Cotton Club , Village Vanguard i Minton's .
Połowa lat trzydziestych była szczytem swingu big-bandowego , a artyści tacy jak Charlie Barnet , Chick Webb i Benny Goodman awansowali do rangi cenionych liderów zespołów. W tym okresie pojawili się soliści, wywołując wśród fanów histeryczne reakcje.
Huśtać się
Swing był popową formą jazzu, której korzenie sięgają 1923 roku, kiedy Fletcher Henderson zaczął powiększać zespoły jazzowe. Dodano całe nowe sekcje, a Henderson stworzył muzykę o większym zasięgu i fakturze. W tym samym okresie Duke Ellington podobnie rozwijał swoje stosunkowo małe zespoły jazzowe, a obie grupy nagrywały nagrania już w 1931 roku. Jead Goldkette i Ben Pollack byli również wczesnymi wpływowymi afroamerykańskimi muzykami swingowymi, a po nich pojawił się jeszcze bardziej zorientowany na taniec swing. zespoły prowadzone przez Jimmiego Lunceforda , Earla Hinesa , Don Redman , Count Basie , Glen Gray , Dorsey Brothers , Bob Crosby , Luis Russell , Andy Kirk , Glenn Miller i Benny Carter .
Muzyka cajun i kreolska
Współczesna muzyka Cajun zaczęła się rozwijać w latach dwudziestych XX wieku, czerpiąc z tradycyjnych skrzypków i bardziej nowoczesnych akordeonistów. Joe i Cléoma Falcon dokonali pierwszego nagrania „Allons à Lafayette” w 1928 roku. Piosenka była regionalnym hitem, który utorował drogę bratu Cleomy, „ Jolie Blonde ” Amédée Breaux , obecnie często uważanej za hymn narodowy Cajun . Amede Ardoin , czarnoskóry mężczyzna, szybko stał się jednak najpopularniejszą gwiazdą Cajun. Ludność kreolska Luizjany, składająca się z mieszanego pochodzenia afrykańskiego, francuskiego i anglosaskiego, rozwinęła formę muzyki tanecznej znaną jako la la . Canray Fontenot był prawdopodobnie najbardziej wpływowym wykonawcą la la.
W latach trzydziestych XX wieku w Luizjanie odkryto ropę naftową , a Anglos masowo przybywali do tego stanu. Kultura Cajun była oczerniana i ograniczana, a muzyka dawna i zachodni swing stały się głównymi wpływami na muzykę Cajun. The Hackleberry Ramblers i Harry Choates Luderina Darbone byli awangardą tej nowej fali muzyki Cajun, która zawierała angielskie teksty i gładki styl. W latach czterdziestych XX wieku rozpoczęło się odrodzenie tradycyjnej muzyki Cajun, kierowane przez Iry'ego LeJeune'a , którego 1948 „La valse du pont d'amour” jest uważany za przełom w tej dziedzinie.
Muzyka country
Muzyka country ewoluowała w podobny sposób jak folk, ale odniosła znacznie większy sukces w mainstreamie. Zespoły Jug i inne wpływy (w tym hawajska gitara stalowa , folk i country blues ) połączyły się w latach trzydziestych XX wieku w rozwoju honky tonk , surowej formy muzyki country.
Na początku wieku biali wieśniacy z Appalachów byli znani jako wieśniacy , a ich muzykę wkrótce zaczęto nazywać muzyką wieśniaków . Kościoły protestanckie, takie jak Old Regular Baptists i Holyiness Pentecostal , używały muzyki podczas swoich nabożeństw i był to jeden z największych wpływów na muzykę wieśniaków.
Muzyka Hillbilly nie była szeroko nagrywana aż do lat dwudziestych XX wieku. Bristol , miasto na granicy Wirginii i Tennessee , było miejscem dwutygodniowej sesji nagraniowej w 1927 roku, która doprowadziła do odkrycia dwóch największych nazwisk w muzyce hillbilly: The Carters i Jimmie Rodgers . The Carters byli trio grającym na autoharfie i gitarze , z czystym, mocnym wokalem i harmonią, podczas gdy Rodgers śpiewał bardziej światową, inspirowaną bluesem muzykę, którą nazwano country blues . Rodgers sprzedał miliony płyt w latach trzydziestych XX wieku. W tym okresie muzyka wieśniaków stała się wielkim biznesem, a muzycy zaczęli promować produkty, a także dodawać nowe instrumenty, takie jak skrzypce , banjo , mandoliny i hawajska gitara stalowa . Inni ważni muzycy tej epoki to Gid Tanner & the Skillet Lickers oraz Charlie Poole & the North Carolina Ramblers .
W latach czterdziestych XX wieku duety braci, w których dwóch braci śpiewało harmonijnie z precyzją i klarownością, stały się popularne i były znane jako ścisła harmonia . The Blue Sky Boys , Del-more Brothers, Monroe Brothers, a zwłaszcza Louvin Brothers , byli najpopularniejszymi duetami braci.