Historia muzyki Stanów Zjednoczonych w epoce kolonialnej

Historia kolonialna Stanów Zjednoczonych rozpoczęła się w 1607 roku wraz z kolonizacją Jamestown w Wirginii . Muzyka wszystkich gatunków i źródeł pojawiła się, gdy Stany Zjednoczone zaczęły się formować. Od rdzennej muzyki duchowej po afrykańskie banjo , muzyka w Stanach Zjednoczonych jest tak różnorodna, jak jej mieszkańcy. W Nowej Anglii muzyka była bardzo religijna i była niezwykle ważna w powstaniu muzyki amerykańskiej. Migracja ludzi na południe doprowadziła do zasiedlenia Appalachów . Tam wielu biednych Europejczyków zamieszkało i przywiozło country blues i skrzypce . Wraz z rozprzestrzenianiem się muzyki hymny religijne były nadal tak samo popularne. Pierwsza New England School , Shakers i Quakers , które wszystkie były grupami muzycznymi i tanecznymi inspirowanymi religią, zyskały sławę. W 1776 roku Towarzystwo Muzyczne św. Cecylii zostało otwarte w prowincji Karolina Południowa i doprowadziło do otwarcia wielu innych stowarzyszeń w północnych Stanach Zjednoczonych . Afrykańscy niewolnicy zostali sprowadzeni do Stanów Zjednoczonych i wprowadzili do świata muzyki instrumenty takie jak ksylofon , bębny i banjo. Zróżnicowana muzyka Stanów Zjednoczonych pochodzi od różnorodnych ludzi, którzy jako pierwsi skolonizowali ten kraj.

Muzyka tubylcza

Rdzenni Amerykanie w Stanach Zjednoczonych nie mieli rdzennych tradycji muzyki klasycznej ani świeckiej tradycji pieśni. Ich muzyka ma charakter duchowy, wykonywana zwykle w grupach w rytualnej oprawie ważnej dla religii rdzennych Amerykanów .

Dopiero w latach 90. XIX wieku muzyka rdzennych Amerykanów zaczęła pojawiać się w amerykańskim establishmentu. W tym czasie powstawały pierwsze pan-plemienne elementy kulturowe, takie jak powwows , a kompozytorzy tacy jak Edward MacDowell i Henry Franklin Belknap Gilbert wykorzystywali w swoich kompozycjach motywy tubylcze. Jednak dopiero znacznie późniejsza praca Arthura Farwella , świadoma reprezentacja muzyki rdzennej została wprowadzona na amerykańską scenę klasyczną, część ruchu indyjskiego .

Muzyka ludowa z Appalachów

Appalachy od dawna są ośrodkiem innowacji kulturowych, pomimo rzadkiego osadnictwa zarówno rdzennych Amerykanów, jak i Europejczyków . Ze względu na złożone przyczyny geologiczne góry i podpasma były trudne do przekroczenia i obejmowały grzbiety niezdatnego do zamieszkania kwarcu zmieszanego z dolinami gleby nieodpowiedniej dla rolnictwa . W rezultacie imigracja Europejczyków i ich afrykańskich niewolników odbywała się zwykle w kierunku południowym, wzdłuż Piemontu obszar, a region Appalachów był zamieszkany przez biednych Europejczyków. Ci Europejczycy byli pochodzenia angielskiego, szkocko-irlandzkiego, niemieckiego i hugenotów. Osada ta miała miejsce głównie w latach 1775-1850.

Angielskie, anglo-irlandzkie i pograniczne melodie i ballady nadal ewoluowały od swoich odległych korzeni wzdłuż Appalachów, ostatecznie tworząc główną podstawę dla jug bandów , country bluesa , muzyki hillbilly i mieszanki innych gatunków, które ostatecznie stały się muzyką country . Te melodie ludowe przejęły cechy z wielu źródeł, w tym brytyjskich ballad burtowych (co zmieniło ich motywy z miłości na wyraźnie amerykańskie zaabsorbowanie męskimi pracami, takimi jak górnictwo lub sensacyjne katastrofy i morderstwa), afrykańskie melodie ludowe (i ich liryczne skupienie się na wydarzeniach półhistorycznych) oraz pokazy minstreli i sale muzyczne . Do popularnych ballad należały „ Barbara Allen ” i „ Matty Groves ”. Banjo zostało również wprowadzone, przechodząc przez liczne ruchy geograficzne od czasu jego wynalezienia przez Arabów i późniejszych podróży przez Afrykę, Atlantyk i obie Ameryki.

Barbary Allena

Nagranie tej piosenki z więzienia stanowego na Florydzie.

Masz problemy z odtwarzaniem tego pliku? Zobacz pomoc dotyczącą multimediów .

Błahy

Style skrzypiec z Appalachów wywodzą się głównie z tych przywiezionych do kolonii przez angielskich osadników. Często twierdzi się, że „Scotch snap” spopularyzowany przez Niela Gowa wpłynął na grę na skrzypcach w Appalachach; jednak według historyka Michaela Newtona nie jest to prawdą. Newton twierdził, że angielskie, szkockie, irlandzkie i amerykańskie style gry na skrzypcach rozwinęły się mniej więcej w tym samym czasie i bardziej przypominają siebie nawzajem „kulturowych kuzynów”. Technika Appalachów została zmieniona w następnym stuleciu, przy czym największy wpływ miały europejskie walce i polki . Tańce kwadratowe , oparty na kotylionie i Cakewalks , Afroamerykanie imitujący białe tańce i Virginia Reel, powstały w XIX wieku.

Wyłożona hymnodia

Wykładana hymnodia, religijny styl muzyczny utrwalony przez starych regularnych baptystów , prymitywnych baptystów i innych, jest często badany i klasyfikowany jako muzyka ludowa. Zobacz Old Regular Baptist, Lined-Out Hymnody .

Muzyka kolonialna Nowej Anglii

Religijne tradycje śpiewu Nowej Anglii odegrały ważną rolę we wczesnej ewolucji muzyki amerykańskiej. Począwszy od Pielgrzymów , którzy przywieźli ze sobą Psałterz z Ainsworth do Nowego Świata, hymny kościelne były popularne w całym regionie. Zwykli mieszkańcy Nowej Anglii wkrótce rozwinęli własne tradycje, które niektórzy postrzegali jako zdegenerowane i rozwiązłe.

Tradycje chóralne Nowej Anglii

Oryginalni imigranci purytańscy do Nowej Anglii śpiewali wiele duchowych psalmów , ale ogólnie nie lubili muzyki świeckiej, a przynajmniej tych odmian, które uważali za zachęcające do niemoralności i nieładu. Sprzeciwiali się również używaniu instrumentów muzycznych w kościołach i złożonej liturgii wokalnej, które są kojarzone z katolicyzmem . Znany pastor Cotton Mather napisał w Instrukcji dla kandydata do ministerstwa na ten temat:

Jeśli chodzi o MUZYKĘ, nie wiem, jak dobrze na co dzień. — Rób, co ci się podoba. Jeśli masz na to ochotę, nie zabraniam. Tylko nie rób ze względu na to, zbytniego odseparowania swojego czasu od spraw ważniejszych. Może tak być, abyście lepiej służyli swojemu BOGU, dla Pokrzepienia Tego, który potrafi dobrze grać na instrumencie. Jednak osiąganie sukcesów w regularnym śpiewaniu jest dla ciebie rzeczą przydatną na co dzień. Albowiem nie wyobrażam sobie dnia bez Śpiewania, ale jednocześnie melodii w Twoim Sercu dla Pana;...

Psałterz z Ainsworth dostarczał większości melodii używanych w muzyce kościelnej Nowej Anglii aż do końca XVII wieku, kiedy kongregacje porzuciły Psałterz, twierdząc, że melodie są zbyt złożone i trudne do zaśpiewania.

The Bay Psalme Book ( Cała Księga Psalmów wiernie przetłumaczona na angielski metr ) została opublikowana w Cambridge, Massachusetts w 1640 roku; była to pierwsza książka jakiegokolwiek rodzaju wydrukowana w angielskich koloniach Ameryki Północnej. Stał się standardem używanym przez kościoły w Nowej Anglii przez wiele lat, chociaż sam w sobie nie zawierał muzyki, a jedynie dostarczał psalmów i wskazywał czytelnikom inne wybitne publikacje. Bay Psalm Book był wierny swojemu źródłu, ale nie wydał pięknego śpiewu. Henry Dunster obszernie poprawił trzecie wydanie i Richard Lyon, i stał się znany jako Księga Psalmów Nowej Anglii; stało się to standardem na wiele lat. W 1698 r. ukazało się dziewiąte wydanie i po raz pierwszy zastosowano zapis drukowany. W tym momencie ewolucja od Psałterza z Ainsworth do Psalmu Nowej Anglii stale zmniejszała liczbę używanych melodii.

Praktyka podszewki była często powszechna, chociaż jej obecność i użyteczność zależała od stopnia analfabetyzmu występującego w zborze - ogólnie analfabetyzm był powszechny, podobnie jak podszewka. Był to proces polegający na tym, że prowadzący prezentował jedną linijkę piosenki, a następnie zachowywał pierwszą nutę, aby zgromadzeni odpowiadali tą samą linijką. Technika ta była również powszechna w kościołach Appalachów, takich jak regularni baptyści z Kentucky.

Organy i narodziny kapeli kościelnej

Organy były jedynym instrumentem używanym w muzyce kościelnej w tamtych czasach i nawet to nie obyło się bez kontrowersji. W epoce kolonialnej w kościołach kalwińskiej - w tym w większości purytańskich domów spotkań - podczas nabożeństw dozwolone było tylko śpiewanie bez akompaniamentu. Rzeczywiście, po śmierci Thomasa Brattle'a , skarbnika Harvard College w 1713 roku, przekazał swoje organy kościołowi Brattle Square w Bostonie, ale kościół (który założył) nie uznał tego za stosowne i przekazał je King's Chapel , który był anglikaninem . Mimo to organy były używane w innych kościołach w Nowej Anglii. Pierwsze organy, o których mówi się, że zostały zaprojektowane do użytku kościelnego, zostały zainstalowane w Newport w stanie Rhode Island w 1733 roku. Organy były jednak drogie i trudne do grania. Tylko największe kościoły mogły sobie pozwolić na organy i organistę, a tak wiele używało bardziej przenośnych instrumentów, takich jak skrzypce basowe, które nazywano „bożymi skrzypcami”, aby odróżnić je od bardzo oczernianych „diabelskich skrzypiec” (skrzypce). Później inne instrumenty, takie jak ophicleide , puzon , kornet , flet niemiecki , dodano fagot , skrzypce i klarnet , dając początek kapeli kościelnej.

Świecka muzyka ludowa

Chociaż od dawna przypuszczano, że religijna niechęć do muzyki świeckiej hamuje instrumentalną muzykę ludową w Nowej Anglii, ostatnie badania Barbary Lambert, skupione na okolicach Bostonu, pokazują coś innego. Nagrane instrumenty będące własnością osobistą obejmowały cytrę , wirginały , klarnet sopranowy , fagot , trąbkę , fife , flet , skrzypce i skrzypce oraz fajkę Mrs. Healy .

Pomimo pewnej wrogości ze strony ministrów, takich jak Improve Mather , muzyka taneczna była popularna w epoce kolonialnej Nowej Anglii, zwłaszcza na początku XVIII wieku, kiedy miejscowa ludność rozkwitła wraz z napływem większej liczby osadników.

Znane były również ballady burtowe . Podobnie jak w przypadku muzyki brytyjskiej , były to drukowane piosenki wykonywane do dobrze znanej melodii i zawierały ballady graniczne, takie jak The Ballad of Chevy Chase .

Chociaż w źródłach pierwotnych jest wiele odniesień do ówczesnej muzyki ludowej, praktycznie wszystkie zostały napisane przez tych, którzy potępili te piosenki jako nieokrzesane. W związku z tym niewiele jest obiektywnie wiadomo. Istniało rozróżnienie między stylem „Regular Singing” gorliwych reformatorów, głównie duchownych wykształconych na Harvardzie, a „Common Way” ludu. Wśród reformatorów byli wybitni duchowni, tacy jak Thomas Walter i Nathaniel Chauncey, z których wielu uważało ich styl „zwykłego” śpiewu za bardziej wyrafinowany i bardziej pobożny. Dowody wskazują jednak, że muzyka zwykłych ludzi była bardziej złożona, wykorzystując techniki takie jak ornamentyka .

Powstawanie szkół i stowarzyszeń promujących regularne śpiewanie pomogło w rozpowszechnieniu tej praktyki, wydano podręczniki.

Dziedzictwo Johna Wesleya i rozprzestrzenianie się na południe

W XVIII wieku Amerykanie skomponowali wiele własnych hymnów, często opartych na Starym Testamencie ; bardzo popularny był także angielski nonkonformista Isaac Watts , zwłaszcza jego Hymny i pieśni duchowe . John Wesley , założyciel Kościoła Metodystów , odegrał główną rolę w odrodzeniowej hymnodii po podróży do Georgii w 1735 roku na zaproszenie Jamesa Oglethorpe'a . Wesley i jego brat Charles Wesley udali się z Oglethorpe i dwudziestoma sześcioma morawskimi misjonarzami . Morawski śpiew zainspirował Johna Wesleya do studiowania ich muzyki. Wydał zbiór przekładów niemieckich hymnów w 1737 r., A Collection of Psalms and Hymns , po czym wrócił do Anglii w 1738 r., Uczestnicząc w spotkaniach Braci Morawskich w Londynie. Tam, podczas czytania Lutra do Listu do Rzymian , Wesley przeżył duchowe doświadczenie i odkrył, że jego wiara w Chrystusa została odmłodzona.

Wielkie Przebudzenie

Po powrocie do Ameryki Wesley stał się ważnym kaznodzieją w powstaniu żarliwego chrześcijaństwa zwanego Wielkim Przebudzeniem , wraz z między innymi George'em Whitefieldem i Jonathanem Edwardsem . Wesley i jego brat zaczęli pisać wiele hymnów, początkowo tylko słów, a następnie z muzyką zaczynającą się od kolekcji zwanej zwykle Kolekcją Foundery .

Wesley i kilku innych kaznodziejów walczyło z upiększaniem jego hymnów. W 1761 roku zbiór Wesleya Select Hymns, with Tunes Annext: Designed Głównie for Use of the People Called Methodists, nakazał śpiewakom podążanie za melodiami „dokładnie tak, jak wydrukowano” i „śpiewanie w melodii”; oba kierunki były niepraktyczne, ponieważ większość wiernych prawdopodobnie nie potrafiła czytać nut ani grać melodii.

Niemniej jednak Wielkie Przebudzenie (i inne style hymnów z Nowej Anglii) rozprzestrzeniły się na południe i zmieniły się od surowych formuł Wesleya. John Cennick (znany z szeroko rozpowszechnionych hymnów, takich jak „Jesus My All to Heaven Is Gone”) i John Newton to prawdopodobnie dwie najważniejsze osoby w tworzeniu hymnów z czasów Wielkiego Przebudzenia, które śpiewano na spotkaniach obozowych . Te hymny, śpiewane na dużych zgromadzeniach, zwłaszcza na południu , stanowiły podstawę dla gospel i bluesa pod koniec XIX i na początku XX wieku. Niektóre z wspólnych cech obejmowały innowację hymnów śpiewanych jako dialog przez Cennicka, a także Newtona, byłego handlarza niewolnikami, który nawrócił się po przeczytaniu The Imitation of Christ Thomasa à Kempis , który napisał ponad dwieście hymnów opartych na jego własnych doświadczeniach zmaganiu się z grzechem i okazał się niezwykle popularny.

Pierwsza szkoła w Nowej Anglii

W porównaniu ze starszymi piosenkami Wesley i inni nowi kompozytorzy pisali o prostej strukturze. Rolnicy i robotnicy wiejscy rozwinęli te struktury, tworząc złożone piosenki, na które bezskutecznie narzekali niektórzy konserwatyści muzyczni. W tym kontekście pojawiła się fala wędrownych mistrzów śpiewu, w tym Williama Billingsa , tworzących hymny, które pozostają standardem w całym kraju. Pole to nazwano Pierwszą Szkołą Nowej Anglii . Pionierskimi śladami Billingsa byli Supply Belcher , Andrew Law , Daniel Read , Jacob Kimball , Jeremiah Ingalls , John Wyeth , James Lyon , Oliver Holden , Justin Morgan i Timothy Swan .

Pierwsza szkoła w Nowej Anglii jest zwykle uważana za pierwszy wyjątkowo amerykański wynalazek muzyczny. Najbardziej charakterystyczną cechą było to, że głosy, odpowiednio męski i żeński, podwajały swoje głosy w każdej oktawie, aby wypełnić harmonię; wygenerowało to fakturę akordów z bliskiej pozycji, nieznaną w tradycjach europejskich.

Szczególne znaczenie i popularność miał William Billings. Pochodzący z Bostonu Billings był z zawodu garbarzem i był głównie samoukiem muzycznym. Nie zawsze przestrzegał standardowych zasad kompozycji w swoich utworach i dlatego został nazwany „pierwszym amerykańskim kompozytorem, który mocno podkreślał niezależność twórczą i obnosił się ze swoimi osobistymi dziwactwami zarówno w swojej muzyce, jak i (zwłaszcza) w publikowanych pismach”. W 1774 roku uczył słynnej szkoły śpiewu w Stoughton w stanie Massachusetts. Kilku śpiewaków założyło później Stoughton Musical Society , organizację chóralną składającą się z 25 mężczyzn.

Szczególnie znany jest również Supply Belcher, urodzony w Stoughton w stanie Massachusetts , choć później mieszkający w Farmington w stanie Maine . Jego jedynym opublikowanym śpiewnikiem był The Harmony of Maine z 1794 roku , który zawierał hymny, utwory fuging, psalmy i hymny, z których wiele było świeckich. Jego piosenki były wyraźnie folkowe i przyziemne. Jego rówieśnik Daniel Read , muzyk urodzony w Massachusetts, który później przeniósł się do New Haven w stanie Connecticut , był popularnym muzykiem, który utrzymywał się prawie wyłącznie ze sprzedaży śpiewników. Jego pierwsza publikacja nosiła tytuł Amerykańska książka śpiewu; lub Nowy i łatwy przewodnik po sztuce Psalmodii opracowany na użytek szkół śpiewu w Ameryce . Tytułowe użycie psalmodii odnosi się tutaj do towarzystw śpiewaczych, które rozprzestrzeniały się po całym kraju i jest używane bez konotacji religijnych.

Billings, Belcher i Read byli początkiem łańcucha kompilatorów melodii, który stawał się coraz bardziej świecki, gdy sztuka psalmodii straciła swoje religijne znaczenie. Inni kompilatorzy urodzeni w Massachusetts poszli w ich ślady, począwszy od Jeremiaha Ingallsa z Newbury w stanie Vermont . Ich piosenki były na ogół fugami i były odrzucane przez władze religijne. Andrzej Law był również ważnym kompilatorem; uważał, że muzyka amerykańska powinna bardziej przypominać europejską i jest najbardziej znany z organizowania szkół śpiewu i śpiewników. Ponadto skomponował kilka znanych piosenek i wynalazł rodzaj notacji muzycznej zwanej nutą kształtową .

Shakery

Shakers, czyli Zjednoczone Towarzystwo Wierzących w Drugie Pojawienie się Chrystusa , było religią założoną niedaleko Manchesteru w Anglii w połowie XVIII wieku i zyskało na znaczeniu pod przywództwem Ann Lee (Matka Ann). Lee urodziła się biedna i jako dziecko pracowała w fabryce bawełny, zanim jej rodzice wydali ją za kowala. Po urodzeniu czworga dzieci, z których wszystkie zmarły w niemowlęctwie, matka Anna zaczęła postrzegać stosunek seksualny jako zło. Celibat stał się integralną częścią jej religii. Została uwięziona za zakłócanie szabatu w 1772 roku. ^{[ Potrzebne źródło ]} Dwa lata później Shakers zaczął przenosić się do Ameryki Północnej, osiedlając się w Nowej Anglii i na południe aż do Nowego Jorku. Rytuały zaprojektowane przez Matkę Ann, które, jak twierdziła, widziała w wizjach, obejmowały namiętne tańce, które stanowiły część bitwy między świętymi Shakerami a diabłem i ciałem. ^{[ potrzebne źródło ]} Chociaż ich dziwne zwyczaje i brytyjskie maniery wywołały pewną wrogość wśród kolonistów, jako że wojna o niepodległość Stanów Zjednoczonych warzyło się, liczba Shakerów rosła i ostatecznie rozprzestrzeniła się na południe aż do Kentucky. Chociaż Matka Ann zmarła w 1784 roku, tradycje Shakerów przetrwały. Ich najbardziej znaną piosenką taneczną jest Simple Gifts , wykorzystana przez Aarona Coplanda w jego partyturze do baletu Appalachian Spring .

europejscy profesjonaliści

W 1766 roku Charlestown (Charleston) w Karolinie Południowej stało się siedzibą Towarzystwa św. Cecylii , pierwszego towarzystwa muzycznego w Ameryce Północnej. W tym czasie Charleston było ośrodkiem kulturalnym, przyciągającym wielu muzyków z Europy. W dziesięcioleciach po rewolucji bardziej północne miasta, takie jak Filadelfia, Nowy Jork i Boston, w dużej mierze zajęły miejsce Charlestona. Filadelfia, dom cenionego Alexandra Reinagle , Johna Christophera Mollera , Raynera Taylora i Susannah Haswell Rowson , był szczególnie znany z rozwoju muzycznego. Reinagle stał się najbardziej wpływową postacią w życiu muzycznym Filadelfii, organizując szereg koncertów, organizacji i wydarzeń muzycznych.

Szczególnie godny uwagi był angielski piosenkarz Benjamin Carr . Przybył do Nowego Jorku w 1793 roku wraz z bratem i ojcem. Wkrótce stali się wybitnymi wydawcami i sprzedawcami muzycznymi, posiadającymi sklepy w Nowym Jorku, Filadelfii i Baltimore. Sam Carr był kompozytorem, organistą, pianistą oraz wydawcą i redaktorem. Opublikowali w Filadelfii „Marsz Prezydenta” w 1793 r .; napisany przez Philipa Phile'a „The President's March” jest jedną z najtrwalszych amerykańskich pieśni patriotycznych. Marsz został wkrótce upolityczniony, przyjęty przez federalistów jako pieśń rajdowa.

Brytyjczyk James Hewitt był jednym z najwybitniejszych muzyków wczesnej historii Ameryki. Już przed wyjazdem za Atlantyk był znany w Londynie w towarzystwie belgijskiego kompozytora i skrzypka Jeana Gehota. Hewitt zadomowił się w Nowym Jorku, organizując koncerty i inne wydarzenia muzyczne. Jego opera Tammany; lub The Indian Chief stał się kontrowersyjny po swoim pierwszym występie. Była to pierwsza amerykańska opera, która miała do czynienia z rdzennymi Amerykanami i była sponsorowana przez New York Tammany Society, antyfederalistyczne organizacja. W rezultacie Hewitt był celem wielu inwektyw ze strony federalistów.

Angielski organista, chórmistrz i kompozytor William Selby był ważną postacią w życiu muzycznym Bostonu, wraz z holenderskim organistą, skrzypkiem i kompozytorem Peterem Albrechtem van Hagenem oraz niemieckim oboistą Johannem Christianem Gottliebem Graupnerem .

Dżentelmeni kompozytorzy amatorzy

Do wielkich ośrodków miejskich środkowego Atlantyku należały miasta takie jak Filadelfia i Baltimore, i to tam najlepiej reprezentowane były europejskie tradycje klasyczne. Philip Phile , Johann Friedrich Peter i Alexander Reinagle byli wybitnymi kompozytorami tamtej epoki, choć Francis Hopkinson , sygnatariusz Deklaracji Niepodległości z Filadelfii pozostaje najbardziej znanym. Jedna z jego kompozycji, „My Days Have Been So Wondrous Free”, jest dobrze pamiętana jako pierwsza piosenka artystyczna ze Stanów Zjednoczonych (choć jest to kwestionowane); brakuje mu jednak oryginalności i innowacyjności, aby odróżnić go od kompozycji europejskich.

W tamtych czasach zawodowi muzycy byli pogardzani i uważani za grubiańskich. Dżentelmeni wykonawcy grali często, głównie dla innej arystokratycznej publiczności i bez wynagrodzenia. Wraz z rozwojem Stanów Zjednoczonych południe stało się krajem głębokich podziałów społeczno-ekonomicznych. Własność ziemska i posiadanie niewolnictwa stały się integralną częścią życia dżentelmena, podczas gdy na północy idea arystokracji ziemskiej nigdy nie miała takiego znaczenia.

Lowella Masona

Być może najbardziej wpływowym wczesnym kompozytorem był Lowell Mason . Pochodzący z Bostonu Mason prowadził kampanię przeciwko używaniu notacji kształtu i na rzecz edukacji w standardowej notacji. Współpracował z lokalnymi instytucjami, aby wydawać zbiory hymnów i utrzymać swoją pozycję. W przeciwieństwie do tradycji nut kształtowych, Mason pchnął muzykę amerykańską w kierunku europejskiego modelu.

Wiejska muzyka z Pensylwanii

Wiejska Pensylwania w epoce kolonialnej była domem dla mniejszości religijnych, takich jak kwakrzy , a także ważnych społeczności morawskich i luterańskich . Podczas gdy kwakrzy mieli niewiele tradycji muzycznych, kościoły protestanckie często szeroko wykorzystywały muzykę w kulcie JF Peter wyłonił się z tradycji morawskiej, podczas gdy Conrad Beissel (założyciel Klasztoru Ephrata ) wprowadził innowacje we własnym systemie teorii harmonicznej. Luterańskie tradycje Jana Sebastiana Bacha , Buxtehudego , Johann Pachelbel i Walther byli propagowani w Pensylwanii, a miasto Betlejem do dziś pozostaje centrum luterańskich tradycji muzycznych.

Mennonici

Menonici, wyznawcy Menno Simonsa , osiedlili się w Germantown po emigracji z niemieckiego Palatynatu i Szwajcarii w latach 1683-1748. Na ich czele stał Willem Rittinghuysen (dziadek astronoma i matematyka Davida Rittenhouse'a ). Mennonici korzystali ze śpiewnika z Schaffhausen , przedrukowanego w Germantown w 1742 r. jako Der Ausbund Das ist etliche schöne christliche Lieder .

Klasztor Efrata

Klasztor Ephrata ( Społeczność Samotników ) został założony w hrabstwie Lancaster nad rzeką Cocalico w 1720 roku. Była to grupa Baptystów Dnia Siódmego kierowana przez Petera Millera i Conrada Beissela , którzy wierzyli w wykorzystywanie muzyki jako integralnej części cześć. Beissel skodyfikował wyjątkową tradycję klasztoru Ephrata w swojej rozprawie Beissela o harmonii ; tutaj podzielił notatki na dwa rodzaje. Byli to mistrzowie , czyli nuty należące do wspólnego akordu, oraz słudzy lub wszystkie inne notatki. Akcentowane sylaby w utworach Beissela zawsze padały na nuty mistrzowskie, pozostawiając nuty służące dla sylab bez akcentu. Księga hymnów klasztoru Ephrata była duża i zawierała ponad 1000 hymnów, z których wielu towarzyszyły instrumenty, w tym skrzypce. Wiele z tych hymnów zostało opublikowanych w latach czterdziestych i pięćdziesiątych XVIII wieku.

Kościół Morawski

Założony w 1457 r. Kościół Morawski pierwotnie obejmował Morawy , Polskę i Czechy , zanim prześladowania zmusiły pozostałych wiernych do Saksonii , gdzie żyli pod opieką hrabiego Nikolausa Ludwiga von Zinzendorf . Zinzendorf napisał hymny i poprowadził Morawian do Ameryki, gdzie rozpoczęli pracę misyjną w Gruzji, ale z niewielkim sukcesem. Przenieśli się do Pensylwanii i założyli miasto Betlejem nad brzegiem rzeki Lehigh . Następnie grupa wyjechała do Salem w Północnej Karolinie (obecnie część Winston-Salem ).

Zarówno w Salem, jak i Betlejem Morawianie nadal używali muzyki podczas swoich ceremonii. Instrumenty obejmowały organy i puzony, a głosy były zwykle w chórach. Gracze na ogół grali na dachach przy każdej okazji, zapewniając, że będą słyszani z dużych odległości. Powstała legenda głosząca, że grupa wojowników rdzennych Amerykanów zbliżyła się do osady morawskiej podczas wojny francusko-indyjskiej , ale opuściła ją po usłyszeniu chóru puzonów, ponieważ wierzyli, że to głos ich Wielkiego Ducha. Morawianie byli oddani pracy misyjnej, zwłaszcza wśród afrykańskich niewolników i rdzennych Amerykanów; w 1763 r. wydali zbiór hymnów w j Język Delaware .

Morawianie mieli również tradycję świeckiej muzyki artystycznej, do której należał słynny kompozytor Johann Friedrich Peter , Niemiec urodzony w Holandii, który wyemigrował do Betlejem w 1770 r. Przywiózł ze sobą kopie kompozycji Josepha Haydna , Johanna Christopha Friedricha Bacha , Johanna Stamitz i CF Abel . Po pewnym czasie pobytu w Betlejem Piotr przeniósł się do Salem, gdzie założył Collegium Musicum (w 1786 r.) i zgromadził setki symfonii, hymnów i oratoriów. W tym okresie Piotr skomponował także szereg cenionych utworów instrumentalnych na dwoje skrzypiec, dwie altówki i wiolonczelę; komponował także sakralne hymny, takie jak „It Is a Precious Thing” i arie, takie jak „Pan jest w swojej świętej świątyni”.

Kościół Morawski nadal wydawał wielu znanych kompozytorów do XIX wieku, w tym Johna Antesa , a także Francisa F. Hagena, Johanna Christiana Bechlera , Edwarda W. Leinbacha, Simona Petera , Davida Moritza Michaela , Georga Gottfrieda Müllera, Petera Wolle, Jeremiah Dencke i Johannes Herbst . Herbst był także znanym kolekcjonerem, którego archiwa, pozostawione po jego śmierci kościołowi w Salem, zostały upublicznione w 1977 roku; obejmowały one ponad 11 000 stron treści. Salem stopniowo stało się centrum morawskich innowacji muzycznych, częściowo dzięki obecności Morawskiej Fundacji Muzycznej.

Pietyści

W 1694 roku Johannes Kelpius sprowadził grupę niemieckich pietystów nad brzegi potoku Wissahickon w południowo-wschodniej Pensylwanii. Ci stali się znani jako Pustelnicy lub Mistycy z Wissahickon; ta mapa Wissahickon Creek z 1871 r. odnotowuje źródło Kelpius i Hermits Glen. Kelpius był muzykiem, a on i jego zwolennicy przywieźli ze sobą instrumenty, które stały się integralną częścią życia kościoła. Kelpius był także kompozytorem i jest czasami nazywany pierwszym kompozytorem z Pensylwanii, na podstawie jego niesprawdzonego autorstwa kilku hymnów w The Lamenting Voice of the Hidden Love . Jest prawdopodobne, że napisał tekst, choć melodie są w większości oparte na pieśniach niemieckich; angielskie tłumaczenia w zbiorze przypisuje się Christopherowi Wittowi, Anglikowi, który wyemigrował i dołączył do mistyków, również budując dla nich organy piszczałkowe, o których mówi się, że są pierwszymi prywatnymi organami w Ameryce Północnej.

W 1703 r. Justus Falckner został wyświęcony na proboszcza kościoła Gloria Dei; Falckner najwyraźniej wierzył, że muzyka jest bardzo ważnym elementem pracy misyjnej, pisząc do Niemiec z prośbą o organy, które, jak powiedział, przyciągną więcej konwertytów rdzennych Amerykanów. Falckner był luteraninem, który napisał hymny, takie jak „Rise, Ye Children of Salvation”.

Towarzystwo Harmonii

W 1803 i 1804 grupa chrześcijańskich pobożnych pod przywództwem George'a Rappa przybyła z Wirtembergii w Niemczech, osiedliła się w Harmony w Pensylwanii i założyła Towarzystwo Harmonii w 1805 roku . część ich życia. Harmonici (lub Harmoniści) pisali własną muzykę, a nawet mieli orkiestrę. Towarzystwo istniało do 1906 roku, ale ich ostateczna osada, Old Economy Village (obecnie Ambridge, Pensylwania ) zawiera archiwa z nutami, które są nadal wykonywane podczas specjalnych wydarzeń społecznościowych.

Afroamerykanie

Przywiezieni do Stanów Zjednoczonych już w 1619 roku zniewoleni Afrykanie pochodzili z różnych plemion z Afryki Zachodniej , w tym z plemion Aszanti , Joruba , Bini , Kongo i Dahomejczyków . Mówili setkami języków; niektórzy pochodzili z rywalizujących ze sobą plemion lub odizolowanych społeczności, które miały niewielkie powiązania z kimkolwiek innym, aż do przybycia handlarzy niewolników. Niektóre z większych grup miały szerokie kontakty z muzułmanami z Afryki Północnej i odległych kultur Afryki Wschodniej i Południowej .

Zniewoleni ludzie przynieśli ze sobą pieśni robocze , religijną muzykę i tańce oraz szeroką gamę instrumentów, w tym kalimbę , ksylofon , flety i grzechotki . Być może najważniejszą cechą był jednak styl wokalny, w którym piosenkarz i publiczność wymieniają się kwestiami. Ta praktyka dobrze pasowała do rozwijającej się tradycji hymnów Nowej Anglii, a te dwie dziedziny zaczęły się mieszać na wczesnym etapie historii narodu. Inną niezwykłą cechą większości muzyki afrykańskiej jest to, że zamiast rozpoczynać i kończyć melodię lub frazę czystą nutą, jak w muzyce zachodniej, afrykańscy śpiewacy przesuwali się na nutę lub pod nią.

Najbardziej charakterystycznym elementem muzyki afrykańskiej jest jednak skupienie się na rytmie . Pod tym względem afrykańskie style ludowe są znacznie bardziej złożone niż cokolwiek opracowanego gdziekolwiek indziej na świecie. Muzyka afrykańska jest zwykle polirytmiczna , tworzona przez szeroką gamę instrumentów perkusyjnych , zarówno o tonacji, jak i bez, przy użyciu wielu rodzajów naturalnych materiałów. Polythythmy zostały sprowadzone wraz z niewolnikami do Nowego Świata, gdzie trafiły do różnych gatunków, od afroamerykańskiego gospel po pop- swing i rock and roll .

Wielu handlarzy niewolników zachęcało zniewolone osoby do śpiewania podczas pracy, wierząc, że poprawia to morale i zmusza do cięższej pracy. Na ogół wymagali, aby wszystkie melodie pozostały radosne i przyjemne w tonie, aby tak się stało. Ta muzyka, z akompaniamentem, wykorzystywała tylko jeden bęben lub inny przedmiot używany do perkusji. Ponieważ często byli bez instrumentów, klaskanie i tupanie stało się integralną częścią muzyki zniewolonych ludzi. Banjo i różne rodzaje bębnów były najważniejszymi instrumentami, ale zniewoleni Afrykanie używali także odmian fletni Pana , karbowanych tykw, na których grało się skrobaczką (podobnie jak güiro ) i grzechotki . Znany był także fortepian kciukowy , podobny do afrykańskiej mbiry lub sanzy . Ponadto osoby czarnoskóre szybko opanowały instrumenty europejskie, takie jak klarnet , obój , waltornia i, co najważniejsze, skrzypce . Często wybitni dżentelmeni zniewolili Czarnych, występując jako muzycy i artyści. Niektórzy stali się dość znani, jak Sy Gilliat z Virginii, który występował na balach stanowych w Williamsburgu . Jego asystent po kapitolu przeniósł się do Richmond był znany jako London Brigs i był znanym graczem.

bębny

Zniewoleni Afrykanie w miejscach takich jak Haiti , Brazylia i Dominikana nadal używali bębnów, a ich instrumenty perkusyjne stanowiły integralną część muzyki afro- karaibskiej i latynoskiej . Jednak w brytyjskich koloniach w Ameryce Północnej bębny były zabronione; kolonialni handlarze niewolników obawiali się, że bębny będą używane do komunikacji między niewolnikami, a użycie bębnów może pomóc w powstaniach i buntach. Bębny pozostały jednak znaczącą częścią muzyki francuskiej kolonii Luizjany .

Banjo

Banjo było cechą zniewolonego życia Czarnych w Ameryce, o czym wspomniał na przykład Thomas Jefferson w swoich Notatkach o stanie Wirginia , w których nazwał je banjar i zauważył, że instrument pochodzi z Afryki. Inne nazwy to bangoe , banshaw , bangelo , banza , bangil i banjer . Instrument został opisany w Afryce Zachodniej już w 1620 roku przez Richarda Jobsona , ale był obecny jakiś czas wcześniej.

W Ameryce Północnej banjo było zwykle wytwarzane przez wydrążenie tykwy lub tykwy i przymocowanie długiej szyi. Zniewoleni ludzie następnie rozciągali kawałek zwierzęcej skóry, zwykle szopa pracza , nad misą i przyczepiali cztery sznurki. Jefferson twierdził, że banjar , z którym był zaznajomiony, był dostrojony do EAdg.

Dalsza lektura

Broughton, Simon i Ellingham, Mark z McConnachie, James i Duane, Orla (red.) (2000). Szorstki przewodnik po muzyce światowej . Rough Guides Ltd, Penguin Books. ISBN 1-85828-636-0 . {{ cite book }} : CS1 maint: wiele nazwisk: lista autorów ( link )
Chase, Gilbert (2000). Muzyka Ameryki: od pielgrzymów do współczesności . Wydawnictwo Uniwersytetu Illinois. ISBN 0-252-00454-X .
Crawford, Richard (2001). Życie muzyczne Ameryki: historia . WW Norton & Company. ISBN 0-393-04810-1 .
Ferris, Jean (1993). Krajobraz muzyczny Ameryki . Brown & Benchmark. ISBN 0-697-12516-5 .
Struble, John Warthen (1995). Historia amerykańskiej muzyki klasycznej . Fakty w aktach, Inc. ISBN 0-8160-2927-X .

Notatki

Bibliografia _ 4, podkreślenia w oryginale

Dodatkowe źródła

[1] Bibliografia _ 4, podkreślenia w oryginale