malarstwo japońskie

Zestaw drzwi przesuwnych z drzewa śliwkowego autorstwa Kanō Sanraku , początek XVII wieku

Malarstwo japońskie ( 絵画 , kaiga, także gadō 画道) jest jedną z najstarszych i najbardziej wyrafinowanych japońskich sztuk wizualnych , obejmującą szeroką gamę gatunków i stylów. Podobnie jak w przypadku historii sztuki japońskiej w ogóle, długa historia malarstwa japońskiego wykazuje syntezę i rywalizację między rodzimą japońską estetyką a adaptacją importowanych pomysłów, głównie z malarstwa chińskiego , które w wielu punktach miało szczególny wpływ; znaczące zachodnie wpływ pochodzi dopiero od XIX wieku, zaczynając w tym samym czasie, gdy sztuka japońska wpływała na sztukę Zachodu .

Obszary tematyczne, w których chiński wpływ był wielokrotnie znaczący, obejmują buddyjskie malarstwo religijne, malowanie krajobrazów tuszem w chińskiej tradycji malarstwa literackiego , kaligrafię sinogramów oraz malowanie zwierząt i roślin, zwłaszcza ptaków i kwiatów . Jednak we wszystkich tych dziedzinach rozwinęły się wyraźnie japońskie tradycje. Tematyka powszechnie uważana za najbardziej charakterystyczną dla malarstwa japońskiego, a później grafiki , to przedstawienie scen z życia codziennego i scen narracyjnych, często przepełnionych postaciami i detalami. Tradycja ta bez wątpienia rozpoczęła się we wczesnym średniowieczu pod wpływem chińskim, którego obecnie nie da się prześledzić, z wyjątkiem najbardziej ogólnych terminów, ale od okresu najwcześniejszych zachowanych dzieł rozwinęła się w specyficznie japońską tradycję, która przetrwała aż do czasów nowożytnych.

Oficjalna lista narodowych skarbów Japonii (malarstwa) obejmuje 162 dzieła lub zestawy dzieł od VIII do XIX wieku, które reprezentują szczyty osiągnięć lub bardzo rzadkie pozostałości z wczesnych okresów.

Oś czasu

Starożytna Japonia i okres Asuka (do 710)

Początki malarstwa w Japonii sięgają czasów prehistorycznych Japonii . Proste przedstawienia figuralne, a także projekty botaniczne, architektoniczne i geometryczne można znaleźć na z okresu Jōmon i dzwonach z brązu dōtaku z okresu Yayoi (1000 pne - 300 ne) . W licznych kurhanach z okresu Kofun i Asuka (300–700 ne) znaleziono malowidła ścienne z motywami zarówno geometrycznymi, jak i figuralnymi.

Wraz z wprowadzeniem chińskiego systemu pisma ( kanji ), chińskich sposobów administracji rządowej i buddyzmu w okresie Asuka, wiele dzieł sztuki zostało sprowadzonych do Japonii z Chin i zaczęto produkować lokalne kopie w podobnym stylu.

Okres Nara (710–794)

Malowidło ścienne z grobowca Takamatsuzuka

Wraz z dalszym umacnianiem się buddyzmu w Japonii w VI i VII wieku, malarstwo religijne kwitło i było używane do ozdabiania licznych świątyń wzniesionych przez arystokrację. Jednak z okresu Nara jest bardziej uznawana za ważny wkład w sztukę rzeźby niż malarstwa.

Najwcześniejsze zachowane malowidła z tego okresu to malowidła ścienne na wewnętrznych ścianach Kondō ( 金 堂 ) w świątyni Hōryū-ji w Ikaruga w prefekturze Nara . Te malowidła ścienne, a także malowane obrazy na ważnej świątyni Tamamushi , zawierają narracje, takie jak jataka , epizody z życia historycznego Buddy, Siakjamuniego , oprócz ikonicznych wizerunków buddów, bodhisattwów i różnych pomniejszych bóstw. Styl przypomina Malarstwo chińskie z czasów dynastii Sui lub późnego okresu Szesnastu Królestw . Jednak w połowie okresu Nara obrazy w stylu dynastii Tang stały się bardzo popularne. Należą do nich również malowidła ścienne w grobowcu Takamatsuzuka , pochodzące z około 700 rne. Ten styl przekształcił się w gatunek (Kara-e), który pozostał popularny we wczesnym okresie Heian .

Ponieważ większość obrazów z okresu Nara ma charakter religijny, zdecydowana większość jest autorstwa anonimowych artystów. Duża kolekcja sztuki z okresu Nara, japońskiej i chińskiej dynastii Tang, jest przechowywana w Shōsō-in , VIII-wiecznym repozytorium należącym wcześniej do Tōdai-ji , a obecnie administrowanym przez Imperial Household Agency .

Okres Heian (794–1185)

Wraz z rozwojem ezoterycznych sekt buddyjskich Shingon i Tendai , malarstwo z VIII i IX wieku charakteryzuje się obrazami religijnymi, w szczególności malowaną Mandalą ( 曼荼羅 , mandara ) . Liczne wersje mandali, najsłynniejsza Mandala Diamentowego Królestwa i Mandala Królestwa Łona w Tōji w Kioto, zostały stworzone jako wiszące zwoje , a także jako malowidła ścienne na ścianach świątyń. Znanym wczesnym przykładem jest pięciopiętrowa pagoda Daigo -ji , świątyni na południe od Kioto .

Szkoła Kose była rodziną nadwornych artystów założoną przez Kanaokę Kose w drugiej połowie IX wieku, we wczesnym okresie Heian. Ta szkoła nie reprezentuje jednego stylu malarstwa, jak inne szkoły, ale różne style malarstwa stworzone przez Kanaokę Kose oraz jego potomków i uczniów. Szkoła ta zmieniła malarstwo chińskie z motywami chińskimi na styl japoński i odegrała główną rolę w kształtowaniu się stylu malarstwa yamato-e .

Wraz ze wzrostem znaczenia sekt buddyzmu japońskiego Czystej Krainy w X wieku, opracowano nowe typy obrazów, aby zaspokoić potrzeby religijne tych sekt. Należą do nich raigōzu ( 来迎 図 ) , które przedstawiają Buddę Amidę wraz z towarzyszącymi mu bodhisattwami Kannonem i Seishi przybywającymi, by powitać dusze wiernych, którzy odeszli do zachodniego raju Amidy. Znany wczesny przykład pochodzący z 1053 roku jest namalowany na wnętrzu Phoenix Hall w Byōdō-in , świątyni w Uji w Kioto . Jest to również uważane za wczesny przykład tak zwanego Yamato-e ( 大和絵 , „malarstwo w stylu japońskim”) , o ile zawiera elementy krajobrazu, takie jak łagodne wzgórza, które wydają się odzwierciedlać coś z rzeczywistego wyglądu krajobrazu zachodnia Japonia.

Panel ze zwoju ręcznego The Tale of Genji (szczegóły)
Oblężenie Pałacu Sanjō

Okres połowy Heian jest postrzegany jako złoty wiek Yamato-e, które początkowo były używane głównie do drzwi przesuwnych ( fusuma ) i składanych ekranów ( byōbu ). Jednak na pierwszy plan wysunęły się również nowe formaty malarstwa, zwłaszcza pod koniec okresu Heian, w tym emakimono , czyli długie ilustrowane zwoje dłoni. Odmiany emakimono obejmują ilustrowane powieści, takie jak Genji Monogatari , dzieła historyczne, takie jak Ban Dainagon Ekotoba i dzieła religijne. W niektórych przypadkach emaki artyści stosowali obrazowe konwencje narracyjne, które były używane w sztuce buddyjskiej od czasów starożytnych, podczas gdy innym razem wymyślali nowe tryby narracji, które, jak się uważa, przekazują wizualnie emocjonalną treść leżącej u podstaw narracji. Genji Monogatari jest podzielony na oddzielne odcinki, podczas gdy bardziej żywy Ban Dainagon Ekotoba wykorzystuje ciągły tryb narracji, aby podkreślić ruch do przodu narracji. Te dwa emaki różnią się również stylistycznie, szybkimi pociągnięciami pędzla i jasną kolorystyką Ban Dainagon jaskrawo kontrastujące z abstrakcyjnymi formami i żywymi mineralnymi pigmentami zwojów Genji . Oblężenie Pałacu Sanjō to kolejny słynny przykład tego typu malarstwa.

E-maki służą również jako jedne z najwcześniejszych i najwspanialszych przykładów onna -e („obrazy kobiet”) i otoko-e („obrazy mężczyzn”) oraz stylów malarskich. Istnieje wiele drobnych różnic w obu stylach. Chociaż terminy wydają się sugerować preferencje estetyczne każdej płci, historycy sztuki japońskiej od dawna debatują nad faktycznym znaczeniem tych terminów i pozostają one niejasne. Być może najłatwiej zauważalne są różnice w tematyce. Onna-e , uosobieniem Opowieści o Genjim Handscroll zazwyczaj dotyczy życia dworskiego i dworskich romansów, podczas gdy otoko-e często dotyczy wydarzeń historycznych lub pół-legendarnych, zwłaszcza bitew.

Okres Kamakura (1185-1333)

Gatunki te były kontynuowane przez okres Kamakura w Japonii. Ten styl sztuki został doskonale zilustrowany w obrazie zatytułowanym „Nocny atak na pałac Sanjo”, ponieważ był pełen wibrujących kolorów, detali i świetnej wizualizacji z powieści zatytułowanej „Heiji Monogatari”. Nadal produkowano różnego rodzaju e-maki ; jednak okres Kamakura był znacznie silniej charakteryzowany przez sztukę rzeźby niż malarstwa. „Okres Kamakura rozciągał się od końca XII do XIV wieku. Był to czas dzieł sztuki, takich jak obrazy, ale przede wszystkim rzeźby, które przyniosły bardziej realistyczny obraz ówczesnego życia i jego aspektów. W każdym z tych posągów uwzględniono wiele cech przypominających życie. Wiele rzeźb zawierało nosy, oczy, pojedyncze palce i inne szczegóły, które były nowością w rzeźbie w sztuce.

Ponieważ większość obrazów z okresu Heian i Kamakura ma charakter religijny, zdecydowana większość jest dziełem anonimowych artystów. Ale jest jeden artysta, który jest znany ze swojej perfekcji w tym nowym stylu sztuki okresu Kamakura. Nazywał się Unkei i ostatecznie opanował tę formę sztuki rzeźbiarskiej i otworzył własną szkołę o nazwie Kei School. Wraz z upływem czasu „nastąpiło odrodzenie jeszcze wcześniejszych stylów klasycznych, import nowych stylów z kontynentu, aw drugiej połowie tego okresu rozwój unikalnych stylów wschodnio-japońskich skupionych wokół ery Kamakura”.

Okres Muromachi (1333-1573)

Prawy panel ekranu Pine Trees ( Shōrin-zu byōbu , 松林図 屏風 ) autorstwa Hasegawy Tōhaku , ok. 1595
Krajobraz autorstwa Sesshū Tōyō

W XIV wieku rozwój wielkich klasztorów Zen w Kamakurze i Kioto wywarł ogromny wpływ na sztuki wizualne. Suibokuga , surowy monochromatyczny styl malowania tuszem wprowadzony z dynastii Ming w Chinach w stylach prania tuszem Song i Yuan, zwłaszcza Muqi (牧 谿), w dużej mierze zastąpił polichromowane obrazy zwojowe wczesnej sztuki zen w Japonii dołączone do buddyjskich norm ikonograficznych od wieków wcześniej, takie jak Takuma Eiga (宅磨栄賀). Pomimo nowej chińskiej fali kulturowej generowanej przez kultura Higashiyama , zachowało się trochę portretów polichromowanych – pierwotnych w postaci chinso obrazów mnichów zen.

Złapanie suma tykwą (znajdującego się w Taizō-in , Myōshin-ji , Kioto), autorstwa kapłana-malarza Josetsu , stanowi punkt zwrotny w malarstwie Muromachi. Na pierwszym planie mężczyzna na brzegu strumienia trzymający małą tykwę i patrzący na dużego śliskiego suma. Mgła wypełnia środkowy teren, a w tle, góry wydają się być daleko w oddali. Powszechnie przyjmuje się, że „nowy styl” obrazu, wykonany około 1413 r., Odnosi się do bardziej chińskiego poczucia głębi przestrzeni w płaszczyźnie obrazu.

Pod koniec XIV wieku monochromatyczne obrazy pejzażowe (山水画 sansuiga ) znalazły patronat rządzącej rodziny Ashikaga i były preferowanym gatunkiem wśród malarzy zen, stopniowo ewoluując od chińskich korzeni do bardziej japońskiego stylu. Dalszym rozwinięciem malarstwa pejzażowego był zwój poematu, znany jako shigajiku .

Najważniejszymi artystami okresu Muromachi są malarze kapłani Shūbun i Sesshū . Shūbun, mnich ze świątyni Shōkoku-ji w Kioto , stworzył na obrazie Czytanie w bambusowym gaju (1446) realistyczny krajobraz z głęboką recesją w kosmos. Sesshū, w przeciwieństwie do większości artystów tamtego okresu, mógł podróżować do Chin i studiować chińskie malarstwo u jego źródła. Krajobraz czterech pór roku ( Sansui Chokan ; C. 1486) jest jednym z najwybitniejszych dzieł Sesshu, przedstawiającym ciągły krajobraz przez cztery pory roku.

W późnym okresie Muromachi malarstwo tuszem wyemigrowało z klasztorów Zen do świata sztuki w ogóle, ponieważ artyści ze szkoły Kanō i szkoły Ami ( ja: 阿 弥 派 ) przyjęli styl i motywy, ale wprowadzając bardziej plastyczny i efekt dekoracyjny, który będzie kontynuowany do czasów współczesnych.

Do ważnych artystów okresu Muromachi w Japonii należą:

Okres Azuchi – Momoyama (1573–1615)

W ostrym kontraście z poprzednim okresem Muromachi, okres Azuchi – Momoyama charakteryzował się wspaniałym stylem polichromii, z szerokim wykorzystaniem złotej i srebrnej folii, która była nakładana na obrazy, odzież, architekturę itp .; i przez prace na bardzo dużą skalę. W przeciwieństwie do bogatego stylu, jaki znało wielu, elita wojskowa popierała rustykalną prostotę, zwłaszcza w formie ceremonii parzenia herbaty, podczas której używano wyblakłych i niedoskonałych przyborów w podobnym otoczeniu. Okres ten rozpoczął zjednoczenie „walczących” przywódców pod rządami centralnymi. Często uważa się, że początkowe datowanie tego okresu to rok 1568, kiedy Nobunaga wkroczył do Kioto, lub rok 1573, kiedy ostatni szogun Ashikaga został usunięty z Kioto. Szkoła Kanō, której patronowali Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi, Tokugawa Ieyasu i ich zwolennicy, ogromnie zyskała na wielkości i prestiżu. Kanō Eitoku opracował formułę tworzenia monumentalnych pejzaży na przesuwnych drzwiach otaczających pomieszczenie. Te ogromne ekrany i malowidła ścienne zamówiono do dekoracji zamków i pałaców szlachty wojskowej. Przede wszystkim Nobunaga miał ogromny zamek zbudowany w latach 1576-1579, który okazał się jednym z największych artystycznych wyzwań dla Kanō Eitoku. Jego następca, Toyotomi Hideyoshi, również zbudował w tym okresie kilka zamków. Zamki te były jednymi z najważniejszych dzieł artystycznych, jeśli chodzi o eksperymenty w tym okresie. Te zamki reprezentują siłę i pewność siebie przywódców i wojowników nowej ery. Status ten utrzymywał się w kolejnym okresie Edo, gdy bakufu Tokugawa nadal promowało dzieła szkoły Kanō jako oficjalnie usankcjonowaną sztukę dla shōgun, daimyō i dworu cesarskiego.

Jednak artyści i nurty szkoły spoza Kano istniały i rozwijały się również w okresie Azuchi – Momoyama, dostosowując chińskie motywy do japońskich materiałów i estetyki. Jedną z ważnych grup była szkoła Tosa, która rozwinęła się przede wszystkim z tradycji yamato-e i która była znana głównie z prac na małą skalę i ilustracji klasyków literatury w formacie książkowym lub emaki.

Do ważnych artystów okresu Azuchi-Momoyama należą:

Okres Edo (1603–1868)

Zwój kaligrafii Bodhidharmy autorstwa Hakuina Ekaku (1685-1768)
Fūjin (bóg wiatru) autorstwa Ogata Kōrin
Część serii Dōshoku sai-e autorstwa Itō Jakuchū

Wielu historyków sztuki przedstawia okres Edo jako kontynuację okresu Azuchi-Momoyama. Z pewnością we wczesnym okresie Edo wiele poprzednich trendów w malarstwie nadal było popularnych; pojawiło się jednak również kilka nowych trendów.

Jedną z bardzo znaczących szkół, która powstała we wczesnym okresie Edo, była szkoła Rinpa , która wykorzystywała klasyczne motywy, ale prezentowała je w odważnej i bogato zdobionej formie. W szczególności Sōtatsu rozwinął styl dekoracyjny, odtwarzając motywy z literatury klasycznej, używając jaskrawo kolorowych postaci i motywów ze świata przyrody na tle złotych liści. Sto lat później Korin przerobił styl Sōtatsu i stworzył wspaniałe wizualnie dzieła, jedyne w swoim rodzaju.

Innym ważnym gatunkiem, który rozpoczął się w okresie Azuchi – Momoyama, ale który osiągnął swój pełny rozwój we wczesnym okresie Edo, była sztuka Nanban , zarówno w przedstawianiu egzotycznych obcokrajowców, jak iw wykorzystaniu stylu egzotycznego obcokrajowca w malarstwie. Gatunek ten koncentrował się wokół portu Nagasaki , który po rozpoczęciu narodowej polityki odosobnienia szogunatu Tokugawa był jedynym japońskim portem otwartym dla handlu zagranicznego, a tym samym był kanałem, przez który chińskie i europejskie wpływy artystyczne docierały do ​​Japonii. Obrazy z tego gatunku obejmują szkołę Nagasaki malarstwa, a także szkoły Maruyama-Shijo , łączącej wpływy chińskie i zachodnie z tradycyjnymi elementami japońskimi.

  • Painting from Momoyama period (1573-1615) by Hasegawa Nobukata of a European woman playing a viola de mano.

    Hasegawy Nobukaty z okresu Momoyama (1573-1615) przedstawiający Europejkę grającą na violi de mano.

  • Hasegawa Nobukata painting of a religious man with children. Edo period, early 17th century.

    Obraz Hasegawy Nobukaty przedstawiający religijnego mężczyznę z dziećmi. Okres Edo, początek XVII wieku.

  • Hasegawa Nobukata painting of two "Western warriors." Edo period, early 17th century.

    Obraz Hasegawy Nobukaty przedstawiający dwóch „zachodnich wojowników”. Okres Edo, początek XVII wieku.

  • Western shading techniques applied to Buddist theme by Hasegawa Nobukata, called "Daruma" or "Bodhidharma." Edo period, early 17th century.

    Zachodnie techniki cieniowania zastosowane do motywu buddyjskiego przez Hasegawę Nobukatę, zwane „ daruma ” lub „ bodhidharma ”. Okres Edo, początek XVII wieku.

  • Nanban art, screen painting, circa 1600.

    Sztuka Nanban, malowanie ekranów, około 1600 roku.

Trzecim ważnym trendem w okresie Edo było powstanie gatunku Bunjinga (malarstwo literackie), znanego również jako szkoła Nanga (szkoła malarstwa południowego). Gatunek ten powstał jako imitacja dzieł chińskich malarzy-amatorów z dynastii Yuan , których prace i techniki przybyły do ​​Japonii w połowie XVIII wieku. Mistrz Kuwayama Gyokushū był największym zwolennikiem stworzenia bunjin styl. Teoretyzował, że polichromatyczne pejzaże należy rozpatrywać na tym samym poziomie, co monochromatyczne obrazy chińskich literatów. Ponadto do głównych przedstawicieli Nanga włączył kilku japońskich artystów tradycjonalistów, takich jak Tawaraya Sōtatsu i Ogata Kōrin z grupy Rinpa. Późniejsi bunjinga znacznie zmodyfikowali zarówno techniki, jak i tematykę tego gatunku, tworząc mieszankę stylów japońskiego i chińskiego. Przykładami tego stylu są Ike no Taiga , Uragami Gyokudō , Yosa Buson , Tanomura Chikuden , Tani Bunchō i Yamamoto Baiitsu .

Ze względu na politykę fiskalną i społeczną oszczędności szogunatu Tokugawa, luksusowe tryby tego gatunku i stylów były w dużej mierze ograniczone do wyższych warstw społecznych i były niedostępne, jeśli nie wręcz zabronione, dla klas niższych. Zwykli ludzie rozwinęli odrębny rodzaj sztuki, fūzokuga (風俗画, Genre art ), w którym popularne było malarstwo przedstawiające sceny z życia codziennego, zwłaszcza zwykłych ludzi, teatr kabuki , prostytutki i pejzaże. Malowidła te w XVI wieku dały początek obrazom i drzeworytom ukiyo-e .

Do ważnych artystów okresu Edo należą:

Okres przedwojenny (1868–1945)

Kuroda Seiki , Lakeside , 1897, olej na płótnie, Kuroda Memorial Hall , Tokio
Yoritomo w jaskini autorstwa Maeda Seison

Okres przedwojenny charakteryzował się podziałem sztuki na konkurujące ze sobą style europejskie i tradycyjne style tubylcze.

W okresie Meiji Japonia przeszła ogromne zmiany polityczne i społeczne w trakcie kampanii europeizacji i modernizacji zorganizowanej przez rząd Meiji . Malarstwo w stylu zachodnim ( yōga ) było oficjalnie promowane przez rząd, który wysyłał obiecujących młodych artystów za granicę na studia i zatrudniał zagranicznych artystów do przyjazdu do Japonii w celu ustanowienia programu nauczania sztuki w japońskich szkołach.

Jednak po początkowym wybuchu entuzjazmu dla sztuki w stylu zachodnim wahadło przechyliło się w przeciwnym kierunku i pod przewodnictwem krytyka sztuki Okakury Kakuzō i pedagoga Ernesta Fenollosa nastąpiło odrodzenie uznania dla tradycyjnych stylów japońskich ( Nihonga ). W latach osiemdziesiątych XIX wieku sztuka w stylu zachodnim została zakazana na oficjalnych wystawach i była ostro krytykowana przez krytyków. Wspierany przez Okakurę i Fenollosę Nihonga ewoluował pod wpływem europejskiego ruchu prerafaelitów i europejskiego romantyzmu .

Malarze stylu Yōga utworzyli Meiji Bijutsukai (Meiji Fine Arts Society), aby organizować własne wystawy i promować ponowne zainteresowanie sztuką zachodnią.

W 1907 r., wraz z powstaniem Buntenu pod egidą Ministerstwa Oświaty , obie konkurujące ze sobą grupy znalazły wzajemne uznanie i współistnienie, a nawet rozpoczęły proces wzajemnej syntezy.

W okresie Taishō joga dominowała nad nihongą . Po długich pobytach w Europie wielu artystów (w tym Arishima Ikuma) powróciło do Japonii za panowania Yoshihito, przywożąc ze sobą techniki impresjonizmu i wczesnego postimpresjonizmu . Prace Camille'a Pissarro , Paula Cézanne'a i Pierre-Auguste'a Renoira wywarły wpływ na obrazy z wczesnego okresu Taishō. Jednak jogi w okresie Taishō również skłaniali się ku eklektyzmowi i istniało mnóstwo dysydenckich ruchów artystycznych. Należą do nich Towarzystwo Fusain ( Fyuzankai ), które kładło nacisk na style postimpresjonizmu, zwłaszcza fowizmu . W 1914 roku Nikakai (Towarzystwo Drugiej Dywizji), aby przeciwstawić się sponsorowanej przez rząd Wystawie Buntena.

Malarstwo japońskie w okresie Taishō pozostawało pod niewielkim wpływem innych współczesnych ruchów europejskich, takich jak neoklasycyzm i późny postimpresjonizm.

Jednak to odradzająca się Nihonga około połowy lat dwudziestych XX wieku przejęła pewne trendy z postimpresjonizmu. Drugie pokolenie Nihonga utworzyło Japońską Akademię Sztuk Pięknych ( Nihon Bijutsuin ), aby konkurować z sponsorowanym przez rząd Buntenem i chociaż tradycje yamato-e pozostały silne, coraz częstsze wykorzystywanie zachodniej perspektywy oraz zachodnich koncepcji przestrzeni i światła zaczęło zacierać różnicę między nihonga a jogą .

Malarstwo japońskie przedwojennego okresu Shōwa było w dużej mierze zdominowane przez Sōtarō Yasui i Ryūzaburō Umeharę , którzy wprowadzili koncepcje sztuki czystej i malarstwa abstrakcyjnego do tradycji Nihonga , tworząc w ten sposób bardziej interpretacyjną wersję tego gatunku. Ten trend został dalej rozwinięty przez Leonarda Foujitę i Towarzystwo Nika, aby objąć surrealizm . Aby promować te trendy, w 1931 roku utworzono Niezależne Stowarzyszenie Sztuki ( Dokutsu Bijutsu Kyokai ).

Podczas II wojny światowej kontrole rządowe i cenzura oznaczały, że można było wyrażać tylko tematy patriotyczne. Wielu artystów zostało zwerbowanych do rządowej propagandy , a krytyczna, pozbawiona emocji recenzja ich twórczości dopiero się zaczyna.

Do ważnych artystów okresu przedwojennego należą:

Okres powojenny (1945 – obecnie)

w 1947 r. Utworzono sponsorowaną przez rząd Japońską Akademię Sztuki ( Nihon Geijutsuin ), obejmującą zarówno dywizje nihonga , jak i jogi . Rządowe sponsorowanie wystaw sztuki skończyło się, ale zostało zastąpione prywatnymi wystawami, takimi jak Nitten , na jeszcze większą skalę. Chociaż Nitten był początkowo wystawą Japan Art Academy, od 1958 roku jest prowadzony przez osobną prywatną korporację. Udział w Nitten stał się niemal warunkiem nominacji do Japan Art Academy, co samo w sobie jest niemal nieoficjalnym warunkiem nominacji do Order Kultury .

Sztuka epoki Edo i okresu przedwojennego (1603–1945) była wspierana przez kupców i ludność miejską. W przeciwieństwie do okresu Edo i okresu przedwojennego popularna stała się sztuka okresu powojennego. Po drugiej wojnie światowej malarze, kaligrafowie i rytownicy rozkwitali w dużych miastach, zwłaszcza w Tokio , i byli zaabsorbowani mechanizmami miejskiego życia, odzwierciedlonymi w migoczących światłach, neonowych kolorach i szalonym tempie ich abstrakcji. Gorliwie przyjęto wszystkie „izmy” nowojorsko-paryskiego świata sztuki. Po abstrakcjach z lat 60., w latach 70. nastąpił powrót do realizmu mocno doprawionego przez ruchy „op” i „pop”, ucieleśnione w latach 80. Ushio Shinohara . Wielu tak wybitnych artystów awangardowych działało zarówno w Japonii, jak i za granicą, zdobywając międzynarodowe nagrody. Artyści ci czuli, że w ich pracach nie ma „nic japońskiego” i rzeczywiście należeli do szkoły międzynarodowej. Pod koniec lat 70. poszukiwanie japońskich cech i stylu narodowego spowodowało, że wielu artystów przewartościowało swoją artystyczną ideologię i odwróciło się od tego, co niektórzy uważali za puste formuły Zachodu. Współczesne obrazy w ramach nowoczesnego idiomu zaczęły świadomie wykorzystywać tradycyjne formy sztuki japońskiej, urządzenia i ideologie. Liczba mono-ha artyści zwrócili się ku malarstwu, aby odzyskać tradycyjne niuanse w układach przestrzennych, harmoniach kolorystycznych i liryzmie.

w stylu japońskim lub nihonga jest kontynuowane w stylu przedwojennym, aktualizując tradycyjne wyrażenia, zachowując jednocześnie ich nieodłączny charakter. Niektórzy artyści w tym stylu nadal malują na jedwabiu lub papierze tradycyjnymi kolorami i tuszem, podczas gdy inni używają nowych materiałów, takich jak akryl .

Wiele starszych szkół artystycznych, zwłaszcza z okresu Edo i okresu przedwojennego, nadal było praktykowanych. Na przykład dekoracyjny naturalizm rimpa , charakteryzujący się jaskrawymi, czystymi kolorami i krwawiącymi spraniami, znalazł odzwierciedlenie w twórczości wielu artystów okresu powojennego w sztuce Hikosaka Naoyoshi z lat 80. Realizm szkoły Maruyamy Ōkyo oraz kaligraficzny i spontaniczny japoński styl dżentelmenów-uczonych były szeroko praktykowane w latach 80 . Czasami wszystkie te szkoły, a także starsze, takie jak szkoła Kanō tradycje tuszu, czerpali współcześni artyści w stylu japońskim i nowoczesnym idiomie. Wielu malarzy w stylu japońskim zostało uhonorowanych nagrodami i nagrodami w wyniku ponownego popytu na sztukę w stylu japońskim, który rozpoczął się w latach 70. Coraz częściej międzynarodowi malarze współcześni czerpali również ze szkół japońskich, gdy w latach 80. odwracali się od zachodnich stylów. Tendencja polegała na syntezie Wschodu i Zachodu. Niektórzy artyści już przeskoczyli lukę między nimi, podobnie jak wybitny malarz Shinoda Toko . Jej odważne abstrakcje tuszem sumi zostały zainspirowane tradycyjną kaligrafią, ale zrealizowane jako liryczne przejawy nowoczesnej abstrakcji.

W Japonii jest również wielu współczesnych malarzy, których twórczość jest w dużej mierze inspirowana subkulturami anime i innymi aspektami kultury popularnej i młodzieżowej. Takashi Murakami jest prawdopodobnie jednym z najbardziej znanych i popularnych z nich, wraz z innymi artystami z jego kolektywu studyjnego Kaikai Kiki . Jego prace koncentrują się na wyrażaniu problemów i trosk powojennego społeczeństwa japońskiego za pomocą pozornie nieszkodliwych form. Czerpie dużo z anime i stylów pokrewnych, ale tworzy obrazy i rzeźby w mediach tradycyjnie kojarzonych ze sztukami pięknymi, celowo zacierając granice między sztuką komercyjną i popularną a sztukami pięknymi.

Do ważnych artystów okresu powojennego należą:

Zobacz też

Dalsza lektura

Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Japanese_painting&oldid=1126127929 ”