Sztuka chorwacka XX wieku

Ivan Meštrović , Fontanna życia , 1905, brąz przed Chorwackim Teatrem Narodowym w Zagrzebiu.

Chorwacką sztukę XX wieku , czyli sztuki wizualne w granicach dzisiejszej Chorwacji, można podzielić na sztukę współczesną do drugiej wojny światowej i sztukę współczesną po jej zakończeniu.

Nowoczesna sztuka w Chorwacji rozpoczęła się od idei secesji rozprzestrzeniających się z Wiednia i Monachium oraz postimpresjonizmu z Paryża. Młodzi artyści badali najnowsze trendy i integrowali je we własnej twórczości. Wielu starało się wprowadzić do swojej sztuki rodzimą tożsamość kulturową, na przykład motywy narodowej historii i legend, a niektóre dzieła sztuki po pierwszej wojnie światowej zawierały silne przesłanie polityczne przeciwko rządzącemu państwu austro-węgierskiemu . Zmiana była zauważalna w 1919 roku wraz z przejściem do bardziej płaskich form i widoczne były oznaki kubizmu i ekspresjonizmu . W latach dwudziestych Grupa Ziemi starała się odzwierciedlić w swojej sztuce rzeczywistość i problemy społeczne, ruch, który był również świadkiem rozwoju sztuki naiwnej . W latach trzydziestych XX wieku nastąpił powrót do prostszych, klasycznych stylów.

Po drugiej wojnie światowej artyści na całym świecie szukali sensu i tożsamości, co doprowadziło do abstrakcyjnego ekspresjonizmu w USA i informelu artystycznego w Europie. W nowej Jugosławii socrealizmu nigdy się nie przyjął, ale idee bauhausu doprowadziły do ​​abstrakcji geometrycznej w obrazach i uproszczenia przestrzeni w architekturze. W latach 60. do głosu doszły niekonwencjonalne formy ekspresji wizualnej wraz z bardziej analitycznym podejściem do sztuki i ruchem w kierunku nowych mediów, takich jak fotografia, wideo, sztuka komputerowa, performance i instalacje, skupiając się bardziej na procesie artystycznym . Sztuka lat 70. była bardziej konceptualna, figuratywna i ekspresjonistyczna . Jednak lata 80. przyniosły powrót do bardziej tradycyjnego malarstwa i obrazu.

Sztuka współczesna

Termin Sztuka Nowoczesna w Europie obejmuje mniej więcej okres od lat 60. XIX wieku do drugiej wojny światowej i oznacza odejście od sztuki akademickiej z jej klasycznymi motywami mitologicznymi i stylizowanymi krajobrazami. W Chorwacji zmianę zaznaczyła wystawa salonu chorwackiego ( salon Hrvatski ) z 1898 roku w nowym Pawilonie Sztuki w Zagrzebiu . Jednym z głównych inicjatorów tej wystawy, a także przy budowie samego Pawilonu Sztuki, był artysta Vlaho Bukovac . Wraz z Belą Čikoš Sesiją , Otonem Ivekovićem , Ivanem Tišovem , Robertem Frangeš-Mihanovićem , Rudolfem Valdecem i Robertem Auerem założył separatystyczne Chorwackie Stowarzyszenie Artystów, które stało się znane jako Kolorowa Szkoła Zagrzebia (Zagrebačka šarena škola ).

To przygotowało scenę na początku XX wieku dla młodych chorwackich artystów studiujących w Monachium i Wiedniu , przywracając idee nowych ruchów secesyjnych . Idee impresjonizmu i postimpresjonizmu rozprzestrzeniające się z Paryża miały również wpływ na nowe pokolenie artystów. W rzeźbie i malarstwie pojawiały się nowe idee indywidualnej ekspresji artystycznej, prowadzące do nowego kierunku sztuki w Chorwacji .

Akademia Sztuk Pięknych w Zagrzebiu została założona w 1907 roku, ucząc nowe pokolenie chorwackich artystów nowoczesnych technik i pomysłów.

koło monachijskie

Autoportret Miroslava Kraljevicia z psem

Koło monachijskie ( Münchenski krug ) to termin nadany przez historyków sztuki grupie malarzy chorwackich na początku XX wieku, na początku chorwackiego modernizmu. Malarzami byli Josip Račić , Miroslav Kraljević , Vladimir Becić i Oskar Herman . Razem uczęszczali do Akademii Sztuk Pięknych w Monachium i byli wówczas znani przez swoich kolegów z klasy jako „ Die Kroatische Schule ” (Szkoła Chorwacka). Račić i Herman wcześniej studiowali u Antona Ažbe w jego słynnej prywatnej szkole w Monachium , który nalegał na studiowanie modelu, plastyczności i rysowanie wyraźnych, czystych tomów. Malarze monachijscy osiągnęli w swoich pracach mocne formy tonalne, studiując klasyczne malarstwo mistrzów hiszpańskich i francuskich. Ich wspólna tożsamość stylu, ze zwięzłą ekspresją artystyczną, bez ram literackich, historycznych czy moralistycznych, stawia ich w bezpośrednim kontakcie z francuskim impresjonizmem , zwłaszcza z Manetem i Cézanne'em jako wzorami do naśladowania. Każdy z nich z osobna wywarł wpływ na chorwacki modernizm i razem tworzą ważną kategorię w sztuce chorwackiej. Termin „krąg monachijski” powstał w latach pięćdziesiątych XX wieku.

Towarzystwo Medulić

Prace Ivo Kerdicia na cmentarzu Mirogoj w Zagrzebiu

W 1908 roku zbuntowana grupa młodych artystów dalmatyńskich w Splicie założyła Towarzystwo Medulić. Kierowani przez artystę Emanuela Vidovicia wykorzystali w swojej sztuce motywy z narodowych legend, poezji i historii. Wystawy odbyły się w Splicie (1908), Lublanie (1909), Zagrzebiu (1910), Rzymie (1911), Belgradzie (1912) i Splicie (1919). Grupa Medulić miała orientację ideologiczną i ukryte przesłanie polityczne. Jej celem nie było po prostu rozwijanie narodowego stylu artystycznego, ale raczej zwiększenie świadomości politycznej na temat południowosłowiańskiej tożsamości i propagowanie idei niepodległości od Austro-Węgier .

Najbardziej znanym przedstawicielem Towarzystwa Medulić był rzeźbiarz Ivan Meštrović , który już wówczas zdobywał międzynarodowe uznanie za swoją pracę. W Chorwacji jego najbardziej znane dzieło obejmuje potężną „ Studnię Życia ” oraz posągi Grgura Ninskiego i biskupa Strossmayera . Inni rzeźbiarze w grupie to Toma Rosandić , Ivo Kerdić (najlepiej znany z medalionów) i Branislav Dešković (znany z rzeźb zwierząt). Do grupy malarzy należeli Mirko Rački, najbardziej znany ze swoich potężnych ilustracji Dantego i jego plakatów, Tomislav Krizman i Jerolim Miše .

Dwa mocne obrazy z tamtych czasów to „ Monarchia austro-węgierska ” Mirko Račkiego (1916) i „Czarna flaga” Ljubo Babicia (1919), oba przedstawiające rozpad państwa austro-węgierskiego. Rački użył secesyjnego stylu dekoracyjnego w mocnym stwierdzeniu: żołnierz stoi na baczność na tle pustego szarego pola, a za nim kołysze się czarno-żółty wąż (kolory austriackiej flagi). Tematem obrazu Babicia jest pogrzeb cesarza Franciszka Józefa ukazany z wielką, wydłużoną, czarną flagą wiszącą jak gilotyna nad grupą ludzi ubranych w jaskrawe, wystawne barwy.

Salon Wiosenny

W latach 1916–28 wystawy salonu wiosennego w Zagrzebiu skupiały malarzy, rzeźbiarzy i grafików. Na pierwszej wystawie w Galerii Ulricha (1916) artystami byli Ljubo Babić , Jerolim Miše , Tomislav Krizman , Zlatko Šulentić oraz rzeźbiarze Ferdo Ćus, Hinko Juhn i Joza Turkalj. W czasie I wojny światowej wielu artystów wyjechało za granicę, a salon stał się wówczas jedyną zorganizowaną działalnością artystyczną. Wystawione obrazy wykazywały silne użycie formy i ograniczoną paletę kolorów. Przejście do bardziej płaskich form, w stylu Cézanne'a , nastąpiło na wystawie Salonu Wiosennego w 1919 r., Wraz z następną generacją artystów, takich jak Praska Czwórka ( Praška četvorka ) Vilko Gecan , Milivoj Uzelac , Marijan Trepše i Vladimir Varlaj . Idee ekspresjonizmu , kubizmu i secesjonizmu rozprzestrzeniły się, a nowe kierunki nadeszły również od Đuro Tiljaka , który studiował u Kandinsky'ego , podczas gdy Marino Tartaglia odkupił idee futurystów z Rzymu i Florencji . W latach dwudziestych XX wieku wkradały się elementy neoklasycyzmu z jego prostszymi formami.

Zenit

Napływające pomysły z reszty Europy były równoważone przez artystów, którzy chcieli zintegrować nowe kierunki artystyczne z rodzimą tożsamością kulturową. Czasopismo Zenit (Zenith) było awangardowym przeglądem nowej sztuki i kultury, które odegrały kluczową rolę w tym ruchu. Założony w 1921 roku przez poetę i krytyka Ljubomira Micića , pomimo krytyki i kontrowersji, Zenit przez 6 lat kontynuował promowanie sprawy międzynarodowego modernizmu zgodnego z jugosłowiańską tożsamością kulturową.

Jednym ze współtwórców Zenit był architekt i artysta Josip Seissel , który pod pseudonimem Jo Klek uważany jest za pierwszego w Chorwacji (1922), który stworzył obrazy abstrakcyjne : geometryczne kolaże z motywami językowymi i surrealistyczne kompozycje.

Klasycyzm i ekspresjonizm lat 30

W latach trzydziestych XX wieku rzeźbiarz Ivan Meštrović , którego prace były wówczas dobrze znane na całym świecie, przeszedł do klasycyzmu i zachęcał do nowej „śródziemnomorskiej tradycji” w sztuce swoich uczniów. Inni artyści tamtych czasów to Sergej Glumac i Vinko Foretić Rzeźbiarz Frano Kršinić tworzył motywy macierzyństwa i muzyki w marmurze, a Marin Studin tworzył duże dzieła z drewna, brązu i kamienia. Kubistyczne wpływy można znaleźć w pracach Vlado Gecana, Sonji Kovačević Taljević, a surrealizm w pracach Krsto Hegedušića , Vanji Radauša i Antuna Motiki . Na wyspie Brač Ignjat Job malował kolorowe pejzaże w osobistym ekspresjonistycznym stylu. [ potrzebne źródło ]

Archaiczny surrealizm Motiki

W latach 50. Antun Motika wywołał silną reakcję krytyków swoją wystawą rysunków archaicznego surrealizmu ( Arhajski nadrealizam ). Wystawa wywarła trwały wpływ na chorwackie kręgi artystyczne i jest powszechnie uważana za najodważniejsze odrzucenie dogmatycznych ram socrealizmu w Chorwacji. Motika nie był przywiązany do żadnej szkoły artystycznej ani dogmatu, uwielbiał eksperymentować. Jego wpływ na Picassa , który podobno wychwalał Motikę, jest widoczny zwłaszcza w jego wczesnych pracach, kiedy Motika wykorzystywał zarówno zasady formy neoklasycznej figuracji, jak i syntetyczny kubizm. Motika miał również tendencje impresjonistyczne i postimpresjonistyczne, które charakteryzują wiele z jego najbardziej znanych dzieł. Motika został profesorem w Mostarze , gdzie mieszkał i tworzył od 1929 do 1940. Jego obrazy z Cykli Mostaru , powstałe w tym okresie, również pozostawiły ślad i są uważane za „najbardziej radykalne pejzaże z tradycji mimikry w dziedzina malarstwa abstrakcyjnego w chorwackim modernizmie”.

Sztuka naiwna

Sztuka naiwna lub prymitywna to odrębny segment sztuki XX wieku. W Chorwacji sztuka naiwna była początkowo związana z twórczością chłopów i robotników, zwykłych mężczyzn i kobiet, z których z biegiem czasu odnoszący największe sukcesy stali się profesjonalnymi artystami. Sztuka naiwna zakłada twórczość artystów mniej lub bardziej samouków, malarzy i rzeźbiarzy bez formalnego wykształcenia artystycznego, ale którzy osiągnęli własny styl twórczy i wysoki poziom artystyczny. Identyfikowalny indywidualny styl i poetycki charakter odróżnia Naiwnego od innych „amatorskich” malarzy i rzeźbiarzy oraz od ogólnego samouka. Spojrzenie artysty naiwnego zwykle przejawia niezwykłe proporcje i perspektywę oraz pewne nielogiczności formy i przestrzeni. Takie cechy są wyrazem wolnej twórczej wyobraźni, podobnie jak inne ruchy artystyczne XX wieku, takie jak symbolizm , ekspresjonizm , kubizm i surrealizm .

W Chorwacji sztuka naiwna jest również postrzegana jako ruch demokratyczny, ponieważ ruch ten dowodzi, że każdy może tworzyć wartościową sztukę, niezależnie od formalnego wykształcenia. W ramach tych form sztuki różne emocjonalne cechy dzieł są często bardziej widoczne niż jakakolwiek panująca forma logiki lub rozumu. Typowe tematy to: „radość życia”, „zapomniana natura”, „utracone dzieciństwo” i „cud nad światem”. Jednak sztuka naiwna odzwierciedla nie tylko pozytywne aspekty życia, w obrębie tego gatunku można również znaleźć mroczne i tragiczne motywy.

Sztuka naiwna po raz pierwszy pojawiła się w Chorwacji na początku lat 30. XX wieku, kiedy 13 września 1931 r. Pawilon Sztuki w Zagrzebiu zaprezentował wystawę stowarzyszenia artystów zatytułowaną Kraj ( Zemlja ). Spośród wystawianych artystów szczególnie wyróżniało się dwóch: Ivan Generalić , który przedstawił trzy rysunki i dziewięć akwareli oraz Franjo Mraz , który wystawił trzy akwarele. Artyści starali się pokazać, że talent tkwi nie tylko w określonych klasach społecznych czy przywilejach i zaczęli kojarzyć się ze sztuką naiwną i malarstwem wiejskim lub artystami ze wsi, a nie z miast. Tematy w chorwackiej sztuce naiwnej rozgałęziły się w latach pięćdziesiątych XX wieku, od wsi po „klasykę osobistą”, która obejmowała zabytki architektury i przedmioty, i zapoczątkowały okres znany jako „nowoczesna sztuka prymitywna”.

Grupa Ziemi

Rzeźba autorstwa Antuna Augustinčicia na cmentarzu Mirogoj w Zagrzebiu

Grupa Ziemi ( Grupa Zemlja ) to chorwaccy artyści, architekci i intelektualiści działający w Zagrzebiu w latach 1929-1935. Grupa miała orientację marksistowską i była częściowo wzorowana na „ Neue Sachlichkeit ”, co doprowadziło do bardziej stylizowanych form i pojawienie się malarstwa naiwnego . W skład grupy weszli malarze Krsto Hegedušić , Edo Kovačević , Omer Mujadžić, Kamilo Ružička, Ivan Tabaković i Oton Postružnik , rzeźbiarze Antun Augustinčić , Frano Kršinić i architekt Drago Ibler . Grupa Earth szukała odpowiedzi na problemy społeczne. W swoim programie kładli nacisk na niezależną ekspresję twórczą i sprzeciwiali się bezkrytycznemu kopiowaniu obcych stylów. Zamiast tworzyć sztukę dla sztuki, czuli, że powinna ona odzwierciedlać rzeczywistość życia i potrzeby współczesnej społeczności. Działania na wystawach grupy były coraz bardziej prowokacyjne dla ówczesnego rządu, aw 1935 roku grupa została zdelegalizowana.

Szkoła Hlebina

Szkoła Hlebine to termin odnoszący się do grupy malarzy naiwnych pracujących w wiosce Hlebine , w pobliżu granicy węgierskiej lub w jej pobliżu, od około 1930 roku. Szkoła rozwinęła się dzięki zachęcie udzielonej przez Krsto Hegedušića młodemu malarzowi Ivanowi Generalićowi , którego spotkali się w 1930 roku. Generalić i jego przyjaciele Franjo Mraz (również pochodzący z Hlebine) i Mirko Virius (z pobliskiej wsi Đelekovec ) utworzyli zalążek grupy. W 1931 roku zostali zaproszeni na wystawę z grupą Earth, która przyniosła publiczne uznanie, a sztuka naiwna stała się popularną formą artystycznej ekspresji w Chorwacji, stanowiąc mocny społeczny komunikat o surowości wiejskiego życia. Generalić był pierwszym mistrzem szkoły Hlebine i pierwszym, który rozwinął charakterystyczny styl osobisty, osiągając wysoki standard w swojej sztuce.

Po drugiej wojnie światowej następna generacja malarzy Hlebine skupiła się bardziej na stylizowanych przedstawieniach wiejskiego życia zaczerpniętych z wyobraźni. Generalić nadal był postacią dominującą i zachęcał młodszych artystów, w tym jego syna Josipa Generalicia . W latach pięćdziesiątych XX wieku szkoła stała się znana na całym świecie i pokazywała swoje prace na czołowych wystawach, takich jak Biennale Sztuki w São Paulo w 1955 roku. Chorwackie Muzeum Sztuki Naiwnej w Zagrzebiu posiada obszerną ekspozycję prac szkoły Hlebine i innych naiwnych artyści.

Do najbardziej znanych artystów naiwnych należą: Dragan Gaži , Ivan Generalić , Josip Generalić , Krsto Hegedušić , Mijo Kovačić , Ivan Lacković-Croata , Franjo Mraz , Ivan Večenaj i Mirko Virius .

Sztuka współczesna

Mozaika autorstwa Edo Murtica w Mirogoj w Zagrzebiu

Podczas II wojny światowej wielu artystów opuściło kraj, podczas gdy inni dołączyli do partyzantów i pracowali nad sztuką użytkową, taką jak plakaty i druki wspierające wysiłek wojenny. W latach bezpośrednio powojennych nowy reżim komunistyczny w Jugosławii wprowadził sowiecki model socrealizmu, a odmowa udziału w wystawach stała się popularnym środkiem oporu artystów. Jednak po zerwaniu Tito ze Stalinem i Związkiem Radzieckim w 1948 roku nastąpił powrót do większej swobody artystycznej.

Identyfikacja cech sztuki współczesnej lub postmodernistycznej w Chorwacji może być trudna do określenia. Cechami wspólnymi są obrazy, rzeźby i instalacje geometryzujące i symboliczno-metaforyczne. Do najbardziej znanych współczesnych artystów należą malarze Julije Knifer , Edo Murtić , Oton Gliha i rzeźbiarz Ivan Kožarić .

EXAT 51

EXAT 51 (nazwa oznacza Atelier Eksperymentalne ) to grupa artystów i architektów (1951–56), której programem była abstrakcja geometryczna w malarstwie, nowe sposoby operowania przestrzenią w architekturze oraz zniesienie rozróżnienia na sztuki piękne i użytkowe . Ich idee wiele zawdzięczały rosyjskiej awangardzie konstruktywistycznej i doświadczeniom niemieckiego Bauhausu , a Exat chciał zaangażować artystów w kształtowanie środowiska z podejściem eksperymentalnym i kreatywnym. Członkami grupy byli architekci Bernardo Bernardi, Zdravko Bregovac, Zvonimir Radić, Božidar Rašica , Vjenceslav Richter , Vladimir Zarahović oraz malarze Vlado Kristl , Ivan Picelj , Božidar Rašica i Aleksandar Srnec . [ potrzebne źródło ]

Pierwszy manifest Exata z 1951 roku został zaciekle zaatakowany przez tradycyjny establishment artystyczny. Jednak wystawa malarstwa grupy w 1952 roku w Zagrzebiu cieszyła się dużym zainteresowaniem, aw tym samym roku grupa uczestniczyła w VII Salon des Réalités Nouvelles w Paryżu. W 1953 roku w Towarzystwie Chorwackich Architektów odbyła się wystawa malarstwa i tam grupa wydała drugi manifest w odpowiedzi na krytykę. Kolejne eksponaty pojawiły się w Belgradzie (1953), Rijece (1954,1956), Dubrowniku (1956) i wreszcie w Belgradzie (1956). Pod ich wpływem chorwaccy artyści przeszli w stronę bardziej kreatywnych i osobistych form wyrazu, w stronę surrealizmu i lirycznej abstrakcji .

EXAT 51 odegrał kluczową rolę w założeniu Triennale Sztuki Stosowanej w Zagrzebiu oraz w utworzeniu Pracowni Wzornictwa Przemysłowego w 1955 roku. Prekursor Muzeum Sztuki Współczesnej, Zagrzeb, został założony w 1954 roku jako bezpośredni rezultat ich wysiłków.

Grupa Gorgona

Pomnik pisarza AG Matosa autorstwa Ivana Kožaricia , Zagrzeb, 1978

Gorgona to grupa artystów działających w Zagrzebiu w latach 1959-1966, którzy opowiadali się za niekonwencjonalnymi formami wizualnej ekspresji artystycznej. W jej skład weszli malarze Josip Vaništa, Julije Knifer , Marijan Jevšovar , Đuro Seder , rzeźbiarz Ivan Kožarić , teoretycy i krytycy sztuki Radoslav Putar, Matko Meštrović, Dimitrije Bašičević (Mangelos) i architekt Miljenko Horvat. Pojedynczo byli znaczącymi przedstawicielami własnych dziedzin artystycznych, a razem mieli ogromny wpływ na kierunek sztuki współczesnej w Chorwacji. Oprócz pracy w bardziej tradycyjnych technikach byli pionierami radykalnych form artystycznej ekspresji związanych z egzystencjalizmem , neodadaizmem i protokonceptualizmem . Ich anty-magazyn Gorgona (11 numerów opublikowanych w latach 1961–1966) został po prostu zaprojektowany, a każde wydanie miało na celu zaprezentowanie twórczości i poglądów jednego artysty i samo w sobie było drukowanym dziełem sztuki. Grupa była pochłonięta absurdem, wysyłała ludziom zaproszenia na wydarzenia, które nigdy się nie odbyły, umieszczała ogłoszenia sprzedaży błahych przedmiotów, planowała niewykonalne projekty, a nawet posuwała się do tego, że wykluczała publiczność, by mieć całe miejsce dla siebie. Publikacja „Gorgona” i działalność grupy wzbudziły zainteresowanie międzynarodowych środowisk artystycznych, które miały częsty kontakt z takimi artystami jak Dieter Roth , Victor Vasarely , Piero Manzoni , Lucio Fontana czy Robert Rauschenberg .

Nowe Tendencje

Meandar autorstwa Julije Knifer

W latach 1961–1973 zorganizowano pięć międzynarodowych wystaw pod tytułem Nowe Tendencje. Kontynuowali rozwój idei podniesionych przez Exat 51 w latach pięćdziesiątych i stanowili część szerszego europejskiego postinformel w latach sześćdziesiątych i siedemdziesiątych. Były to inicjatywy historyków i krytyków sztuki Dimitrije Bašičevića , Božo Beka, Borisa Kelemena, Radoslava Putara, Matko Meštrovicia oraz artystów Ivana Picelja , Vjenceslava Richtera , Julije Knifera , Aleksandara Srneca , później przez grupę młodszych artystów: Juraja Dobrovića , Miroslava Šutej , Mladen Galić , Ljerka Šibenik i Ante Kuduz.

Wystawy koncentrowały się głównie na neokonstruktywizmie , prezentując osiągnięcia artystyczne w szerokiej gamie mediów, takich jak grafika komputerowa , sztuka konceptualna , sztuka performance i sztuka środowiska , a także badanie teorii i praktyki łączenia sztuki ze społeczeństwem. Wystawy odbywały się w wielu muzeach i galeriach w całym Zagrzebiu, prezentując najnowsze prace artystów o międzynarodowej renomie.

Na pierwszej wystawie w 1961 roku wspólnym tematem było badanie relacji między strukturą a powierzchnią oraz początki sztuki programowanej i kinetycznej , temat ten miał być rozwinięty na kolejnej wystawie w 1963 roku. Eksperymenty z percepcją wzrokową dały wymiar naukowy, a do trzeciej wystawy w 1965 roku artyści badali relacje między cybernetyką a sztuką, a wydarzenia obejmowały sympozjum na ten temat. Wystawa i kolokwium z lat 1968/69 dalej zajmowały się ideami teorii informacji i estetyki, zatytułowane „Komputery i badania wizualne”. Na wystawie z 1973 roku pojawiły się dwa nowe działy - jeden poświęcony sztuce konceptualnej, drugi zatytułowany "Płótno". Odbyło się również sympozjum „Racjonalne i irracjonalne w sztuce współczesnej”. Zaplanowano 6. wystawę Nowych Tendencji, która nigdy się nie odbyła. W 1978 roku odbyło się międzynarodowe sympozjum i wystawa będąca przeglądem przemian artystycznych lat 1966-1978.

Do najważniejszych dzieł należą rzeźby Vojina Bakicia , płaskorzeźby, obrazy i grafiki Juraja Dobrovića oraz obrazy, rzeźby i ruchome grafiki Miroslava Šuteja .

Nowe media

W latach 1966-1974 scena sztuk wizualnych w Chorwacji rozszerzyła się, podobnie jak w innych częściach świata, o sztukę nowych mediów . Minimal art , Pop-art i formy geometryczne Nowych Tendencji połączyły się w nową generację artystów charakteryzujących się wolnym duchem roku 1968 i pomysłami na zmianę świata. Używali środków masowego przekazu jako środka do wyrażania swoich indywidualnych spostrzeżeń i poglądów. W Chorwacji ruch ten był znany jako „nowa praktyka artystyczna”, podkreślając znaczenie udziału artysty w tym procesie. Zakwestionowano samo pojęcie sztuki i jej funkcję. Analiza koncepcji kultury, społeczeństwa, polityki i ekonomii doprowadziła do powstania nowych mediów jako form ekspresji, takich jak fotografia , wideo , performance , interwencje przestrzenne i instalacje . Prace były najczęściej konceptualne lub środowiskowe , a nacisk przesunął się z zasad estetycznych na etyczne. W połowie lat siedemdziesiątych nastało rozczarowanie, grupy się rozpadły, a część artystów opuściła kraj.

Wśród artystów, którzy wywarli największe wrażenie w „nowej praktyce artystycznej” poprzez indywidualne wystawy lub akcje grupowe i interwencje miejskie, byli Željko Borčić, Boris Bućan, Vlasta Delimar, Slavomir Drinković, Braco Dimitrijević, Ladislav Galeta, Stanka Gjuric, Tomislav Gotovac , Sanja Iveković , Dean Jokanović, Jagoda Kaloper , Željko Kipke , Dalibor Martinis, Marijan Molnar, Goran Petercol, Ante Rašić, Josip Stošić, Davor Tomičić, Goran Trbuljak, Gorki Žuvela, Grupa Sześciu Artystów ( Vlado Martek , Željko Jerman , Boris Demur, Mladen Stilinović , Sven Stilinović, Fedor Vučemilović) oraz Group Flow (Vladimir Gudac, Dubravko Budić, Davor Lončarić, Ivan Šimunović, Gustav Zechel i Darko Zubčević).

Grupa Biafra

Biafra (1970–1978) była grupą chorwackich artystów, którzy zbuntowali się przeciwko ówczesnym konwencjom artystycznym, społecznym i kulturowym i poprzez swoją sztukę zajmowali się realnymi problemami. Poszczególni członkowie reprezentowali różne style, od pop-artu i minimalizmu po nową figurację. Rzeźbiarze grupy wykorzystali w swoich pracach nowe materiały, takie jak poliester, plastik, juta, aluminium i wełna szklana, podczas gdy malarze zaangażowali się w pomysłowe, wyraziste, bogate kolory. Treść ich sztuki była ekspresjonistyczna , jasna i bezpośrednia. Na ulicach organizowano wystawy i zajęcia, prezentując swoje pomysły bezpośrednio publiczności. Grupa pierwotnie składała się z młodych rzeźbiarzy Branko Bunić, Stjepan Gračan, Ratko Petrić i Miro Vuco. Z biegiem lat członkostwo rozszerzyło się o Ivana Lesiaka, Zlatko Kauzlaricia Atača, Rudolfa Labaša, Vlado Jakelića, Stanko Jančicia, Ratko Janjić-Jobo, Đurđicę Zanoški-Gudlin i Emila Roberta Tanay.

Nowy obraz, lata 80. i ku nowemu tysiącleciu

W Pawilonie Sztuki w 1981 roku Salon Młodych pokazał prace 12 młodych malarzy, którzy zaprezentowali powrót do malarstwa i obrazu. Nurt ten stał się znany jako Nowy Obraz ( Nova Slika ), co było również widoczne na wystawie Galerii Sztuki Współczesnej „Włoska Trans-Awangarda”, prezentującej prace artystów włoskich i jugosłowiańskich. Nowy wizerunek przyniósł nowe środki wyrazu i nową wrażliwość na intymność i symbolikę. Ślady nowego wizerunku można odnaleźć na przełomie lat 70. i 80. w Zagrzebiu, na najważniejszych wystawach w Nowym Jorku, Londynie, Biennale w Wenecji (1980 ) i Biennale Młodych w Paryżu 1980. Lata 80. przywróciły malarstwo do pozornie bardziej tradycyjnych ram. Autorzy tacy jak Edita Schubert, Nina Ivančić , Star Fio, Đuro Seder , Anto Jerković i Jelena Perić charakteryzują się cytatami sięgającymi od kultury wysokiej do masowej.

Dialog wewnętrzny ( Unutarnji razgovor ) autorstwa Đuro Sedera, 1991

Ponadto lata 80. przyniosły odrzucenie ograniczeń i pojawiło się bardziej zróżnicowane indywidualne podejście do sztuki oraz poszukiwania malarstwa i rzeźby. Niektórzy koncentrowali się na znaczeniu i treści dzieła, podczas gdy dla innych ważniejsza była narracja, aw sztuce konceptualnej medium w coraz większym stopniu definiowało dzieło. Awangardowe trendy poprzednich dekad ustąpiły miejsca ponownemu wprowadzeniu bardziej tradycyjnych mediów w bardziej osobistym stylu, ale jednocześnie pojawiło się bardziej wyrafinowane poczucie konceptualizmu - prowadzące do bardziej zmaterializowanych form.

Już w latach 70. i 80. kilku starszych chorwackich artystów ponownie zwróciło się w stronę malarstwa i bardziej tradycyjnych mediów. Na przykład twórczość Ferdinanda Kulmera i Đuro Sedera przyniosła znaczące zmiany w malarstwie chorwackim, a rzeźbiarz Ivan Kožarić dokonał przeglądu swojej twórczości w odniesieniu do swojej artystycznej przeszłości. W tym samym czasie Dimitrije Bašičević zorganizował wystawę „Konfrontacje”, która zderzyła awangardowe i tradycyjne podejście do sztuki oraz porównała ich wartość i znaczenie.

Lata 90. były znowu czasem wojny, kiedy Chorwacja uzyskała niepodległość od byłej Jugosławii. Cykl „Wojna” Edo Murticia jest mocnym, przejmującym stwierdzeniem, podczas gdy jego wielkoformatowe obrazy przedstawiające niemal abstrakcyjne krajobrazy, takie jak cykl „Montraker” z lat 90., wskazują drogę do przyszłości.

Galerie sztuki i muzea

Zobacz też

Dalsza lektura

Linki zewnętrzne

Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Croatian_art_of_the_20th_century&oldid=1133295789 ”