Ania Hala

Dla Wysokiego Szeryfa Derbyshire, zobacz Annie Hall (wysoki szeryf) .

Anniehallposter.jpg
Plakat kinowej premiery
Annie Hall
W reżyserii Woody'ego Allena
Scenariusz
Wyprodukowane przez
W roli głównej
Kinematografia Gordona Willisa
Edytowany przez
Muzyka stworzona przez Zobacz ścieżkę dźwiękową
Firma produkcyjna
Dystrybuowane przez Zjednoczeni Artyści
Daty wydania
Czas działania
 93 minuty
Kraj Stany Zjednoczone
Języki
angielski niemiecki
Budżet 4 miliony dolarów
kasa 44 miliony dolarów (USA / Wielka Brytania)

Annie Hall to amerykański satyryczny komediodramat romantyczny z 1977 roku , wyreżyserowany przez Woody'ego Allena na podstawie scenariusza napisanego przez niego i Marshalla Brickmana , a wyprodukowany przez menedżera Allena, Charlesa H. Joffe . W filmie występuje Allen jako Alvy Singer, który próbuje znaleźć przyczyny niepowodzenia swojego związku z tytułową główną kobietą, graną przez Diane Keaton w roli napisanej specjalnie dla niej.

Zdjęcia do filmu rozpoczęły się 19 maja 1976 roku w South Fork na Long Island i trwały przez następne dziesięć miesięcy. Allen opisał wynik, który oznaczał jego pierwszą współpracę z operatorem Gordonem Willisem , jako „główny punkt zwrotny”, ponieważ w przeciwieństwie do fars i komedii, które były jego dotychczasowymi pracami, wprowadził nowy poziom powagi. Naukowcy zauważyli kontrast w scenerii Nowego Jorku i Los Angeles, stereotyp płciowych różnic w seksualności, prezentację żydowskiej tożsamości oraz elementy psychoanaliza i modernizm .

Annie Hall została pokazana na Festiwalu Filmowym w Los Angeles 27 marca 1977 roku, przed oficjalną premierą w Stanach Zjednoczonych 20 kwietnia 1977 roku. Film był bardzo chwalony, był nominowany do Wielkiej Piątki Oscarów , zdobywając cztery: Nagroda dla najlepszego filmu , dwie dla Allena ( najlepszy reżyser i, z Brickmanem, najlepszy scenariusz oryginalny ) oraz najlepsza aktorka dla Keatona. Film zdobył dodatkowo cztery nagrody BAFTA i Złoty Glob , ten ostatni został przyznany Keatonowi. Wpływy ze sprzedaży biletów w Stanach Zjednoczonych i Kanadzie w wysokości 38 251 425 dolarów to czwarte najlepsze z dzieł Allena, jeśli nie uwzględniono inflacji.

Zaliczając się do najlepszych filmów, jakie kiedykolwiek powstały, zajmuje 31. miejsce na liście największych filmów kina amerykańskiego AFI, 4. miejsce na ich liście najlepszych filmów komediowych i 28. miejsce na liście „100 najzabawniejszych filmów” Bravo. Krytyk filmowy Roger Ebert nazwał to „prawie ulubionym filmem Woody'ego Allena przez wszystkich”. Scenariusz filmu został również uznany za najzabawniejszy, jaki kiedykolwiek napisano przez Writers Guild of America na liście „101 najzabawniejszych scenariuszy”. W 1992 roku Biblioteka Kongresu wybrał film do zachowania w Narodowym Rejestrze Filmów Stanów Zjednoczonych jako „ważny kulturowo, historycznie lub estetycznie”.

Działka

Komik Alvy Singer próbuje zrozumieć, dlaczego jego związek z Annie Hall zakończył się rok temu. Dorastając na Brooklynie , irytował matkę niemożliwymi pytaniami o pustkę istnienia, ale był przedwcześnie rozwinięty w swojej niewinnej ciekawości seksualnej, nagle całując koleżankę z klasy w wieku sześciu lat i nie rozumiejąc, dlaczego nie była chętna do odwzajemnienia.

Annie i Alvy, stojąc w kolejce do filmu The Sorrow and the Pity , słyszą, jak inny mężczyzna wyśmiewa twórczość Federico Felliniego i Marshalla McLuhana ; Alvy wyobraża sobie, że sam McLuhan wkracza na jego zaproszenie, by skrytykować zrozumienie mężczyzny. Tej nocy Annie nie wykazuje zainteresowania seksem z Alvym. Zamiast tego rozmawiają o jego pierwszej żonie, której zapał nie sprawiał mu przyjemności. Jego drugie małżeństwo było z nowojorskim pisarzem, który nie lubił sportu i nie mógł osiągnąć orgazmu.

Z Anią jest inaczej. Oboje dobrze się bawią, gotując razem posiłek z gotowanego homara. Dokucza jej z powodu niezwykłych mężczyzn z jej przeszłości. Poznali się, grając w tenisa z przyjaciółmi. Po meczu niezręczna pogawędka prowadzi ją do zaproponowania mu podwiezienia do centrum miasta, a potem kieliszka wina na jej balkonie. Tam to, co wydawało się łagodną wymianą trywialnych danych osobowych, ujawnia się w „mentalnych napisach” jako eskalacja flirtu. Ich pierwsza randka następuje po przesłuchaniu Annie do nocnego klubu („ To musiałeś być ty ”). Po ich kochaniu się tej nocy Alvy jest „wrakiem”, podczas gdy Annie relaksuje się przy jointu .

Wkrótce Annie przyznaje, że kocha Alvy'ego, podczas gdy on kupuje jej książki o śmierci i mówi, że jego uczucia do niej to coś więcej niż miłość. Kiedy wprowadza się do niego Annie, sytuacja staje się bardzo napięta. W końcu Alvy znajduje ramię w ramię z jednym z jej profesorów z college'u i obaj zaczynają się kłócić, czy jest to „elastyczność”, o której rozmawiali. W końcu zrywają, a on szuka prawdy o związkach, pyta nieznajomych na ulicy o naturę miłości, kwestionuje swoje lata młodości i wyobraża sobie swoją kreskówkową wersję, kłócącą się z kreskówkową Annie przedstawioną jako Zła Królowa w Królewnie Śnieżce .

Alvy próbuje wrócić do randek, ale ten wysiłek psuje nerwica oraz epizod złego seksu, który zostaje przerwany, gdy Annie dzwoni w środku nocy, nalegając, aby natychmiast przyszedł i zabił dwa pająki w jej łazience. Następuje pojednanie połączone z przysięgą, że pozostaniemy razem, niezależnie od tego, co się stanie. Jednak ich osobne dyskusje z terapeutami wyraźnie pokazują, że istnieje niewypowiedziana i nie do pokonania przepaść. Kiedy Alvy przyjmuje ofertę wręczenia nagrody w telewizji, jadą do Los Angeles z przyjacielem Alvy'ego, Robem. Jednak w drodze powrotnej zgadzają się, że ich związek nie działa. Po utracie Annie na rzecz jej producenta muzycznego Tony'ego Lacey'a, Alvy bezskutecznie próbuje rozpalić płomień na nowo oświadczynami. Po powrocie do Nowego Jorku wystawia sztukę o ich związku, ale zmienia zakończenie: teraz ona się zgadza.

Ostatnie spotkanie Annie i Alvy'ego to smutna koda na Upper West Side na Manhattanie po tym, jak oboje przenieśli się do kogoś nowego. Głos Alvy'ego powraca z podsumowaniem: miłość jest niezbędna, zwłaszcza jeśli jest neurotyczna. Annie śpiewa „ Wydaje się, że to stare czasy ” i pojawiają się napisy końcowe.

Rzucać

Truman Capote , na zdjęciu tutaj w 1959 roku, miał epizodyczną rolę w filmie.

Truman Capote ma epizod. Alvy żartuje na temat przechodzących ludzi. Mówi: „Oto zwycięzca konkursu sobowtórów Trumana Capote”, gdy Truman Capote przechodzi przez kadr. Kilku aktorów, którzy później zyskali większy rozgłos, miało małe role w filmie: John Glover jako aktor, chłopak Annie, Jerry; Jeff Goldblum jako człowiek, który „zapomniał [swojej] mantry ” na przyjęciu bożonarodzeniowym Tony'ego Laceya; Beverly D'Angelo jako aktorka w programie telewizyjnym Roba; i Sigourney Weaver , w swoim debiucie filmowym, w końcowej sekwencji jako randka Alvy'ego w kinie. Pojawia się również Laurie Bird , dwa lata przed jej samobójstwem.

Styl i technika

Technicznie rzecz biorąc, film oznaczał postęp dla reżysera. Wybrał Gordona Willisa na swojego operatora - dla Allena „bardzo ważny nauczyciel” i „techniczny czarodziej”, mówiąc: „Naprawdę uważam Annie Hall za pierwszy krok ku dojrzałości w kręceniu filmów”. W tamtym czasie wielu uważało to za „dziwną parę”, w tym Keaton. Reżyser był znany ze swoich komedii i fars, podczas gdy Willis był znany jako „książę ciemności” za pracę nad dramatycznymi filmami, takimi jak Ojciec chrzestny . Mimo to obaj zaprzyjaźnili się podczas kręcenia i kontynuowali współpracę przy kilku późniejszych filmach, w tym Zeligu , który przyniósł Willisowi pierwszą nominację do Oscara za najlepsze zdjęcia .

Willis opisał produkcję filmu jako „stosunkowo łatwą”. Strzelał w różnych stylach; „gorące złote światło dla Kalifornii , szare zachmurzenie dla Manhattanu i lśniące Hollywood lat czterdziestych dla… sekwencji snów”, z których większość została wycięta. To jego sugestia skłoniła Allena do sfilmowania scen z podwójną terapią w jednym zestawie podzielonym ścianą zamiast zwykłej metody podzielonego ekranu . Próbował długich ujęć, z kilkoma ujęciami, pełnych, trwających całą scenę, co według Eberta dodaje dramatyzmu filmowi: „Niewielu widzów prawdopodobnie zauważa, jak bardzo Annie Hall składa się z ludzi mówiących, po prostu mówiących. Chodzą i rozmawiają, siedzą i rozmawiają, chodzą do psychiatry, idą na lunch, kochają się i rozmawiają, rozmawiają z kamerą lub rozpoczynają natchnione monologi, jak Annie, która opisuje Alvy'emu swoją rodzinę. być takie przemówienie… wszystko zrobione w jednym ujęciu genialnej gry na przewagi ” . filmy nakręcone w 1977 r. miały średnią długość ujęcia 4–7 s. Peter Cowie sugeruje, że „Allen przerywa swoje rozszerzone ujęcia bardziej ortodoksyjnymi cięciami tam iz powrotem w fragmentach rozmów, tak aby utrzymać tempo filmu”. Bernd Herzogenrath zauważa innowację w wykorzystaniu podzielonego ekranu podczas sceny kolacji, aby mocno wyolbrzymić kontrast między rodziną żydowską a nieżydowską.

Choć film zasadniczo nie jest eksperymentalny, w kilku miejscach podważa narracyjną rzeczywistość. James Bernardoni zwraca uwagę na sposób, w jaki Allen otwiera film, odwracając się twarzą do kamery, co natychmiast wpływa na zaangażowanie publiczności w film. W jednej scenie postać grana przez Allena, stojąca w kolejce do kina z Annie, słucha mężczyzny stojącego za nim, który wygłasza nieprawdziwe przemówienia na temat znaczenia pracy Felliniego i Marshalla McLuhana. Allen odciąga samego McLuhana sprzed kamery, aby osobiście poprawić błędy mężczyzny. W dalszej części filmu, kiedy widzimy Annie i Alvy podczas ich pierwszej dłuższej rozmowy, „mentalne napisy” przekazują widzom nerwowe wewnętrzne wątpliwości bohaterów. Animowana scena — z grafiką opartą na komiks Inside Woody Allen — przedstawia Alvy'ego i Annie w przebraniu Złej Królowej z Królewny Śnieżki . Chociaż Allen używa każdej z tych technik tylko raz, „ czwarta ściana ” zostaje przełamana jeszcze kilka razy, gdy postacie zwracają się bezpośrednio do kamery. W jednym Alvy zatrzymuje kilku przechodniów, by zadać pytania o miłość, aw innym wzrusza ramionami, opisując szczęśliwe zakończenie swojego związku z Annie w swojej autobiograficznej pierwszej sztuce jako wybaczalne „spełnienie życzeń”. Allen zdecydował, że Alvy przełamie czwartą ścianę , wyjaśnił, „ponieważ czułem, że wielu ludzi na widowni ma te same uczucia i te same problemy. Chciałem z nimi bezpośrednio porozmawiać i skonfrontować się z nimi”.

Produkcja

Pismo

Pomysł na to, co miało stać się Annie Hall, powstał, gdy Allen spacerował po Nowym Jorku ze współautorem scenariusza, Marshallem Brickmanem . Para często omawiała projekt, czasami frustrując się i odrzucając pomysł. Allen napisał pierwszy szkic scenariusza w ciągu czterech dni, wysyłając go do Brickmana w celu wprowadzenia zmian. Według Brickmana ten szkic dotyczył mężczyzny po czterdziestce, którego życie składało się „z kilku wątków”. Jednym z nich był związek z młodą kobietą, innym troska o banalność życia, które wszyscy prowadzimy, a trzecim obsesja na punkcie sprawdzania się i testowania siebie, aby dowiedzieć się, jaki ma charakter. Sam Allen skończył czterdzieści lat w 1975 roku, a Brickman sugeruje, że „podeszły wiek” i „martwienie się śmiercią” wpłynęły na filozoficzne, osobiste podejście Allena, które uzupełniło jego „komercyjną stronę”. Allen podjął świadomą decyzję, by „poświęcić część śmiechu dla opowieści o ludziach”. Uznał, że po raz pierwszy miał odwagę porzucić bezpieczeństwo kompletnej szerokiej komedii i miał wolę wyprodukowania filmu o głębszym znaczeniu, który byłby pokrzepiającym doświadczeniem dla widzów. Był także pod wpływem komediodramatu Federico Felliniego 8½ (1963), stworzony w podobnym osobistym punkcie zwrotnym i podobnie zabarwiony psychoanalizą każdego reżysera .

Brickman i Allen przesyłali scenariusz tam iz powrotem, dopóki nie byli gotowi poprosić United Artists o 4 miliony dolarów. Wiele elementów z wczesnych szkiców nie przetrwało. Pierwotnie był to dramat skupiający się na tajemnicy morderstwa z komicznym i romantycznym wątkiem pobocznym. Według Allena morderstwo miało miejsce po scenie, która pozostaje w filmie, sekwencji, w której Annie i Alvy tęsknią za filmem Ingmara Bergmana Face to Face (1976). Chociaż postanowili porzucić spisek morderstwa, Allen i Brickman wiele lat później stworzyli tajemnicę morderstwa: Tajemnica morderstwa na Manhattanie (1993), także z udziałem Diane Keaton. Szkic, który Allen przedstawił montażyście filmu, Ralphowi Rosenblumowi , kończył się słowami „koniec do nakręcenia”.

Allen zasugerował jako tytuł roboczy Anhedonia , termin określający niezdolność do odczuwania przyjemności, a Brickman zasugerował alternatywy, w tym It Had to Be Jew , Rollercoaster Named Desire oraz Me and My Goy . Agencja reklamowa, zatrudniona przez United Artists, zaakceptowała wybór niejasnego słowa Allena, sugerując studiu usunięcie reklam prasowych, które wyglądały jak fałszywe nagłówki tabloidów, takie jak „Anhedonia Strikes Cleveland!”. Jednak Allen eksperymentował z kilkoma tytułami w ciągu pięciu pokazów testowych, w tym Niepokój i Annie i Alvy , przed osiedleniem się w Annie Hall .

Odlew

Kilka odniesień w filmie do własnego życia Allena wywołało spekulacje, że jest to film autobiograficzny. Zarówno Alvy, jak i Allen byli komikami. Jego urodziny pojawiają się na tablicy w szkolnej scenie, a „Alvy” było jednym z przezwisk Allena z dzieciństwa; pewne cechy jego dzieciństwa można znaleźć u Alvy'ego Singera; Allen studiował na New York University , podobnie jak Alvy. Prawdziwe nazwisko Diane Keaton to „Hall”, a „Annie” to jej przezwisko, a ona i Allen byli kiedyś romantycznie związani. Jednak Allen szybko odrzuca te sugestie. „Rzeczy, które ludzie twierdzą, że są autobiograficzne, prawie zawsze nimi nie są” – powiedział Allen. „To jest tak przesadzone, że jest praktycznie bez znaczenia dla ludzi, na których opierają się te małe niuanse. Ludzie wbili sobie do głowy, że Annie Hall była autobiograficzna i nie mogłem ich przekonać, że tak nie jest”. W przeciwieństwie do różnych ankieterów i komentatorów, mówi, Alvy nie jest postacią najbliższą jemu; identyfikował się bardziej z matką (Eve, grana przez Geraldine Page ) w swoim kolejnym filmie, Wnętrza . Mimo to Keaton stwierdził, że związek między Alvy i Annie był częściowo oparty na jej związku z reżyserem.

Rola Annie Hall została napisana specjalnie dla Keatona, który pracował z Allenem przy filmach Play It Again, Sam (1972), Sleeper (1973) oraz Love and Death (1975). Uważała tę postać za „uprzejmą wersję” siebie - obie były „półwyartykułowane, marzyły o byciu piosenkarką i cierpiały z powodu niepewności” - i była zaskoczona zdobyciem Oscara za swój występ. Film jest także drugą współpracą Allena i Tony'ego Robertsa, ich poprzednim projektem był Play It Again, Sam .

Federico Fellini był pierwszym wyborem Allena, który pojawił się na scenie kinowej, ponieważ jego filmy były przedmiotem dyskusji, ale Allen wybrał kulturoznawcę Marshalla McLuhana po tym, jak zarówno Fellini, jak i Luis Buñuel odrzucili występ. Biograf John Baxter twierdzi, że niektórzy członkowie obsady byli zasmuceni traktowaniem ich przez Allena. Reżyser „zachowywał się chłodno” wobec McLuhana, który musiał wrócić z Kanady na ponowne zdjęcia, a Mordecai Lawner , który grał ojca Alvy'ego, twierdził, że Allen nigdy z nim nie rozmawiał. Jednak podczas produkcji Allen rozpoczął dwuletni związek ze Stacey Nelkin , który pojawia się w jednej scenie.

Filmowanie, montaż i muzyka

Woody Allen zobaczył Coney Island Thunderbolt podczas zwiadu i zapisał go w scenariuszu jako dom z dzieciństwa Alvy'ego.

Główne zdjęcia rozpoczęły się 19 maja 1976 roku w South Fork na Long Island od sceny, w której Alvy i Annie gotują żywe homary; kręcenie trwało okresowo przez następne dziesięć miesięcy i często odbiegało od scenariusza. Nie było nic napisane o rodzinnym domu Alvy'ego leżącym pod kolejką górską, ale kiedy Allen szukał miejsc na Brooklynie z Willisem i dyrektorem artystycznym Melem Bourne'em, „zobaczył tę kolejkę górską i… zobaczył dom pod nią. I ja pomyślałem, musimy to wykorzystać”. Podobnie jest z incydentem, w którym Alvy przypadkowym kichnięciem rozrzuca skarb kokainy: choć nie w scenariuszu, żart wyszedł z próby i pozostał w filmie. W testach publiczności ten śmiech był tak długi, że trzeba było dodać znacznie dłuższą pauzę, aby nie zgubić następującego dialogu.

Pierwszy montaż filmu montażysty Ralpha Rosenbluma w 1976 roku rozczarował Brickmana. „Czułem, że film biegł w dziewięciu różnych kierunkach” — wspomina Brickman. „To było jak pierwszy szkic powieści… z którego można by złożyć dwa lub trzy filmy”. Rosenblum scharakteryzował pierwszą część, trwającą dwie godziny i dwadzieścia minut, jako „surrealistyczne i abstrakcyjne przygody neurotycznego żydowskiego komika, który przeżywał na nowo swoje wysoce wadliwe życie i w trakcie satyrował znaczną część naszej kultury… wizualny monolog, bardziej wyrafinowana i bardziej filozoficzna wersja Take the Money and Run Brickman uznał to za „niedramatyczne i ostatecznie nieciekawe, rodzaj ćwiczenia umysłowego”. Zasugerował bardziej liniową narrację.

Relacja w czasie teraźniejszym między Alvy i Annie nie była głównym tematem narracji tej pierwszej części, ale Allen i Rosenblum rozpoznali ją jako dramatyczny kręgosłup i zaczęli przerabiać film „w kierunku tej relacji”. Rosenblum wspominał, że Allen „bez wahania odciął większość pierwszych dwudziestu minut, aby szybciej ustalić Keatona”. Według Allena: „Nie usiadłem z Marshallem Brickmanem i nie powiedziałem:„ Nagramy film o związku ”. Chodzi mi o to, że cała koncepcja obrazu zmieniła się, gdy go wycinaliśmy”.

Ponieważ film był budżetowany na dwa tygodnie postprodukcji zdjęć, pod koniec 1976 roku odbyły się trzy oddzielne zdjęcia do ostatniego segmentu, ale wykorzystano tylko część tego materiału. Kończąca film narracja, w której pojawia się dowcip o tym, że „wszyscy potrzebujemy jajek”, powstała i została nagrana zaledwie dwie godziny przed próbnym pokazem.

W napisach końcowych film nazywa się „ Produkcja Jacka Rollinsa i Charlesa H. Joffe ”; obaj mężczyźni byli menedżerami Allena i otrzymali to samo uznanie w jego filmach od 1969 do 1993 roku. Jednak w przypadku tego filmu Joffe przypisał sobie uznanie producenta i dlatego otrzymał Oscara za najlepszy film . Sekwencja tytułowa zawiera czarne tło z białym tekstem Windsor Light Condensed , projektem, którego Allen używał w swoich kolejnych filmach. Stig Björkman dostrzega pewne podobieństwo do Ingmara Bergmana prosty i spójny projekt tytułu, chociaż Allen mówi, że jego własny wybór jest urządzeniem oszczędzającym koszty.

W filmie słychać bardzo mało muzyki w tle, odejście Allena pod wpływem Ingmara Bergmana. Diane Keaton występuje dwukrotnie w klubie jazzowym: „It Had to be You” i „Seems Like Old Times” (ten ostatni pojawia się ponownie w lektorze na scenie zamykającej). Inne wyjątki to chór chłopięcy „Christmas Medley” grany, gdy bohaterowie jadą przez Los Angeles, allegro Molto z Jupiter Symphony Mozarta ( słyszane , gdy Annie i Alvy jadą przez wieś), wykonanie „Sleepy Lagoon” Tommy'ego Dorseya ", i anodyna okładka Savoy Brown „A Hard Way to Go” grana na przyjęciu w rezydencji postaci granej przez Paula Simona.

Ścieżka dźwiękowa

Uwolnienie

Kasa i wydanie

Annie Hall została pokazana na Festiwalu Filmowym w Los Angeles 27 marca 1977 r., Przed oficjalną premierą w Stanach Zjednoczonych 20 kwietnia 1977 r. Film ostatecznie zarobił 38 251 425 USD (171 mln USD w 2021 r.) W Stanach Zjednoczonych i Kanadzie przeciwko Budżet 4 milionów dolarów, co czyni go 11. najbardziej dochodowym filmem 1977 roku. Na surowych liczbach jest obecnie czwartym najbardziej dochodowym filmem Allena w Stanach Zjednoczonych, po Manhattanie , Hannah i jej siostry oraz O północy w Paryżu ; po uwzględnieniu inflacji liczba brutto czyni go największym hitem kasowym Allena. Grał przez ponad 100 kolejnych tygodni w Londynie i zarobił ponad 5,6 miliona dolarów w Wielkiej Brytanii. Po raz pierwszy został wydany na Blu-ray 24 stycznia 2012 roku wraz z filmem Allena Manhattan (1979). Oba wydania zawierają oryginalne zwiastuny kinowe filmów.

Przyjęcie

krytyczna odpowiedź

Diane Keaton otrzymała uznanie krytyków i liczne wyróżnienia za swój występ.

Annie Hall spotkała się z szerokim uznaniem krytyków po premierze, z dużym uznaniem skierowanym do scenariusza filmu i występów Allena i Keatona.

Tim Radford z The Guardian nazwał ten film „najbardziej skoncentrowanym i odważnym filmem Allena do tej pory”. Vincent Canby z The New York Times wolał Annie Hall od drugiego reżyserskiego dzieła Allena, Take the Money and Run , ponieważ ten pierwszy jest bardziej „ludzki”, a drugi bardziej „kreskówką”. Kilku krytyków pozytywnie porównało ten film do Sceny z małżeństwa Bergmana (1973), w tym Joseph McBride w Variety , który uznał go za „najbardziej trójwymiarowy jak dotąd film Allena” z ambicjami dorównującymi najlepszym Bergmanowi, nawet gdy współgwiazdy stały się „współczesnym odpowiednikiem… Tracy - Hepburn ” .

Bardziej krytycznie, Peter Cowie skomentował, że film „cierpi z powodu obfitości odniesień kulturowych i pobocznych ”. Pisząc dla nowojorskiego magazynu, John Simon nazwał film „niezabawną komedią, kiepskim filmowaniem i zawstydzającym samoobjawieniem” i napisał, że występ Keatona był „w złym guście do oglądania i nieprzyzwoity do pokazania”, mówiąc, że rola powinna była być grana przez Robin Mary Paris, aktorkę, która pojawia się na krótko w scenie, w której Alvy Singer napisał nagą dwupostaciową sztukę opartą na nim i Annie Hall. Recenzja Szymona pt Annie Hall „To film tak bezkształtny, rozwlekły, powtarzalny i bezcelowy, że wydaje się błagać o zapomnienie. W tym przypadku odnosi sukces”.

Film nadal zbiera pozytywne recenzje. W swoim podsumowaniu z 2002 roku Roger Ebert dodał go do swojej listy świetnych filmów i ze zdziwieniem skomentował, że film był „natychmiast znajomy” pomimo swojego wieku, a scenarzysta Slant , Jaime N. Christley, stwierdził, że jednolinijki „nadal wyrywają wnętrzności po 35 lata". Późniejszy krytyk Guardiana , Peter Bradshaw , nazwał go najlepszą komedią wszechczasów, komentując, że „ten cudownie zabawny, nieznośnie smutny film jest cudem pisania komiksów i inspirującym kręceniem filmów”. Johna Marriotta z Radio Times uważało, że Annie Hall był filmem, w którym Allen „odnalazł swój własny, wyjątkowy głos, głos, który odbija się echem w wydarzeniach z mieszanką entuzjazmu i introspekcji”, odnosząc się do „komicznej rozkoszy” wywodzącej się z „porywającej gry Diane Keaton jako zwariowany niewinny ze Środkowego Zachodu i sam Woody jako niezdarny neurotyk z Nowego Jorku”. Magazyn Empire ocenił film na pięć z pięciu gwiazdek, nazywając go „klasykiem”. W 2017 roku Claire Dederer napisała: „ Annie Hall jest największym filmem komiksowym XX wieku [...], ponieważ uznaje niepohamowany nihilizm, który czai się w centrum całej komedii”.

Japoński filmowiec Akira Kurosawa wymienił Annie Hall jako jeden ze swoich ulubionych filmów.

W agregatorze recenzji Rotten Tomatoes film uzyskał ocenę 97% na podstawie 108 recenzji, ze średnią oceną 9,1/10. Krytyczny konsensus strony brzmi: „Wypełniona przejmującymi występami i niszczycielskim humorem Annie Hall stanowi kwantowy skok dla Woody'ego Allena i pozostaje amerykańskim klasykiem”. Metacritic przyznał filmowi ocenę 92 na 100 na podstawie 20 krytycznych recenzji, co wskazuje na „powszechne uznanie”.

Analiza krytyczna

Miłość i seksualność

Woody Allen w Nowym Jorku w 2006 roku

Socjologowie Virginia Rutter i Pepper Schwartz uważają związek Alvy'ego i Annie za stereotyp różnic płciowych w seksualności. Natura miłości to powracający temat dla Allena, a jego współpracownik Tony Roberts opisał ten film jako „historię każdego, kto się zakochuje, a potem odkochuje i idzie dalej”. Alvy szuka celu miłości, starając się przezwyciężyć depresję związaną z upadkiem jego związku z Annie. Czasami przegląda swoje wspomnienia z związku, innym razem zatrzymuje ludzi na chodniku, a jedna kobieta mówi: „Nigdy tak się nie robi. Tacy są ludzie. Miłość przemija”, co sugeruje, że to nie była niczyja wina, po prostu oddalili się od siebie, a koniec był nieunikniony. Pod koniec filmu Alvy akceptuje to i decyduje, że miłość jest ostatecznie „irracjonalna, szalona i absurdalna”, ale jest koniecznością życiową. Christopher Knight uważa, że ​​dążenie Alvy'ego do spotkania z Annie jest cielesne, podczas gdy jej jest emocjonalne.

Richard Brody z The New Yorker zwraca uwagę na „eurocentryczną samoświadomość domu artystycznego” filmu oraz „psychoanalityczną obsesję Alvy'ego Singera na punkcie obnażania swoich pragnień i frustracji seksualnych, romantycznych katastrof i neurotycznych zahamowań”.

tożsamość żydowska

Singer jest utożsamiany ze stereotypowym neurotycznym żydowskim mężczyzną, a różnice między Alvy i Annie są często związane z postrzeganiem i realiami tożsamości żydowskiej. Vincent Brook zauważa, że ​​„Alvy je obiad z WASP -y Hall i wyobraża sobie, że muszą go postrzegać jako chasydzkiego Żyda , w komplecie z pejsami (zamkami na uszy) i dużym czarnym kapeluszem”. Robert M. Seltzer i Norman J. Cohen podkreślają scenę, w której Annie zauważa, że ​​babcia Annie „nienawidzi Żydów. Myśli, że oni tylko zarabiają pieniądze, ale to ona. Czy ona kiedykolwiek, mówię ci”, ujawniając hipokryzję w stereotypowym amerykańskim spojrzeniu jej babci na Żydów, argumentując, że „miłość do pieniędzy w Ameryce nie jest piętnem”. Bernd Herzogenrath uważa również żart Allena: „Chciałbym, ale potrzebujemy jajek”, skierowany do lekarza na końcu, kiedy sugeruje umieszczenie go w szpitalu psychiatrycznym, za paradoks nie tylko osobowości miejskiego neurotycznego Żyda, ale także samego filmu.

postać Woody'ego Allena

Christopher Knight zwraca uwagę, że Annie Hall jest sformułowany przez doświadczenia Alvy'ego. „Ogólnie rzecz biorąc, to, co wiemy o Annie i związku, jest filtrowane przez Alvy'ego, natrętnego narratora, który jest w stanie zatrzymać narrację i wyjść z niej, aby błagać publiczność o przysługę interpretacyjną”. Sugeruje, że ponieważ filmy Allena zacierają bohatera „przeszłymi i przyszłymi bohaterami, a także samym reżyserem”, „ma to znaczenie dla tego, czy najbardziej reagujemy na kadrowanie wydarzeń przez reżysera, czy przez bohatera”. Pomimo ram narracji „żart dotyczy Alvy'ego”. Emanuela Levy'ego uważa, że ​​Alvy Singer stał się synonimem publicznego postrzegania Woody'ego Allena w Stanach Zjednoczonych. Annie Hall jest postrzegana jako ostateczny film Woody'ego Allena, jeśli chodzi o pokazywanie neurotycznego humoru.

Lokalizacja

Upper East Side w Nowym Jorku

Annie Hall „jest piosenką miłosną zarówno dla Nowego Jorku, jak i dla bohatera”, odzwierciedlając uwielbienie Allena dla wyspy Manhattan . Był to związek, który wielokrotnie eksplorował, szczególnie w filmach takich jak Manhattan (1979) oraz Hannah and Her Sisters (1986). Mieszkanie Annie Hall, które nadal istnieje przy East 70th Street, pomiędzy Lexington Avenue i Park Avenue jest według własnego wyznania Allena jego ulubioną dzielnicą w mieście. Peter Cowie twierdzi, że film przedstawia „romantyczny widok” na dzielnicę, z kamerą „zatrzymującą się na Upper East Side [… i gdzie] strach przed przestępczością nie przeszkadza bohaterom”. Z kolei Kalifornia jest przedstawiana mniej pozytywnie, a David Halle zauważa oczywiste „złośliwe intelektualne porównanie” między Nowym Jorkiem a Los Angeles. Podczas gdy kina na Manhattanie wyświetlają filmy klasyczne i zagraniczne, w Los Angeles oferują mniej prestiżowe produkcje, takie jak The House of Exorcism i Mesjasz Zła . Demonstracja Roba polegająca na dodawaniu śmiechu z puszki do telewizji pokazuje „cyniczną sztuczność medium”. Nowy Jork służy jako symbol osobowości Alvy'ego („ponury, klaustrofobiczny i społecznie zimny, ale także intelektualna przystań pełna nerwowej energii”), podczas gdy Los Angeles jest dla Annie symbolem wolności.

Psychoanaliza i modernizm

Annie Hall była cytowana jako film, który wykorzystuje zarówno terapię, jak i analizę w celu uzyskania efektu komicznego. Sam B. Girgus uważa Annie Hall za opowieść o pamięci i retrospekcji, która „dramatyzuje powrót poprzez narracyjne pragnienie do tego, co wyparte i nieświadome, w sposób podobny do psychoanalizy”. Twierdzi, że film stanowi samoświadome twierdzenie o tym, jak pragnienie narracji i humor wchodzą w interakcję w filmie, aby zreformować idee i postrzeganie, oraz że zastosowanie przez Allena freudowskich koncepcji i humoru tworzy „wzorzec sceptycyzmu wobec powierzchownego znaczenia, który zmusza do dalszej interpretacji”. Girgus uważa, że ​​dowód na wszechobecność Zygmunt Freud w filmie jest pokazany na początku poprzez odniesienie do żartu w Dowcipy i ich związek z nieświadomością , a następnie opowiada kolejny żart o psychiatrze i pacjencie, który, jak twierdzi Girgus, jest również symbolem dynamiki między humorem a nieświadomością w kinematografia. Dalsze koncepcje freudowskie są później omawiane w filmie, kiedy Annie przypomina sobie sen swojego psychoanalityka, w którym Frank Sinatra dusi ją poduszką, co nawiązuje do wiary Freuda w sny jako „wizualne reprezentacje słów lub idei”.

Peter Bailey w swojej książce The Reluctant Film Art of Woody Allen argumentuje, że Alvy wykazuje „genialne oczernianie sztuki”, które zawiera „istotną dwuznaczność”, ponieważ w swojej autoironizacji zaprasza publiczność do uwierzenia, że ​​zrównuje się z ich. Bailey twierdzi, że urządzenia Allena w filmie, w tym napisy, które ujawniają myśli Annie i Alvy'ego „rozszerzają i wzmacniają Annie Hall ” jego ujmujący etos prostolinijności i naiwności”. Zastanawia się, że film jest pełen antymimetycznych emblematów, takich jak magiczny wygląd McLuhana, które zapewniają dziwaczny humor, i że „rozbieżność między mentalnymi projekcjami rzeczywistości a rzeczywistością” napędza film. Jego pogląd jest że samorefleksyjne urządzenia kinematograficzne inteligentnie dramatyzują różnicę między powierzchnią a substancją, a wizualne emblematy „nieustannie wyznaczają różnicę między światem skonstruowanym mentalnie a rzeczywistością”.

W swojej dyskusji na temat stosunku filmu do modernizmu Thomas Schatz uważa, że ​​film jest nierozwiązanym „badaniem procesu interakcji międzyludzkich i komunikacji międzyludzkiej” i „natychmiast ustanawia [a] postawę autoreferencyjną”, która zaprasza widza do „czytania narracji” jako coś innego niż sekwencyjny rozwój w kierunku jakiejś transcendentnej prawdy”. Dla niego Alvy „jest ofiarą tendencji do naddeterminowania znaczeń – lub w kategoriach modernistycznych „tyranii znaczonego” – a jego zaangażowanie w Annie można postrzegać jako próbę nawiązania spontanicznej, nieobciążonej intelektualnie relacji, próbę co jest skazane na niepowodzenie”.

Nagrody i wyróżnienia

Oscary
1. Najlepszy film , Charles H. Joffe
2. Najlepszy reżyser , Woody Allen
3. Najlepsza aktorka pierwszoplanowa , Diane Keaton
4. Najlepszy scenariusz oryginalny , Woody Allen i Marshall Brickman
Złote Globy
Woody 1. Najlepsza aktorka w filmie kinowym Musical lub komedia Diane Keaton
BAFTA Awards
1. Najlepszy film
2. Najlepsza reżyseria , Allen
3. Najlepsza aktorka , Diane Keaton
4. Najlepszy montaż , Ralph Rosenblum i Wendy Greene Bricmont
5. Najlepszy scenariusz , Woody Allen i Marshall Brickman

Annie Hall zdobyła cztery Oscary na 50. ceremonii rozdania Oscarów 3 kwietnia 1978 r. I była w sumie nominowana do pięciu ( Wielka Piątka ). Producent Charles H. Joffe otrzymał statuetkę dla najlepszego filmu, Allen dla najlepszego reżysera i wraz z Brickmanem za najlepszy scenariusz oryginalny , a Keaton dla najlepszej aktorki . Allen był także nominowany do nagrody dla najlepszego aktora. Wielu spodziewało się, że Gwiezdne Wojny zdobędą najważniejsze nagrody, w tym Brickman i producent wykonawczy Robert Greenhut .

Film był także pięciokrotnie uhonorowany nagrodami BAFTA. Wraz z główną nagrodą dla najlepszego filmu i nagrodą za montaż , Keaton zdobył nagrodę dla najlepszej aktorki , Allen zdobył nagrodę za najlepszą reżyserię i najlepszy scenariusz oryginalny wraz z Brickmanem. Film otrzymał tylko jedną Złotego Globu dla najlepszej aktorki filmowej w musicalu lub komedii (Diane Keaton), pomimo nominacji do trzech innych nagród: najlepszego filmu (musical lub komedia), najlepszego reżysera i najlepszego aktora filmowego w musicalu lub komedii. Komedia (Woody Allen).

Biblioteka Kongresu Stanów Zjednoczonych wybrała film do zachowania w swoim National Film Registry , który obejmuje filmy „ważne kulturowo, historycznie lub estetycznie”. Film jest często wymieniany wśród największych komedii wszechczasów. Amerykański Instytut Filmowy wymienia go na 31. miejscu w historii kina amerykańskiego. W 2000 roku nazwali ją drugą największą komedią romantyczną w kinie amerykańskim. Wykonanie „Seems Like Old Times” Keaton zajęło 90. miejsce na ich liście najlepszych piosenek zawartych w filmie, a jej wers „La-dee-da, la-dee-da”. został uznany za 55. największy cytat filmowy. Scenariusz został uznany za szósty najlepszy scenariusz przez Writers Guild of America, West, a IGN uznał go za siódmy największy film komediowy wszechczasów. W 2000 roku czytelnicy Total Film magazyn uznał go za czterdziestą drugą największą komedię wszechczasów i siódmą największą komedię romantyczną wszechczasów. Kilka list rankingowych najlepszych filmów Allena umieściło Annie Hall wśród jego największych dzieł.

W czerwcu 2008 roku AFI ujawniło swoje 10 Top 10 — dziesięć najlepszych filmów w dziesięciu klasycznych amerykańskich gatunkach filmowych — po przeprowadzeniu ankiet wśród ponad 1500 osób ze społeczności twórców, a Annie Hall zajęła drugie miejsce w gatunku komedia romantyczna. AFI umieściło również Annie Hall na wielu innych listach. W listopadzie 2008 roku Annie Hall zajęła 68. miejsce na liście 500 najlepszych filmów wszechczasów magazynu Empire . Zajmuje również drugie miejsce na liście 25 najlepszych komedii romantycznych Rotten Tomatoes, ustępując jedynie The Philadelphia Story . W 2012 roku film znalazł się na 127. miejscu wśród najlepszych filmów wszechczasów w Sight & Sound . Film został również uznany za 132. najlepszy film w Sight & Sound . W październiku 2013 roku film został uznany przez Guardiana za drugi najlepszy film wyreżyserowany przez Woody'ego Allena. W listopadzie 2015 roku film został uznany przez Writers Guild of America za najzabawniejszy scenariusz na liście 101 najzabawniejszych scenariuszy .

Uznanie Amerykańskiego Instytutu Filmowego

Film jest uznawany przez American Film Institute na tych listach:

1992 – Krajowy Rejestr Filmów .

W 2006 roku magazyn Premiere umieścił Keatona w Annie Hall na 60. miejscu na liście „100 największych występów wszechczasów” i zauważył:

Trudno jest grać zawrotnie. ... Geniusz Annie polega na tym, że pomimo jej zapętlonego bekhendu, okropnej jazdy i nerwowych tików, jest także skomplikowaną, inteligentną kobietą. Keaton znakomicie pokazuje tę dychotomię swojej postaci, zwłaszcza gdy wygłupia się na pierwszej randce z Alvym (Woody Allen), podczas gdy podtytuł brzmi: „Prawdopodobnie myśli, że jestem jojo”. Jo-jo? Ledwie.

Dziedzictwo i wpływy

Styl ubioru Diane Keaton jako Annie Hall; wpływ na świat mody późnych lat 70

Chociaż film spotkał się z uznaniem krytyków i kilkoma nagrodami, sam Allen był nim rozczarowany i powiedział w wywiadzie: „Kiedy Annie Hall zaczynała, ten film nie miał być tym, na czym skończyłem. Film miał być tym, co dzieje się w umyśle faceta ... Nikt nie rozumiał, co się działo. Relacja między mną a Diane Keaton była wszystkim, na czym komukolwiek zależało. Nie o to mi chodziło ... W końcu musiałem zredukować film do zaledwie ja i Diane Keaton i ten związek, więc byłem bardzo rozczarowany tym filmem”. Allen wielokrotnie odmawiał zrobienia kontynuacji, aw wywiadzie z 1992 roku stwierdził, że „ Sekwencja stała się irytującą rzeczą. Myślę, że Francis Coppola nie powinien robić „Ojca chrzestnego III” , ponieważ „Ojciec chrzestny II” był całkiem świetny. Kiedy robią kontynuację, to po prostu pragnienie więcej pieniędzy, więc nie podoba mi się ten pomysł tak bardzo”.

Diane Keaton stwierdziła, że ​​Annie Hall była jej ulubioną rolą i że film znaczył dla niej wszystko. Zapytana, czy bycie najbardziej kojarzonym z rolą dotyczy jej jako aktorki, odpowiedziała: „Annie Hall mnie nie prześladuje. Cieszę się, że jestem Annie Hall. Jeśli ktoś chce mnie tak widzieć, nie mam nic przeciwko ". Projektantka kostiumów Ruth Morley , współpracując z Keatonem, stworzyła stylizację, która wywarła wpływ na świat mody późnych lat 70., a kobiety przyjęły ten styl: nakładanie warstw oversize'owych, męskich blezerów na kamizelki, bufiaste spodnie lub długie spódnice, męski krawat, i buty. Wygląd był często określany jako „ Annie Hall ”. Niektóre źródła sugerują, że sama Keaton była głównie odpowiedzialna za wygląd, a Ralph Lauren często przypisywał sobie zasługi, ale tylko jedna marynarka i jeden krawat zostały zakupione od Ralpha Laurena do wykorzystania w filmie. Allen przypomniał sobie, że Lauren i Keaton styl ubierania się prawie nie znalazł się w filmie. „Przyszła” - wspominał w 1992 roku - „a pani od kostiumów w Annie Hall powiedziała:„ Powiedz jej, żeby tego nie nosiła. Ona nie może tego nosić. To takie szalone. A ja powiedziałem: „Zostaw ją. Ona jest geniuszem. Zostawmy ją w spokoju, niech nosi co chce. ' "

Scenariusz filmu znalazł się na szczycie listy 101 najzabawniejszych scenariuszy wszechczasów sporządzonej przez Writers Guild of America, wyprzedzając Some Like it Hot (1959), Dzień świstaka (1993), Samolot! (1980) i Tootsie (1982). James Bernardoni stwierdza, że ​​​​film jest „jednym z nielicznych romantycznych dramatów komediowych ery Nowego Hollywood i jednym, który słusznie zajął swoje miejsce wśród klasyków tego odwróconego gatunku”, porównując seriokomiczną medytację nad związkiem pary do George'a Cukora ” s Żebro Adama (1949), z udziałem Katharine Hepburn i Spencer Tracy . Od czasu premiery inne komedie romantyczne zainspirowały porównania. Kiedy Harry poznał Sally... (1989), W pogoni za Amy (1997), Burning Annie (2007), 500 Days of Summer (2009) i film Allena z 2003 roku, Anything Else , są wśród nich, podczas gdy reżyser filmowy Rian Johnson powiedział w wywiad do książki Film, który zmienił moje życie , że Annie Hall zainspirowała go do zostania reżyserem filmowym. Karen Gillan stwierdziła, że ​​obserwowała Annie Hall w ramach poszukiwań do roli głównej w Not Another Happy Ending . W 2018 roku Matt Starr i Ellie Sachs wydali remake filmu krótkometrażowego z udziałem seniorów.

Notatka

Bibliografia

Linki zewnętrzne

Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Annie_Hall&oldid=1134831260 ”