Historia krytyki artystycznej
Historia krytyki artystycznej , jako część historii sztuki, to badanie obiektów sztuki w ich historycznym rozwoju i kontekstach stylistycznych, tj. gatunek , projekt , format i styl , które obejmują względy estetyczne. Obejmuje to „główne” sztuki malarstwa, rzeźby i architektury, a także „mniejsze” sztuki ceramiki, mebli i innych przedmiotów dekoracyjnych.
Jako termin historia historii sztuki (także historia sztuki ) obejmuje kilka metod badania i oceny sztuk wizualnych ; w powszechnym użyciu odnoszące się do dzieł sztuki i architektury. Aspekty dyscypliny nakładają się. Jak zauważył kiedyś historyk sztuki Ernst Gombrich , „dziedzina historii sztuki [jest] bardzo podobna do Galii Cezara , podzielonej na trzy części zamieszkane przez trzy różne, choć niekoniecznie wrogie plemiona: (i) koneserów , ( ii) krytycy i (iii) akademiccy historycy sztuki”.
Jako dyscyplina, historia krytyki artystycznej różni się od krytyki artystycznej, która zajmuje się ustalaniem względnej wartości artystycznej poszczególnych dzieł w stosunku do innych o porównywalnym stylu lub sankcjonowaniem całego stylu lub ruchu z punktu widzenia jego historii i jego głównych uczonych. Różni się także od teorii sztuki lub „ filozofii sztuki ”, która zajmuje się fundamentalną naturą sztuki. Jedną z gałęzi tego obszaru badań jest estetyka , która obejmuje badanie zagadki wzniosłości i określania istoty piękna. Technicznie rzecz biorąc, historia sztuki to nie są te rzeczy, ponieważ historyk sztuki używa metody historycznej odpowiedzieć na pytania: Jak doszło do powstania dzieła przez artystę? Kim byli mecenasi? Kim byli jego nauczyciele? Kim była publiczność? Kim byli jego uczniowie? Jakie siły historyczne ukształtowały twórczość artysty twórczości oraz Jak z kolei on lub ona i twórczość wpływali na przebieg wydarzeń artystycznych, politycznych i społecznych? Wątpliwe jest jednak, czy na wiele tego rodzaju pytań można odpowiedzieć w sposób zadowalający bez uwzględnienia podstawowych pytań o naturę sztuki. Niestety obecna przepaść dyscyplinarna między historią sztuki a filozofią sztuki (estetyką) często to utrudnia.
Historia krytyki artystycznej to nie tylko przedsięwzięcie biograficzne . Historia krytyki artystycznej często zakorzenia swoje badania w analizie poszczególnych obiektów. Próbuje odpowiedzieć w historycznie specyficzny sposób na pytania, takie jak: Jakie są kluczowe cechy tego stylu? Jakie znaczenie niósł ten przedmiot? Jak funkcjonuje wizualnie? Czy artysta dobrze zrealizował swoje cele? Jakie symbole są zaangażowane ?, oraz Czy funkcjonuje dyskursywnie?
Historycznym kręgosłupem tej dyscypliny jest uroczysta chronologia pięknych kreacji zamówionych przez instytucje publiczne lub religijne lub zamożne osoby w Europie Zachodniej. Taki „ kanon ” pozostaje wyraźny, na co wskazuje dobór obiektów obecnych w podręcznikach historii sztuki. Niemniej jednak od XX wieku podejmowano próby ponownego zdefiniowania dyscypliny, aby w większym stopniu obejmowała sztukę niezachodnią, sztukę wykonaną przez kobiety i twórczość wernakularną.
Historia sztuki |
---|
europejska historia sztuki |
---|
Definicja
Historia krytyki artystycznej, jaką znamy w XXI wieku, rozpoczęła się w XIX wieku, ale jej precedensy sięgają świata starożytnego. Podobnie jak analiza trendów historycznych w polityce, literaturze i naukach ścisłych, dyscyplina korzysta z przejrzystości i przenośności słowa pisanego, ale historycy sztuki polegają również na analizie formalnej , semiotyce , psychoanalizie i ikonografii . Postępy w reprodukcji fotograficznej i technikach drukarskich po II wojnie światowej zwiększyły możliwości reprodukcji dzieł sztuki. Takie technologie pomogły w głębokim rozwoju dyscypliny, ponieważ umożliwiły łatwe porównywanie obiektów. Opisane w ten sposób badanie sztuk wizualnych może być praktyką obejmującą zrozumienie kontekstu , formy i znaczenia społecznego.
Metodologie
Historycy sztuki, dokonując oceny w ramach historii krytyki sztuki, stosują szereg metod w swoich badaniach ontologii i historii przedmiotów.
Praktycy krytyki artystycznej często badają dzieło w kontekście czasu. W najlepszym przypadku odbywa się to w sposób szanujący motywacje i imperatywy twórcy; z uwzględnieniem pragnień i uprzedzeń swoich mecenasów i sponsorów; z analizą porównawczą tematów i podejść współpracowników i nauczycieli twórcy; oraz z uwzględnieniem ikonografii i symboliki . Krótko mówiąc, podejście to bada dzieło sztuki w kontekście świata, w którym zostało stworzone.
Praktycy krytyki artystycznej również często badają dzieło poprzez analizę formy; to znaczy użycie przez twórcę linii , kształtu , koloru , tekstury i kompozycji. Podejście to bada , w jaki sposób artysta wykorzystuje dwuwymiarową płaszczyznę obrazu lub trzy wymiary przestrzeni rzeźbiarskiej lub architektonicznej do tworzenia swojej sztuki. Sposób wykorzystania tych poszczególnych elementów skutkuje reprezentatywnym lub niereprezentatywnym sztuka. Czy artysta naśladuje przedmiot lub obraz występujący w naturze? Jeśli tak, to jest reprezentatywne. Im bardziej sztuka zbliża się do idealnej imitacji, tym bardziej jest realistyczna . Czy artysta nie naśladuje, lecz opiera się na symbolice, czy też w istotny sposób stara się uchwycić istotę natury, a nie bezpośrednio ją kopiować? Jeśli tak, sztuka jest niereprezentacyjna – zwana także abstrakcją . Realizm i abstrakcja istnieją na kontinuum. Impresjonizm jest przykładem stylu reprezentacyjnego, który nie był bezpośrednio naśladownictwem, ale dążył do stworzenia „wrażenia” natury. Jeśli praca nie jest reprezentacyjna, a jest wyrazem uczuć, tęsknot i aspiracji artysty lub jest poszukiwaniem ideałów piękna i formy, jest to praca nieprzedstawiająca lub ekspresjonistyczna .
Analiza ikonograficzna to taka, która skupia się na poszczególnych elementach konstrukcyjnych obiektu. Dzięki uważnej lekturze takich elementów można prześledzić ich rodowód, a wraz z nim wyciągnąć wnioski dotyczące pochodzenia i trajektorii tych motywów . Z kolei można poczynić dowolną liczbę obserwacji dotyczących walorów społecznych, kulturowych, ekonomicznych i estetycznych osób odpowiedzialnych za wytworzenie przedmiotu.
Wielu praktyków krytyki artystycznej wykorzystuje teorię krytyczną , aby ująć swoje dociekania w przedmioty. Teoria jest najczęściej używana w przypadku obiektów nowszych, pochodzących z końca XIX wieku i później. Teoria krytyczna w historii sztuki jest często zapożyczana od literaturoznawców i obejmuje zastosowanie nieartystycznych ram analitycznych do badania obiektów artystycznych. Feministka , marksistka , rasa krytyczna , queer i postkolonialny wszystkie teorie są dobrze ugruntowane w tej dyscyplinie. Podobnie jak w literaturoznawstwie, naukowcy interesują się przyrodą i środowiskiem, ale kierunek, w jakim to podąży w tej dyscyplinie, nie został jeszcze określony.
Niedawno media i technologia cyfrowa wprowadziły możliwości analiz wizualnych, przestrzennych i empirycznych. Odpowiednie formy różnią się od filmów po formy interaktywne, w tym środowiska wirtualne, środowiska rozszerzone, media usytuowane, media sieciowe itp. Metody, które umożliwiają takie techniki, są aktywnie rozwijane i obiecują obejmować podejścia jakościowe, które mogą kłaść nacisk na narrację, dramaturgię, emocje i ludyczne cechy historii i sztuki.
Kalendarium wybitnych metod
Pliniusz Starszy i starożytne precedensy
Najwcześniejszym zachowanym pismem o sztuce, które można zaklasyfikować jako historię sztuki lub krytykę sztuki, są fragmenty Historii naturalnej Pliniusza Starszego ( ok. 77-79 ne), dotyczące rozwoju greckiej rzeźby i malarstwa . Z nich można prześledzić idee Ksenokratesa z Sicyon (ok. 280 pne), greckiego rzeźbiarza, który był prawdopodobnie pierwszym historykiem sztuki. Dzieła Pliniusza, choć były głównie encyklopedią naukową, wywierały zatem wpływ od czasów renesansu . (Fragmenty o technikach stosowanych przez malarza Apelles c. (332-329 pne), były szczególnie dobrze znane.) Podobne, choć niezależne, wydarzenia miały miejsce w VI wieku w Chinach, gdzie kanon godnych artystów został ustanowiony przez pisarzy z klasy uczonych-urzędników. Ci pisarze, z konieczności biegli w kaligrafii, sami byli artystami. Artyści są opisani w Sześciu Zasadach Malarstwa sformułowanych przez Xie He .
Biografie Vasariego i artystów
Podczas gdy osobiste wspomnienia o sztuce i artystach były od dawna pisane i czytane ( najlepszy wczesny przykład można znaleźć w Lorenzo Ghiberti Commentarii ), to Giorgio Vasari, toskański malarz, rzeźbiarz i autor Żywotów malarzy , napisał pierwszą prawdziwą historia sztuki. Jego pisarstwo we wczesnej nowożytnej kulturze artystycznej w Neapolu zostało rozważone przez Giovanniego Previtali. Podkreślał postęp i rozwój sztuki, który był kamieniem milowym w tej dziedzinie. Jego relacja była osobista i historyczna, zawierająca biografie poszczególnych włoskich artystów, z których wielu było jego współczesnymi i osobistymi znajomymi. Najbardziej znanym z nich był Michał Anioł , a relacja Vasariego jest pouczająca, choć miejscami stronnicza.
Poglądy Vasariego na sztukę wywarły ogromny wpływ i służyły jako wzór dla wielu, w tym na północy Europy dla Schilder-boeck Karela van Mandera i Teutsche Akademie Joachima von Sandrarta . Podejście Vasariego rządziło aż do XVIII wieku, kiedy krytykę skierowano na jego biograficzny opis historii.
Winckelmann i krytyka sztuki
Uczeni tacy jak Johann Joachim Winckelmann (1717–1768) krytykowali „kult” osobowości artystycznej Vasariego i argumentowali, że prawdziwym naciskiem w badaniu sztuki powinny być poglądy uczonego obserwatora, a nie wyjątkowy punkt widzenia charyzmatycznego artysty . Pisma Winckelmanna były zatem początkiem krytyki artystycznej. Jego dwoma najbardziej znaczącymi dziełami, które wprowadziły pojęcie krytyki artystycznej, były „Gedanken über die Nachahmung der griechischen Werke in der Malerei und Bildhauerkunst”, opublikowane w 1755 r., na krótko przed wyjazdem do Rzymu (Fuseli opublikował angielskie tłumaczenie w 1765 r. pod tytułem Refleksje nad Malarstwo i Rzeźba Greków) oraz Geschichte der Kunst des Altertums (Historia sztuki starożytności), opublikowana w 1764 r. (jest to pierwsze wystąpienie w tytule książki sformułowania „historia sztuki”)”. Winckelmann skrytykował artystyczne ekscesy barokowe i rokokowe i odegrał kluczową rolę w zreformowaniu gustu na rzecz bardziej trzeźwego neoklasycyzmu . Jacob Burckhardt (1818–1897), jeden z twórców historii sztuki, zauważył, że Winckelmann był „pierwszym, który rozróżnił okresy sztuki antycznej i połączył historię stylu z historią świata”. Od Winckelmanna do połowy XX wieku historia sztuki była zdominowana przez niemieckojęzycznych naukowców. Dzieło Winckelmanna oznaczało zatem wejście historii sztuki do filozoficznego dyskursu kultury niemieckiej.
Winckelmann był chętnie czytany przez Johanna Wolfganga Goethego i Friedricha Schillera , którzy zaczęli pisać o historii sztuki, a jego opis grupy Laokoona wywołał reakcję Lessinga . Pojawienie się sztuki jako głównego przedmiotu spekulacji filozoficznych zostało ugruntowane przez pojawienie się Krytyki sądu Immanuela Kanta w 1790 r., a następnie zostało wzmocnione przez Wykłady z estetyki Hegla . Filozofia Hegla była bezpośrednią inspiracją dla Praca Karla Schnaase'a . Schnaase's Niederländische Briefe ustanowił teoretyczne podstawy historii sztuki jako autonomicznej dyscypliny, a jego Geschichte der bildenden Künste , jeden z pierwszych przeglądów historycznych historii sztuki od starożytności do renesansu, ułatwił nauczanie historii sztuki na niemieckojęzycznych uniwersytetach . Ankieta Schnaase została opublikowana równocześnie z podobną pracą Franza Theodora Kuglera .
Wölfflin i analiza stylistyczna
- Patrz: Analiza formalna .
Heinrich Wölfflin (1864–1945), który studiował u Burckhardta w Bazylei, jest „ojcem” współczesnej historii sztuki. Wölfflin wykładał na uniwersytetach w Berlinie, Bazylei, Monachium i Zurychu. Wielu studentów zrobiło wybitne kariery w historii sztuki, w tym Jakob Rosenberg i Frida Schottmuller. Wprowadził naukowe podejście do historii sztuki, skupiając się na trzech koncepcjach. Po pierwsze, próbował studiować sztukę z wykorzystaniem psychologii, w szczególności stosując prace Wilhelma Wundta . Przekonywał m.in., że sztuka i architektura są dobre, jeśli przypominają ludzkie ciało. Na przykład domy były dobre, jeśli ich fasady wyglądały jak twarze. Po drugie, wprowadził ideę studiowania sztuki przez porównanie. Porównując ze sobą poszczególne obrazy, był w stanie dokonać rozróżnienia stylu . Jego książka Renaissance and Baroque rozwinęła tę ideę i jako pierwsza pokazała, jak te okresy stylistyczne różnią się od siebie. W przeciwieństwie do Giorgio Vasariego Wölfflin nie interesował się biografiami artystów. W rzeczywistości zaproponował stworzenie „historii sztuki bez nazw”. Wreszcie studiował sztukę opartą na ideach narodowościowych . Był szczególnie zainteresowany tym, czy istnieje z natury „włoski” i z natury „ niemiecki ” styl. To ostatnie zainteresowanie zostało najpełniej wyartykułowane w jego monografii o niemieckim artyście Albrechcie Dürerze .
Riegl, Wickhoff i Szkoła Wiedeńska
Równolegle z karierą Wölfflina na Uniwersytecie Wiedeńskim rozwinęła się główna szkoła myśli historycznej o sztuce . Pierwsza generacja szkoły wiedeńskiej była zdominowana przez Aloisa Riegla i Franza Wickhoffa , uczniów Moritza Thausinga , i charakteryzowała się tendencją do ponownej oceny zaniedbanych lub dyskredytowanych okresów w historii sztuki. Riegl i Wickhoff pisali obszernie o sztuce późnej starożytności , który przed nimi był uważany za okres upadku klasycznego ideału. Riegl przyczynił się także do przewartościowania baroku.
Następne pokolenie profesorów wiedeńskich to Max Dvořák , Julius von Schlosser , Hans Tietze, Karl Maria Swoboda i Josef Strzygowski . Wielu najważniejszych historyków sztuki XX wieku, w tym Ernst Gombrich , otrzymało w tym czasie swoje stopnie naukowe w Wiedniu. Termin „Druga Szkoła Wiedeńska” (lub „Nowa Szkoła Wiedeńska”) zwykle odnosi się do następnego pokolenia wiedeńskich uczonych, w tym Hansa Sedlmayra , Otto Pächt i Guido Kaschnitz von Weinberg. Uczeni ci zaczęli w latach trzydziestych XX wieku powracać do prac pierwszego pokolenia, zwłaszcza do Riegla i jego koncepcji Kunstwollen , i próbowali rozwinąć ją w pełnowymiarową metodologię historii sztuki. W szczególności Sedlmayr odrzucił drobiazgowe studium ikonografii, mecenatu i innych podejść osadzonych w kontekście historycznym, woląc zamiast tego skoncentrować się na walorach estetycznych dzieła sztuki. W rezultacie II Szkoła Wiedeńska zyskała reputację niepohamowanego i nieodpowiedzialnego formalizmu , a ponadto był zabarwiony jawnym rasizmem i przynależnością Sedlmayra do partii nazistowskiej. Ta ostatnia tendencja nie była jednak bynajmniej podzielana przez wszystkich członków szkoły; Na przykład Pächt sam był Żydem iw latach trzydziestych XX wieku został zmuszony do opuszczenia Wiednia.
Panofsky i ikonografia
Nasze XXI-wieczne rozumienie symbolicznej treści sztuki pochodzi od grupy uczonych, którzy zebrali się w Hamburgu w latach dwudziestych XX wieku. Najwybitniejszymi z nich byli Erwin Panofsky , Aby Warburg i Fritz Saxl . Wspólnie opracowali większość słownictwa, które jest nadal używane w XXI wieku przez historyków sztuki. „Ikonografia” - której korzenie oznaczają „symbole pisma” odnosi się do tematyki sztuki wywodzącej się ze źródeł pisanych - zwłaszcza z pism świętych i mitologii. „Ikonologia” to szerszy termin odnoszący się do wszelkiej symboliki, niezależnie od tego, czy pochodzi z określonego tekstu, czy nie. Dziś historycy sztuki czasami używają tych terminów zamiennie.
Panofsky w swojej wczesnej pracy również rozwijał teorie Riegla, ale ostatecznie zaczął bardziej zajmować się ikonografią, aw szczególności przekazywaniem tematów związanych z starożytnością klasyczną w średniowieczu i renesansie. Pod tym względem jego zainteresowania pokrywały się z zainteresowaniami Warburga, syna zamożnej rodziny, który zgromadził w Hamburgu imponującą bibliotekę poświęconą badaniu tradycji klasycznej w późniejszej sztuce i kulturze. Pod auspicjami Saxla biblioteka ta została przekształcona w instytut badawczy powiązany z Uniwersytetem w Hamburgu , na którym wykładał Panofsky.
Warburg zmarł w 1929 roku, aw latach trzydziestych Saxl i Panofsky, obaj Żydzi, zostali zmuszeni do opuszczenia Hamburga. Saxl osiadł w Londynie, zabierając ze sobą bibliotekę Warburga i zakładając Instytut Warburga . Panofsky osiadł w Princeton w Institute for Advanced Study . Pod tym względem byli częścią niezwykłego napływu niemieckich historyków sztuki do anglojęzycznej akademii w latach trzydziestych XX wieku. Ci uczeni byli w dużej mierze odpowiedzialni za ustanowienie historii sztuki jako legalnego kierunku studiów w anglojęzycznym świecie, a wpływ metodologii Panofsky'ego w szczególności zdeterminował bieg historii sztuki amerykańskiej na całe pokolenie.
Freud i psychoanaliza
Heinrich Wölfflin nie był jedynym uczonym, który odwoływał się do teorii psychologicznych w badaniach nad sztuką. Psychoanalityk Zygmunt Freud napisał książkę o artyście Leonardo da Vinci , w której wykorzystał obrazy Leonarda do zbadania psychiki i orientacji seksualnej artysty . Freud wywnioskował ze swojej analizy, że Leonardo był prawdopodobnie homoseksualistą .
Chociaż wykorzystanie materiału pośmiertnego do przeprowadzenia psychoanalizy jest kontrowersyjne wśród historyków sztuki, zwłaszcza że obyczaje seksualne z czasów Leonarda i Freuda są różne, często się tego podejmuje. Jedną z najbardziej znanych psychoanalityków jest Laurie Schneider Adams, która napisała popularny podręcznik Art Across Time oraz książkę Art and Psychoanalysis .
Niczego nie podejrzewający zwrot w historii krytyki artystycznej nastąpił w 1914 roku, kiedy Zygmunt Freud opublikował psychoanalityczną interpretację Mojżesza Michała Anioła zatytułowaną Der Moses des Michelangelo jako jedną z pierwszych opartych na psychologii analiz dzieła sztuki. Freud po raz pierwszy opublikował tę pracę wkrótce po przeczytaniu Żywotów Vasariego . W nieznanych celach Freud pierwotnie opublikował artykuł anonimowo.
Jung i archetypy
Carl Jung zastosował również teorię psychoanalityczną do sztuki. CG Jung był szwajcarskim psychiatrą , wpływowym myślicielem i twórcą psychologii analitycznej . Podejście Junga do psychologii kładło nacisk na zrozumienie psychiki poprzez eksplorację światów snów , sztuki, mitologii , światowej religii i filozofii . Większość swojego życia poświęcił badaniu filozofii Wschodu i Zachodu, alchemii , astrologii , socjologia , a także literatura i sztuka. Jego najbardziej znaczący wkład obejmuje koncepcję archetypu psychologicznego , nieświadomości zbiorowej oraz teorię synchroniczności . Jung uważał, że wiele doświadczeń postrzeganych jako zbieg okoliczności nie wynikało jedynie z przypadku , ale zamiast tego sugerowało manifestację równoległych wydarzeń lub okoliczności odzwierciedlających tę rządzącą dynamikę. Twierdził, że nieświadomość zbiorowa i archetypowe obrazy były wykrywalne w sztuce. Jego idee były szczególnie popularne wśród amerykańskich ekspresjonistów abstrakcyjnych w latach czterdziestych i pięćdziesiątych XX wieku. Jego prace zainspirowały surrealistyczną koncepcję rysowania obrazów ze snów i nieświadomości.
Jung podkreślał znaczenie równowagi i harmonii. Ostrzegł, że współcześni ludzie zbyt mocno polegają na nauce i logice i skorzystaliby na zintegrowaniu duchowości i docenieniu sfery nieświadomości. Jego twórczość nie tylko zapoczątkowała prace analityczne historyków sztuki, ale stała się integralną częścią sztuki. Jackson Pollock stworzył słynną serię rysunków towarzyszących sesjom psychoanalitycznym ze swoim Jungowskim psychoanalitykiem, dr Josephem Hendersonem. Henderson, który później opublikował rysunki w tekście poświęconym sesjom Pollocka, zdał sobie sprawę, jak potężne były rysunki jako narzędzie terapeutyczne.
Dziedzictwo psychoanalizy w historii sztuki było głębokie i wykracza poza Freuda i Junga. Wybitna feministyczna historyczka sztuki Griselda Pollock , na przykład, czerpie z psychoanalizy zarówno w swoim odczytywaniu sztuki współczesnej, jak i ponownym odczytywaniu sztuki modernistycznej. Z odczytaniem przez Pollocka francuskiej psychoanalizy feministycznej, a w szczególności pism Julii Kristevy i Brachy L. Ettinger , podobnie jak z odczytaniem Jacquesa Lacana i Jeana-François Lyotarda przez Rosalind Krauss oraz kuratorskim odczytaniem sztuki przez Catherine de Zegher, Feministyczna teoria napisana w dziedzinie francuskiego feminizmu i psychoanalizy silnie wpłynęła na przeformułowanie zarówno mężczyzn, jak i kobiet artystów w historii sztuki.
Marks i ideologia
W połowie XX wieku historycy sztuki zajmowali się historią społeczną , stosując podejście krytyczne. Celem było pokazanie, w jaki sposób sztuka wchodzi w interakcje ze strukturami władzy w społeczeństwie. Jedno krytyczne podejście, które historycy sztuki [ kto? ] używany był marksizm. Marksistowska historia sztuki próbowała pokazać, w jaki sposób sztuka była związana z określonymi klasami, w jaki sposób obrazy zawierają informacje o gospodarce i jak obrazy mogą sprawiać, że status quo wydaje się naturalny ( ideologia ).
Być może najbardziej znanym marksistą był Clement Greenberg , który zyskał rozgłos pod koniec lat trzydziestych XX wieku dzięki esejowi „ Awangarda i kicz ”. W eseju Greenberg twierdził, że awangarda powstała po to, by bronić standardów estetycznych przed upadkiem gustów społeczeństwa konsumpcyjnego , postrzeganiem kiczu i sztuki jako przeciwieństw. Greenberg dalej twierdził, że awangardowa i modernistyczna była środkiem do przeciwstawienia się wyrównywaniu kultury produkowanemu przez kapitalistyczną propagandę . Greenberg przywłaszczył sobie niemieckie słowo „ kicz ”, aby opisać ten konsumpcjonizm, chociaż jego konotacje zmieniły się od tego czasu na bardziej afirmatywne pojęcie pozostałości po kulturze kapitalistycznej. Greenberg później [ kiedy? ] stał się znany z badania właściwości formalnych sztuki współczesnej. [ potrzebne źródło ]
Meyer Schapiro jest jednym z najlepiej zapamiętanych marksistowskich historyków sztuki połowy XX wieku. Chociaż pisał o wielu okresach i tematach w sztuce, najlepiej zapamiętano go ze swojego komentarza do rzeźby z późnego średniowiecza i wczesnego renesansu , kiedy to widział dowody na pojawienie się kapitalizmu i upadek feudalizmu . [ potrzebne źródło ]
Arnold Hauser napisał pierwszy marksistowski przegląd sztuki zachodniej, zatytułowany Społeczna historia sztuki . Próbował pokazać, jak świadomość klasowa znalazła odzwierciedlenie w głównych okresach sztuki. Książka była kontrowersyjna, gdy została opublikowana w latach pięćdziesiątych XX wieku, ponieważ zawiera uogólnienia na temat całych epok, strategię zwaną obecnie „ wulgarnym marksizmem ”. [ potrzebne źródło ]
Marksistowska historia sztuki została udoskonalona na wydziale historii sztuki na UCLA z takimi uczonymi jak TJ Clark, OK Werckmeister, David Kunzle, Theodor W. Adorno i Max Horkheimer. TJ Clark był pierwszym historykiem sztuki piszącym z marksistowskiej perspektywy, który porzucił wulgarny marksizm . Napisał marksistowskie historie sztuki kilku impresjonistów i realistów , w tym Gustave'a Courbeta i Édouarda Maneta . Książki te skupiały się ściśle na klimatach politycznych i ekonomicznych, w których powstała sztuka. [ potrzebny cytat ]
Nochlin i feminizm
Esej Lindy Nochlin „Dlaczego nie było wielkich artystek?” pomogła rozpalić feministyczną historię sztuki w latach 70. i pozostaje jednym z najczęściej czytanych esejów o artystkach. Stosuje w niej feministyczne ramy krytyczne, aby pokazać systematyczne wykluczanie kobiet z edukacji artystycznej. Nochlin argumentuje, że wykluczenie z uprawiania sztuki, jak również z kanonicznej historii sztuki, było konsekwencją uwarunkowań kulturowych, które ograniczały i ograniczały kobiety w dziedzinach wytwórczych sztuki. Tych nielicznych, którym się udało, traktowano jako anomalie i nie stanowili modelu dla późniejszego sukcesu. Griselda Pollock jest kolejną wybitną feministyczną historyczką sztuki, której zastosowanie teorii psychoanalitycznej opisano powyżej. Podczas gdy historia sztuki feministycznej może skupiać się na dowolnym okresie i miejscu, wiele uwagi poświęcono epoce nowożytnej. Niektóre z tych stypendiów koncentrują się na feministyczny ruch artystyczny , który odwoływał się konkretnie do doświadczenia kobiet.
Barthes i semiotyka
W przeciwieństwie do ikonografii, która stara się zidentyfikować znaczenie, semiotyka zajmuje się sposobem tworzenia znaczenia. Kluczowe znaczenie dla tego badania mają konotowane i denotowane znaczenia Rolanda Barthesa . W każdym konkretnym dziele sztuki interpretacja zależy od identyfikacji denotowanego znaczenia – rozpoznania znaku wizualnego i konotowanego znaczenia – natychmiastowych skojarzeń kulturowych, które towarzyszą rozpoznaniu. Głównym zadaniem semiotycznego historyka sztuki jest znalezienie sposobów poruszania się i interpretowania konotowanych znaczeń.
Historia sztuki semiotycznej stara się odkryć skodyfikowane znaczenie lub znaczenia przedmiotu estetycznego, badając jego związek ze zbiorową świadomością . Historycy sztuki zwykle nie angażują się w żadną konkretną markę semiotyki, ale raczej konstruują połączoną wersję, którą włączają do swojej kolekcji narzędzi analitycznych. Na przykład Meyer Schapiro pożyczył Saussure'a różnicowego znaczenia w celu odczytania znaków istniejących w systemie. Według Schapiro, aby zrozumieć znaczenie frontalności w określonym kontekście obrazowym, należy ją odróżnić lub postrzegać w odniesieniu do alternatywnych możliwości, takich jak profil lub widok w trzech czwartych . Schapiro połączył tę metodę z pracami Charlesa Sandersa Peirce'a , którego przedmiot, znak i interpretator zapewniły strukturę jego podejścia. Alex Potts demonstruje zastosowanie koncepcji Peirce'a do reprezentacji wizualnej, badając je w odniesieniu do Mony Lisy . Na przykład postrzeganie Mony Lisy jako czegoś wykraczającego poza jej materialność oznacza identyfikowanie jej jako znaku. Rozpoznaje się wtedy, że odnosi się do przedmiotu poza sobą, kobiety lub Mony Lisy. Obraz nie wydaje się mieć znaczenia religijnego i dlatego można założyć, że jest portretem. Ta interpretacja prowadzi do łańcucha możliwych interpretacji: kto był opiekunem w stosunku do Leonarda ? Jakie miała dla niego znaczenie? A może jest ikoną dla wszystkich kobiet. Ten łańcuch interpretacji lub „nieograniczona semioza” nie ma końca; zadaniem historyka sztuki jest zarówno wyznaczanie granic możliwych interpretacji, jak i ujawnianie nowych możliwości.
Semiotyka działa zgodnie z teorią, że obraz można zrozumieć tylko z perspektywy widza. Artysta zostaje wyparty przez widza jako dostarczyciel znaczenia, nawet do tego stopnia, że interpretacja jest nadal aktualna, niezależnie od tego, czy twórca ją zamierzył. Rosalind Krauss opowiedziała się za tą koncepcją w swoim eseju „W imię Picassa”. Potępiła monopol artysty na znaczenie i podkreśliła, że znaczenie można wyprowadzić dopiero po wyjęciu dzieła z kontekstu historycznego i społecznego. Mieke Bal argumentował podobnie, że sens nawet nie istnieje, dopóki obraz nie zostanie zaobserwowany przez widza. Dopiero po uznaniu tego, sens może zostać otwarty na inne możliwości, takie jak feminizm czy psychoanaliza.
Muzealnictwo i kolekcjonowanie
Aspekty tematyki, które wyszły na pierwszy plan w ostatnich dziesięcioleciach, to zainteresowanie mecenatem i konsumpcją sztuki, w tym ekonomia rynku sztuki, rola kolekcjonerów, intencje i aspiracje zamawiających dzieła oraz reakcje współczesnych a później widzowie i właściciele. Studia muzealne , w tym historia kolekcjonowania i wystawiania muzeów, są obecnie wyspecjalizowaną dziedziną studiów, podobnie jak historia kolekcjonowania.
Nowy materializm
Postęp naukowy umożliwił znacznie dokładniejsze zbadanie materiałów i technik wykorzystywanych do tworzenia dzieł, zwłaszcza technik fotograficznych w podczerwieni i rentgenowskich , które pozwoliły ponownie zobaczyć wiele szkiców obrazów. Właściwa analiza pigmentów stosowanych w farbach jest teraz możliwa, co zakłóciło wiele atrybucji. Dendrochronologia dla malowideł panelowych i datowanie radiowęglowe w przypadku starych przedmiotów w materiałach organicznych pozwoliły naukowym metodom datowania obiektów potwierdzić lub zaburzyć daty pochodzące z analizy stylistycznej lub dowodów z dokumentów. Rozwój dobrej fotografii kolorowej, obecnie dostępnej w formie cyfrowej i dostępnej w Internecie lub w inny sposób, zmienił sposób studiowania wielu rodzajów sztuki, zwłaszcza tych, które obejmują przedmioty istniejące w dużych ilościach i rozproszone w zbiorach, takie jak iluminowane rękopisy i Perskie miniatury i wiele rodzajów dzieł sztuki archeologicznej.
Podziały według okresu
Dziedzina historii sztuki jest tradycyjnie podzielona na specjalizacje lub koncentracje oparte na epokach i regionach, z dalszym podziałem opartym na mediach. Tak więc ktoś może specjalizować się w „XIX-wiecznej architekturze niemieckiej ” lub „XVI-wiecznej rzeźbie toskańskiej ”. Poddziedziny są często objęte specjalizacją. Na przykład starożytny Bliski Wschód , Grecja, Rzym i Egipt są zwykle uważane za szczególne skupiska sztuki starożytnej . W niektórych przypadkach te specjalizacje mogą być blisko spokrewnione (na przykład Grecja i Rzym), podczas gdy w innych takie sojusze są znacznie mniej naturalne (na przykład sztuka indyjska kontra sztuka koreańska ).
Sztuka niezachodnia jest względnym nowicjuszem w kanonie Historii Sztuki. Niedawne rewizje semantycznego podziału na sztukę i artefakt spowodowały przekształcenie obiektów stworzonych w kulturach niezachodnich w bardziej estetyczne terminy. W porównaniu z badaczami starożytnego Rzymu lub włoskiego renesansu uczeni specjalizujący się w Afryce, starożytnych Amerykach i Azji stanowią coraz mniejszość.
Historia Sztuki Współczesnej odnosi się do badań obejmujących okres od lat 60 . .
Profesjonalna organizacja
W Stanach Zjednoczonych najważniejszą organizacją zajmującą się historią sztuki jest College Art Association . Organizuje doroczną konferencję oraz wydaje Art Bulletin i Art Journal . Podobne organizacje istnieją w innych częściach świata, a także dla specjalizacji, takich jak historia architektury i historia sztuki renesansu . Na przykład w Wielkiej Brytanii Stowarzyszenie Historyków Sztuki jest pierwszą organizacją, która wydaje czasopismo zatytułowane Art History .
Zobacz też
Referencje i notatki
Dalsza lektura
- Lista według daty
- Pollock, Gryzelda (red.) (2006). Psychoanaliza i obraz . Oksford: Blackwell. ISBN 1-4051-3461-5
- Charlene Spretnak , Dynamika duchowa w sztuce współczesnej: ponowne rozważenie historii sztuki, od 1800 do współczesności .
- Shiner, Larry. (2003). „ Wynalazek sztuki: historia kultury ”. Chicago: University of Chicago Press. ISBN 978-0-226-75342-3
- Mansfield, Elżbieta (2002). Historia sztuki i jej instytucje: podstawy dyscypliny . Routledge'a. ISBN 0-415-22868-9
- Harrison, Charles i Paul Wood. (2003). Sztuka w teorii, 1900–2000: antologia zmieniających się idei. wyd. 2. Malden, MA: Blackwell.
- Murray, Chris. (2003). Kluczowi pisarze o sztuce. 2 tomy, kluczowe przewodniki Routledge. Londyn: Routledge.
- Harrisona, Charlesa, Paula Wooda i Jasona Gaigera. (2000). Sztuka w teorii 1648-1815: antologia zmieniających się idei. Malden, MA: Blackwell.
- Harrisona, Charlesa, Paula Wooda i Jasona Gaigera. (2001). Sztuka w teorii, 1815–1900: antologia zmieniających się idei. Malden, MA: Blackwell.
- Buchloh, Benjamin. (2001). Przemysł neoawangardowy i kulturalny. Cambridge, MA: MIT Press.
- Clark, TJ (2001). Pożegnanie z ideą: epizody z historii modernizmu . New Haven: Yale University Press.
- Robinson, Hilary. (2001). Teoria feminizmu-sztuki: antologia, 1968–2000. Malden, MA: Blackwell.
- Minor, Vernon Hyde. (2001). Historia historii sztuki. wyd. 2 Upper Saddle River, NJ: Prentice Hall.
- Pollock, G. (1999). Różnicowanie kanonu . Routledge'a. ISBN 0-415-06700-6
- Frazier, N. (1999). Zwięzły słownik historii sztuki Penguin . Nowy Jork: odniesienie do pingwina.
- Adams, L. (1996). Metodologie sztuki: wprowadzenie . Nowy Jork, NY: IconEditions.
- Nelson, RS i Shiff, R. (1996). Terminy krytyczne dla historii sztuki . Chicago: University of Chicago Press.
- Minor, Vernon Hyde. (1994). Krytyczna teoria historii sztuki. Englewood Cliffs, NJ: Prentice Hall.
- Fitzpatrick, VLNVD (1992). Historia sztuki: kontekstowy kurs dociekań . Seria Punkt widzenia. Reston, Wirginia: Narodowe Stowarzyszenie Edukacji Artystycznej.
- Kemal, Salim i Ivan Gaskell (1991). Język historii sztuki . Wydawnictwo Uniwersytetu Cambridge. ISBN 0-521-44598-1
- Przewoźnik, D. (1991). Zasady pisania historii sztuki . University Park, Pa: Pennsylvania State University Press.
- Johnson, WM (1988). Historia sztuki: jej zastosowanie i nadużycia . Toronto: University of Toronto Press.
- Holly, MA (1984). Panofsky i podstawy historii sztuki . Itaka, NY: Cornell University Press.
- Arntzen, E. i Rainwater, R. (1980). Przewodnik po literaturze historii sztuki . Chicago: Stowarzyszenie Bibliotek Amerykańskich.
- Hauser, A. (1959). Filozofia historii sztuki . Nowy Jork: Knopf.
- Wölfflin, H. (1915, tłum. 1932). Zasady historii sztuki; problem rozwoju stylu w sztuce późniejszej . [Nowy Jork]: Dover Publications.
Linki zewnętrzne
- Zasoby historii sztuki w Internecie szczegółowy katalog linków internetowych, podzielony według okresu
- Dictionary of Art Historyns , baza danych znanych historyków sztuki prowadzona przez Duke University
- Rhode Island College LibGuide - zasoby sztuki i historii sztuki (archiwum 15 grudnia 2013 r.)